Portada    Noticias    Casting    Cursos     Datos útiles    Comentarios de Cine    Staff    Contacto
 

 

COMENTARIOS DE CINE
 


ELSA BRAGATO Y CARLOS PIERRE

 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

 Ver estrenos anteriores

JUEVES 6 DE DICIEMBRE DEL 2018.-

Este jueves la cantidad de estrenos es altamente exagerada. Muchos de ellos se estrenan en DVD y en cines del interior del país donde también existen avezados críticos en la materia. Son interesantes “La boya”, del premiado director Fernando Spiner, como “Mochila de plomo” y la romántica “Eso que nos enamora”.

 

LA PRINCESA ENCANTADA

 

Animación proveniente de Ucrania.

Un joven, Ruslan, se enamora de una bella mujer, “la princesa”, desconociendo su origen real. Enamorados, el mal los acecha cuando el “malvado hechicero” rapta a Mila. La crítica internacional ha considerado a esta animación como muy buena, permitiendo descubrir otros estudios de compleja computación alejado de Hollywood. En este caso, the Japan’s Studio Ghibli reemplaza en Oriente a los costosos Pixar-Disney hollywoodenses. El resultado es un relato sólido, nada novedoso, para toda la familia. EB

 

 

LA VIDA MISMA

 

Guion y Dirección de Dan Fogelman. Música del argentino Federico Jusid. Historia de amor de personajes que se entrecruzan en el tiempo. Filmada en New York y en Madrid.

 

“Debería venir con un aviso para diabéticos… Es esquemática y vanidosa… Es artificial en todo momento y tan charlatana como una película francesa”, de David Rooney, The Hollywood Reporter.

 

“El problema es que te das cuenta de que el director está haciendo todo lo posible para hacerte llorar. Está bien que “Life Itself” sea empalagosa, pero es imperdonable que sean tan chapucera”, de Gwilym Mumford, The Guardian.

 

 

RULETA RUSA

TRAILER

https://youtu.be/zNQwJH2QKeM

 

De Eduardo Meneghelli. Argentina

Es el caso de un intendente en la época de plomo, Parra, que se quedó con tierras de gente abatida en los 70. Rudy es hijo de un ex militante y regresa al pueblo a ver a una tía con la esperanza de justicia. Trabajan Enrique Liporace, Patricio Contreras, entre otros grandes actores. La producción es de Canal 9. Las actuaciones son sólidas dentro de un guion que, por momentos, resulta confuso por la inclusión de elementos narrativos que están por fuera del hilo conductor argumental. EB

 

 

MOCHILA DE PLOMO

TRAILER

https://youtu.be/V83brAldf5s

 

De Darío Mascambroni

Presentada en la Berlinale, es la segunda película del director cordobés Darío Mascambroni, quien trabaja con una narración clásica a través de la que puede presentar una historia sobre el abandono de la niñez y la cotidianeidad rural, en este caso, la ciudad de Villa María. El pequeño Tomás, de 14 años recorre su ciudad con un arma en su mochila, sabe que el asesino de su padre acaba de salir de la cárcel, y vive dentro de un clima de hermetismo familiar sobre lo sucedido aunque, dentro de sí, busca hacer justicia. Asombra la solvencia de los jóvenes actores así como la solidez de la narración de Mascambroni, sin aspavientos y caminando sobre seguro. Buen relato. EB

 

 

NUESTRA HERMANA MENOR

TRAILER

https://youtu.be/sh7zZXscUCU

 

 

De Hirokazu Koreeda. Japón. Tres hermanas asisten al funeral de su padre que las abandonó de chicas, rehízo su vida y allí las pequeñas conocerán a su hermanastra de 13 años.

 

“Una obra generosamente vivaz, impecablemente filmada y, francamento, un poco aburrida, que solo sirve para demostrar que las familias felices son un anatema para el buen drama”, de Leslie Felperin, The Hollywood Reporter.

 

“”Our Little Sister”, está tan meticulosamente filmada y elegantemente orquestada que se puede considerar una digna sucesora contemporánea de la obra maestra de Kon Ichikawa “Las hermanas Makioka”, de Maggie Lee, Variety.

 

 

ESO QUE NOS ENAMORA

TRAILER

https://youtu.be/V6iq1417hCI

 

De Federico Mordkowicz. Con Benjamín Rojas, Paula Cancio, Liliana Siciliani. Argentina.

Se trata de una comedia romántica dentro de los cánones argentinos. Dos jóvenes, cada uno con un pasado amoroso y el corazón quebrado, se conocen e intentan recomponerse uno con el otro de a poco. Todo está en manos del azar, de la causalidad o de la casualidad: “Ariel”, encarnado por Benjamín Rojas, y “Noemí”, a cargo de la bella y estupenda Paula Cancio, van encontrándose por el destino. Sin pretender resolver qué es “eso que nos enamora”, Mordkowics apuesta por un relato que emociona, agrada, toca el corazón. La banda sonora tiene la peculiaridad de que sus soundtracks pertenecen a Benjamín Rojas e incluso hay un tema del director. Edulcorada sin hacer daño. EB

 

 

UNA ENTREVISTA CON DIOS

TRAILER

https://youtu.be/pA-ghAky1Pk

De Perry Lang. Con David Strathairn, Brenton  Thwaiter, entre otros.

 

El tema del encuentro con Dios o con la Muerte no es novedoso en cuanto a idea en sí. Sin embargo, en este caso, por la calidad actoral de los dos protagonistas, resulta más que atractivo el encuentro de un periodista que regresa de la guerra con un hombre que se presenta como si fuese “dios”. La desesperación por su separación y la búsqueda inconciente de una buena nota, ya lejos de la guerra de Afganistán, lo llevan a los encuentros con “El hombre” con quien mantiene charlas sobre la fe, la culpa, las obligaciones, los derechos, la sanación, la oración. Si bien puede parecer una película esencialmente religiosa, supera este género transformándose en una profunda reflexión sobre la condición humana y los conflictos espirituales propios, autogenerados o no.

Desde este punto de vista, las actuaciones de Strathairn y del joven australiano Thwaiter, así como la flexibilidad de la narración que encaró Lang, aportan fluidez a un film que, de a poco, se transforma en muy interesante. Reconocemos que no es para todos los gustos pero, no por eso, es malo. EB

 

 

5ta A FONDO

TRAILER

https://youtu.be/Itlc7gR7vuA

 

De Franck Gastambide. Quinta entrega. Producción de Luc Besson. Francia.

“El director no sabe cómo hacer una película… Comparada con ésta, las obras películas parecen hechas por Billy Wilder en la cumbre de su carrera”, de Jordan Mintz, The Hollywood Reporter.

 

 

LA BOYA

TRAILER

https://youtu.be/Zsy5d4mcW-M

De Fernando Spiner. Realizar multipremiado en cine y televisión (Zona de Riesgo, Poliladron, entre otros éxitos). Nada mejor que las palabras del propio realizador sobre el significado profundo de este film en su vida: “Pocas veces en mi vida he tenido entre mis manos una verdad tan potente como me ha sucedido con "La Boya". Esta es mi propia historia. La de mis antepasados y su épico escape de Ucrania, la inmortal presencia de mi padre que se transformó en poeta siendo un hombre mayor, y la de mi gran amigo que se quedó en el pueblo de nuestra adolescencia sobre el mar. Todo esto me ha atravesado con una potencia conmovedora que me ha empujado a ahondar en este universo tan especial. Haber tenido el privilegio de hacer esta película fue para mí un acto sanador. Pocas veces en mi vida he tenido entre mis manos una verdad tan potente como me ha sucedido con "La Boya"”.

 

 

COLETTE

TRAILER

https://youtu.be/hkAefEB1wbo

De Wash Westmoreland. Con Keira Knightley, Dominic West, Denise Gough, Fiona Shaw, Robert Pugh, Rebecca Root, Eleanor Tomlinson, Aiysha Hart, entre otros. Guion de Richard Glatzer, Wash Westmoreland y Rebecca Lenkiewicz. Fotografía de Giles Nuttgens. Música de Thomas Ades. Reino Unido-Francia-Hungría.

XXXXX-BIOPIC DE UNA GRAN LIBERTARIA

Sidonie-Gabrielle Colette (Keira Knightley) es una joven campesina de 18 años devenida en escritora cuando se casa con el autor Henry Gautheir-Villas “Willy” (Dominic West), 14 años mayor, dueño de una personalidad excéntrica y carismática, se transforma en 1920, durante la Belle Époque, en  una celebridad literaria con la serie de novelas Claudine. Detrás de este éxito había un pool de escribas a su servicio e incluso su bella y joven esposa. El machismo acendrado de la época choca con la liberación que muchas mujeres vanguardistas inician, entre ellas, Colette, quien se anima a publicar su propia novela, a liberarse de la sexualidad conyugal y acercarse al lesbianismo, especialmente con Missy, encarnada por Denise Gough. Se da una batalla de sexos que cambia a la burguesía francesa. Colette cuenta sus propias aventuras y desventuras en la serie Claudine, primero con candidez y luego escandalosamente y, si bien convivió muchos años con su marido, luchó contra su villanía. Fue independiente “a pesar de”, logrando ser marca de perfumes, maquillajes y jabones.

Keira Knightly realiza una interpretación deslumbrante, ilumina la frivolidad de Colette otorgándole valor superlativo al coraje del personaje. Son 120 minutos de una narración apasionada y apasionante, que rescata a una brillante mujer del olvido. Nos remite al caso de Walter Keane y su mujer Margaret, quien pintaba niños con ojos grandes cargados de lágrimas que se adjudicaba su marido, biopic realizada por Tim Burton. “Colette” es una película que no nos deja indiferentes y agrega un plus a las mujeres luchadoras de este siglo XXI.

Carlos Pierre

 

 

EL JARDÍN DE LA CLASE MEDIA

TRAILER

https://youtu.be/vuv8dVw1IJY

Guion y dirección de Ezequiel César Inzaghi. Con Luciano Cáceres, Eugenia Tobal, Leonor Manso, Claudio Sayago, Enrique Liporace, Esteban Meloni, Roly Serrano, Ludovico Di Santo, Lalo Mir, Jorge Martínez, entre otros. Duración: 100 minutos.

XXXXX- DESNIVELADO CUENTO SOBRE EL PODER Y LA POLÍTICA

“El jardín de la clase media” es un film basado en la novela homónima de Julio Pirrera Quiroga , siendo un típico exponente del thriller político que, en este caso, está centrado en las pretensiones de ciudadanos de la clase media, ansiosos por obtener cargos y ascender a toda costa.

La historia comienza en un período de elecciones legislativas en el país y las listas con los candidatos están por cerrarse. La acción comienza en la flamante casa de un aspirante a diputado nacional (Luciano Cáceres) cuando aparece el cadáver de una joven mujer decapitada en el jardín. Su pareja (Eugenia Tobal), una funcionaria médica, queda aterrorizada al comprobar que la víctima era una empleada a su cargo. Con la ayuda del fiscal de la causa, intentará desentrañar el macabro mensaje extorsivo. Es aquí donde el guion busca adentrarse en la psicología social, hurgando en una trama mafiosa teñida de impunidad en la que podrían estar involucrados hombres poderosos. Leonor Manso y Enrique Liporace encarnan roles de fuerte impacto mientras que Roly Serrano está a cargo de un personaje sinuoso, ambiguo, de ésos que se mueven reptando por las oficinas gubernamentales. El cargo de presidente está en manos de Jorge Martínez, un actor que regresa a las grandes lides con justicia.

He aquí donde hay que desbrozar lo que se ve en pantalla: en primer lugar, un elenco de consagradas figuras en los protagónicos que guían al segundo elenco, formado por jóvenes actores y actrices. El guion fluctúa entre el abordaje a la política desde un lugar poco amable como son la corrupción y la impunidad y la disparidad actoral que resulta notoria. Sin embargo, hay valores intrínsecos en la propuesta porque tiene la gran virtud de investigar, aún con sus “menos”, a los ciudadanos que buscan cargos en el Congreso.

Marcamos la disparidad notoria entre los consagrados y los no, la fluctuación de climas que se generan, y está claro que el soporte técnico no alcanza para nivelar los diferentes planos narrativos. Los lugares comunes saltan a la vista y la resolución de la historia queda a mitad de camino.

                                                                             Carlos Pierre

 

 

POR AMOR AL ARTE

TRAILER

https://youtu.be/oNRIvEvz81s

Documental de Bernardo Arias y otro de Marcelo Goyeneche. Producción de Ana Cutuli y Lorena González Lahuerta. Fotografía de Osvaldo Ponce, Montaje de Iair Michell Attias y Eliana Blausztein. Sonido directo de Horacio Almada, Edición de diálogos y mezcla de Diego Martínez, Títulos y animaciones de Matías Mango y Fernando Kabusacki. Cámaras de Marcelo Goyeneche, Osvaldo Ponce y Sebastián Farfalla. Asistente de cámara: Lisandro Negromanti, Sergio Lapalma, Luciano Nacci y Hugo Meyer. Duración. 84 minutos.

 

XXXXX-DOS GRANDES EN EMOTIVO DOCUMENTAL

Bernardo Arias fue uno de los primeros directores de cine de Lumiton, con variada suerte, no mucha, que le permitió obtener un premio en Moscú por la película Allpakalla que, a su vez, fue prohibida en el país. En el momento de la filmación tenía 90 años y hacía más de sesenta años que estaba casado con Lucía, quien había sido enfermera de Eva Perón y, por lo tanto, había tenido varias notas en diversos medios. Su idea era filmar “Por amor al arte” y, por esas cosas de la vida, se encuentra con Marcelo Goyeneche quien le propone el guion de este documental y, por fuerza, termina de hacerlo. A lo largo de charlas, de momentos como la fiesta familiar por sus 90 años, Marcelo descubre a un anciano de mirada pura y profunda, que vibra con la filmación del quehacer artístico de Antonio Pujía, otro maestro del arte al que ubican en una conferencia.

Es inevitable no emocionarse con don Bernardo, su pudor por aparecer en un documental, su enorme lucidez para discutir mano a mano con Marcelo Goyeneche sus planes como director, sus recuerdos como tal en Lumiton, las fotos que busca y que solo al final encuentra, la mirada pícara y hasta sobradora de su compañera Lucía, quien lo critica en todo pero es el único director de cine que admira. Pujía surge por la fuerza de sus esculturas, bajo la atenta mirada del director Bernardo Arias: cuando Arias dice “Corten” lo hace con la fuerza de sus comienzos, midiendo con las manos los encuadres, olvidándose de que, en el set, está Marcelo y hay otros camarógrafos. Es un director de cine nato. El mensaje que deja Arias va más allá de lo filmado y narrado: “Por amor al arte” es literalmente eso, amar al arte fuera del documental en sí que debe ser solo un primer paso… dentro de ese amor tan especial. Emotivo, ágil, didáctico. Para ver porque, para muchos de nosotros, el arte es redención, es salvación. Y allí están Arias y Pujía demostrándolo desde la pantalla.

Elsa Bragato

 

 

CADÁVER

TRAILER

https://youtu.be/HEI5iUEL844

 

De Diederik Van Rooijen. Guion de Brian Sieve. Fotografía de John Frizzsell. Fotografía de Lennert Hillege. Con Shay Mitchell, Stana Katic, Grey Damon, entre otros. Duración: 85 minutos.

 

XXXXX-UNA NOCHE EN LA MORGUE

Desde el título, desde el vamos, sabemos que lo que veremos no será algo muy gratificante sino todo lo contrario: espeluznante aunque se trate de los gags superconocidos y silencios con sonido escalofriantes.

Es el caso de una joven que debe ser exorcizada, Hannah, a quien su padre asfixia para que no mate más sacerdotes. Por otro lado, en la bella Boston, Megan Reed (la morocha Shay Mitchell) deja el oficio de policía por un error que comete y acepta ser una suerte de sereno de la morgue del hospital de la ciudad. Curiosamente, el cadáver de Hannah le llega tres meses después de su muerte y, a los pocos días, su padre quiere llevarla al crematorio por ser una semilla de maldad. Las escenas son extensas, nada fáciles de digerir, y a pura tensión. Los sustos son varios, se abrirán las puertas de los nichos congelantes de la morgue, dedos retorcidos, moscas, cuchilladas varias, en los cuerpos que van llegando. Y Megan tendrá dos bautismos terroríficos que ponen los pelos de punta aunque los gags se vean venir. En las películas de género los chirridos, los golpes, los silencios no tan silenciosos, obran maravillas sobre los temores de cada uno de nosotros. Así es que le ponemos un “bueno” porque la película mantiene en vilo al más guapo. Y no hacemos spoiler así la ven completita! A ver quién tiene coraje!!!!

Elsa Bragato

 

JUEVES 29 DE NOVIEMBRE DEL 2018.-

Variedad de géneros este último jueves de noviembre. Nuestras recomendadas son “Robin Hood”, “El asesinato de la familia Borden” y “El primer hombre en la luna”.

 

1.-FAMILIA AL INSTANTE, de Sean Anders.

TRAILER

https://youtu.be/ZEo88y-muEM

“Podrás decir que es sensiblera, simplista y que se ha hecho de forma mecánica, y tendrías razón, pero a su manera obvia y poco original este menjunje tiene algo de humanidad”, de Owen Gleiberman, Variety.

“Torpe pero sincera, exasperante pero adorable. “Familia al instante” es el equivalente cinematográfico a un cachorro lamiendo tu cara. Un mix engorroso de lo cómico y lo sentimental”, de John Frosch, The Hollywood Reporter.

 

2.- DEMONIO DE MEDIANOCHE, de Travis Zariwny.

TRAILER

https://youtu.be/jJE50FeTp_o

En verdad, estamos ante un film de género que no aporta nada. Que Alex y Miles, una de ellas a cargo de su abuela, por jugar con una extraña caja hagan salir a un espíritu maligno no nos aporta nada más que ruidos, crujidos, sustos, gags más que conocidos que no merecen una crítica pormenorizada. Al respecto ya se ha dicho todo. Y reconocemos que hay películas que cuestan mucho terminar de verlas. Para los fans que toleren ver siempre lo mismo. EB

 

3.- EL MAYOR REGALO, de Juan Manuel Cotelo.

TRAILER

https://youtu.be/-dT14yGj5bI

A manera de documental, Cotelo hace un muy interesante mix entre ficción y realidad, en el que una película –cine dentro del cine- no puede terminarse si será a los tiros, por pura venganza. Cotelo apela al perdón en todos los niveles e incluye testimonios muy impactantes como el de Irene Villa quien, en 1991, perdió piernas y brazos por una bomba y supieron perdonar. También están los testimonios de hombres que ponían bombas en los países sajones y, ya en la cárcel, piden perdón tomando conciencia de los horrores cometidos. Hay un testimonio latinoamericano muy tremendo: el de un asesino que reconoce haber matado con sus manos a unas 300 personas. Es un documental que conmueve por su mensaje. La modalidad para realizarlo fue la del “crowdfunding”. EB

 

EL ASESINATO DE LA FAMILIA BORDEN

Dirección: Craig William Macneill. Guion: Bryce Kass. Con Chloë Sevigny, Kristen Stewart, Jamey Sheridan, Fiona Shaw, Kim Dickens, Jay Huguley, entre otros. Edición: Abbi Jutkowitz. Dirección de fotografía: Noah Greenberg. Diseño de producción: Elizabeth Jones. Música: Jeff Russo. Duración: 105 minutos.

XXXXX-PSICOLOGISMO FEMINISTA DE UN BRUTAL CRIMEN

El famoso caso de “La asesina del hacha” regresa a escena como un intenso thriller que intenta mostrarnos las dos caras del asesinato de la familia Borden, ocurrido en Fall River, Massachusetts, en 1892. Por un lado se muestran gradualmente los matices psicológicos del brutal hecho y, por el otro, la falta de certezas que existieron a la hora de condenar a la supuesta asesina, Lizzie Borden. El realizador Craig William Macneill encaró el caso, que forma parte de las leyendas urbanas norteamericanas aunque fue real, desde un punto de vista diferente, dado que una serie de televisión e incluso una ópera rock abordaron el asesinato con diferentes énfasis en los personajes. Vale recordar que el impactante hecho terminó por convertir la casa de los Borden en un museo al que visitan miles de turistas todos los años y hasta alquilan cuartos para pasar una noche “con miedo”.

El film, de tono claustrofóbico, atrapa desde el principio. Lizzie Borden está encarnada por Chloe Sevigny, hija de Andrew Borden, quien se vuelve a casar provocando el resentimiento de sus dos hijas. En este caso, Lizzie, soltera de 32 años, se muestra como muy introvertida entablando buena relación con la criada Bridget Sullivan, que encara nuestra muy conocida Kristen Stewart. Entre ambas, de acuerdo a esta versión, se pergeña el asesinato del padre y la madrastra.

Desde el punto de vista técnico, la narración utiliza una morosidad inteligente que lleva, paso a paso, a un final gore atroz. Hay escenas escorzadas que detienen, por segundos, la creciente tensión a través de algunos close up interesantes como artilugio. El diseño de arte y la fotografía son complementos fundamentales en esta película que, aún con clishés, encuentra en sus protagonistas sólidas interpretaciones. En el caso de Chloe Sevigny el manejo de su rol la acerca mucho al público, por lo que se produce un interesante mix de rechazo y empatía con la “asesina del hacha”. Lo mismo puede decirse de Kristen Stewart quien, desde Crepúsculo hasta ahora, ha logrado una madurez interpretativa sorprendente.

                                                                              Carlos Pierre

 

ROBIN HOOD

Dirección: Otto Bathurst. Guion: Joby Harold, Peter Craig y David James Kelly. Con Taron Egerton,Eve Hewson, Jamie Foxx, Ben Mendelsohn, Jamie Dorman, Tim Minchin, Björn Bengysson, entre otros. Música: Joseph Trapanese. Fotografía: George Steel. Duración: 116 minutos. Producción ejecutiva: Leonardo Di Caprio.

XXXXX- “HOOD” CON ESTILO DE COMIC

La leyenda de Robin of Loxley, devenido en Robin Hood, dirigido por Otto Bathurst, junto a la producción de Leonardo Di Caprio, está dentro del marco de la precuela. Después de 4 años, Robin (Taron Egerton) regresa acompañado por un “infiel” que lo adiestrará contra la tiranía del Sheriff de Nottingham (Ben Mendelsohn). Como Robin ha sido dado por muerto, su prometida Marian (Eve Hewson) tiene una relación amorosa con Will Scarlet (Jamie Dornan).

Es, sin duda, una versión al estilo de los cómics de Marvel, donde el protagonista es entrenado al mejor estilo de un “marine”, con un vestuario y diseño de arte en general más actual que de época, sin coincidencias visuales con las versiones clásicas de Kevin Costner y la más reciente de Russel Crowe aunque se tiene la impresión, al final, que don Bathurst tomó un poco de cada “Hood” que encontró en la historia del cine. Esta mixtura de vestuario modernoso con una historia de época muestra el giro pergeñado por la producción que encabeza Leonardo Di Caprio: recordemos que protagonizó una versión actual de “Romeo y Julieta” en 1996, dirigida por Baz Luhrmann por lo que su gusto por la “modernización” de historias tradicionales tiene antecedentes muy sólidos.

Se quiso innovar en la leyenda de Robin Hood de acuerdo a los tiempos que corren y el resultado fue a medias: ni bueno ni malo. Hablamos de precuela porque los hechos contados anteceden a los muy conocidos en el bosque de Sherwood que recién aparece en el final. Esto asegura continuación o, dicho de otra manera, el inicio de una saga. En síntesis, un novato Robin, una bella enamorada, un árabe factótum en el arte de la guerra, un Sheriff tirano, un sacerdote, son el eje de esta historia de lucha de dos horas de duración: un entretenimiento aceptable en una nueva superproducción sobre Robin Hood.

Carlos Pierre

 

 

EL PRIMER HOMBRE EN LA LUNA

TRAILER

https://youtu.be/Ei6U_eZDgyA

 

de Damien Chazelle. Con Ryan Gosling, Claire Foy, Jason Clarke, Kyle Chandler, Corey Stoll, entre otros. Guión de Josh Singer basada en la novela del mismo nombre de James R. Hansen. Fotografía de Linus Sandgren. Música de Justin Hurwitz. Edición de Tom Cross. Duración: 141 minutos.

XXXXX-BIOPIC DE CONNOTACIÓN ÉPICA

El primer astronauta en pisar la luna fue Neil Armstrong, sobre quien se basa el libro de James Hansen y, en consecuencia, el guión de Josh Singer, bajo la dirección del notable director Damián Chazelle, el mismo de “Whiplash” y el de “La la Land”. En este caso también es productor junto al gran Steven Spielberg quien, además de su maravillosa técnica y creatividad, parece conocer el Cosmos como pocos productores de Hollywood, si bien el mexicano Alfonso Cuarón dio excelente muestra de ello con su film “Gravedad”.

En este caso, las primeras escenas nos muestran a Neil Armstrong como un padre de familia atento al tumor cerebral de su pequeña hija, mientras se somete a estudios y experiencias de la NASA para ser elegido como un ingeniero astronauta en los previstos viajes a la Luna y Marte. La carrera espacial iniciada por Rusia, con sus Sputniks y la perra Laika, apuran los planes de los norteamericanos. Superando la situación familiar como puede (una magnífica Claire Foy compone el rol de su esposa), las primeras pruebas sobre su condición psicofísica que no son excelentes pero muestran una predisposición creciente, y concurriendo a diferentes audiencias, Neil logra ingresar al plan espacial junto a otros colegas. El final lo conocemos todos y ocurrió en 1969. Son muy atractivos los primeros planos de Ryan Gosling sosteniendo a su hija en la ficción, los embates que sufre su físico cuando está con el traje espacial dentro de una verdadera cocktelera metálica, y los intentos fallidos de alcanzar nuestro pequeño planeta luminoso, detalles que no se conocían hasta ahora.

El trabajo en el sonido es de primerísimo nivel porque con una habilidad inusual nos sumerge en un estupendo viaje al espacio. En cuanto al clima logrado por Chazelle, vuelve a ser verídico, asombroso, aunque la narración peca de cierta lentitud. El concepto de cinematografía de Chazelle no es pequeño sino todo lo contrario, va por más, busca la perfección, junto a su equipo desde siempre como el compositor Justin Hurwitz y el editor Tom Cross, fundamental en esta biografía épica. En este caso, Chazelle se aboca a mostrarnos el sacrificio psicofísico de un astronauta enfrentando todas las críticas por su elección. Para nosotros, es un nato triunfador. Eso sí, detrás de sí tiene a un grande, Spielberg.

Elsa Bragato

 

 

NOCHE DE PAZ

TRAILER

https://youtu.be/f-CEKfZC-cI

Guion y dirección de De Piotr Domalewski. Con Dawid Ogrodnik, Tomasz Zietek, Agnieszka Suchora, entre otros. Fotografía de Piotr Sobocinski Jr. Edición de Leszek Staarzynski. Música de Waclaw Zimpel. Duración: 100 minutos. Polonia.

XXXXX- TRAICIONES EN TORNO A LA NOCHEBUENA

Notable simbiosis de fotografía, narración, actuación, diálogos, logra el debutante Piotr Domalewski en este largometraje: Adam regresa a un pueblo de Polonia luego de varios meses en el exterior, específicamente en Holanda, para pasar la noche de Navidad en familia y reunirse con su novia con quien planea un negocio y una vida en familia. El tiempo, poco o mucho (esto no es muy claro) hizo de las suyas, alejándolo de sus hermanos, de su padre con quien no se lleva bien, tratando de ayudar a su madre que es quien resume en sí la unión de todos. Lejos está de saber Adam, que filma todo con su pequeña cámara, que hay demasiados secretos y traiciones aunque se lea algún pasaje bíblico antes de la trastocada cena, y se controle la bebida blanca del padre y del abuelo. Las ausencias nunca quedan vacías, y eso lo aprenderá duramente en esa inquietante noche navideña.

Hay un gran trabajo actoral: va desde la ligera comicidad hasta el dramatismo intenso, roza el noir a manera de un thriller que explotará en determinado momento para aquietarse luego, llega a climax insospechados logrando calma en la hermana menor, personaje que actúa como “fusible” de tensiones y agresiones. Un film realmente atrapante, donde la mano del debutante Domalewski parece la de un avezado domador de imágenes y climas narrativos.

 

 

4.-JULIA Y EL ZORRO

De Inés María Barrionuevo.

TRAILER

https://youtu.be/c9zg6C60dG8

 

EL HOMBRE QUE COMPRÓ LA LUNA

TRAILER

https://youtu.be/qsTgm3oTaW0

 

De Paolo Zucca. Con Jacopo Cullin, Stefano Fresi, Francesco Pannofino, Benito Urgu, Lazar Ristovski y Angela Molina. Fotografía de Ramiro Civita. Música de Andrea Guerra. Edición de Sarah McTeigue. Duración: 102 minutos.

XXXXX- ABSURDO A LA ITALIANA

Con una mano argentina en la producción a través de Daniel Burman, el italiano Paolo Zucca se lanza con su segundo film en el mercado local, “El hombre que compró la luna”, una disparatada comedia basada en el absurdo. La impronta italiana nos remite a otros films peninsulares cómicos por lo que es imposible no reir durante muchas de las secuencias. Desde este punto de vista, es un film logrado, minimalista por los recursos empleados, efectivo, e insólito. Hay que buscar al hombre que se compró la luna y aparece por segunda vez en este jueves el nombre del astronauta Neil Armstrong, cuya biografía está en pantalla, y el absurdo de que sea un hombre de la Cerdeña quien inicie la búsqueda del “dueño”. Sin analizar diferencias, el planteo narrativo de Zucca se corresponde con el espíritu de los films cómicos italianos clásicos. Desde la gestualidad hasta los parlamentos, “El hombre que compró la luna” nos saca una sonrisa. Más que válido para comprar una entrada sin esperar una superproducción.

Elsa Bragato

 

JUEVES 22 DE NOVIEMBRE DEL 2018.-

Como contrapartida de la semana pasada en materia de estrenos, este jueves hay casi mitad de producción nacional y producción extranjera.

 

LA CAMA

De Mónica Lairana. Con Sandra Sandrini y Alejo Mango. Fotografía de Flavio Dragoset. Edición de Eduardo Serrano. Dirección de arte de Mara Toé  Renata Gelosi. Duración: 90 minutos. Se estrena en salas del “off comercial”.

XXXXX- REMINISCENCIAS DE BERGMAN

Que el título no llame a confusión porque no tiene la intención de menoscabar un trabajo impecable de dirección, puesta y actuación. Fue inevitable recordar “Zarabande” de Ingmar Bergman al ver dos cuerpos imperfectos, despidiéndose en la cama, justamente (también en “La lección de piano” Harvey Keitel se mostró como Alejo Mango, imperfecto y fascinante). Casi no median palabras se enfrentan a un hecho definitorio: venden la casa que los albergó toda la vida, ya no tienen más que decirse, queda esa rutina amorosa-sexual que los mantuvo unidos hasta ahora, espasmódica.

Lograr conmover a partir de la incomodidad es todo un acierto que alcanza Mónica Lairana en este largometraje. Es halagüeño el regreso a la actuación “grande” de Sandra Sandrini, y es notable la actuación de Alejo Mango, ambos son “Mabel” y “Jorge”.

Sin variación en planos, apuntando solamente en la acción y reacción de dos personajes, Lairana puede construir un film bergmaniano, sin que esto, insistimos, vaya en desmedro suyo. Es un film para adultos, para aquéllos que han batallado una y otra vez contra la rutina, la cama y la falta de diálogo. Muy buena.

Elsa Bragato

 

 

YO NIÑA

Guion y dirección de Natural Arpajou. Con Andrea Carballo, Huenu Paz Paredes, Esteban Lamothe, Marina Glezer, entre otros. Fotografía de Pablo Parra. Edición de Juan Pablo Docampo. Dirección de arte de Marina Raggio. Duración: 85 minutos.

XXXXX-LA MIRADA QUE NADIE VE

Este film nacional cuenta con gran elenco y está basado en hechos autobiográficos de Natural Arpajou. El gran valor que posee más allá de la narración y de las actuaciones, está en poner sobre el tapete la mirada de una niña sobre los hechos de los adultos, esos “convidados de piedra” que sufren o se alegran según las acciones de sus padres.

Filmada en el Sur, en lugares paradisíacos, cuenta la historia de una pareja que se cansa de la vida urbana y va a vivir a una cabaña que ni luz tiene, que empieza a detestar todo elemento, incluso juguetes, que recuerden el mercantilismo, se pelean, la niña observa, enfrenta a la madre, al padre, cuando aún no han vivido lo peor por lo que deberán comenzar desde cero.

Diferencias familiares sin vuelta, superación de hechos extremos, la pequeña Armonía (Huenu Paz Paredes) construye un personaje admirable, doloroso por momentos, encomiable por su corta edad.

Elsa Bragato

 

 

l.- LA CHICA EN LA TELARAÑA

De Fede Alvarez. Sobre la hacker Lisbeth Salanderm creación del novelista Stieg Larsson (Millennium). Nota de Redacción: luego de Larsson (películas póstumas), aparecieron los films Hollywoodenses con La Chica del dragón tatuado. Fede Alvarez, realizador uruguayo de un gran éxito de suspenso, tomó “Lo que no te mata te hace más fuerte”, de David Lagercrantz, continuación “forzada” de los tres originales del sueco Larsson-

"Acaba saturando por su propia ambición. Al final es Foy la que logra que no perdamos el interés en una obra que ofrece a la mejor Lisbeth que jamás hemos visto." Peter Travers, Rolling Stone.

 

2.- MALICIOUS

De Michael Winnick. Con Bojana Novakovic, Josh Stewart entre otros.

Ninguna crítica extranjera ha favorecido a este film de género. Pasea por todos los clishés conocidos, un profesor y su joven mujer embarazada  van a vivir a una casa grande y oscura. Lo sobrenatural pronto los torturarán de una u otra manera.

3.- EL GRINCH, animación

De Yarrow Cheney y Scott Mosier. Co la voz de Benedict Cumberbatch. El Grinch fue creado por Theodore Seuss Giesel, o simplemente el Dr. Seuss. Se trata de un ser peludo verde de corazón pequeño por lo que no puede querer a muchos. Solo a su perro Max y vive en la cima de una colina. Odia la Navidad y hará lo imposible para quienes habitan a su alrededor no la pasen bien.

“La empatía hace que el Grinch sea menos mezquino que miserable (piensa en el Pato Lucas), pero lo que la producción pudo haber perdido con un personaje malhumorado como protagonista, lo estabiliza con un elenco de voces inspiradoras (lideradas por Benedict Cumberbatch) y una paleta de colores deslumbrantemente alegre y brillante” de Michael Rechtshaffen, The Hollywood Reporter.

 

“Si la mejor animación se siente como alimento para el alma, piensa en esta adaptación del querido cuento del Dr. Seuss como el equivalente espiritual de una doble porción de cereal sabor chocolate para el desayuno, no es exactamente balanceada pero es un irresistible deleite azucarado”. De Robbie Collin, The Telegraph

 

4.- UNIDAD XV

De Martín Desalvo. Con Carlos Belloso, Rafael Spregelburd, entre otros. Martín Desalvo realizada un film de género, un policial, un thriller intenso, sobre la vida carcelaria de cuatro presos políticos. Es un muy inteligente guion porque une la política reciente de nuestro país con la vida de cuatro hombres cuyo destino es trágico. CP

 

 

LEAL

Dirigida por Pietro Scappini y Rodrigo Salomón. Con Luis Aguirre, Andrea Quattrocchi, Silvio Rojas, Gonzalo Vivanco, Andrea Frigerio, Rafael Rojas Doria, entre otros. Director de fotografía: Nicolás Goria. Dirección de sonido: Javier Stavropulos. Música: Juan Blas Caballero, Duración: 107 minutos. Argentina-Paraguay.

XXXXX-MALA COPIA DE CINE ACCIÓN

La idea de rodar un film de acción relacionado con el tráfico de drogas, tema muy poco abordado en nuestro cine, apostando a una masiva llegada, no cumple con su objetivo en “Leal”, esta producción argentino-paraguaya-

La producción ha sido importante, ubicada en Amambay, localidad fronteriza entre Brasil y Paraguay. Se contó con el asesoramiento del SENAD y la historia pergeñada por Andrés Gelós se inspira en hechos reales aunque no se basa en ellos. Se trata de las acciones que emprende un ministro recién designado quien recluta a los mejores comandos para conformar un grupo de Operaciones Especiales. A partir de reportes de los servicios de inteligencia, emprende una serie de golpes precisos, sorpresivos, contra los narcos.

Aunque hay muy buenas intenciones, no se logra un producto sólido, atractivo, que nos mantenga atados a la butaca. Las actuaciones son pobres en relación con los roles que tienen y la narración tiene saltos, falta hilación, con secuencias de acción que distan y mucho de lo que estamos acostumbrados a ver en el cine extranjero. Esta ausencia de superefectos especiales termina en una mala copia.

Carlos Pierre

 

 

WIDOWS

De Steve McQueen. Con Viola Davis, Liam Neeson, Cynthia Erivo, André Holland, Elizabeth Debicki, Colin Farrell, Robert Duvall, entre otros. Fotografía de Sean Bobbitt. Edición de Joe Walker. Música de Hans Zimmer. Duración: 128 minutos.

XXXXX- APASIONANTE POLICIAL

Steve Mc Queen es el afroinglés realizador, escultor, ganador de un Oscar por la memorable “12 años de esclavitud”. Es difícil entonces pensar en un subproducto suyo. En el caso de Widows nos plantea un puzzle policial que atrapa lentamente, que desorienta pero no deja de fascinar Plantea una narración a todo o nada, es decir, escenas de violenta acción, seguida de otras plenas de blanco en cortinas y sábanas y absoluto silencio. Una narración por opuestos que resulta apasionante.

El guion toma el caso de cuatro mujeres, una de ellas afroamericana encarnada por la gran Viola Davis, que desconocían las fechorías de sus maridos, asaltantes relacionados con la política (notables Robert Duvall y Colin Farrell), quienes son muertos en el último atraco. Quedan estas mujeres a manos de los “capos” por lo que una de ellas las organizará para encontrar el millón de dólares que les exigen a cambio de sus vidas.

McQueen vuelve al tema racial, sutilmente desarrollado: Verónica (Viola Davis) está casada con un hombre blanco, Harry Rawlings (Liam Neeson), tuvieron un hijo, “Marcus” (Josiah Sheffie), asesinado por policías en confuso episodio. Este tema subyace siempre y es, en buena medida, el detonante de muchas acciones. Por eso hay que tomarlo como un “detalle” del guion. Es prácticamente el sustento de un guion un tanto controvertido para muchos pero muy eficaz- Además, destacamos la banda sonora de Hans Zimmer, uno de los grandes compositores de este nuevo siglo. Notable!

Steve McQueen es hábil narrador al plantear blanco o negro, sonido furioso o silencio, oscuridad total y luminosidad ardiente, mujer negra y marido blanco. Es, por sobre todo, una búsqueda de los opuestos incluso morales: el valor y la cobardía, el amor y la falsedad. Sin duda, es otra de las películas que no faltarán en los Oscars. Es un drama criminal, oscuro, potente, brutal, fascinante de principio a fin. Nota de Redacción: el guión se basa en la serie “Prime Suspect” de la escritora Lynda La Plate, reconocida escritora de éxitos televisivos británicos.

Elsa Bragato

 

 

SIN DEJAR HUELLAS

Dirigido por Érick Zonca. Guion de Lou de Fanget Signolet. Con Vincent Cassel, Romain Duris, Sandrine Kiberlain, Elodie Bouchez, Charles Berling, entre otros. Fotografía de Paolo Camera. Música: Rémi Boubal. Duración: 113 minutos.

XXXXX- VINCENT CASSEL EN GRAN PAPEL

Clásico policial al mejor estilo noir es “Sin dejar huellas” basado en una novela del escritor criminalista israelí Dror Mishani. Cuenta linealmente la desaparición de un joven y la búsqueda desesperada de su madre.La investigación  está a cargo del comandante Francois Visconti (Vincent Cassel),  un detective con muchos problemas de alcoholismo a raíz de la separación de su esposa y la pésima relación con su hijo adolescente quien se dedica a vender drogas. Hombre desaliñado, agresivo, pero eficiente. La madre está encarnada por la estilizada Sandrine Kiberlain, cuyo marido casi nunca está y ella se hace cargo de la hija menor con discapacidad. El detective Visconti se encuentra frente a una seria encrucijada, que tiene cierta colaboración en cuanto a datos de un profesor del joven desaparecido.

Basándose en la experiencia novelística de Dror Mishani, más que la historia en sí que se basa en todos los clishés habidos y por haber del género policial, hay que tener en cuenta el suspenso generado tanto por el autor como por el realizador, que logra atrapar con escenas lineales, concatenadas, y con diálogos simples y efectivos, sin ahondar en los personajes (teniendo en cuenta que en la literatura siempre se desarrollan los personajes). En este caso, el salvador de todo cuestionamiento es el protagonista, Vincent Cassel, enérgico y violento y, por momentos, patético. Se destaca la fotografía de Paolo Camera, mientras que la dirección de arte resulta impecable. No es la mejor película policial pero es sólida y creíble. Aún con clishés, vale la pena.

Carlos Pierre

 

 

6.- VENDRÁN LLUVIAS SUAVES.

De Iván Fund. Semifantástico, sobre los niños enfrentados a temas adultos. Inspiración de varios autores, entre ellos, Wolf Erlbruch y su famoso cuento “El pato y la muerte”.

7.-  LA IMAGEN PERDIDA, Animación. Francesa. De Rithy Path-Film ganador del Festival de Cannes 2013, Sección Un Certain Regard.

8.- LOS 120. LA BRIGADA DEL CAFÉ, de Maria Laura Vázquez. Documental sobre los jóvenes que, en 1985, viajaron a Nicaragua para la recolección del café a fin de ayudar la economía de ese país, devastada por los Estados Unidos. Luego de tantos años, regresan para reconocer aquellos caminos.

 

 

EL AFFAIRE DE SARAH Y SALEEM

De Muayad Alayan. Con Adeeb Safadi, Saleem Sivane, Kretchner, Sarah Ishai Golan, David Maisa, entre otros. Fotografía de Sebastián Bock. Múcia de Frank Gelat, Charlie Rishmawi y Tarek Abu Salameh. Duración: 127 minutos. Coproducción Palestina, Holanda, Alemania y México.

XXXXX- AMOR EN TIEMPOS POLÍTICOS

El realizador palestino Muayad Alayad regresa con una historia de amor prohibido entre un repartidor de pan palestino y la dueña de una cafetería israelí. La mujer de Saleem está embarazada y Sarah está casada con un militar israelí que forma parte de “razzias” detrás del muro de Jerusalén. Mientras la infidelidad se hace muy difícil para Saleem y Sarah, el hecho condenatorio que los puede llevar a un final trágico es que uno sea palestino y el otro israelí.  Una noche de ambos en Belén en un bar desencadena el drama personal y político para ambos. Sobre cada uno de ellos llueven acusaciones de terrorismo con la consiguiente expulsión de sus respectivas sociedades. Lo que se veía venir irrumpe sorpresivamente en la historia: las diferencias políticas y el machismo entran de lleno masacrando la pasión. El romance se transforma en un policial muy intenso, cuya violencia va creciendo a medida que las parejas de los amantes se enteran del amorío.

Por sobre el relato está la actuación y por sobre el guion y el elenco está la mano de Muayes Alayan, joven realizador que narra sin pausa una pasión enmarañada por la política de israelíes y palestinos aunque el drama familiar los golpea por igual. Estupendo fresco transversal de dos sociedades en pugna.

Elsa Bragato

 

JUEVES 15 DE NOVIEMBRE DEL 2018.-

Número espectacular de estrenos nacionales junto a varios films internacionales de buena factura, atractivos visualmente.

 

EL LIBRO DE IMAGEN

Dirección, guion y edición de Jean Luc Godard. Fotografía de Fabrice Aragno. Diseño de producción de Jean Paul Battaggia. Narración de Jean Luc Godard, Dimitri Basil, Buster Keaton (Archivo).Duración: 88 minutos (Ganador de la Palma de Oro Especial del Festival de Cannes 2918}-

XXXXX-PALIMPSESTO EMOTIVO DE UN GRANDE DEL CINE

Estamos frente al testamento cinematográfico de Jean Luc Godard, enfant terrible, destructor-constructor de la narrativa tradicional cinematográfica, que el próximo mes de diciembre cumplirá 88 años. Echando mano a su personal palimpsesto existencial y político, imprimió El libro de imagen, intelectualmente emotivo a la manera de un discurso a mano abierta, dividido en cinco capítulos, como los dedos de su mágica mano.

Basta recordar sus escritos en La Gazzette du Cinéma y Cahiers du Cinéma en sus primeros ejercicios de crítica cinematográfica, sus films cortos hasta que en 1959 irrumpió con Sin Aliento, un largometraje pleno de romanticismo y pesimismo, aún torpe y desesperado, interpretado por Jean Paul Belmondo y Jean Seberg, y desde allí su meteórica producción, prolífica, siempre efervescente, sin corrección política, a contramano.

Se suceden Infinitas imágenes a lo largo de este libro cinematográfico en menos de una hora y media de duración. Una primera visión como espectador resulta un sobresalto íntimo, que obliga a otras sucesivas funciones, para interpretar y valorar a Godard, lúcido maestro libertario. Parafraseando a Pablo Neruda, Jean-Luc Godard podría decir: “Confieso que he filmado”.

Carlos Pierre

 

MATAR O MORIR

Dirigido por Pierre Morel. Con Jennifer Garner, Richard Cabral, John Ortiz, John Gallagher Jr., Juan Pablo Raba, Method Man, Tyson Ritter, Annie Honzeh, entre otros. Guion de Chad St. John. Fotografía de David Lanzenberg. Música de Simon Franglen. Duración: 102 minutos.

XXXXX- MUJER AL ATAQUE             

Thriller impregnado de magnética acción, con un atractivo más al ser una mujer su protagonista, qioem de biemas a primeras se transforma en una justiciera implacable. El tema no es nuevo: tres matones asesinan a su marido y su pequeña hija en plena fiesta de Fin de Año, en un parque de diversiones.”Riley North” (Jennifer Garner) es una modesta ciudadana de Los Angeles, cuyo marido cometió el error de transar con los narcotraficantes por lo que sufrirá un brutal ajuste de cuentas. También es herida, internada y se entera de que los asesinos quedan en libertad al retirárseles los cargos. He aquí donde “Riley” inicia una venganza sin límites, una caza de todos los implicados en la muerte de sus seres queridos.

Jennifer Garner encarna a una salvaje vengadora, que ha logrado pertrecharse de todo tipo de armas. La actuación es noble y sólida por lo que el experimentado realizador Pierre Morel crea un arquetipo femenino de la venganza (recordemos los films como “Búsqueda Implacable” o “The Gunman”. A nivel técnico, el film fluye narrativamente alcanzando escenas muy explosivas, a todo nada. Sin duda, fue pergeñado para pasar un buen rato a pura adrenalina y volver a casa más tranquilos. Un buen policial-

Carlos Pierre

 

 

PABLO ESCOBAR LA TRAICIÓN

TRAILER

https://youtu.be/7-KTRWcZaKk

Dirección y guion de Fernando León de Aranoa sobre el libro de Virginia Vallejo.Con Javier Bardem, Penélope Cruz, Peter Sarsgaard, Julieth Restrepo, David Ojalvo, Oscar Jaenada, entre otros. Fotografía de Alex Catalán. Música de Juan Federico Jusid. Producción de Javier Bardem.  Duración: 123 minutos.

XXXXX-EL DESPECHO DE UNA AMANTE

Basada en la autobiografía “Amando a Pablo, odiando a Escobar”, de Virginia Valle, la periodista colombiana que fuera la amante del narcotraficante más poderoso de la historia durante los años 80 (fue pareja también del argentino David STivel), el realizador español Fernando León de Aranoa logra una buena narración cinematográfica, una más como la serie sobre su vida, o bien “Operación escobar” del 2016  o “Barry Seal: Solo en América” del 2017, aunque con su sello distintivo.

El relato de Virginia Valle es potente: entrevistó a Escobar y se quedó a su lado como amante. Obtuvo las mieles del poder, lujo y atenciones que jamás imaginó. Un buen día, dejó de ser la “alhaja” de Escobar Gaviria y llegaron la humillación, el despojo material y el martirio moral. Decidió, en represalia, traicionarlo. La historia es, entonces, explosiva, con acosos y muertes, asesinatos a granel, el vertiginoso ascenso del jefe del Cartel de Cali, el comando del Cartel de Medellín, entreverándose con la política de Colombia y las dictaduras del Caribe, poblando territorios de América Latina con grupos paramilitares terroríficos.

Javier Bardem, productor y protagonista, encarna a Pablo Escobar intentado “mostrar el otro lado, el íntimo”, donde se daban el amor y la muerte, sin cortapisas. Por su parte, Penélope Cruz otorga a su Virginia un poderoso carisma además de su sugerente belleza latina, logrando que la química con su marido en la vida diaria sea real. La producción de Bardem logró el objetivo propuesto: el personaje del actor español logra matizar las dos caras del narcotraficante, el brutal a través de la extorsión y el asesinato y el humano junto a su hija por quien se desvive. Mientras la producción, la narración y las actuaciones tienen buen nivel, hay que reprochar que se haya hablado en inglés. Sobre todo porque Bardem y Cruz son españoles. Un detalle de la dirección de arte del film que no debió pasarse por alto.

Carlos Pierre

 

 

IMPUROS

TRAILER

https://youtu.be/sT6ke8p44sM

Documental de Florencia Mujiga y Daniel Najenson. Guion de Daniel Najenson y Malena Azzam. Fotografía de Carla Stella. Música de Leandro Drago. Duración: 86 minutos.

XXXXX- DOLOROSO TESTIMONIO SOBRE LA “VARSOVIA” Y LA TRATA DE BLANCAS

Partiendo de los hechos ocurridos a fines del siglo XIX y comienzos del XX, Florencia Mujica y Daniel Najenson documentan la trata de blancas, en este caso, de mujeres judío-polacas para abrir prostíbulos. Entonces, el país recibió 6 millones de inmigrantes, de los cuales cien mil fueron judíos. La gran cantidad de hombres solos fue la justificación de “esta” aberrante necesidad. En 1876, surgió la reglamentación sobre “las casas de tolerancia” o tolerancia a la prostitución. Surgieron traficantes judíos y polacos, verdaderos sátrapas, que fundaron la Asociación de Socorros Mutuos Varsovia, llamada luego Zwi Migdal, en verdad una red de prostíbulos. Una ex prostituta, militantes abolicionistas de la prostitución como Sonia Sánchez, entre otros, dan testimonio de los sometimientos que sufrieron estas mujeres judío-polacas injustamente castigadas por su propia comunidad, habiendo sido enterradas en un sector aparte del cementerio judío, detrás de un paredón, junto a los rufianes. Es indignante escuchar el testimonio de un hombre que justificó aquella inhumana “importación” de seres humanos, indicando que muchas empresas judías prósperas descansan en el trabajo de aquellas prostitutas judías y que decir los nombres de las familias es una ofensa para sus memorias. Los realizadores no se dejaron intimidar poniendo en pantalla los nombres de los malvivientes de “Varsovia”.

La investigación de los documentalistas también los llevó a Israel y al Archivo Central que allí existe, donde recogieron testimonios y documentación de primer nivel. Se recuerda, entre tantos datos interesantes y filmaciones en blanco y negro de la época, que Alfredo Palacios luchó, desde 1913, contra la trata de blancas. El título del film responde al sobrenombre con que la comunidad israelí denominó a los proxenetas. Un documento insoslayable para adultos.

Elsa Bragato

 

 

INFILTRADO DEL KKKlan

TRAILER

https://youtu.be/CBIXKnKCafc

De Spike Lee. Con John David Washington, Adam Driver, Topher Grace, Corey Hawkins, Laura Harrier, entre otros, incluyendo al propio director. Fotografía de Chayse Irvin. Música de Terence Blanchard. Edición de Barry Brown. Diseño: Curt Beech. Duración: 135 minutos.

XXXXX-REGRESO A LO GRANDE DE SPIKE LEE

El inicio y el epílogo de “El infiltrado del KKKlan” resultan trascendentes para Spike Lee, uno de los grandes realizadores del cine independiente de los Estados Unidos, enrolado en la defensa del afroamericanismo (memorable “Malcom X”). En blanco y negro y formato cuadrado, nos muestra a Alec Baldwin como el profesor Kennebrew Beauregard, arengando a sus compatriotas de manera feroz contra los judíos y la raza negra. A partir de allí, se cuenta cómo el oficial negro Ron Stallworth en 1978 tuvo el apoyo “blanco” de la policía de Colorado Springs (su alter ego fue “Flip”, encarnado por Adam Driver, de religión judía) permitiéndole investigar desde dentro al temible KKKlan.

El film es un policial muy entretenido, que incluye ironías entre los blancos y los negros, mostrándonos el odio de los supuestamente “arios” contra judíos y afroamericanos. Además, es un documental sobre ese momento de la vida de Ron Stallworth, quien escribió el libro “Black Klansman”, en el que se basa la película.

Tiene un diseño de arte setentista tanto como recuerda a “Todos los hombres del presidente” de Alan Pakula o a “JFK” de Oliver Stone en cuanto a la fidelidad en los acontecimientos. En verdad, es una de las mejores películas que Hollywood dio este año por lo interesante y lo brutalmente honesta que es, así como resulta temible la similitud con el relato que el actual presidente de los Estados Unidos mantiene frente al mundo. Spike Lee incluye dos videos muy paradigmáticos: una arenga de David Duke, quien mantiene relación con el KKK contra los judíos y los negros, y el ataque “terrorista interno” que provocó un auto al arrollar a una multitud segregacionista el 12 de agosto del 2017 en la localidad de Charlottesville. No se la pierdan!

Elsa Bragato

 

 

ANIMALES FANTÁSTICOS: LOS CRÍMENES DE GRINDELWALD

TRAILER

https://youtu.be/tkDFadDulgM

De David Yates. Basado en el guion de JK Rowling, Con Eddie Redmayne, Jude Law, Johnny Deep, Zoe Kraving, Ezra Miller, Katherine Waterston, Callum Turner, Dan Fogler, Alison Sudol, Claudia Kim, Kevin Guthrie. Fotografía de Philippe Rousselot, Montaje de Mark Day. Vestuario de Colleen Atwood. Música de JKames Newton Howard. Duración: 134 minutos.

XXXXX- PARAFERNALIA VISUAL

La primera película “Animales fantásticos” que conocimos hace dos años basada en la nueva saga de JK Rowling, la consagrada escritora de Harry Potter, fue atractiva y simpática. En esta segunda parte, lo oscuro, lo dramático y la confusión, toman por asalto la pantalla regalándonos secuencias visualmente impactantes, artificios notables de una tecnología de punta indiscutibles pero nada más.

El mago que encarna Eddie Redmayne, a quien vimos en New York junto a sus extraños animalitos dentro de un maletín mágico, tiene un inicio bastante claro si bien, rápidamente, se van integrando más personajes, se salta de una secuencia con “Newt Scamander”(Eddie Redmayne) a otra con otro personaje que busca a su hermana, mientras todo indica desde la primera escena que la historia está centrada en el mago Grindelwald. Se trata de un personaje de Harry Potter que Rowling retoma como “spin-off” a fin de generar otra franquicia rentable.

Su traslado al juicio trastorna la narración: se ve que Rowling tuvo una suerte de menjunje mágico en su cabeza escribiendo subhistorias que tienen algún punto en común pero totalmente deshilvanadas en la narración propuesta. Grindelwald aparece en un carruaje en el cielo, tirando por la borda a un contrincante en medio de remolinos lumínicos. Y todo vuelve a fojas cero.

Cuando creemos saber quién es quién, nos damos cuenta de que a duras penas hemos reconocido a Johnny Deep como “Gellert Grindelwald” arengando a los magos y desechando a los “muggles” o no magos, mientras “Newt Scamander” /Eddie Redmayne se ve como espectador de historias y lejos del protagónico inicial hasta que se encuentra con Albus Dumbledore (Jude Law) profesor de “Transformaciones” en Hogwarts, considerado el mejor mago de todos los tiempos, solo superado por Merlín.

A estas alturas es bueno considerar que una cuestión es escribir una saga en literatura y otra muy distinta acometer un guion intentando que cada coma de los libros (cinco en total) quepa en una pantalla. Hay mucha confusión, personajes cuyas historias se cierran a los apurones, y endeblez en el guion cubierta por la tremebunda parafernalia de efectos visuales.

Elsa Bragato

 

 

OTRAS NOVEDADES

l) BTS BURN THE STAGE MOVIE, COREA. Documental sobre la famosa banda coreana.

TRAILER

https://youtu.be/uwgDg8YnU8U

2) HELL FEST: JUEGOS DIABÓLICOS, ESTADOS UNIDOS

TRAILER

https://youtu.be/o-JQ9G7xlUA

3) EL SILENCIO ES UN CUERPO QUE CAE, ARGENTINA, documental

TRAILER

https://youtu.be/WFs1y_bFRhE

4) ESTO NO ES UN GOLPE, ARGENTINA

TRAILER

https://youtu.be/7u5cOHY_Q28

5) RULETA RUSA, ARGENTINA

TRAILER

https://youtu.be/zNQwJH2QKeM

 

 

DE DESPOJOS Y COSTILLAS

TRAILER

https://youtu.be/6h4fajcxMkU

XXXXX- LÁNGUIDO REENCUENTRO DE TRES HERMANAS

De Ernesto Aguilar. Con Florencia Carreras, Florencia Repetto y yanina Romanin. Fotografía de Leandro Díaz del Campo. Sonido de Santiago Pérez. Duración: 78 minutos.

De reconocida labor, Ernesto Aguilar cuenta en “De despojos y costillas” la historia de tres hermanas que regresan a la casa materna luego de la muerte de la progenitora. Una de ellas está embarazada y otra llega de Canadá, alejada de la familia por supuestos que el encuentro irá demoliendo. Cada una se enfrenta a su interior, cada una tiene un hecho del pasado que la asalta, lo onírico se corporiza.

Desde el punto de vista narrativo, la historia fluye, muy a la argentina: silencios, diálogos monocordes. Se habla demasiado por celular en lugar de ejemplificar con acción lo que se dice. La actuación supone acción de algún tipo. En este sentido, Aguilar no escapa al común denominador de la mayoría de nuestros cineastas que tienen una técnica purísima mientras los diálogos son inconsistentes e insustanciales y, en consecuencia, la idea original pierde fuerza, se transforma en un relato agónico. Hay una buena mano para generar cierta tensión aún con gran escasez de recursos. Nada que decir respecto de las jóvenes actrices creíbles en sus personajes.

Elsa Bragato

 

JUEVES 8 DE NOVIEMBRE DEL 2018.-

Un verdadero aluvión de films nacionales, entre ficción y documentales, caracterizan este jueves de estrenos.

 

OPERACIÓN OVERLORD

De Julius Avery. Con Wyatt Russell, Piloyu Asbaek, Bokeem Woodbine, entre otros. Fotografía de Laurie Rose. Música de Jed Kierzel. Duración: 110 minutos.

 

XXXXX- ZOMBIES NAZIES EN UN HÍBRIDO “GORE”

Operación Overlord fue el nombre que se le dio al Día D, o desembarco en Normandía, en clave. Fue el destierro total de las fuerzas nazis de Francia que logró la fuerza aliada. La historia pergeñada por Avery se centra en la noche previa al desembarco de tropas en esas playas (divididas en secciones que iban a ocupar los ejércitos de los diferentes países unidos contra el nazismo), en especial, la llegada de paracaidistas detrás de las líneas enemigas. Hay algunas secuencias muy logradas y escalofriantes (el militar que cae en el océano, por ejemplo) por lo que se destaca la labor de Laurie Rose y de Fabian Wagner (Game of Thrones): lograron captar el terror siniestro de esos jóvenes soldados que tenían que cumplir con una determinada misión antes de iniciarse el Día D.

La originalidad reside en el hallazgo que hacen: seres humanos de un pueblo que tomaron los nazis utilizados por el equipo de Josep Mengele como zombies, muertos renacidos con un determinado serum, monstruosos, y feroces.

Es aquí donde Julius Avery logra que el terror alcance momentos escalofriantes, sangrientos, brutales, revisionando, si se quiere, a “Malditos bastardos”, de Tarantino. Es una masacre de monstruos nazis, lo cual le confiere a este híbrido entre bélico y terror un plus importante: la segunda guerra mundial pudo ser una fuente poderosa para la creación de los monstruos que, años después, retomaría George Romero. Para fans del género, una película con una vuelta de tuerca interesante porque marca una renovación del género aunque los muertos vivos sean eternos.

Elsa Bragato

 

 

CAMINO SINUOSO

TRAILER

De Juan Pablo Kolodziej. Con Juana Viale, Arturo Puig, Antonio Birabent, Geraldine Chaplin, Hugo Arana, entre otros. Fotografía de Horacio Maira. Música de Fito Páez. Duración: 108 minutos.

XXXXX- DRAMA INTENSO CON ALGUNAS DEBILIDADES

Juana Viale ha sido muy criticada por sus performances en televisión, en miniseries. El compromiso con sus personajes marcan un crecimiento actoral que el realizador Juan Pablo Kolodziej supo aprovechar para este intenso drama familiar y social: nos cuenta la vida de la atleta Mia expulsada de una competencia internacional por consumo de drogas, que le traerán una consecuencia indeseada como es no poder ser madre. Un viaje al sur (film fue rodado casi íntegramente en Villa La Angostura) para solucionar temas de herencia la enfrenta con el pasado. Surgen personajes fuertes, brutales, de manera inesperada. Nada es lo que había sido.

La fuerza dramática recae en Juana Viale y en Arturo Puig, quien vuelve al cine luego de “Tesis para un homicidio” rodada en 2013. Son dos personajes claves para un thriller que va in crescendo hasta llegar a secuencias de enorme potencia. En este sentido hay que rescatar la madurez alcanzada por Viale en interpretación y la calidad conocida en Puig. Geraldine Chaplin en un rol semisecundario aporta la magia de su figura y la solidez de su actuación, junto al resto del elenco. Buena fotografía, una banda sonora de Fito Páez de gran intensidad, colaboran en este drama bien actuado aunque no logra cerrar el círculo virtuoso propuesto desde el comienzo especialmente por los diálogos poco creíbles.

Elsa Bragato

 

 

PAÑUELOS PARA LA HISTORIA

TRAILER

https://youtu.be/-nnfU4DsD-k

Dirección guion y fotografía de Alejandro Haddad. Documental sobre las Madres de Sábado, de Turquía. Música de José Luis Piccinini. Duración: 72 minutos.

XXXXX-EXCELENTE DOCUMENTAL SOBRE LOS DESAPARECIDOS EN TURQUÍA

Las Madres de Plaza de Mayo hicieron historia por su coraje, por su enfrentamiento con la última dictadura nada más que para buscar a sus hijos, raptados, torturados, asesinados brutalmente. Nora Cortiñas es una de la sintegrantes de ese movimiento que fue convocada por las Madres del Sábado de Turquía, que buscan a sus hijos también desaparecidos.

La historia de estas mujeres, entre las que están las Madres Kurdas, las Madres de Dyarbakir, las Madres de Sábado, se remonta a la década del 90 cuando el gobierno turco arrasó más de 3000 aldeas kurdas haciendo desaparecer a 17.000 jóvenes de ambos sexos.

Nora se preocupa porque estas mujeres logren llevar a la sede de Las Naciones Unidas de Ankara un petitorio sobre sus hijos, por los que claman desde hace décadas. No quiere hacer 2solo un documental”, como bien dice, sino que se concrete en un pedido que trascienda a las autoridades locales. De esta manera, tomamos contacto con una cultura muy diferente a la nuestra que, sin embargo, ha sufrido una violencia atroz: los kurdos fueron divididos en cuatro países luego de la Segunda Guerra Mundial. Están en “tierra de nadie”, castigados por ser quienes son.

Se trata de un gran documento de Alejandro Haddad, que nos muestra a Nora Cortiñas (psicóloga y luchadora por los derechos humanos perteneciente a Madres de Plaza de Mayo línea fundadora, 88 años), toda simpatía, enfrentando un idioma desconocido, costumbres opuestas, con tal de contribuir a que esas desesperadas madres, que llevan las fotos de sus hijos en las manos, comiencen con una búsqueda organizada a nivel mundial de los desaparecidos. Experiencia le sobra. Atrapa la historia porque el tratamiento narrativo de Haddad está más cerca del ficcional que del clásico documental con entrevistas a cámara. No la deje pasar. Véala. Imprescindible. Llega a las salas luego de tres años de haberse exhibido en el festival de cine de Mar del Plata.

Elsa Bragato

 

 

1)       KONSTRUKTION ARGENTINA, de Fernando Molnar.

TRAILER

https://youtu.be/hRSpiArUtDo

Cuenta las pistas que existen en la construcción argentina del alemán Walter Gropius, fundador de la Bauhaus o Casa de la Construcción Estatal, que fundó hace casi 100 años.

 

2)       GRACIAS GAUCHITO, de Cristian Juré.

TRAILER

https://youtu.be/6Kxr1vqfDvI

Narra la vida del “Gauchito Gil”, nacido en Mercedes, Corrientes, y la devoción que se generó tras el milagro que anunció antes de ser degollado. Hay varias leyendas sobre quién fue  Antonio Mamerto Gil Núñez.

 

3)       VIVA EL PALÍNDROMO!, de Tomás Lipgot.

TRAILER

https://youtu.be/rc56bg61SDY

Tomás Lipgot nos cuenta con fruición y amor la vida de los palindromistas, siendo él uno de los aficionados a las frases reversibles como “Dabale arroz a la zorra el abad”. Es una celebración a un hoppy que es pasión.

 

4)       MI MEJOR AMIGO, de Martín Deues.

TRAILER

https://youtu.be/a4Thr3JRAYU

Es el encuentro entre dos adolescentes y el despertar del deseo sexual. Tema tratado con mucha pulcritud, que nos recuerda a Llámame por tu nombre, que vimos este año.

 

PROGRAMACIÓN DE SALAS FUERA DEL CIRCUITO COMERCIAL

 

MALBA

http://www.malba.org.ar/eventos/de/actividades-cine-programacion/

CENTRO CULTURAL DE LA COOOPERACIÓN

http://www.centrocultural.coop/cine

CULTURAL SAN MARTÍN

http://elculturalsanmartin.org/programacion/2-cine

SALA LEOPOLDO LUGONES

http://www.unica-cartelera.com.ar/ciclos/624-sala-leopoldo-lugones

CENTRO CULTURAL RECOLETA

http://centroculturalrecoleta.org/agenda/ciclos/ciclo-de-cine-derechos-humanos

BAMA CINE

http://www.unica-cartelera.com.ar/cines/microcentro/499-bama

COMOS CINE

http://www.unica-cartelera.com.ar/cines/microcentro/493-cosmos-uba

ESPACIO INCA 0 – CINE.AR

http://www.unica-cartelera.com.ar/cines/microcentro/5-cinear-sala-gaumont

 

Es una semana con estrenos musicales, un género que no suele verse con frecuencia y que, por lo tanto, refresca las pantallas cargadas de thrillers, gore, y dramas de todo tipo.

 

BOHEMIAN RAPSODY

De Bryan Singer. Guión de Anthony McCarten, basada en la historia del mismo McCarten y Peter Morgan) Con Rami Malek, Joseph Mazzello, Ben Hardy, Gwilym Lee, Lucy Boynton Aidan Gillen, entre otros. Fotografía de Newton Thomas Sigel. Música de John Ottman. Coproducción de Estados Unidos y Reino Unido, además de Tribeca Production (Robert De Niro), entre otras productoras. Duración: 134 minutos.

XXXXX-REDESCUBRIENDO A FREDDY MERCURY

Resulta fascinante que, en el siglo XXI, se recree la vida y la obra del cantante de rock Freddy Mercury, líder de la banda inglesa Queen. Compositor, de gran voz, fue uno de los inconformistas más rebeldes de los años 70 y 80 enfrentando con desenfado la moralina existente. El film pasa muy por arriba aspectos fundamentales de su vida, tales como la rebelión por su apellido indio y persi – se llamó Farrokh Bulsara-, la relación con sus padres (aparecen en una breve secuencia), su gran amor por Bárbara Valentin y su último pareja, Jim Hutton, hasta el final de sus días (24 de noviembre de 1991). Las verdades están contadas a medias a manera de sobrevuelo biográfico.

El film nos muestra cómo se unió a Queen, teniendo entonces a tres grandes músicos como el batero Roger Taylor, el guitarrista y astrofísico Brian May, y el bajista John Deacon. La voz de Freddy y su desparpajo escénico los llevó a un triunfo meteórico, impulsando el “rock sinfónico” que había tenido algunas muestras muy significativas a comienzos de los 70. Freddy quería que el rock de la banda sonara como una gran orquesta. De allí surgió la Bohemian Rapsody y muchos otros temas que aún hoy nos asombran por su calidad musical. Es decir que Queen, como banda, tiene la primacía en esta biografía que nos dejó con ganas de más. Hay que destacar la gran actuación de Rami Malek como Freddy Mercury, y la del resto de los actores que encarnaron a los integrantes de la banda: Joseph Mazzello como el bajista John Deacon, Ben Hardy como el batero Roger Taylor, y Gwilym Lee como el guitarrista  y astrofísico Brian May. Por sobre hechos puntuales, está el cimiento musical de una banda diferente a todas las conocidas, con enorme influencia hasta hoy. Aún con detalles biográficos ausentes y con una narración muy convencional, es una película para ver y disfrutar plenamente.

Elsa Bragato

 

 

COLD WAR

Guion y dirección de Pawel Pawlikowski. Con Joanna Kulig, Tomasz Kot, Agata Kulesza, Borys Szic, Cédric Kahn, entre otros. Fotografía de Lucasz Zal. Montaje de Jaroslaw Kaminski. Duración: 88 minutos.

XXXXX-UNA PASIÓN INOLVIDABLE

El realizador polaco Pawel Paulikowski, el mismo de la notable “ Ida” con la que obtuvo el Oscar, repite el glorioso blanco y negro en Cold War, logrando el premio al mejor director en el reciente Festival de Cannes. Largos diez años de elaborada meditación le demandó el guion de esta película basada en hechos reales, la de sus padres, Wiktor y Zula, quienes vivieron juntos durante 40 años, con muchas intermitencias que determinaron un intenso drama amoroso. Murieron antes de la caída del muro de Berlín por lo que la “Guerra Fría” fue el marco de la pasión que los unió. Idas y venidas para encuentros pasionales memorables, huyendo o en forma legal, tironeados por la felicidad del amor o bien por la conflictividad como consecuencia del marco político tan áspero que les tocó sufrir, determinaron décadas de una pasión única.

Tomasz Kot y Joanna Kulig interpretan a Wiktor y Zula, que viven, en medio del folklore polaco o el jazz internacional, un amor arrollador que derrumbó burocracias y paredones. Joanna Kulig encandila la pantalla con su belleza y su candor. En la vida real, Zula-Kulig fue una mujer plena que cantaba en París, madre y amante, de espíritu profundamente libertario. Pawel Pawlikowski retrató con el corazón en su cámara lo que vivió en su hogar, con pulso firme, en un blanco y negro que, en algunas secuencias, se transforma en sublime. Es una historia hecha película difícil de olvidar, más que recomendable, fascinante, algo así como la cara y cruz de una moneda maravillosa, digna de gastarse en la vida.

                                                                       Carlos Pierre

 

 

GON-JI-AM

TRAILER

https://youtu.be/nZnqr39ODJ8

Guion y dirección de Jeong Beom-Sik. Con Lee Seung-Wook, Mun Ye-Won, Park Ji-Hyun, Park Sung-Hoon, Wi Ha-Joon, entre otros. Duración: 95 minutos. Corea del Sur.

XXXXX-EFECTISMO DE PURA CEPA

Corea del Sur tiene prestigio ganado por sus películas de terror, en las que hay una realización osada que le ha dejado un público ávido cautivo. Sin embargo, en Gon-Ji-Am la narración se deja de lado para dar paso al susto, a la generación del miedo, y esto sí lo logra.. En primer lugar, están los jóvenes actores que remedan un show televisivo, una suerte de “reality” que, por momentos, no asustan mucho. Lo mejor es el sonido, que colabora con el guion aportando sustos interesantes. El elenco es enviado por una empresa de internet a un hospital psiquiátrico abandonado donde las almas de los muertos andan merodeando. Hay un “capitán televisivo” cuyo mandato es conseguir rating para lograr sponsors, y un “dejá vu” constante al tomarse en cuenta un material filmado, un “found footage”. Muchos elementos nos remiten al memorable Proyecto Blair Witch de 1999. Si hay algo que logra el director Jeong Beom Sik es asustar al hacer uso de las “almas en pena” que provocarán lo que uno puede imaginarse. Hay buenas intenciones cinematográficas, relegándose la explicación o narración de muchos hechos para dar paso al efectismo puro. Desde este punto de vista, es un buen producto.

Carlos Pierre

 

 

1)       SOMOS CAMPEONES, de Javier Fesser. España

TRAILER

https://youtu.be/ZCLK0_JMWyY

 

2)       TODAVÍA, de Tomás Sánchez. Comedia nacional con Betiana Blum.

TRAILER

https://youtu.be/i9PgTE2bDiI

 

3) 50 CHUSEOK, de Chang Sung King. Documental sobre los 50 años de la colectividad
coreana en la Argentina.

TRAILER

https://youtu.be/f6MIKTKUmck

 

4)       LAS HIJAS DEL FUEGO, de Albertina Cherri. Género Porno Lésbico. Con Erica Rivas
y Cristina Banegas. Argentina.

TRAILER

https://youtu.be/qaVTaDoxRiM

 

EL CASCANUECES Y LOS CUATRO REINOS

TRAILER

https://youtu.be/Pc4gr5U6CSw

Dirigido por Lasse Hallström y Joe Johnston. Guion de Ashleigh Powell (Historia: E.T.A. Hoffman). Con Mackenzie Foy, Keira Knightley, Helen Mirren, Morgan Freeman, Eugenio Derbez, entre otros. Duración: 99 minutos. Música: James Newton Howard.

XXXXX- RENOVADO Y FASCINANTE “CASCANUECES”

Gran deleite produce este reencuentro con el famoso El Cascanueces, del compositor ruso P. Tchaikovsky. Esta película, titulada “El cascanueces y los cuatro reinos”, nos lleva a la historia de E.T.A. Hoffmann: la conjunción de éste con el compositor ruso dio por resultado un ballet estupendo, que deleita los sentidos, fusionando los sueños de la infancia con la adustez de la madurez.

Los Estudios Disney son responsables de esta mágica propuesta, con sus más y sus menos, poniendo al servicio de la historia buen gusto y un gran soporte técnico que mejora la calificación. Aun con reiteraciones, o algunas lagunas narrativas, le da un giro a la historia respetando el vestuario. Es decir, utiliza una pátina moderna: no utiliza los números completos del ballet sino algunas pinceladas de ellos. A la música incidental de James Newton Howard, dirigida por el gran maestro venezolano Gustavo Dudamel, se le agrega la frutilla del postre que es un solo del pianista chino Lang Lang. Excelentes carriles musicales que renuevan una composición inolvidable.

La protagonista es Clara (Mackenzie Foy), quien recibe el regalo de un cofre metálico con cerradura tambor sin  llave como legado de su mamá, ya fallecida. Deberá seguir el camino que traza un largo hilo dorado. De esa manera ingresará al “cuarto reino” o mundo paralelo. Por suerte, cuenta con la ayuda de un soldado “cascanueces”. Varias figuras la acompañan en su viaje: Keira Knightley, Helen Mirren y Morgan Freeman, aportan la calidad indiscutible de sus actuaciones.

El derroche de fantasía e ingenio, junto con la música original (cuando “Clara” abre el cofre, se escuchan las Variaciones del Acto II, correspondiente al Número 12, Pas de Deux) resulta fascinante. No hay detalle técnico omitido, ofreciéndose un prolijo y renovado “Cascanueces” para disfrutar en la familia.

Carlos Pierre

 

TODO EL AÑO ES NAVIDAD

TRAILER

https://youtu.be/rdMrW4Kka38

Guion, edición y dirección de Néstor Frenkel. Cámara y fotografía de Diego Poleri. Música de Gonzalo Córdoba. Sonido de Fernando Vega y Hernán Gerard. Duración: 76 minutos.

XXXXX- MISTERIO NAVIDEÑO

¿Cómo se llega a ser “Papá Noel” en Navidad, cumpliendo horas de trabajo, saludando a los niños, regalándoles caramelos, en el verano tan caliente porteño? Este documental de Néstor Frenkel nos descubre a varias personas que, por inclinación espiritual por sobre una necesidad laboral, decidieron ser “papá noeles”. Por supuesto que el título, Todo el año es Navidad, nos remonta a los comienzos de la televisión argentina cuando el actor Raúl Rossi hacía esa serie semanal, que fue uno de los grandes éxitos de finales de los 50 y los 60. Por suerte, el espíritu de esas historias no se perdió: quien se pone el traje blanco y rojo siente que está cumpliendo con un deber o una misión que viene del cielo. Desde un ferretero hasta un luchador de lucha greco romana, un “estatua viviente”, un plomero y un maestro pesebrista,  entre otros, van pasando frente a las cámaras para dejar su testimonio como “papá Noel” y cómo, por tener barbas y pelos largos blancos, aceptaron esos roles con enorme espiritualidad. Eso sí, son trabajos que cumplen con esmero.

La narración busca mostrarnos la vida de estos hombres que se sienten tocados por algo especial para llegar a vestir ese traje y aceptar tantas horas de trabajo por el placer de complacer a los chicos, manteniendo la ilusión de que se viene del Polo Norte y de que es posible que exista, o de que el espíritu del hombre bueno de la literatura del hemisferio norte subsista. Es un trabajo pero es fundamentalmente un placer espiritual. Se la recomendamos a los adultos para que los más chicos no descubran de dónde vienen nuestros “papá noeles”. Deliciosa idea.

Elsa Bragato

 

AIRE

TRAILER

https://youtu.be/up93gJHBDHs

De Arturo Castro Godoy. Con Julieta Zylberberg, María Onetto y Carlos Belloso. Fotografía de Hugo Colace. Música de Pablo Borghi. Edición de Eliane D.Katz. Duración: 69 minutos.

XXXXX-POCO ES MÁS

El realizador venezolano Arturo Castro Godoy, radicado en nuestro país, enfoca la historia de una madre y su hijo con síndrome de Asperger (características comunes al Autismo pero de menor severidad), que sufre un accidente en el colegio siendo trasladado a un hospital, sin aviso previo a la madre dada la urgencia. En verdad, es una road movie desesperante a través de la ciudad de la madre en busca de su hijo en un hospital, enfrentándose a la burocracia laboral y la falta de solidaridad. Desconfianza, modales poco gentiles, caracterizan a una ciudad que resulta más que inhóspita. Con mucho de los hermanos Dardenne, con toques de “Día de furia” y de “Relatos salvajes”, cuatro personajes nos hacen vivir una terrible odisea para llegar al hospital donde el niño será operado de un brazo por quebrárselo. El mejor hallazgo del film de Castro Godoy es apelar a lo poco frente a cámaras y echar mano de la fotografía y la música incidental. Cuenta con la actuación de Julieta Zylberberg que, aún con falta de modulación y hasta cierto estereotipo en las secuencias iniciales, logra un trabajo creíble transmitiendo la desesperación de una madre que debe derribar todo tipo de obstáculos para reencontrarse con su hijo. Con pocos elementos y personajes, Castro Godoy obtuvo un producto redondo con una pátina de “La habitación” aunque los relatos, partiendo de madre-hijo, tengan desarrollos diferentes. Bien se puede decir que lo poco muchas veces es más.

Elsa Bragato

 

JUEVES 25 DE OCTUBRE DEL 2018.-

Estrenos de todo tipo que incluyen la continuación de “Halloween” de 1978 y la nacional “Rojo” que viene con muchos premios del exterior. Hay romanticismo, slasher, historia, drama, comedia. Entre las películas hay varias que se exhiben en salas fuera del circuito comercial, pertenecientes a teatros o bien museos.

SOLO EL AMOR

De Diego Corsini y Andy Caballero. Con Franco Masini, Yamila Saud, Facundo Gambandé, Bautista Lena, Victorio D’Alessandro, Josefina Ramírez, Noel Shajris, Andrea Frigerio, Gerardo Romano, entre otros. Duración: 85 minutos. Música de Luis Cervi. Guion: Diego Corsini, Andy Caballero, Yamila Saud y Luis Cervi. Directora de fotografía: Sol Lopatin. Directora de arte: Coca Odengo. Duración: 96 minutos.

XXXXX-COMEDIA ROMÁNTICA JUVENIL

Los directores Diego Corsini y Andy Caballero (debutante aunque reconocido en el ambiente de la música por dirigir más de 150  videoclips) encaran con mucha versatilidad una comedia romántica para los jóvenes. Es, en sí misma, una propuesta estética innovadora que incluye, a lo largo de la narración, la actividad de las redes sociales. El elenco está apuntalado por dos sólidos artistas como Gerardo Romano y Andrea Frigerio quien, en los últimos años, sorprende en sus incursiones cinematográficas con roles comprometidos.

Música y juventud son los pilares de la historia, sencilla pero agradable, que tiene a Noah (Franco Masini) como líder de una banda de rock que todavía busca su éxito. De pronto conoce a Emma (Yamila Saud), una joven abogada muy estructurada, de quien se enamora perdidamente, a pesar de las muchas trabas que su padre, un abogado alcohólico y viudo (Gerardo Romano) de música y juventud, le impone. Una manager muy especial (Andrea Frigerio) cambia el destino de los jóvenes músicos, aunque el amor de los dos jovencitos deberá pasar a partir de ese momento por una difícil prueba. En realidad, la anécdota sirve para que el público joven disfrute de una pareja carilinda y de la música de onda. La canción del título, Solo el amor, de Noel Schajris es muy disfrutable, machacona, pegadiza. Es una propuesta simple con aire innovador que se pregunta si alcanza solo con el amor para vivir dentro del mundo artístico que se enfrenta a una realidad muy difícil y dura. Linda historia.

Carlos Pierre

 

HALLOWEEN

De David Gordon Green. Con Jamie Lee Curtis, Judy Greer, andi Matichak, Nick Castle, James Jude Cortney, Toby Huss, Virginia Gardner, Haluk Bilginer, Virginia Gardner, entre otros. Fotografía de Michael Simmonds. Montaje de Tim Alverson. Música de John y Cody Carpenter y Daniel Davies. Producción y asesoramiento, entre otros, de John Carpenter. Duración: 109 minutos.

XXXXX-UN CLÁSICO TERRORÍFICO!

Luego de 40 años, el director David Gordon Green, teniendo a John Carpenter como productor (además de otros rubros), se lanzó a la remake del éxito de este último “Halloween”, film de 1978, interpretado también por la notable Jamie Lee Curtis (hija de los recordados Janet Leight y Tony Curtis). Pasó por alto las secuelas, alrededor de 10. Y retomó a aquella protagonista para llevarla al sangriento enfrentamiento con el psicópata Michel Myers, que no murió sino que pasó muchos años en un manicomio.

El comienzo es diferente: una pareja de periodistas quiere conocer e investigar al asesino serial de 1978, siendo conducidos por el doctor Sartain (Haluk Bilginer), discípulo del doctor Samuel Loomis, personaje ficticio de la saga. Por diferentes motivos, que no son convenientes revelar, el psicópata Michel Myers (interpretado por Nick Castle y el “grandote” James Jude Cortney), queda libre el día que se celebra “la noche de las brujas” o Halloween (All Hallows’Eve, celebración de origen celta previa al Día de Todos los Santos). Y las masacres comienzan, hasta llegar al enfrentamiento entre “Laurie Strode” (magnífica Jamie Lee Curtis), única sobreviviente de la matanza de 1978, y el monstruo Myers, quedando involucradas su hija Karen (Judy Greer), su nieta (Andy Matichak) y su yerno (Toby Huss).

El manejo del suspenso que incluyen larguísimos silencios (eternos para el espectador) es la base de esta película que, en su género, resulta soberbia, espeluznante, altamente perturbadora. La fotografía utiliza, para esos momentos cruciales, tomas-secuencias que se cortan con una toma fija para volver a la toma-secuencia, durante muchos minutos, sin banda sonora. Las masacres se suceden sin tapujos: David Gordon Green captó la esencia del film de John Carpenter mostrando sin hesitar desde aplastamientos de cráneos hasta degüellos, quejas guturales de los que son asesinados y gritos escalofriantes.

Si bien la fiesta de Halloween es para los adolescentes, es tan solo un subtema porque el centro es el asesino serial suelto matando “a piacere” en Haddonfield (condado donde nació Debra Hill, en New Jersey, coguionista del primer film, fallecida a temprana edad). John Carpenter surgió como notable director independiente por “Halloween” con la debutante Jamie Lee Curtis, que ahora sume el mismo rol, ya en calidad de abuela que espera enfrentarse al monstruo antes de morir. “Halloween” es el mejor ejemplo de que los íconos logrados del terror, en este caso, subsisten a través del tiempo. Si no, no se explicaría que una sala de espectadores permanezca en absoluto silencio durante quince minutos tapándose la boca para no gritar. Más que recomendable para quienes amen el género y, en especial, el “slasher”, este gore tan preciso y aterrador. Vas a saltar de la butaca!!!!!

Como anécdota, decimos que la máscara que utiliza el asesino Myers es una réplica del rostro del actor canadiense William Shatner, que interpretó el personaje de “Capitán Kirk” en “Star Treck”. Se debió a los moldes que se hicieron entonces de todo el elenco y que empezaron a venderse en los 70. Incluso Shatner había participado de otro film donde debió hacerse una máscara. Su rostro, con algunos cambios (sin patilla, por ejemplo), fue el elegido como máscara para Michael Myers.

Elsa Bragato

 

LOCAMENTE MILLONARIOS

TRAILER

https://youtu.be/N8Dy33MJumM

De Jon M. Chu. Con Constance Wu, Henry Golding, Michelle Yeoh, Chris Pang, Ken Jeong, entre otros. Guión de Chiarelli y Adele Lim, sobre la novela homónima del escritor Kevin Kwan, nacido en Singapure), Fotografía de Vanja Cernjul, Música de Brian Tyler. Duración: 120 minutos.

XXXXX- SINGAPUR EN EL CENTRO DE UNA HISTORIA DE AMOR

Las bellas historias de amor son una “rara avis” en el cine. De vez en cuando, surge alguna con muchos clishés. El caso de “Locamente millonarios” (Crazy rich asians) es diferente: con un estilo clásico, Jon M Chu instala la historia de dos orientales, “Nick Young” (Henry Golding) y “Rachel” (Constante Wu), que viven en New York. Nick se enamora de Rachel y le propone casamiento con una visita a su familia en Singapur, escondiendo que se trata de un supermillonario oriental. Es que Rachel proviene de una familia muy pobre que migró a los Estados Unidos.

A partir de esta idea, Chu construye una película ágil, simpática, que en ningún momento cae en el melodrama de la “chica pobre” enfrentada a los “ricos” de cualquier tipo de sociedad. El equilibrio entre poder y trabajo es estupendo al punto que las secuencias más complicadas se resuelven como momentos simpáticos. La fotografía contribuye a la solidez de la trama que, aun refiriéndose a las respectivas fiestas de soltero de los novios, las envidias de las chicas porque una “migrante” ha conseguido el corazón del codiciado millonario, o la selección de vestidos para “Rachel”, nunca aburre o cae en lo remanido. Es una reivindicación de la comedia romántica en estos tiempos, que incluye un viaje a una ciudad increíble como Singapur (donde nació y vivió el autor del libro homónimo), acertados diálogos, y la tradicional confrontación suegra-novia no ideal dentro de cánones tradicionales. Para disfrutar de una comedia poco común, entre road movie y romanticismo de primerísimo nivel.

Elsa Bragato

1)       ALFA, de Albert Hughes. Drama histórico, ubicado hace 20.000 años en la última glaciación. Un joven guerrero de una tribu de entonces es malherido, lo dan por muerto, y debe sobrevivir. Lo acompaña un lobo (o especie similar).

“Una historia anticuada de manera agradable pero moderna en técnica, es lo suficientemente atractiva incluso para los que no sienten nada especial por las mascotas”, de John DeFore, The Hollywood Reporter.

“Una historia convencional contada con brillantes. Es fascinante de manera rígica y al gría, “Alpha” es cautivadora sin ser demasiado sorprendente”, de Owen Gleiberman, Variety.

TRAILER

https://youtu.be/27tBNK-VKAQ

 

2)       UN PEQUEÑO FAVOR, de Paul Feig. Una mamá bloguera busca a una amiga desaparecida.

“Las interpretaciones de Kendrick y Lively son tan estimulantes, tan mordaces y enérgicas. que le dan un toque de buen humor a un guion vacío y carente de sentido”, de Richard Brody, The New Yorker.

“Un thriller inteligente, complicado y esporádicamente sexy. “Un pequeño favor” ofrece a una Kendrick desatada”, de Amy Nicholson, Variety.

TRAILER

https://youtu.be/kdAatV-SXj4

 

 

TRANSIT

Guion y dirección de Christian Petzold (Novela: Anna Seghers). Con Franz Rogowski, Paula Beer, Godehard Giese, Lilien Batman, Maryam Zaree, Barbara Auer, Matthias Brandt, Sebastian Hülk, entre otros. Fotografía: HanZ Fromm. Música: Stefan Will. Edición: Bettina Böhler. Duración: 104 minutos.

XXXXX-INTELIGENTE METÁFORA SOBRE LO QUE NO CAMBIA

El realizador alemán Christian Petzold, basándose en una novela de Anna Seghers que escribió en la Marsella – Marsilia- fundada por los romanos, juega con una trasposición temporal, atrevida, que permite contrastar y equiparar el fascismo nazi de 1942 con la actitud de los fascistas y nazis actuales respecto de los inmigrantes. Entonces, los europeos huian hacia nuestro continente. Hoy, sin carros de la Gestapo pero ahogados por bombas y hambre, huyen hacia Europa, o se trasladan por América Latina.

Es una barroca metáfora del tiempo que parangona los refugiados de entonces con los actuales. Petzold parte de la historia de amor de un refugiado que utiliza la identidad de un escritor muerto valiéndose de sus documentos para ingresar a México. El actor alemán Franz Rogowski lo encarna, de gran parecido físico con el actor Joaquín Phoenix. Marie (Paula Beer), enigmática y huidiza, es la esposa del escritor fallecido. Los dos buscarán un gran amor que supere la fragilidad de ser refugiados.

Entre el melodrama y el cine clásico, Christian Petzold realiza una creación ingeniosa en éste, su cuarto largometraje, al proponer un gran reto intelectual con este paralelismo entre la Segunda Guerra Mundial y la actual, centrada en la discriminación y el hambre. Incómodo y conmovedor relato sobre una realidad que no abandonó el mundo sino que cambió de año para ser, en definitiva, lo mismo.

Nota de Redacción: el pressbook ofrecido indicó cierto mimetismo con “Casablanca” y la línea de thriller concebida por Alfred Hitchcock.

                                                                         Carlos Pierre

 

 

EL OTRO VERANO

Dirección y guion de Julián Giulianelli. Con Guillermo Phening, Juan Ciancio, Malena Villa, Mara Santucho, entre otros. Fotografía de Gustavo Biazzi, Montaje de Santiago Esteves, Sonido de Federico Esquero. Música de Sebastián Felisiak.  Luciano Gugliesi. Duración: 72 minutos.

TRAILER

https://youtu.be/YNiTrXy1x18

XXXXX-LOGRADO FRESCO SOBRE LOS SENTIMIENTOS

Julián Giulianelli ubicó su historia en el pueblo San Marcos Sierras de la provincia de Córdoba, creando una atmósfera especial de cansina densidad, en la que el protagonista, “Rodrigo”, un sólido Guillermo Pfening, transita por esos días, ese verano, por la vida, de manera taciturna, casi sombría. No hay gestos suyos que demuestren nada. La llegada de un joven que busca un lugar para estar unos días, una guitarra, un río de montaña rumoroso, una vecina muy jovencita, se van sumando para generar un estallido sordo de deseo, que provoca una reacción inesperada en Rodrigo.

La narración es atrapante: hay clima de thriller. A las escenas puntuales donde todo podría explotar, Giulianelli les da un tratamiento natural, basándose en la actuación de Pfening, a estas alturas, uno de los mejores actores de nuestro cine. Un sepia dorado, intenso por momentos, y un gran trabajo actoral y fotográfico, resultan suficientes para un relato que, con escasos parlamentos, nos habla de las frustraciones y la incomunicación. Apuntamos además que Giulianelli parte de tres personajes para desencadenar una historia que mantiene en vilo sin abandonar la quietud soporífera de los veranos serranos. Se queda un poco corto en el drama. Aún así, muy buen trabajo.

Elsa Bragato

 

 

ROJO

Guion y dirección de Benjamín Naishtat. Con Darío Grandinetti, Andrea Frigerio, Alfredo Castro, Laura Grandinetti, Diego Cremonesi, Rudy Chernicoff, entre otros. Fotografía de Pedro Sotero. Música de Vincent Van Warmerdam con fragmentos de Las Islas Galantes de J.P. Rameau, Camilo Sesto y la canción “El valle y el volcán” de Jairo y María Elena Walsh. Edición de Andrés Quaranta. Arte de Julieta Dolinsky. Sonido de Fernando Ribero y Simón Apostolou. Duración. 109 minutos. Coproducción Argentina, Brasil, Francia, Holanda y Alemania.

TRAILER

https://youtu.be/KKdTPuCgqkU

XXXXX-TIEMPOS VIOLENTOS

Intensidad de thriller logra Benjamín Naishtat, ganador del premio al mejor director en el último festival de cine de San Sebastián por esta película, con una historia ubicada en setiembre de 1975 en una localidad provincial, en plena vigencia de la Triple A y en las vísperas del último golpe militar. Ese clima de intimidación e impunidad de los 70, que unificó en la persecución a Argentina con Uruguay, Chile, Paraguay y Bolivia, se colaba hacia el interior del país. El rojo del título tiene que ver, esencialmente, con la sangre que tiñó esa larguísima década. Roja la sangre, rojo el eclipse, rojo el entorno, y la impunidad de un destacado abogado, encarnado por Darío Grandinetti, que lleva una vida cómoda con su mujer (muy buena actuación de Andrea Frigerio) y su hija (Laura Grandinetti, hija de Darío también en la vida real). El trabajo de montaje y de sonido le dan los matices necesarios al film: desde secuencias rumorosas, con mucho público hablando, hasta pasar al silencio de una especie de desierte o al sonido del mar en plena Bristol marplatense, marcan las características de aquellos años: el ruido de las construcciones tapaba los gritos de los “chupados” y vejados.

Un personaje cae literalmente del cielo: el periodista y detective que interpreta Alfredo Castro, que llevará al protagonista a un callejón ético sin salida. Los indicios de que los tiempos son violentos están en la silente primera secuencia (vaciamiento de una casa) y algún comentario en la televisión. El logro de Benjamín Naishtat está por encima de lo que muestra y se escucha: está en el clima logrado con excelentes actuaciones, silencios, una lentitud inapropiada para lo que ocurre. Es una gigantesca metáfora: no es lo que se ve sino lo que nos hace sentir por sobre cualquier hecho.

“Rojo” tiene, además, un diseño de arte estupendo. Desde la recreación de época hasta la misma filmación, con planos y contraplanos hasta personajes con manía de fumar en lugares cerrados, van logrando un espejo de los años menos apacibles de la sociedad argentina. Gran dirección, gran trabajo de Grandinetti.

Elsa Bragato

 

JUEVES 18 DE OCTUBRE DEL 2018.-

Es una semana sin tanques pero con comedias algunas muy buenas, otras aceptables, algo de terror fuerte, y biopic. No está mal.

 

AMOR DE VINILO

De Jesse Peretz. Con Rose Brynm, Ethan Hawke, Chris O’Dowd, entre otros. Música de Nathan Larson. Duración: 97 minutos.

XXXXX-ETHAN HAWKE: EL ENCANTO DE UN GRAN ACTOR

Sin ampulosidad, Jesse Peretz logró una comedia de altísimo vuelo romántico pero sin empalagar, basado en el encanto actoral de sus protagonistas: Ethan Hawke, a quien no veíamos en un papel semejante desde el tríptico “Antes de…” de Richard Linkater, y la muy eficiente Rose Brynm. Una pareja en crisis intenta remontar las situaciones adversas como puede, hasta que reaparece en la vida de ella su músico más admirado: el roquero Tucker Crowe, que encarna Ethan Hawke, un actor que pudo ser galán sin tener una “babyface”, a puro encanto personal, carisma. De cómo este pasado que regresa con 20 años más recae en el espíritu de Annie es la clave de esta narración que no aspira nada menos que a contarnos una historia agradable, que nos permite sonreir con la historia, espejo de muchas situaciones cotidianas y otras soñadas.

Son dos vidas que fascinan a través del mágico encuentro que tienen. Mágico por lo impensado y porque responde a un gran sueño de la protagonista. Por otra parte, Hawke y Brynm demuestran una fluidez en la relación actoral atrapante. Las desventuras cotidianas tienen un momento de sosiego ante este pasado que retorna de la manera menos imaginada. Todo tiempo pasado fue mejor? Gran interrogante porque ese pasado ocurre en el presente. Suele suceder que el romanticismo caiga en lo cursi o empalagoso por lo que hacer una película inteligente es más difícil. Jesse Peretz lo logra con convicción, honestidad y la naturalidad notable de los protagonistas quienes se mueven en un mundo propio. Para disfrutar.

Elsa Bragato

 

GAUGUIN, VIAJE A TAHITÍ

De Edouard Deluc. Guión de Etienne Comar, Edouard Deluc, Sara Kaminsky y Thomas Lilti. Con Vincent Cassel, Malik Zidi, Ian McCamy, Pemille Bergendorff, entre otros.Fotografía de Pierre Cottereau. Música de Warren Ellis. Duración: 102 minutos.

XXXXX- EL HOMBRE Y SU CIRCUNSTANCIA

En el año 1891 el pintor Paul Gauguin, de 45 años, deja París y a Mette Sophie Gad, la joven esposa danesa de Copenhague y a sus hijos y camaradas, para viajar al lejano Tahití buscando su propia inspiración, lejos de cánones rígidos, y lograr su coronación como artista.

El 8 de junio de 1891 pisa por primera vez la tierra de Noa Noa. Se instala en la costa del sur de Tahití, en Mataiea, entre el mar y la montaña, junto a una grieta profunda poblada de carnosos y dorados mangos. Maravillado por los colores brillantes del mar, de los arrecifes de coral y, especialmente, por ese ritmo cansino de los tahitianos, cree haber encontrado el antiguo paraíso. Conoce a una joven nativa, Tehura, se enamora y se casa. Pinta al aire libre como los impresionistas, con talento viril y salvaje. Nada es para siempre por lo que la vida le mostrará su cara más dura: deberá ser estibador y pescador para subsistir, mientras cela a su joven esposa con ferocidad y la diabetes lo debilita cada día más.

El paisaje panorámico del fotógrafo Pierre Cattereau es un plus enorme que tiene este film de Edouard Deluc, un protagonista más que enmarca el personaje de Vincent Cassel, en una muy lograda interpretación del famoso pintor. La protagonista femenina es Tuhei Adams, la joven nativa que da vida a “Tehura”, inmortalizada en las telas de Gauguin. En este sentido, lo formal supera a lo conceptual: Deluc apuntala esta parcial biopic en detalles como los colores que usó Gauguin. Desde la predilección por el amarillo, el violeta, el blanco hasta el azul del mar, todos presentes en la apabullante naturaleza que lo rodeó. Es, en verdad, un retrato de un momento especial en la vida del notable artista, en el que lo cotidiano se coló en su ímpetu creativo mucho más de lo que él hubiese querido. Edouard Deluc narra solo ese momento, con ausencia de profundidad psicológica: el hombre y sus pasiones, el hombre y su circunstancia. Para ver.

Carlos Pierre

 

CRIATURAS NOCTURNAS

TRAILER

https://youtu.be/avUxjq_uulI

De Fritz Bohm. Con Bel Powley, Liy Tyler, Brad Dourif, James Legros, entre otros. Fotografía de Toby Oliver. Música de Martina Eisenreich y Paul Haslinger. Duración: 92 minutos.

XXXXX-TERROR TAQUILLERO

Las historias pueden cambiar con alguna vuelta de tuerca pero las resoluciones son las mismas. El entorno de los bosques, con halos de misterios sepulcrales, personajes jóvenes presas de extraños espíritus o pesadillas, y alguien que aparece como salvador, es el story board básico de estas películas. En este caso, se trata de Anna (Bel Powley), quien pasó su infancia encerrada en la casa de un siniestro hombre que decía ser su papá. Tiene un oído muy especial por haberse acostumbrado a detectar sonidos. Por suerte, la sheriff del lugar la encuentra y la libera. Sin embargo, esa horrible niñez no la dejará en paz.

En líneas generales, el clima opresivo y siniestro está logrado por Fritz Bohm, cineasta nacido en Berlín quien debuta como realizador con este film. Por un lado, plantea una serie de premisas sobre la adolescencia y la niñez, tema más que amplio y complejo, y por otro, se entrega sin titubeos a los clishés que maneja sin sorpresa para los conocedores del género. No obstante, su incursión es loable porque, lejos de lo estrictamente gore, enfoca el terror en la mente y no en la crueldad física. De esta manera, Bohm se suma al terror taquillero a partir de una mezcla de la ingenuidad de los films independientes con el terror clásico del género.

Elsa Bragato

 

LA CASA DEL ECO

TRAILER

https://youtu.be/hs2cE2q7d3I

De Hugo Curletto. Con Guadalupe Docampo, Rubén Gattino, Gerardo Ottero, Pablo Tolosa, Gina Cacvagna, entre otros. Música de Tomates asesinos. Fotografía de Sebastián Ferrero. Duración: 93 minutos.

XXXXX- COMPLEJO PLANTEO EXISTENCIAL

Hugo Curletto es un reconocido hombre de los medios cordobés. Con “La ciudad del eco”, se lanza al largometraje trabajando un tema complejo, un intenso thriller psicológico que desnuda los vacíos existenciales que padecemos. A partir de una narrativa fragmentada entre el viaje de Alejo y Ana hacia el pinar (la zona de Alpa Corral, Córdoba), una pared que se derrumba (Alejo es arquitecto), la hija gimnasta Helena, el parco baqueano, su oficina, el laboratorio de Ana, Curletto nos enfrenta al cambio abrupto, de un segundo al otro. Dónde está la realidad de Alejo que pareciera ser la nuestra? En el bosque, en la ciudad., en sus insomnios, en su deseo de ser padre, en la repetición humana que significa engendrar, en el mismo eco al que cree dominar? El trabajo narrativo es muy interesante aunque denso: cansino, melancólico, cargado de vacíos, cierta solemnidad en los diálogos, caracterizan esta sólida historia, que perturba. Es un film inquietante que da cabida a la pregunta existencial sobre el tiempo y el espacio, realidad o irrealidad. De una u otra manera, Curletto resignifica  y busca, con imágenes, el sentido de la vida.

Elsa Bragato

 

APÓYATE EN MÍ (LEAN ON PETE)

De Andrew Haigh. Transposición de la novela de Willy Vlautin. Con Charlie Plummer, Steve Buscemi, Amy Seimetz, Chloe Sevigny, Steve Zahn, entre otros. Música: James Edward Barker. Fotografía: Magnus Nordehof Jonck. Duración: 121 minutos. Reino Unido.

XXXXX-CAMINO A LA ADULTEZ

Charley Thompson (encarnado por Charlie Plummer, ganador del premio Marcello Mastroianni como Revelación   de la Muestra de Venecia 2017) es un adolescente de 15 años que convive con su padre en un suburbio de Portland, Oregon. Cuando éste muere, inicia una suerte de road movie hacia el Este en busca de un único familiar que tiene. Su caballo es especial: trabajando para un cuidador de equinos, roba el animal que iba a ser sacrificado por estar muy golpeado. Se llama “Lean on Pete”, el nuevo amigo de cuatro patas. Ambos van por un polvoriento itinerario, a merced del clima, con hambre y sed, sin dinero. Estoicos y tenaces.

Todo un desafío del realizador inglés Andrew Haigh el compenetrarse de la mentalidad norteamericana, ayudado por el magnífico trabajo de Charlie Plummer y el entorno panorámico del oeste que retrató el excelente fotógrafo Magnus Nordenhof. Atiene un plus: el realizador no mostró la miseria humana con demagogia sino con naturalismo, sin sensiblería o golpes bajos  cuando el dolor y la muerte acecharon al hombre y al caballo.  Steve Buschemi y Chloe Sevigny tienen roles secundarios de gran soporte para el arrollador personaje de “Charley” y, aún quedando en desventaja de exposición, son lo suficientemente sólidos como para convertirse en inolvidables. La narración esaustera, fuerte, que muestra la lucha por la supervivencia de un jovencito solo por su espíritu de perseverancia y la amistad encontrada en un fiel animal. Es la iniciación en la adultez a partir del difícil camino heredado: la nada misma. El espíritu de lucha lo salva y lo redime. Fuerte, dura, dramática. Para ver.

Carlos Pierre

 

1)  ALL INCLUSIVE, de Diego y Pablo Levy. Con Mike Amigorena, Julieta Zylberberg, Alan Sabbagh. Come romántica. Argentina

TRAILER

https://youtu.be/E399uGpbd8Y

 

2)      ARGENTINA ANIMADA, de Sokolowicz y Víctor Leali. Animación argentina.

TRAILER

https://youtu.be/SjylEhPFo00

 

3)      Mary y la flor de la hechicera, de Yonebayashi. Animación japonesa.

TRAILER

https://youtu.be/cNfN_37lOeM

 

JUEVES 11 DE OCTUBRE DEL 2018.-

De la variedad de estrenos fílmicos que llegan a nuestras salas, vamos a recomendar cuatro: “Nace una estrella”, “Doblatov”, “Christopher Robin, un encuentro inolvidable”, y la nacional “Familia sumergida”. Se proporcionarán datos de otros filmes o documentales que se estrenen.

 

CHRISTOPHER ROBIN. UN ENCUENTRO INOLVIDABLE

De Marc Forster sobre una historia de Alex Ross Perry. Con Ewan McGregor, Hayley Atwell, Bronte Carmichael, Mark Gatiss, entre otros. Fotografía de Matthias Foenisgweieser. Música de Jon Brion y Georg Zanelli.   Duración: 104 minutos.

XXXXX-LOS MEJORES RECUERDOS EN AGRADABLE COMEDIA

En el 2017 asistimos al estreno de la biografía de AA. Milne, creador del famoso muñeco Winnie-the Pooh- Entonces, la familia de Milne fue el centro de la historia, enfocada a su vez en su pequeño hijo Christopher Robin. En esta oportunidad, el guion se centra en “Chris”, ya adulto, y la aparición de los recuerdos de tantos muñecos que acompañaron su infancia muy especial. La factoría Disney consigue otra historia emotiva, de estructura clásica, que gusta a grandes y chicos porque conmueve y devuelve recuerdos.

Christopher Robin ha perdido su idílica infancia vivida junto a un grupo de animales de peluche en el Bosque de los Cien Acres, que creara su padre. Ahora es un adulto atrapado por un trabajo que lo sobrecarga de responsabilidades y, entre ellas, la de decidir el futuro de la empresa y sus empleados. Su familia, compuesta por una joven esposa y una pequeña hija, lo preocupan en demasía por los apremios laborales que está sufriendo a manos de su jefe, Giles Winslow (Mark Gatiss). El destino le depara dos sorpresas claves que no podemos contar salvo la que está en el título: el reencuentro inolvidable con los peluches de su infancia quienes, a través de mecanismos maravillosos de imaginación y realidad, lo ayudarán.

Por sobre la historia, que, aunque de realización clásica, tiene muchos rasgos de originalidad, está la actuación de Edward McGregor quien tiene una vastísima trayectoria bajo grandes directores, entre ellos, Woody Allen. Con un encanto reiterativo, es una buena opción para toda la familia.

Carlos Pierre

 

NACE UNA ESTRELLA

De Bradley Coopor. Con Bradley Cooper, Lady Gaga, Sam Elliott, Andrew Dice Clay, Bonnie Somerville, William Belli, Steven Ciceron, entre otros.. Basada en la historia escrita por William A. Wellman y Robert Carson. Fotografía de Matthew Libatique. Canciones a cargo de Lady Gaga, Bradley Cooper, Luke Nelson y Mark Ronson. Duración: 135 minutos.

XXXXX-EL HOLLYWOOD QUE ADMIRAMOS

En su carta remake, llega una historia inolvidable de Hollywood: la vida un famoso actor adicto al alcohol que descubre en una camarera una voz notable. Al mismo tiempo que nace el romance entre ellos, va creciendo su compañera. La versión que más recordamos es la de Barbra Streisand y Kris Kristofferson realizada en 1976, versión homónima de la película de 1954, con Judy Garland y James Mason, y, finalmente, basadas todas en la primera versión de 1937, de William A. Wellman, que estelarizó Janet Gaynor junto a Fredich March, con música del gran  maestro alemán Max Steiner.

Lady Gaga es la estrella por excelencia de esta versión, acompañada por un excelente Bradley Cooper, ganador de premios Oscar, enorme actor de gran ductilidad que, al mismo tiempo, dirige. Entre ambos conforman una de las parejas protagónicas más fuertes del Hollywood actual, solventes, atrapantes. Aún cuando se pueda tildar de “romanticona”, es una historia conmovedora de amor, pasión, arte, caída. Lady Gaga es una revelación que no asombra: el compositor argentino Jorge Calandrelli redescubrió a Lady Gaga como émula de Barbra Streisand en versiones que la cantante realizó junto al mítico Tony Bennett. De aquella jovencita que se colgaba con raros arneses en los MTV Music Awards, a esta notable actriz y cantante existió el camino de la perseverancia y estudio por sobre el talento innato que posee. Gran película para los que amen los musicales, actuaciones memorables de Lady Gaga y Bradley Cooper. No se la pierdan aunque al final se les rompa el corazón. La historia la conocemos, si bien estrenaremos lágrimas.

Elsa Bragato

 

DOVLATOV

TRAILER

https://youtu.be/z0rfXj9nfXE

De Aleksey German Jr. Con Artur Beschastny, Danila Kozlovsky, Milan Maric, Anton Shagin, HJelena Sujecka. Diseño de producción de Elena Okopnaya. Fotografía de Lukasz Zal. Duración: 126 minutos. Coproducción de Rusia, Polonia y Serbia.

XXXXX-UNO DE LOS MEJORES FILMS DEL AÑO

Aleksey German Jr logra un film de antología en esta breve biopic del escritor judío ruso Serguéi Dovlatov. La historia comienza el 1ro de noviembre de 1971, en una de los departamentos de la vieja URSS que obligaba a compartir los cuartos con diferentes familias. Dovlatov es una suerte de guía narrativa, de la misma manera que Owen Wilson lo fue en “Medianoche en París” de Woody Allen. A través de siete días, German Jr retrata la vida intelectual marginal, opositora al régimen, que Dovlatov recorre cumpliendo con su tarea de periodista de un diario insignificante mientras intenta contactarse con alguien poderoso que lo ayude a ingresar a la Unión de Escritores. Si nadie le publica algo en una revista aceptada por el régimen, nunca podrá editar un libro. No pasará del submundo intelectual. Su suerte es la de muchos, como la del poeta Brodsky, que emigró tempranamente a los Estados  Unidos falleciendo en estas tierras. Con el tiempo, Dovlatov seguiría sus pasos.

La fotografía muy sepia, casi siempre en ambientes plagados de humo de cigarrillo o en exteriores con neviscas muy fuertes, es uno de los logros del film, que utiliza la toma-secuencia y el medio plano casi constante para permitir el ingreso y salida de numerosos personajes que habitan la nocturnidad de Leningrado. Beben, charlan, intercambian libros, buscan padrinazgos posibles para ingresar al Sindicato – o unión- de Escritores, requisito sine qua non sin para editar sus libros. Para Dovlatov, arrodillarse ante uno de estos nexos, abominables por lo que se ve (y lo que siempre se supone), resulta inaceptable.

A partir de este lineamiento argumental, el realizador Aleksey German Jr plasma un retrato vívido de la sociedad rusa de esa década, con ciertas humoradas que remiten a las guerras mundiales y a una catarata de los nombres de escritores rusos, algunos muy famosos en Occidente. La subsistencia difícil no lo aleja de su pequeña hija ni de una relación con altibajos con su ex mujer. La presencia del régimen comunista aparece súbitamente, quiebra la narración por un momento, para luego retomarla con el mismo ritmo del comienzo; el jazz, contrabando y algunas bromas recurrentes aligeran la narración que es atrapante a pesar de su densidad.

Elsa Bragato

 

FAMILIA SUMERGIDA

TRAILER

https://youtu.be/JINgtVWtEGk

De María Alché. Con Mercedes Morán. Marcelo Subiotto, Esteban Bigliardi, Diego Velázquez, Laila Maltz, La Artetaq, Federico Sack. Fotografía de Helene Louvart. Música de Luciano Azzigotti. Edición de Livia Serpa. Sonido de Julia Huberman. Dirección de arte de Mariela Ripodas. Duración: 91 minutos.

          xxxxx – LA REALIDAD TAN TEMIDA

Mercedes Morán se ha constituido en pocos meses en la actriz con más presencia en el cine nacional, a través de personajes muy disímiles que demuestran su enorme calidad interpretativa. En este caso, es la protagonista de “Familia sumergida”, título muy sugestivo de la debutante en largometrajes María Alché, premiada en San Sebastián por la dirección. Se trata de una narración muy rica fotográficamente y sin fisuras de guion, no hay altibajos sino fluidez. Ambos aspectos confieren a “Familia sumergida” solidez a través de una historia atrapante a pesar del modo cansino que Alché adoptó. Mercedes, a cargo de Mercedes Morán, acaba de perder a su hermana, debe desalojar el departamento, tiene un marido que viaja mucho y es muy poco afectivo y tres hijos adolescentes con sus incipientes vidas y discusiones rondándola. Mercedes Morán es omnipresente aunque no esté: Alché utiliza un recurso muy inteligente al poner en primer plano las vicisitudes de los personajes que no tienen nada que ver con los problemas que enfrenta Marcela, pero ella está. O pasa frente a cámaras o está por detrás. Está. La presencia de un joven amigo de su hijo será un momento de inesperado rescoldo espiritual, aunque luego la realidad la sumergirá nuevamente en la vida de todos los días.  Destacamos ese “estar” de Mercedes Morán: es un rasgo distintivo de la realizadora, que utiliza flashback inesperados como la presencia de familiares ausentes, un recurso que manejó sabiamente Ingmar Bergman. Es una narración sin fisura, con una pátina fuerte de melancolía.

Elsa Bragato

 

QUÉ PUEDE PASAR

TRAILER

https://youtu.be/vI2yXBBpGUQ

De Andrés Tambornino y Alejandro Cruz. Guion de Pablo Mir, Miguel Gruskoin, Gabriel Sucari y Alejandro Cruz. Con Luciana Salazar, Mirta Busnelli, Osvaldo Santoro, Darío Lopilato, Emilio Disi, Grego Rossello, Luis Ziembrowski, Alejandro Muller, Chang Sung Kim, Magui Bravi, Inés Palombo, entre otros. Fotografía de Iván Grodz. Música de Martín Bianchedi.   Duración: 90 minutos.  

XXxxx-¿¡QUÉ LES PASÓ?!                             

“Qué puede pasar?” es el título de esta película pasatista nacional que cuenta con un elenco de gran nivel. Sin embargo, como cada actriz o actor se constituye en el eje de la secuencia que le tocó en suerte, no resulta un elenco amalgamado. Los personajes parecen insertados a la fuerza armando un collage burdo. Esto nos obliga a pensar que los cuatro guionistas tuvieron ideas muy diferentes sobre el producto final. Si este mix fue lo buscado, ha sido un gran error.

Darío Lopilato como Marito y el ascendente Grego Rosello como Peter quieren hacer una fiesta bien a la americana (pensamos en películas como “Qué pasó ayer?”). El primero queda a cargo de la casa paterna (Osvaldo Santoro y Mirtha Busnelli como papá y mamá en apariciones fugaces) y del negocio de electrodomésticos. Luciana Salazar es una las figuras rutilantes del film, de escasa participación, así como rescatamos la última aparición del querido Emilio Disi, quien compone a un anciano millonario que está en silla de ruedas llamado Hans Miller. La fiesta al estilo yanqui así como la presencia de damiselas en “Qué puede pasar” son todas excusas traídas de los pelos que no arrancan ni una sonrisa. Hay que preguntarse, con justa razón, ¿qué les pasó?

Carlos Pierre

 

OTROS ESTRENOS DE LA SEMANA

1)       HASTA QUE ME DESATES, de Tamae Garateguy. Argentina.

TRAILER; https://youtu.be/S49i3VyGkGQ

2)       MARILYN, de Martín Rodríguez Redondo, Argentina.

TRAILER: https://youtu.be/23r1Nx7QkqM

 

3)       ESCALOFRÍOS 2, de Ari Sandel, Estados Unidos.

TRAILER: https://youtu.be/2FMddAYgorA

 

4)       EN PELIGRO, de Matías Szulansk.

TRAILER: https://youtu.be/d48ueeKpRgA

 

JUEVES 4 DE OCTUBRE DEL 2018.-

“El potro” es el film nacional de la semana, rodeado de buenas producciones internacionales.

 

 

EL POTRO, LO MEJOR DEL AMOR

De Lorena Muñoz. Con Rodrigo Romero, Florencia Peña, Jimena Barón, Fernán Mirás, Daniel Aráoz, Malena Sánchez, Diego Cremonesi, entre otros. Fotografía: Daniel Ortega. Música de Pedro Onetto. Duración: 122 minutos.

XXXXX-EXCELENTE NARRACIÓN DE LORENA MUÑOZ

Faltaban horas para su estreno y se desató alguna que otra polémica. Los espectadores, en su gran mayoría, más que agradecidos por esta versión de la vida de Rodrigo Bueno que realizó Lorena Muñoz, una consagrada directora y documentalista argentina que ya asombró con “Gilda, no me arrepiento de este amor”.

Los comienzos en la música de Rodrigo Bueno, la relación con su padre, sus muchas novias, la presencia de su madre Beatriz Olave, la muerte de su padre, la relación con Patricia que fue la madre de su único hijo, y la vida enloquecida de los músicos que los fines de semana hacían y hacen varios boliches a riesgo de la vida. La vida en sí y los excesos, que también existieron y fueron vistos por miles de personas entre bambalinas. Sexo, algo de droga, mucho alcohol. Es notable la actuación de Rodrigo Romero así como no dio el physique du rol la estupenda Florencia Peña. Comienzos, apoteosis, final, un clásico de las biopics que Lorena Muñoz maneja como muy pocos directores.

Biografía muy lograda, sin fisuras narrativas de ningún tipo, que retrata lo que conocimos públicamente del artista cordobés. Atrapa, subyuga, y conmueve, aún con dos escenas fuertes, de sexo y droga, realizadas con decoro. La secuencia del accidente es una de las mejores que hemos visto en el cine. Lorena Muñoz logró un film estupendo y muy valioso.

Elsa Bragato

 

 

1)       JOHNNY ENGLISH 3, de David Kerr, con Rowan Atkiinson. Regresa el cómico inglés convertido en la única salvación del servicio secreto de su país para terminar con un ciberataque.

https://youtu.be/jtH52I8YmQc

“Es como ver una comedia con una lupa. Esto debería estar en una secuela o en un museo de comedia. Tiene algunas escenas que haen reir”, de Owen Gleiberman, Variety.

 

“Se limita a ofrecer bromas forzadas, una trama estúpida y personajes tan mal diseñados que hacen que Míster Bean parezca obra del mejor Ingmar Bergman”, de Stephen Dalton, The Hollywood Reporter.

 

2)       ANIMALES EN APUROS, de Víctor Azeev, animación rusa. Nos habla de la amistad de un gato y un castor y cómo estrechan fuerzas para salvar a sus amiguitos de los alienígenas.

TRAILER

https://youtu.be/ImxTqkYLclU

 

La animación en sí es una pequeña maravilla del cine ruso, del que casi no se conoce nada al respecto. Si bien, aclaramos, los clásicos para los chicos tienen versiones magníficas en el idioma de Pushkin. La historia en sí tiene muchos personajes que van y vienen alrededor de los dos protagonistas y esto confunde a los más chiquitos, para quienes el film va destinado. Sin embargo, entretiene de principio a fin y muchas veces alcanzar este objetivo vale más que entender los saltos de guion. EB

 

3)       ETERNO PARAÍSO, de Walter Becker. Con Matías Mayer, María Abadi, Guillermo Pfening, entre otros. Pablo y Esperanza se conocen desde chicos. Cuando Esperanza es atacada en la vía pública y entra en estado de coma, Pablo busca en los escritos de su padre una salida que puede ser real o virtual.

 

 Información: se anuncian también los estrenos de “El tiempo compartido”, de Mariano Laguyas, y de “Música para casarse”, de José Militano.

 

 

EL INTÉRPRETE

https://youtu.be/Vi6nfIPOJZE

 

De Martín Sulik. Con Jiri Menzel y Peter Simonischek. Cinematografía de Martin Strba. Música de Vladimir Godar. Duración: 113 minutos. Eslovaquia, República Checa y Austria. Hablada en Eslovaco.

XXXXX-ENCUENTRO CON EL PASADO

Hurgando en el siniestro Holocausto producido por los Nazis, Martin Sulik encuentra un relato potente y emotivo entre dos personajes descendientes de judíos y alemanes, donde sus antagónicas personalidades otorgan la cuota de humor inteligente requerida. “El intérprete” es una intensa comedia dramática que dos grandes actores llevan adelante: Jiri Menzel como Ali Ungár de 80 años, el traductor de religión judía, y Peter Simonischeck como Georg Graubner, de 70 años, hijo de un jerarca nazi que llevó adelante la matanza del pueblo checoslovaco.

Menzel es un descendiente del horror sobrellevando la carga de tristísimos eventos familiares y la dignidad suficiente para sobrevivir sin rencor. Por su parte, el actor Simonischek compone a un Graubner extrovertido quien ve la vida de otra manera. Le gusta beber, fumar, y conquistar a las mujeres. Nada más que fotos de la época de la guerra le recuerdan que su padre fue un feroz asesino.

Ambos hombres emprenden un raro viaje en busca de sus verdades. “Graubner” necesita saber qué hizo su padre mientras que Ungár oficia de traductor intuyendo el horror al que se enfrentará su ocasional compañero de viaje. Y que es el quid de la historia.

Sulik no se propone resolver ninguna grieta sino mostrar cómo funciona la herencia de esa tragedia mundial hoy a través de una road movie que va adentrándose en recuerdos cada vez más trágicos. Sin redención para los hechos ocurridos, la historia de Martin Sulik es un fresco de ese pasado que subsiste en la sociedad europea actual. Conmueve con inteligencia sin caer en demagogias o en dedos acusadores.

 

Elsa Bragato

 

 

ATREVIDAS

https://youtu.be/sxZLVK90mFU

 

De Matías César Tapia y Carlos Piwowarski. Con Sofía Bertolotto, Coral Cabaglio, Azul Fernández, Chucho Fernández, Juan Tupac Soler, Mirta Wons. Fotografía de Jorge Piwowarski-Roza. Arte de Lucía Onofri. Sonido y música de Pablo Sala. Duración: 70 minutos.

XXXXX- GRAN FIASCO

Es difícil comentar un film nacional donde la elementalidad supera cualquier otro parámetro de producción: con buenas actuaciones, destacándose la siempre eficaz Mirta Wons, nos topamos con una historia pobrísima de dos chicas que se las traen.

Una de ellas, “Dolo”, se separa y se va a vivir a la casa de su mejor amiga, “Ana”, desconociendo que entre ésta y su marido hay una relación amorosa. En charlas anodinas conocemos algo más de los personajes protagónicos con la inclusión de un extraño vecino, una vecina insistente y un policía novato.

Inesperadamente, mientras la convivencia de las chicas se hace insoportable, ocurre un hecho que transforma la comedia en un policial (dicho esto con gran eufemismo) incluyéndose un paso de comedia negra propio de un fin de curso.

Hacer cine requiere tener creatividad porque no hay nada nuevo bajo el sol, además de necesitarse de un manejo de cámaras ágil así como de una post producción donde haya inventiva por sobre las carencias.

Elsa Bragato

 

 

EL PROCESO

https://youtu.be/JVP73_3MUO0

Documental de María Augusta Ramos. Fotografía: Alan Schvarsberg, Edición: Karen Akerman. Coproducción entre Brasil, Alemania y Holanda. Duración: 139 minutos.

 

XXXXX-EL CASO “DILMA ROUSSEFF”

A partir de la pura observación, se narra en este documental la destitución de la ex presidenta de Brasil, Dilma Rousseff ocurrida en el 2016. No hay entrevistas ni narración en off, mostrándose la intimidad del equipo de defensa de los senadores de izquierda así como la defensa ejercida por la mismísima presidenta Dilma Rousseff, acusada de crímenes fiscales y cargos de corrupción por el ala derecha de la oposición.

El principal arquitecto de este juicio que terminó con el derrocamiento de Rousseff estuvo a cargo del vice-presidente Michel Temer, quien fuera su aliado. Valiéndose del apoyo de la mayoría de los senadores logró derrotar a Dilma Rousseff. El documental cuenta con una muy buena fotografía que muestra la muy especial arquitectura de la ciudad de Brasilia, construida en una zona desértica convertida en vergel gracias a la ingeniería y la arquitectura que lograron construir un inmenso lago con el desvío de un río amazónico. Es en la casa de los Representantes y en la Senaduría donde se llevó a cabo esta destitución, contada a partir de la realidad misma, sin explicaciones ficcionales. Curiosamente, se estrena tres días antes de las nuevas elecciones presidenciales en Brasil, que ocurrirán el próximo domingo 7 de octubre con la ausencia de Lula Da Silva, quien está preso. La realidad latinoamericana se impone por sobre la ficción.

                                                              Carlos Pierre

 

 

 

 

VENOM

https://youtu.be/bp-EB9Z2GjA

 

 

De Ruben Fleischer. Con Tom Hardy, Michelle Williams, Riz Ahmed, Woody Harrelson, Michelle Lee, entre otros. Fotografía de Matthew Libatique. Música de Ludwig Goransson. Duración: 112 minutos.

XXXXX- “BACTERIÓN” PARA NUEVA SAGA

Venom es otro monstruo del mundo Marvel. Hizo alguna que otra aparición fugaz pero le faltaba su propia saga. He aquí el comienzo con Tom Hardy como el ser humano que “aloja” a esta suerte de bacteria alienígena. Enemigo mortal de Spider-Man, renace en la bellísima San Francisco en un laboratorio ubicado a orillas de la bahía que es cruzada por el famoso Golden Gate, a raíz de una nave espacial humana que se estrella en las inmediaciones. “Alguien” carga con el “bacterión” que, con solo tocar a otra persona, le transmite su brutal fuerza. Se lo llama “simbionte”.

En el laboratorio de Carlton Drake se prueba con animales y seres humanos la simbiosis entre el “simbionte” y el ser humano. Cómo un cuerpo sobrevive dentro de otro-. El superhéroe es un joven periodista, Eddie Brock, que investiga la Fundación Vida. Por distintas circunstancias que generan mucha acción y, por consiguiente, atrapan, el futuro monstruo logra meterse en su cuerpo. De aquí en más, la película gana en agilidad con secuencias muy efectistas: “Venom” no disculpa a nadie, come de un solo bocado a un ser humano. La tarea de “Brock” es educar a este siniestro ser que alberga y, de paso, tratar de vivir su vida. Al estilo “Hulk”, si Brock se enoja mucho que, en verdad, se enoja “Venom”, le salta por los ojos y la boca y no es nada lindo. Es un sustón de aquéllos.

Los efectos especiales son conocidos y eficaces. Entre Deadpool y algún justiciero pendula “Venom” que, de ahora en más, tiene su lugar en el cine. Tom Hardy cuenta con oficio suficiente para componer este doble papel. A los fans de este tipo de terror-cómico les encantará. Digerible!!!!!!

Elsa Bragato

 

 

JUEVES 28 DE SETIEMBRE DEL 2018.-

 

Varios estrenos nacionales llegan nuevamente a la pantalla grande, así como animaciones para toda la familia, y, entre otros géneros, temas adultos a través del cine francés. Hay tres films excelentes: “La noche de 12 años”, producción que representará al Uruguay en los Premios Oscar y Premios Goya respectivamente, y “La número uno”, película francesa de grandes actuaciones y tema actual.

 

 

l) PIE PEQUEÑO, animación de Karey Kirk Patrick y Jason Reisy. Animación que da vuelta la historia de “Pie grande”.

TRAILER

https://youtu.be/EJkwF3JRIV8

“Causa una grata impresión. Tiene suficiente encanto y profundidad para justificar su ligera existencia”, de Michael Rechtshaffen, The Hollywood Reporter.

 

 

2) MILLA 22, de Peter Berg. Peligrosa misión de transportar material radioactivo en tierras enemigas.

TRAILER

https://youtu.be/U0a-itFtVTk

“Queda claro que el director sabe cómo ir al grano. Cuando termina, no deja nada de provecho. No te hace pensar ni ofrece matices para contemplar”, de Todd McCarthy, The Hollywood Reporter.

“Está confundida y es confusa. Por suerte, tiene algunas de las escenas de acción más vibrantes desde las películas de John Wick”, de Chris Nashawaty, Entertainment Weekly.

 

 

3) DIOS EN EL CAMINO, de Harold Cronk. Una joven pierde a su marido en Afganistán y se ve sola en la vida para criar a su hija.

TRAILER

https://youtu.be/QSz3hTJTluM

“Parece diseñada con un programa de computadora para tocar todas las fibras del corazón americano”, de Frank Scheck, The Hollywood Reporter.

“Los personajes en gran medida son peones inspiradores en lugar de personas tridimensionales”, de Pat Padua, The Washington Post.

 

 

4) LUCKY, de John Carroll Lynch.

Trailer

https://youtu.be/MyOOxSsPktE

Memorable historia a manera de testamento cinematográfico del notable actor Harry Dean Stanton (falleció en setiembre del año pasado a los 91 años). Es una historia crepuscular, cómo vivir la vida cuando se ha superado el límite de los 80, por lo que tiene desenfado en el accionar y el habla del anciano protagonistam Lucky, basándose además en la propia vida del actor. David Lynch, creador y actor de relevancia, esta vez compone al amigo de “Lucky”, que anda buscando a su tortuga casi centenaria. La película es un canto a la vida en el final de la vida misma, con ironía propia de la sabiduría existencial. EB

“Harry Dean Stanton hace una interpretación para el recuerdo. Una actuación maravillosa, sacada con maestría de los restos de una vida llena de actuaciones maravillosas”, de David Ehrlich, IndieWire.

5) SANGRE BLANCA, de Bárbara Sarasola-Day. Con Eva de Dominici, Alejandro Awada, Rakhal Herrero, entre otros. Habla de las “mulas” de droga, la muerte de la pareja de “Martina” (Eva de Dominici) y los problemas familiares de envergadura que la obligan a llamar a su padre por ayuda. Thriller con una fotografía en calidad de protagonista de la frontera entre Argentina y Bolivia. Buena recepción de la crítica en general.

 

LA NOCHE DE 12 AÑOS

De Álvaro Brechner. Con Antonio de la Torre, Chino Darín, Alfonso Tort, Soledad Villamil, Silvia Pérez Cruz, entre otros. Fotografía de Carlos Catalán. Música de Federico Jusid. Duración: 123 minutos. Argentina-España-Francia-Italia.

XXXXX-HISTORIA QUE NO SE DEBE OLVIDAR

Dirigida por Álvaro Brechner, realizador hispano-uruguayo (“Mal día para pescar” y “Kaplan”) “La noche…” está basada en la historia real de tres revolucionarios uruguayos que fueron capturados por la dictadura miliar en los 70: en otoño de 1973, fueron sacados de sus celdas nueve presos tupamaros. Para tres de ellos (José Mujica, Mauricio Rosencof y Alfonso Tort), la orden fue “volverlos locos” sin llegar a quitarles la vida. Con mancomunada y heroica resistencia los tres presos, a pesar de estar en celdas individuales, apelaron a su ingenio para comunicarse a fin de enterarse de lo que cada uno podía saber del exterior. Se armaron un código original basado en el cifrado golpeteo en las paredes, rudimentario lenguaje que, sin embargo, los salvó de la locura abismal como consecuencia del aislamiento y los sufrimientos recibidos.

El español Antonio de la Torre encarna a José Mujica con maestría apelando a un excelente estudio del acento uruguayo para hablar, mientras que el argentino Chino Darín  se puso en la piel del intelectual Mauricio Rosencof, así como el actor uruguayo Alfonso Tort interpretó a su coetáneo Eleuterio Fernández Huidobro. Soledad Villamil y Silvia Pérez Cruz completan el elenco con breves pero atinadas actuaciones.

Por sobre las actuaciones, profundas y verosímiles, está la concepción alcanzada por el director Brechner, basado en “Memorias del calabozo” que escribieron dos de los tres sobrevivientes de esta larga noche de más de una década: Huidobro y Rosencof. Arduamente repensaron los detalles de tanto tiempo sometidos a una progresiva flagelación de sus físicos y sus mentes, a una degradación que no llegó a ser tal por el instinto de supervivencia. Es un intenso drama con el sobrevuelo de cierto humor negro que aligera la pesada carga de dolor de cada prisionero. Emoción, profundidad, memoria viva siempre sobre un “nunca más” que recorre la historia rioplatense. Aunque desgarradora, es una historia necesaria que se agradece.

                                                                       Carlos Pierre

 

 

LA NÚMERO UNO

TRAILER

https://youtu.be/4KIHCk4CtE8

Guion y dirección de Tonie Marshall. Fotografía de Julien Roux. Edición de Marie-Pierre Frappier. Con Emmanuelle Devos, Suzanne  Clemente, Richard Berry, Benjamin Biolay, Sami Frey, entre otros. Música de Fabien y Mike Kourtzer. Duración: 110 minutos.

XXXXX-PODEROSA VISIÓN DE LA LUCHA LABORAL FEMENINA

La actriz, directora y guionista Tonie Marshall (trabajó en varias películas de Jacques Demy) centró su visión femenina sobre el destino de cualquier mujer que tiene como meta profesional ocupar un alto cargo, por lo general, reservado a los varones.  El guion lo escribió junto a Mario Doussot y Raphaelle Braqué: tres mujeres se propusieron encontrar el meollo de esta lucha tan desigual que enfrenta el sexo femenino a diario. Sin embargo, encontraron la forma de llegar al personaje que encarnó a la “número uno”, a una poderosa mujer que deberá lidiar, como en una trinchera, con las envidias masculinas.

Emmanuelle Blachey está encarnada por la notable tocaya de apellido Devos. Es una brillante ingeniera que ingresó al comité de una compañía de energía eólica. Un grupo de mujeres influyentes le proponen que vaya por más: que conquiste la dirección de una empresa ubicada en el Top 40, que sea la CEO de ese mundo hostil, netamente masculino. La narración de Marshall se torna atrapante: Emmanuelle tiene dudas y es vulnerable pero, como toda mujer, tiene una caparazón a fuerza de choques. Ascensos y descensos en su vida y en la profesión, van curtiendo su temperamento que le permite enfrentar a una docena de varones autosuficientes en una sala de situación. Es tan veraz la historia que plantea Tonie Marshall que atrapa a partir de diálogos inteligentes, de situaciones que perturban, junto a una fotografía futurista de Julien Roux quien se mueve como pez en el agua dentro del centro económica de la luminosa París. La “ciudad luz” de los puentes y de los Campos Elíseos dan lugar a una visión nada turística de la capital de Francia. Difícil de olvidar la actuación de Emmanuelle Devos en su estupenda “Emmanuelle Blachey”.

Carlos Pierre

 

 

DIEZ MENOS

De Roberto Salomone y Daniel Alvaredo. Con Diego Pérez, Daniela Viaggiamari, Ariel Perez de María, Soledad García, Daniel Alvaredo, Roly Serrano, Jimena Anganuzzi, entre otros. Fotografía y cámara de Jorge Piwowarski. Sonido y Música de Pablo Sala. Duración: 85 minutos.

XXXXX- RECOMPENSA DIVINA

Diego Pérez tiene el peso de un protagónico hecho a su medida: la historia de Quique, un trabajador que ama a su mujer, tiene profunda fe católica y se conforma con tener una moto. Colaborador del sacerdote del barrio (don Eduardo, a cargo de Daniel Alvaredo), un buen día aprende de golpe que su suerte es otra: su mujer lo abandona, lo echan de la casa que alquila, pierde el trabajo y le roban la indemnización. Como nunca está dicha la última palabra, el destino le traerá el “salvataje” profesional y personal luego de atravesar por situaciones insólitas e inesperadas. Cuenta con la amistad de “Ramón” (un querible Roly Serrano), tiene encuentros entre platónicos y reales con una exótica cliente de la pizzería de Ramón, y hasta el párroco no lo soporta más.

He aquí una historia más que lineal, previsible, conocida, que tiene a su favor el enorme carisma de Diego Pérez, al que se le cree su bondad a ultranza así como su enojo con Dios. Es una película simple, sin pretensiones, bien realizada, que solo pretende contarnos lo que sabemos y conviene recordar: siempre hay otra oportunidad.

(El título se refiere a los 10 Mandamientos de la iglesia Católica: desanimado, Quique descree de todos los principios que recibió. O sea, “diez menos”)

Elsa Bragato

 

 

SLENDER MAN

De Sylvain White. Con Joey King, Annalise Basso, Javier Botet, Julia Goldam Telles, entre otros. Fotografía de Luca del Puppo. Música de Ramin Djawadi. Edición de Jake York. Duración: 92 minutos.

XXXXX-FANTASMAS CIBERNÉTICOS

Que asusta, nadie lo puede negar. De principio a fin, este “esbelto o delgado hombre sin rostro” ´pone los pelos de punta. Las cuatro adolescentes que se animan a jugar con un video que no hay que ver en una noche de “pijamada” con mucha vodka tendrán su merecido. Es decir, serán abducidas por el video que tienta desde una computadora portátil. La idea era ver pornografía femenina pero asustarse, sentir el horror, las tentó más.

Sencillo argumento, tiene a su favor la postproducción y en especial el trabajo en el sonido, clave para sentirse espantado buena parte de los 92 minutos ee duración. Y, como segundo atractivo para los amantes del género, es muy actual: “Slender man” surgió de internet, en especial, del llamado “Something Awful”, un sitio que acumula las leyendas urbanas de todo tipo. Si antes era el teléfono y su “fingtone” ahora es la compu y su mundo virtual. Es también la llamada “creepypaste”, o sea lo horrible que se “copia y pega” y se viraliza a través de las redes sociales. Así surge también para las chicas del film: ven un video viralizado que está prohibido para no tener que sufrir consecuencias.

Uno recuerdo, hace décadas, al famoso “cuco” que solía asustar a los chicos desde su imaginación (supuestamente=. Aquí está el cuco de internet, “slender man”, con sus atrocidades. Lamentablemente hay varios personajes que quedan un tanto colgados y no se sabe si han sido o deglutidos por “Slender man” o están escondidos en un rincón de sus cuartos. Para asustarse con nuevos seres paranormales que tienen de “novedoso” el hecho de surgir en comunidades de la web y no en los relatos de las abuelas. Pero en definitiva son los mismos!

Elsa Bragato

 

JUEVES 20 DE SETIEMBRE DEL 2018.-

Varios estrenos, diferentes géneros, la animación, el amor juvenil, el terror “semanal”, el freak que regresa, de todo un poco.

 

SOLEDAD

De Agustina Macri. Con Vera Spinetta, Giulio Corso, Marco Leonardi, Marco Cocci, Luis Luque, Silvia Kutika, Fabiana García Lago, entre otros. Música de Borromeo, Crespo, Leguizamón, Luqui y Condor Maki. Fotografía de Daniel Ortega. Duración: 103 minutos.

XXXXX-LA ÚLTIMA REVOLUCIONARIA DEL SIGLO XX

“Soledad” está inspirada en el libro de Martín Caparrós “Amor y rebeldía” que cuenta la historia real de María Soledad Rosas (Vera Spinetta), la joven argentina que a los 23 años, hace dos décadas, se suicidó en Italia, donde se convirtió en ícono del movimiento anarquista. “Soledad” emprendió viaje a la península en 1997, disconforme con el hogar paterno (Luis Luque y Silvia Kutika, pareja en la vida real). Allí se unió al movimiento de los “okupas” y mantuvo una intensa relación con Eduardo Massari (Giulio Corso). Llama la atención la vida intensa de esta joven argentina, educada en una clase media de Barrio Norte, que decide romper con los esquemas impuestos encontrando en el camino del terrorismo italiano un cauce para su vocación libertaria. Fueron considerados enemigos acérrimos del gobierno de Italia y así perseguidos.

Agustina Macri, la mayor de las hijas del actual Primer Mandatario argentino, estudió en Europa, se perfeccionó con famosos directores como Oliver Stone, entre otros, e investigó exhaustivamente la vida de “Soledad” en Italia. Hay solidez en este relato que presenta junto a la hija menor de Luis Alberto Spinetta, Vera, quien se pone en la piel de “Soledad” como alguien predestinada a encarnarla. La difícil vida de “Soledad”, en varias secuencias, está relatada en “off” por su hermana, en este caso interpretada por Fabiana García Lago. Asombran varios aspectos del film: en primer lugar, que sea la hija mayor del presidente Mauricio Macri quien haya encarado esta biopic, en segundo término, la existencia de una “Soledad” a fines del siglo XX cuando se afirmó que los “ideales políticos” no existían más, y finalmente, la historia en sí que tiene a dos mujeres seguramente de formación muy diferente muy unidas: Macri y Spinetta. Muy interesante historia. 

                                                                         Carlos Pierre

 

1945

https://youtu.be/bbE_5k8tVAA

Dirección de Ferenc Török. Guion de Gábor T. Szántó y Ferenc Török. Con Péter Rudolf, Tamás Szabó Kimmel, Dóra Sztarenki, Bence Tasnádi, entre otros. Fotografía de Elemér Ragályi. Música de Tibor Szemzö. Duración: 91 minutos.

 

XXXXX- LA CONCIENCIA COLECTIVA DE HUNGRÍA

En la recién terminada guerra de Europa, el 12 de agosto de 1945, en un pueblo de Hungría, bajo un calor agobiante y con jirones de áspera desolación y pobreza, sus pobladores están listos para celebrar el casamiento del hijo de un funcionario del ayuntamiento. Coincide con la llegada a la estación de tren dos judíos ortodoxos con misteriosas cajas. He aquí que hace a la Europa de la postguerra: el funcionario teme que sean parientes de judíos asesinados o deportados que dejaron sus casas y tierras y que ahora ellos están usurpando. En pocas horas, el pueblo trastoca sus actividades, están temerosos de perder lo que no les pertenece, aparecen los sentimientos de culpa, las cajas son la incógnita que genera un profundo miedo en los habitantes.

El peregrinaje hasta el cementerio de los dos judíos seguidos por el pueblo se une a la estética fotográfica que muestra la desolación de las tierras heridas por una demencial guerra: Elemér Rágályi ofrece una esmerada fotografía conmovedora, que el realizador Torok aprovecha con su potente sentido narrativo. El guion se fractura en varias secuencias sin que se pierda el entretejido emocional planteado como objetivo principal. Bastan pocas horas para que solo dos personajes austeros generen pánico en la conciencia colectiva de un pueblo que se sabe culpable. La película gana en profundidad con un relato bien trabajado a partir de una idea clara y personajes perfilados.

Carlos Pierre

 

HISTORIAS DE ULTRATUMBA (GHOST STORIES)

https://youtu.be/L1dX-k-P4vA

Dirección de Jeremy Dyson y Andy Nyman. Guion y adaptación de Andy Nyman de su obra teatral homónima. Con Paul Whitehouse, Alex Lawther, Martin Freeman, Andy Nyman, entre otros. Fotografía de Ole B. Birkeland. Música de Haim Krauk Ilfman. Duración: 98 minutos.

 

XXXXX-FANTASMAS A LA INGLESA

Un experto en psicología y escéptico a la hora de evaluar sucesos paranormales, el profesor Phillip Goodman (Andy Nyman), es contactado por su antiguo instructor llamado Charles Cameron, un parapsicólogo famoso de la televisión que fue dado por muerto desde ya hacía 15 años. Cameron necesita de la ayuda de Goodman para resolver tres casos: el fantasma que aparece en neonatología de un hospital abandonado, el joven adolescente (Alex Lawther) que conduce en un bosque tenebroso, y un futuro papá (Martin Freeman) que padece la aparición de extraños niños. Surge un bien trabajado “pánico existencial” sobre el futuro de cada uno de ellos, la muerte y la eternidad, generados en una atmósfera convincente aunque conocida. La propuesta tiene un fuerte acento británico, mucha fantasmagoría, y es inversamente moderada respecto de los ruidos y sustos fáciles.

El resultado que logran Dyson y Nyman a partir de la obra teatral original es atractiva y diferente, con toques de humor que suavizan el fantasmal ambiente. Para quienes conocen el texto en teatro, esta película es opuesta y tiene menos sustancia que el guion original. No obstante, es un logro diferente en el género del terror, creativo, que vale la pena disfrutar.

                                                                   Carlos Pierre

 

 

1)    VIAJE INESPERADO, de Juan José Jusid, con Pablo Rago y Cecilia Dopazo, entre otros. Producción Argentina y Brasil.

https://youtu.be/t3Gk_lSnaCg   

 

2) PRINCESITA, de Marialy Rivas. Con Sara Caballero y Marcelo Alonso, entre otros. Producción de Chile, España y Argentina.

https://youtu.be/PFlTcGpPqiw

 

 

EL DEPREDADOR

https://youtu.be/g799JFxVJd0

 

De Shane Blake. Con Boyd Holbrook, Trevante Rhodes, Jacob Tremblay, entre otros. Edición de Harry B. Miller III y Billy Weber. Fotografía de Larry Fong. Música de Henry Jackman. Duración: 107 minutos.

XXXXX- “GORE” CÓSMICO

Hollywood regresa a sus grandes mitos cinematográficos: “depredador” es uno de ellos. Sin la presencia avasalladora de Arnold Sshwarzenegger, se reinicia la saga con alienígenas que son humanos disfrazados con largas rastras en sus rostros y colmillos amenazantes. El soldado en tierra está encarnado por Boyd Holbrook, es padre de un niño autista y genio a la vez (el notable pequeño actor canadiense Jacob Tremblay de La habitación) y se enfrenta, junto a un grupo de combatientes que padecen algún tipo de locura a alienígenas o humanoides que caen del Cosmos. El film se mueve en el universo imaginario, en el planeta Tierra y en una localidad especial, donde cae la extraña nave. El cautiverio del monstruo cósmico dura poco, no hay anestesia que valga, y el baño de sangre se desata. La historia tiene saltos narrativos importantes que no dejan en claro ni por qué el niño logra acercarse al padre en tamaño peligro, ni por qué aparece una suerte de “perro alienígena” ni muchas otras escenas que parecen haber sido unidas en un esfuerzo de postproducción para darle sentido.

Ni el héroe masculino tiene “pinta” de tal: el carilindo modelo norteamericano Boyd Holbrook luce como tal sin fuerza actoral en su rol. Ni tampoco el pequeño Tremblay tiene oportunidad de lucirse, a pesar de algunos efectos especiales muy modestos que acompañan su actuación. El gore cósmico tiene un resultado mediocre, digno del cine de clase B, que entretiene sin mayor reflexión.

Elsa Bragato

 

LA CASA DEL RELOJ EN LA PARED

De Eli Roth, basada en la novela de John Bellairs. Con Cate Blanchett, Jack Black, Owen Vaccaron, entre otros. Fotografía de Rogier Stoffers. Música de Nathan Barr. Duración: 104 minutos.

XXXXX-SUSTOS MUY BIEN INSPIRADOS

Jack Black, el mismo de “Escuela de rock”, y Cate Blanchett, la blonda australiana de “Carol”, son los protagonistas adultos de esta historia de terror gótico con mucho humor y efectos especiales. Owen Vaccaro es el pequeño actor que esta semana compite con Jacob Tremblay como intérprete infantil: Lewis queda huérfano y su tío acepta criarlo. A sus 10 años enfrentará cientos de asombros diferentes, sorprendentes, creativos, en la recargada casa del tío donde convive con una muy especial ama de llaves, la bella Cate Blanchett. Relojes de todo tipo tapizan las paredes, amenazantes, mientras el tío del pequeño “Lewis” recorre de noche la casa con una linterna. Es que se busca el secreto que está en el título: dónde está el reloj en la pared? He aquí el quid de esta historia que nos lleva al mundo fantástico del más allá y de los duendes, con muchas aventuras insólitas, suspenso y gran simpatía, humoradas y excelentes actuaciones. Jack Black hace honor al personaje del tío amable que le enseñará a su sobrino los secretos de la magia mientras Cate Blanchett es la bruja elegante, vestida de púrpura, que aporta sus conocimientos a “Lewis”, enamorado de su nueva vida, y, como los dos magos que lo hospedan, a la búsqueda del reloj que dará una gran sorpresa el espectador. Encantadora, para ver en familia.

Elsa Bragato

 

AMOR URGENTE

De Diego Lublinsky. Con Paola Barrientos, Gonzalo Urtizberea, Martín Corvini, Paula Hertzog, entre otros. Fotografía de Willi Behnisch. Música de Panchi Quesada. Duración: 96 minutos.

XXXXX-BELLO RETRATO DEL DESPERTAR SEXUAL

Diferente a cualquier otra propuesta sobre el despertar del amor en la adolescencia, Diego Lublinsky logra encantar a partir de la pureza planteada en ese despertar entre los protagonistas, Pedro (Martín Corvini) y Agustina (Paula Herzog), en un lugar atemporal. El trabajo fotográfico de Willi Behnisch es un aporte muy importante para que la historia transcurra fluida y bellamente: los protagonistas, con la participación especial de Paola Barrientos y Gonzalo Urtizberea, quieren amarse por primera vez dentro de sus propios cánones, alejados de la urgencia de otros chicos. Para Pedro y Agustina, el amor tiene que tener un sabor especial desde el primer beso o ese iniciático acercamiento de manos temblorosas y aceleradas respiraciones.

Es muy bella la historia que logra Lublinsky sobre el despertar sexual, apartándose como realizador del resto de las miradas actuales; no hay cuerpos desnudos con manotazos a tontas y locas ni urgencias físicas indómitas. La inocencia de Pedro y Agustina fascina por la pureza con que ambos buscan ese primer instante en este retrato sensible y cálido del despertar sexual, de esa primera vez que puede unir o separar para siempre. Hay una muy lograda formalidad visual para un tema al que Diego Lublinsky le otorga un profundo sentimiento de pureza.

Elsa Bragato

JUEVES 13 DE SETIEMBRE DEL 2018.-

Pocos estrenos con la curiosidad de que otro film nacional llega a las pantallas luego de ser presentado en un festival internacional. Se trata de “Acusada” que participó en Venecia, con el protagónico de Lali Espósito. Como siempre, hay varias realizaciones que se estrenan solo en salas “off” o fuera del circuito comercial.

 

“ACUSADA”

 

De Gonzalo Tobal. Con Lali Espósito, Leonardo Sbaraglia, Inés Estévez, Daniel Fanego, Gerardo Romano, Gael García Bernal. Fotografía de Fernando Lockett. Música de Rogelio Sosa. Edición de Alejandro Carrillo, Dirección de Arte de Sebastián Orgambide. Duración: 113 minutos.

XXXXX-DEBUT DE LALI ESPÓSITO EN INTERESANTE THRILLER

El asesinato de una joven recae en su amiga íntima, “Dolores”, hecho que nos recuerda a un reciente caso policial. La producción aclara que solo es ficción. A partir de ese momento, ingresamos a una excelente narración con una fotografía de Fernando Lockett por momentos sorprendente. No hay titubeos de cámara ni de guion (Ulises Porra y Gonzalo Tobal), y la actuación de la debutante en cine Lali Espósito (excelente cantante juvenil) supera las expectativas. Tobal va más allá del caso judicial: analiza la reacción de la familia de clase media alta, del periodismo carancho, de los abogados y de la justicia misma. Resulta interesante la reacción de los padres de Dolores, roles a cargo de Leonardo Sbaraglia e Inés Estévez, más preocupados por cómo salir en las revistas o noticieros de televisión que en el drama de la hija: es o no la real asesina? Qué le importa más, ir a la cárcel o salvarse como pueda? Esta búsqueda es central en el film: Tobal trabaja los lados oscuros de los personajes, especialmente de Dolores y sus padres (Luis por Sbaraglia y Betina por Estévez), sumándole las intromisiones de los medios y la culpa social, desde jueces hasta el abogado de Puerto Madero que encarna un excelente Daniel Fanego (viene de un gran rol en El ángel) quien encuentra a su contrafigura en el fiscal, a cargo de un barbado Gerardo Romano, sólido y verosímil. Indicios aquí y allá, pautados hábilmente, generan un clima de dudas propias del thriller.

La escena de sexo de Dolores está fuera de contexto, ubicándola en un lugar que no hace a la historia. Estos “anexos” a los que recurre nuestro cine actual son golpes bajos que no demuestran “valentía” de los actores sino facilismo en la edición. Flashbacks, recuerdos, el “coaching” del abogado, “Dolores” se ve sometida a mucho más que un juicio: tiene que cumplir con los deseos sociales de su familia. En cambio, rescatamos la escena de “Dolores” en el parque frente al llanto de su padre, quien intenta sincerarse por primera vez.

Se trata de una muy buena película, Tobal logró transmitir la vacuidad de una clase social incapaz de sensibilidad. Lali Espósito está convincente aunque por momentos su “Dolores” se extralimite en la expresión depresiva. Nada importante para una película de impecable técnica y narración.

Elsa Bragato

 

 

HOTEL DE CRIMINALES
 

Guion y dirección de Drew Pearce. Con Jodie Foster, Dave Bautista, Sofía Boutella, Jenny Slate, Charlie Day, Jeff Goldblum, Zachary Quinto, Sterling K. Brown, entre otros. Música de Cliff Martínez. Fotografía de Chung-hoon Chung. Duración: 94 minutos.

XXXXX-FUTURISMO APOCALÍPTICO

El guionista Drew Pearce (Iron Man 3) hace su debut como director de cine con este film, “Hotel Artemis” o bien “Hotel de criminales”, que une acción y ciencia ficción: la historia se ubica en la ciudad de Los Ángeles sumergida en un violento caos social en el año 2028. Allí funciona el Hotel Artemis, de 13 pisos, de buen Art Decó, que está muy deteriorado para el turismo, no así para la nurse Jodie Foster quien, desde hace 22 años, lo regentea como hospital para criminales. La asiste Everest (Dave Bautista), leal, atlético y bonachón afroamericano.  El “rey Lobo” es el rey de la mafia, encarnado por Jeff Goldblum, encargado de los “cobros” a los malheridos. La noche es caótica, hay muchos heridos, por lo que muchas reglas consideradas de oro para el hospital deberán dejarse de lado. Aparecen desde una mujer policía herida hasta una sofisticada asesina francesa. Se impone la atención médica y la “Nurse” está allí para reacomodar lo que, muy pronto, será también un caos, siendo éste el comienzo de un policial muy peculiar porque tiene escasa acción.

Drew Pearce tiene a su alrededor un poco de todo: desde el hotel, hasta la misma ciudad de Los Angeles, excelente elenco, y buenas puntas del guion para profundizar. El caso es que son tantas que, aún con el oficio de Jeff Goldblum y Jodie Foster, cae en un entretenimiento confuso que no está mal pero pierde el eje de la protagonista, Jodie Foster. La fotografía de Chung Chung-hoo, experto director surcoreano, es un valor extra al virar hacia el carmesí o trabajar la iluminación en contraste según las secuencias. Una “rara avis” que se deja ver.

Carlos Pierre               

 

LA ESPOSA

TRAILER

https://youtu.be/pvRfCuRRYEU

De Bjorn Runge. Con Glenn Close, Jonathan Pryce, Logan LErman, entre otros. Basada en la novela de Meg Wolitzer.

“Una interpretación extraordinaria (Glenn Close) eleva a una película corriente. La dirección de Runge es limpia y cuidadosa pero poco imaginativa”, Jon Frosch, The Hollywood Reporter.

“Glenn Close está excelente. La obra tiene un toque convencional serio y adormilado. Gracias a la actuación de Close nos interesa Joan”, Andrew Barker, Variety.

 

 

ARRIETTY Y EL MUNDO DE LOS DIMINUTOS

TRAILER

https://youtu.be/u8gCNCjCO2w

 

De Hiromasa Yonebayashi. Studio Ghibli. Adaptación del cuento “The Borrowers”. Animación.  Nos cuenta la historia del adolescente Arriety que pertenece al grupo de los seres diminutos de 10 cm de altura que viven bajo las tablas del suelo de una casa campestre. Cuando es descubierto, la vida de los chiquitos se ve amenazada.

“(…) Lo más excepcional del guión de Miyazaki sea cómo es capaz de imaginar y crear tantas situaciones de suspenso sin salir de una pacífica casa familiar”, Ben Sachs, Chicago Reader.

“Una aventura íntima preciosamente elaborada”, Dan Jolin, Empire.

 

 

NO VIAJARÉ ESCONDIDA

TRAILER

https://youtu.be/zn5bcJbLeyc

de Pablo Hernán Zubizarreta. Con Valeria De Luque, Malena Narvay y Violeta Narvay. Participación especial de Mercedes Morán. Música de Pata Kramer. Edición de Fernando Vega Dirección de Arte de Julio César Suárez. Duración: 112 minutos. Coproducción Argentina-Uruguay.

 

XXXXX-RESCATE DE UNA CONTRADICTORIA FIGURA FEMENINA

Se trata de la biopic de Blanca Luz Brum, poetisa uruguaya, que cumplió actuaciones políticas contradictorias así como tuvo amoríos escandalosos. Comenzó apoyando al comunismo, para luego visitar junto a su primer marido uruguayo la casa de Natalio Botana coincidiendo con la llegada de D. Siqueiros, el famoso muralista mexicano, con quien mantuvo un tremendo amorío siendo ella la musa del fresco “Ejercicio plástico”. Fue secretaria de Perón en el Ministerio de Trabajo y ayudó al 17 de octubre de 1945. Se radicó en Chile y dio vuelta en su ideología apoyando a Pinochet, de quien recibió una condecoración. No existen films de ella pero sí fotografías. Es muy interesante biopic, atractivamente narrada, siendo a la vez el rescate de una de las figuras femeninas que pusieron en valor el trabajo de la mujer mano a mano con el hombre. EB
 

 

DISCULPAS POR LA DEMORA

TRAILER

https://youtu.be/usOQYq2zdo0

Documental de Shlomo Slutzky y Daniel Burak. Fotografía de Daniel Burak. Montaje de Montes, Custodio, Tambornino. Música de G.R.U:Z.. Idiomas: castellano, inglés y hebreo. Duración: 96 minutos.

XXXXX-LA URGENTE NECESIDAD DE JUSTICIA VERDADERA                

Intenso documental sobre la división de una familia a raíz del golpe militar de 1976. Uno de sus miembros, Shlomo Slutzky, se radica ese año en Israel, desconociendo durante décadas que el primo hermano de su papá, el doctor Samuel –Sami- Slutzky había desaparecido en 1977. Y que los dos hijos de éste se radicaron en Holanda, siendo abandonados por la familia paterna y materna. El pensamiento de uno de los directores del documental es reunir a Mariano Slutzky y su hermana con los familiares en Israel y la Argentina. Deberá derribar una férrea resistencia producto del dolor y del abandono, de la ausencia de contención de tíos, primos. Mariano tiene espinas lógicas, pero se acerca al hermano de su padre bajo la tutela cálida de Shlomo, y comienza la búsqueda de los culpables del asesinato de su progenitor. Sabe que fue en La Cacha, ex campo de exterminio de la dictadura del 76, mientras que Shlomo conoce que quien mató a Sami vive en Israel casado con una amiga. Mientras para muchos descendientes de desaparecidos la justicia llega, Slustzy consigue elementos con la ayuda de Shlomo para que, algún día, el asesino de su padre pueda ser extraditado. El “nunca más” cobra vigencia cotidiana cuando sabemos que asesinos de aquellos años todavía andan sueltos. “Disculpas por la demora” nos habla del intenso trabajo psicológico y físico para recuperar los lazos familiares a través del formato de documental ficcionado: se privilegia la historia de la familia Slutsky y sus profundas heridas que aún claman por justicia. Excelente material cinematográfico en torno a una tragedia social de la que no existe consuelo posible Los crímenes de lesa humanidad son irreparables.

Elsa Bragato

 

JUEVES 6 DE SETIEMBRE DEL 2018.-

Más estrenos que de costumbre. Entre ellos, otro nacional, esta vez coproducción, que reconfirma el agosto-setiembre de films nacionales con buenos elencos y directores.

 

TODOS LO SABEN

Guion y dirección de Asghar Farhadi. Con Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín, Eduard Fernández, Inma Cuesta, Bárbara Lennie, Elvira Minguez, entre otros. Música de Alberto Iglesias (Canciones: Nella Rojas, Javier Limón). Duración: 130 minutos. Coproducción España-Francia-Italia-

XXXXX-BUEN ENSAYO SOBRE LA CONDICIÓN HUMANA

Acorde con su ganado prestigio, Asghar Farhadi ( “La separación” y “El viajante”) contó con una muy buena producción, un elenco estelar y el paisaje del sur de España para contarnos esta historia bien delineada de dos horas intensas, sobre las relaciones intrafamiliares, el conocido “pueblo chico, infierno grande”, los problemas inherentes a una comunidad tales como rencores de clases y moralinas de todo tipo, salpicado con buena dosis de thriller. Se observa un estudio minucioso de las costumbres del sur de España por parte de Farhadi, buscando el meollo psicológico de acciones y reacciones. En definitiva, el alma humana no tiene nacionalidad y las diferencias de culturas no hacen mella en el núcleo espiritual de cualquier persona.

Laura (Penélope Cruz) regresa con su familia de Buenos Aires a España,junto a sus dos hijos, para asistir a la boda de su hermana. Su esposo (Ricardo Darín) no la puede acompañar, queda en Buenos Aires. Su ex novio (Javier Bardem) es el dueño de los viñedos del pueblo, motivo que provocó en la familia de Laura tantos resentimientos por avidez económica. La fiesta de casamiento es cálida y musical, hasta que se corta la luz y empieza, en forma inesperada, un drama impensado, trastocando la alegría en un policial de marcada intensidad. Las miserias humanas aparecen y con ellas el iraní Farhadi se hace un buen mix que logra manejar con gran habilidad.

Penélope Cruz y Javier Bardem son, en definitiva, los protagonistas centrales, mientras que Ricardo Darín, siempre convincente, tiene un papel especial con menos apariciones aunque es en quien se resume la fisura familiar.  Alrededor del trío está la fotografía de José Luis Alcaine que traduce la belleza del lugar y juega como contracara del drama desencadenado. Es una muy buena propuesta, inquietante sobre el espíritu humano y sus contradicciones.

Carlos Pierre

 

LA CASA JUNTO AL MAR (LA VILLA)

Guion y dirección de Robert Guédiguian. Con Ariane Ascaride, Jean-Pierre Damoussin, Gérard Meylan, Jacques Boudet, Anaïs Demoustier, entre otros. Fotografía de Pierre Milon. Edición de Bernard Sadia. Duración: 107 minutos.

 

XXXXX-LA FUERZA DE LA VIDA

El realizador Robert Guédiguian, reconocido sociólogo, regresa a Marsella, su lugar natal, para narrar una historia sobre el paso del tiempo y la realidad del mundo actual, desde la ausencia de actividades para un sector etario hasta el drama de los refugiados.

Ubica a tres hermanos sesentones en ese pueblo que es, a los efectos de la puesta cinematográfica, una especie de escenario entre el mar y la colina: Angéle, actriz que reside en París, Joseph, enamorado de una chica mucho más joven, y Armand, el único que se quedó en Marsella para atender el pequeño restaurante familiar, están reunidos por la enfermedad del padre. Es en este círculo donde los recuerdos invaden a los personajes, se sienten adormecidos sin posibilidades de accionar por algo, nada hay que los incentive. Y deben aceptar el paso del tiempo, la fuga de la belleza y la falta de ideales. La realidad se les cuela debiendo enfrentar un desafío inesperado: tres niños que huyen de los gendarmes necesitan de la ayuda de los hermanos. He aquí una razón para volver a vivir internamente.

Para Guediquian es un muy buen ejercicio sociológico que invita a pensar y analizarnos sobre nuestras vidas, la generación de objetivos en forma constante, la razón de vivir plenamente siempre. En estos pequeños los tres hermanos encuentran un motivo de vida, de volver a creer en que son útiles sin importar el paso del tiempo. En varias secuencias Guediguian se apoya en su personal concepto de la poesía, recurriendo al paisaje donde la luz predomina como contrapartida. La película tiene un mensaje inteligente y alentador de Guediguian; siempre se puede volver a empezar.

Carlos Pierre

 

 

LA MONJA

TRAILER

https://youtu.be/ItXmbJcnL2o

De Coris Hardy. Con Taissa Farmiga, Demián Bichir, Bonnie Aarons, Charlotte Hoope, entre otros. Fotografía de Maxime Alesandre. Música de Abel Korzeniowski. Duración: 96 minutos.

 

XXXXX-CONFUSIÓN ENTRE CONJUROS Y MALEFICIOS

Se habla de un “spin-off” de “El conjuro” de James Wan y “El conjuro 2”, dos películas que vinieron a renovar el género del terror. De a poco, y esto hay que conocerlo antes de ingresar al breve comentario crítico, se creó el “universo de El Conjuro”: la inicial y la secuela que mencionamos para luego ir a “Annabelle” y su precuela “Annabelle 2: la creación”. Estas historias giraron en torno a los casos paranormales que trató el matrimonio Warren, de quienes se conserva un museo del horror en New York. “La monja” se basa en un personaje que aparece brevemente en “El conjuro 2” y ciertamente es un mantenimiento de la franquicia más que una película acabada sobre los hallazgos de los Warren.

Una novicia y un sacerdote son enviados a Rumania para investigar el suicidio por ahorcamiento de una monja de un convento de clausura. Allí se encuentran con el lugareño que vio el cadáver e inician una muy confusa investigación: el guion busca asustar, lo consigue en varios momentos, pero de manera incongruente. La investigación del obispo (el mexicano Bichir) es caótica, hay errores de producción notables (la novicia con diferentes hábitos en secuencias consecutivas), y los fantasmas no contribuyen a sumar nada, todo lo contrario. Uno puede pensar que Colin Hardy vio varios films sobre conventos embrujados e hizo un “mix” de escenas que van desde la insólita ordenación de la novicia por el sacerdote en el lugar menos conveniente hasta las monjas sobrevivientes y sus desapariciones. Todo es una gran nebulosa sobre una historia muy lineal que se embarulla por no seguir la planificación inicial: agregar complicaciones provocó este engendro plagado de maleficios. La estampita “maldita” de la monja en cuestión es lo mejor del film: la que vimos en El Conjuro 2. Este rejunte solo gustará a quienes aman los sustos porque sí: no resiste el menor análisis.

Agregamos que hay dos películas más en producción: “Annabelle 3”, que sigue la historia inicial, y el spin-off llamado “The Crooked man”.

Elsa Bragato

 

 

YANKA Y EL ESPÍRITU DEL VOLCÁN

TRAILER

https://youtu.be/ZzvisSGfcN8

De Iván Abello. Con Maite Lanata, Gastón Pauls, Laura Azcurra, Hugo Arana, Juan Palomino, Ezequiel Volpe, Aymará Rovera, Beatriz Pichimalen, entre otros. Música de Ruy Folguera. Duración: 85 minutos.

XXXXX- MAITE LANATA, LA REVELACIÓN

DEL AÑO

Bienvenida esta leyenda mapuche! Transcurre en la Patagonia, en el bosque de Copahue, poblado de araucarias y serpenteado por plateadas cataratas, reino del furioso volcán Pillán pronto a erupcionar ni bien se complete un eclipse de luna. Dice esta leyenda que cuando esto ocurra una mujer desaparecerá, devorada por su fuego. A partir de esta historia ancestral, surge la historia de esta película de Iván Abello, cuya protagonista es Yanka (Maite Lanata, la joven actriz que maravilló en “El elegido” y hoy es revelación en “100 días para enamorarse”). Hace 10 años, perdió a su madre en el bosque. Justo el día del casamiento de su padre (Gastón Pauls) con una joven mujer (Laura Azcurra), Yanka se rebela y se escapa al monte llevando consigo el único recuerdo que le quedó de su mamá: un collar con tres piedras. Su abuelo (Hugo Arana) la ayuda en secreto. Yanka inicia una travesía fantástica llena de trampas y seres extraños como el malévolo Kú –secuaz de Pillán-, Chucao-el duende del bosque simpático y mentiroso- y Lihuén, joven morador del bosque que conoce sus secretos.

En verdad es una apuesta muy diferente del cine nacional, que se aparta de los guiones convencionales para dar vida a una leyenda muy conocida que hace a la vida de nuestras comunidades del sur. El elenco que sostiene la historia es estupendo: desde Maite Lanata hasta Gastón Pauls, Laura Azcurra, Hugo Arana, Aymará Rovera, Beatriz Pichimalen, y una fugaz aparición de Juan Palomino.  Iván Abello eligió un buen camino en el cine al contar esta historia legendaria. Lindo film para chicos y grandes.

Carlos Pierre

 

 

EL ÚLTIMO HOMBRE

TRAILER

https://youtu.be/vkfVqWYZycE

De Rodrigo H. Vila. Con Hayden Christensen, Harvey Keitel, Liz Solari, Fernán Mirás, Justin Kelly, Iván Steinhardt, entre otros. Efectos especiales de Federico Heller. Fotografía de Daniel Ortega. Sonido de Esteban Golubicki. Música de Emiliio Kauderer. Duración: 100 minutos.

XXXXX-RARO INFIERNO FÍLMICO

“Cosas veredes, Sancho”… decía un personaje del Cantar del Mío Cid (y no del Quijote de don Cervantes), que bien se puede aplicar a “El último hombre”, extraño film apocalíptico muy pretensioso, de escaso presupuesto aunque con figuras internacionales. Doblada al castellano quién sabe por quién (expresiones foráneas asaltan nuestros oídos), enfrentamos el ocaso del mundo a través de la visión de su protagonista, Kurt (Hayden Christensen), quien participó de la guerra que terminó con la mayoría de la Humanidad. Pobreza absoluta, malvivientes, casas destruidas y un complejo que mucho nos recuerda a Villa Lugano utilizado como transición de secuencias que tiene, tras y sobre sí, una tormenta eléctrica que terminará con los seres humanos que quedan. Todos deben armarse un bunker y Kurt lo hace siguiendo las indicaciones del profeta “Noe” (Harvey Keitel), aunque, en el medio, consigue un trabajo, conoce a una joven bella (Liz Solari) con quien mantiene una amorosa relación, y se enfrenta a muchos malvivientes con fiereza.

La fotografía está virada al azul la mayor parte del tiempo, las secuencias se ralentizan en demasía, pero no hay pérdida de interés sino asombro por la confusión argumental: la oficina del protagonista, el odio que genera su amor con la hija del empresario, en medio de un caos oscuro y apocalíptico.

Destacamos la ambientación, la dirección de sonido (es lo mejor del film junto con la banda de sonido de Kauderer), y, por momentos, la fotografía.

Por estas consideraciones, se produce una paradoja: la película mantiene atractivo de principio a fin si bien muchas de sus secuencias resultan ridículas. Son muy buenas las actuaciones de actores como Fernán Mirás e Iván Steinhardt. Aunque no nos explicamos la presencia de Keitel…

Elsa Bragato

 

 

LOS VAGOS

TRAILER

https://youtu.be/Lb6tlpNNPlM

De Gustavo Bozzi. Con Agustín Avalos, Bárbara Hobecker, Ana Clara Lastra, entre otros. Fotografía de Alejo Maglio. Duración: 88 minutos.

XXXXX-SENTIDO RELATO SOBRE LAS JÓVENES PAREJAS

Gustavo Bozzi es un reconocido fotógrafo que centra su historia en una pareja oriunda de Misiones, como él, ubicándola en los 90. “Ernesto” y “Paula” se conocen desde la infancia. Ella se recibe de abogada y ambos regresan a Posadas para pasar el verano. Allí Ernesto se reencuentra con sus amigos, “los vagos”, y descuida la relación con Paula. Los sueños del viaje a Florianopolis se quiebran y aparecen otros intereses amorosos ocasionales. La narración de Bozzi es atinada, sin rebuscamientos ni pretensiones de ningún tipo. Propone una mirada profunda en los personajes centrales y en la influencia de factores externos a la pareja, cuando aún no se logró la adultez y las palabras de algunos mayores influyen. Es el caso de uno de los padres de los chicos que los alienta a la conquista para tener sexo y a las reuniones con mucho alcohol, estructura machista si las hay de muchas sociedades de nuestro país.

La película está dirigida a los adolescentes y jóvenes universitarios. A aquéllos que se inician en la vida luego del secundario o la universidad                 , transitando los muchos obstáculos que se encuentran: las tentaciones, los descuidos por inexperiencia, la falta de madurez para mantener un vínculo serio. Muy interesante propuesta, es una historia pequeña que atrapa y tiene universalidad.

Elsa Bragato

 

 

UN AÑO DE DANZA

TRAILER

https://youtu.be/vTgNr5g5Ap8

De Cecilia Miljiker. Con Juan Martín di Bene, Milagros Perrella, Massimo Cibeira Occhiuzzi, Ailín Zafra Vignola, Agostina Lomba Sabatini, Agustina Murray, María Ángeles Aguilar Giacosa, Valentín di Giorgio Minico, Lara Mariel Messina Puppo, Antonio David Leborans Pons, Luciano García, Ornella De Fante, Lola Karina Wechsler, Jazmín Aguirre. Duración: 88 minutos.

 

XXXXX-FUTUROS DANZARINES

Cecilia Miljiker nos lleva al mundo detrás de bambalinas del mítico Teatro Colón: en este caso, la formación del cuerpo de baile y de los primeros bailarines y etoiles. Todos los años se presentan unos 200 chicos de entre 8 y 12 años para rendir el examen de ingreso que dura tres días. Sumamente difícil, muchos de ellos deben repetirlo. Y muchos ingresan. Nada será sencillo. El estudio de danzas del Colón siempre se caracterizó por la tiranía de los horarios que obliga a muchos aspirantes a abandonar las clases primarias y secundarias. Y, a su vez, estudiar “online” o bien rendir todas las materias en forma libre. Las familias deben reacomodarse. Los chicos del interior son acompañados por algún mayor para vivir de lunes a viernes en un pequeño dpto., si es que pueden alquilarlo, para asistir a las clases y volver el fin de semana al seno de la familia.

Durante el primer año de estudio, la cámara de Miljiker está presente siguiéndolos, dialogando con muchos de los chicos y sus madres y abuelas. El fin de clase es en el gran escenario del Colón, allí los chicos demuestran lo aprendido y ya se perfilan las primeras figuras futuras. Es un documental para los que amen la danza, estructurado en forma clásica: entrevistas a cámara, secuencias de estudio en las salas de ballet del Colón. Muy interesante.

Elsa Bragato

 

OTROS ESTRENOS

1)       El año del León, de Mercedes Laborde

https://youtu.be/tU8VP9R7S1M

2)       Teatro de Guerra, de Lola Arias

https://youtu.be/Y1vQuTWRi2Y

 

JUEVES 30 DE AGOSTO DEL 2018.-

Demasiados estrenos!!!!!!! Desde otro film nacional que completa el cuarto jueves consecutivo con presencia argentina hasta documentales, docuficciones, films de género y otras más “amigables”.

 

PIAZZOLLA, LOS AÑOS DEL TIBURÓN

De Daniel Rosenfeld. Duración: 90 minutos. Coproducción Argentina-Francia-

XXXXX-INTIMIDAD DE UN GRAN MÚSICO

Astor Piazzolla tiene hoy dos familiares directos que tienen el derecho que da la sangre para recordar y hacer recordar al gran músico de nuestro país que llevó la “melodía ciudadana” por el mundo, tal como le gustaba decir: su hijo Daniel y su nieto Pipi Piazzolla que lidera el conjunto Escalandrum.

A partir de ellos y de los archivos familiares, se armó este documental que recoge las filmaciones caseras de Astor, en Nueva York junto a su esposa Dedé y sus hijos chicos en los 60, y otras filmaciones de épocas más recientes. Era un cazador de tiburones muy afamado, un hombre que no sentía temor alguno y enfrentaba con fiereza las circunstancias de meterse en aguas profundas del mar para cumplir con su hobby.  Además, Piazzolla fue un avanzado en materia tecnológica: siempre tuvo una cámara filmadora, que hoy permite tener estos maravillosos recuerdos, así como tuvo el “combinado” Grundig más poderoso de la década del 60 y un Alfa Romeo rojo furioso con el que “volaba” por las carreteras. Para los que aman los recuerdos, en este caso, de primera mano.

Elsa Bragato

 

MISIÓN NO OFICIAL

De Denny Brechner, Alfonso Guerrero y Marcos Hecht, guión que les pertenece así como el protagonismo del film incluyendo a Talma Friedler, Gustavo Olmos e Ignacio Roqueta.

XXXXX-HUMOR MUY ORIENTAL

En diciembre del 2013 el entonces presidente del Uruguay, don Pepe Mujica legalizó el consumo de marihuana a fin de reducir el narcotráfico al menos con esa droga. Hoy se la vende en farmacias en el país hermano. Brechner, Guerrero y Hecht junto a Talma Friedler toman esa circunstancia como eje de un documental falso con el que, valiéndose de filmaciones del ex presidente con el ex presidente Barak Obama y en otras circunstancias más cotidianas, generan una historia insólita y reidera: la formación de una misión no oficial (la Cámara Uruguaya de la Marihuana Legal) que va a los Estados Unidos para traer 50 toneladas de marihuana a fin de que no falte para cumplir con la ley. Y, a partir de este objetivo, logran participar de eventos “marihuaneros” reales.

El documental comenzó como un video en internet que se convirtió en viral y ha sido presentado en distintos festivales con enorme éxito. Hay que reconocer que el cine uruguayo tiene muy buenos narradores que logran armar pequeñas historias con enorme creatividad. Caso “El baño del Papa” o la inolvidable “Whisky”. Absurdos, gags, que generan empatía.

Elsa Bragato

 

LA MASABRE DE TEXAS, EL ORIGEN

De Alexandre Bustillo y Julien Maury. Con Sam Strike, James Bloor, Lili Taylor, Nicole Andrews, entre otros. Fotografía de Antoine Sanier. Música de John Frizzell. Duración: 90 minutos.

XXXXX- GORE AL EXTREMO

“La masacre de Texas” fue una exitosa remake de aquella película de Toby Hooper, 1974, que “revolucionó” el género al incluir una motosierra. En este caso, Gustillo y Maury muestran el origen de aquel brutal asesino, que gustaba despellejar a sus víctimas y tener un vestuario completo con sus pieles. “Leatherface”, tal el título en inglés, tiene un antecedente real: el asesino serial Edward Theodore Gein, quien falleció encarcelado en 1984. Sus crímenes fueron horripilantes y nos quedamos cortos.

Por momentos, cuando el joven Leatherface se escapa del psiquiátrico junto a otros enfermos, el film se ”tranquiliza” . Las carreteras, la jovencita a la que convencen… Cuando llegan las escenas de violencia, éstas se hacen insoportables por la crudeza. Es una precuela brutal que aminora lo gore en muchos tramos narrativos, al explicar la evolución de la locura de un ser humano. Este sentido, gana con respecto al film conocido después donde solo se ven las consecuencias de un hombre enloquecido por la sangre humana. Fuerte plato para amantes del género.

Elsa Bragato

 

THE PARTY

Guion y dirección de Sally Potter. Con Kristin Scott Thomas, Timothy Spall, Patricia Clarkson, Bruno Ganz, Cherry Jones, Emily Mortimer y Cillian Murphy. Fotografía de Aleksei Rodiunov. Duración: 71 minutos.

XXXXX-UN ENCUENTRO CON INSOSPECHADAS SORPRESAS

Rasgo distintivo del talento de Sally Potter que, tomando el cine negro, viste de comedia un encuentro entre amigos hasta teñirlo de policial. Con una mirada inquisitiva en el cuerpo y el alma de los siete personajes, Potter los reúne en un comedor y los mueve como quiere. Utiliza una lente fija, morosa, que se planta en los gestos y en los rostros de los protagonistas para escarbar, en tiempo real, las sensaciones de cada uno, las contradicciones entre lo social y lo moral, hasta que se produzca el detonante trágico menos sospechado.

Janet (Kristen Scott Thomas), eje de la historia, acaba de ser nombrada ministra de Gobierno y varios amigos son convocados para celebrar este hecho. Lo que iba a ser una fiesta deviene en un derrumbe moral, donde la infidelidad salta sin contención alguna. Un revolver abandonado toma protagonismo en manos de Janet quien quiere vengarse de su marido, encarnado por el notable actor Bruno Ganz. He aquí cuando la mano sabia de Sally Potter transforma el film inicial en algo infrecuente: pasa al blanco y negro y elimina el audio, aunque no los subtítulos. De esta manera, el espectador desprevenido igual igual sigue los diálogos, punzantes y ocurrentes. Se trata de una comedia dramática diferente y muy adulta, así como con un tratamiento visual que la hace única. Para espectadores entrenados porque resulta una narración poco habitual: pensemos en el blanco y negro y los protagonistas que dialogan sin que podamos escucharlos aunque sí “leerlos”. Una curiosidad cinematográfica muy interesante.

                                                                       Carlos Pierre

 

MI EX ES UN ESPÍA

Guion y dirección de Susanna Fogel. Con Mila Kunis, Kate McKinnon, Sam Heughan, Justin Theroux, entre otros. Música: Tyler Bates. Duración: 116 minutos.

XXXXX-UNIDAS POR EL PELIGRO

La realizadora Susanna Fogel convierte a dos viejas amigas interpretadas por Mila Kunis y Kate McKinnon, en dos superheroínas, que se ven involucradas en los hechos delictivos de una banda internacional. Curiosamente, el ex novio de una de ellas está muy comprometido. La historia en sí es compleja y no promueve la risa de manera fácil. El objetivo son ellas y las dos mujeres sienten que están hechas para la acción estando dispuestas a reaccionar para salvarse de la furia de la banda. Audrey y Morgan están unidas por el peligro desafiarán cada embestida de los malhechores, huirán a través de varias ciudades europeas en una vertiginosa carrera llena de sobresaltos y riesgosas persecuciones que Susanna Fogel maneja con maestría: creciente adrenalina en medio de coches que vuelan por las calles y balaceras interminables. Con secuencias escatológicos recurrentes en este tipo de comedias y acciones reiteradas, solo la solvencia de dos jóvenes actrices les permite salir airosas de una mediocridad insalvable. Con mucho pochoclo resulta entretenida.

Carlos Pierre

 

PENSANDO EN ÉL

De Pablo César. Guion de Jerónimo Toubes. Con Eleonora Wexler, Héctor Bordoni, Jerónimo Toubes, Lucas Pose, Constanza Nacarato, Víctor Banerjee, entre otros. Música: Gabriel Carbone y Fernando Sande. Director de fotografía y cámara: Carlos Essmann. Argentina-India.

XXXXX-EL AMOR MENOS PENSADO

“Pensando en él” es el undécimo largometraje de Pablo César, realizador argentino que, desde hace 30 años, realiza coproducciones con Africa e India. En films anteriores los hechos fueron fantásticos, pero aquí la historia es real: es el encantamiento espiritual que Victoria Ocampo tuvo por el escritor bengalí Rabindranath Tagore, con el que él fue recíproco.

Desprendiéndose de una verdadera biopic, el realizador aborda dos historias que se cruzan en el tiempo. Una actual, donde el profesor de geografía Félix Mazzola (Héctor Bordoni) descubre al escritor Rabindranath Tagore y viaja en búsqueda de su enseñanza; la segunda se ubica en 1924 en Buenos Aires y París, donde Victoria y Tagore vivieron un amor platónico.

La escena actual fue filmada en color mientras que la ubicada en los años 20 en blanco y negro, además de rodada en 35 mm. Carlos Wajsmann, el director de fotografía y cámara, tuvo un acertado trabajo al pasar del color al blanco y negro y viceversa evitando el choque frontal de las dos escenas al introducir elementos menos bruscos como, por ejemplo, una toma del follaje, o los pies de uno de los protagonistas. Detalles de edición que hablan del trabajo minucioso llevado a cabo.

Como curiosidad, la narración está contada desde el punto de vista del realizador, no es fantástica ni es una biografía detallada: fue extraída de los escritos de Victoria Ocampo, plenos de cariño y de amor subjetivo. París los vio despedirse, admirándose mutuamente y a sabiendas de que el amor era imposible. En un exaltado escrito, Victoria subraya el tema diciendo: “Pensando en él”, título de este film profundamente emotivo.

Carlos Pierre

 

A LA DERIVA

De Baltasar Kormakur. Con Shailene Woodley, Sam Claflin, Jeffrey Thomas, Grace Palmer, entre otros. Film basado en una historia real. Una pareja es sorprendida por un huracán en medio del océano.

“Seguramente atraiga a los jóvenes románticos. La parte dedicada a la resistencia no tiene el poder desgarrador de películas como, por ejemplo, “All is Lost”, de John DeFore, The Hollywood Reporter.

“Kormakur alterna con suavidad entre el antes y el después. La película está un poco por debajo de la media. No tiene la grandiosidad austera de “All is lost”, de A. O. Scott, The New York Times.

 

MI MEJOR AMIGO

De Martín Deus. Con Angelo Mutti Spinetta, Lautaro Rodríguez.

“Con una sensibilidad notable y sin golpes bajos, este film narra la relación entre dos chicos muy diferentes que chocan, se complementan, se hacen amigos y surge, entre ellos, el amor y el deseo”, de Leonardo D’Espósito, Revista Noticias.

 

LA QUIETUD

Guion y dirección de Pablo Trapero. Con Martina Gusman, Bérénice Bejo, Graciela Borges, Edgar Ramírez, Joaquín Furriel, entre otros. Duración: 117 minutos.

 

XXXXX-PROVOCADORA MIRADA DEL MJNDO FEMENINO

Pablo Trapero incursiona con audacia en el universo femenino, relegando al sexo opuesto a un severo segundo plano, en consonancia con los movimientos de reivindicación femenina actuales.

Tres mujeres son el eje de este provocador relato: Graciela Borges (Esmeralda) es la madre manipuladora de Martina Gusman (Mia) y Bérénice Bejo (Eugenia), es una trilogía endogámica, cerrada y llena de secretos y mentiras, tres mujeres asfixiadas por la atmósfera de una enorme casona: la estancia La Quietud, opuesto a las vivencias de la familia que allí mora.Un repentino ACV del jefe de familia obliga a Eugenia y a su esposo Vincent (Edgar Ramírez) a dejar París, donde viven.

El film tiene múltiples actos a través de una compleja paleta de tenebrosos colores: la relación amorosa de las dos hermanas que se reencuentran, y la audacia de Pablo Trapero de filmar un sexo explícito, apela a los travellings y conforma una fotografía estupenda. Esa quietud que da nombre al lugar no tiene mayor sustento que el del contraste con una familia que sucumbe por implosión; los amores se entrecruzan de manera cínica con un desborde asombroso.

Es indudablemente un film incómodo desde el comienzo que encuentra en la formalidad su mejor expresión. La fotografía del entorno campestre idílico contrasta abruptamente con las pasiones que se desatan en la familia. Destacamos la actuación de las tres protagonistas poniendo énfasis en Graciela Borges: nunca más valorada su particular gestualidad llegando a momentos de sublime actuación. En este sentido, la intensidad que se anuncia y la formalidad técnica detallista conforman una película diferente e intensa. Se atasca en lo formal donde la sutileza suele faltar mientras que, por momentos, apela a la obviedad absoluta. Con una mano menos inquieta, la película hubiese sido “redonda”.

Carlos Pierre