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Crítica On Line
Los estrenos de la semana
Por Elsa Bragato y Carlos Pierre

Cartelera cinematográfica
Enero a abril del 2011

Ver los últimos estrenos

 

Estrenos del jueves 30 de junio del 2011

Hay dos estrenos en soporte fílmico en Buenos Aires.

TRANSFORMERS 3, EL LADO OSCURO DE LA LUNA, 3D

De Michael Bay. Con Shia Labeouf, Josie Huntington-Whiteley, Frances Mcdormand, John Turturro, John Malkovich, entre otros. Música de Steve Jablonsky. Duración: 157 minutos.

MUY BUENA. INGENIOSA TEORÍA SOBRE EL VIAJE A LA LUNA Y SUS EFECTOS COLATERALES

No busquemos la narración convencional ni las sutilezas de, por ejemplo, “Mis tardes con Margarita”, por dar un ejemplo al azar. Se trata de un tanque de Hollywood que ha tenido, esta vez, la rara delicadeza intelectual de ubicarnos en 1969, el 16 de julio, cuando la Apolo XI descendió en la Luna y se dijo, desde entonces, que los astronautas vieron extraterrestres. La magia de los efectos especiales ha logrado más de media hora de increíble hazaña para que revivamos aquel momento, con filmaciones originales en blanco y negro y la yuxtaposición de la propuesta argumental del siglo XXI en color , habiéndose recreado desde la primera pisada del hombre hasta el polvillo lunar. Maravilloso.

En esta tercera película de la saga Transformers, donde los buenos robots son los “Autobots” y los malos son los “Decepticons”, el subtema político salta a la vista pero no para el mundo entero sino para los norteamericanos: ahora hay que defender el propio país. Las ciudades norteamericanas están amenazadas y el ejército ya no es un ejército de invasión sino de salvación de Chicago en este caso, ciudad tomada como ejemplo en los últimos films de efectos especiales y ciencia ficción (está en las salas la efectiva “8 minutos antes de morir”). Para los Estados Unidos, sus hombres del ejército son los mejores como para nosotros lo siguen siendo los soldados de San Martín. No busquemos otra explicación ni connotación porque no la tiene. El mensaje del film, que lo tiene, es para el pueblo de USA, no para nosotros ni ninguna otra parte del planeta.

La inclusión de documentales reales de los presidentes Kennedy, Nixon y hasta el actual presidente Obama, en este último caso personificado por un actor afroamericano, le dan ese matiz político del que hablamos. La Apolo XI y sus efectos colaterales están a la vista. Y los astronautas, que han descubierto en ese lado oscuro de la luna a “transformers” deberán traer la información para salvar a su país de un ataque masivo de los Decepticons. Están los Autobots para la lucha.

En el film aparecen artistas importantísimos como John Turturro, Frances Mcgorman, John Malkovich, en momentos clave, aportando talento y credibilidad a una acción que será, en última instancia, la lucha del bien contra el mal.

Un tema a analizar es la duración del film: los últimos 45 minutos están dedicados a una lucha sin cuartel entre malos y buenos. Y, en este sentido, hay reiteración, pero no aburrimiento en el espectador.

Un elemento a tener en cuenta es el ataque a un edificio tan alto como las Torres Gemelas, y allí se detienen el director y sus productores de efectos especiales de tal manera que, por momentos, es una recreación del horror que se debió vivir durante el ataque del 11 de setiembre del 2001. El mensaje político es, entonces, muy claro: el ejército norteamericano está para salvarlos, salvar sus ciudades. Estas secuencias son impresionantes desde todo punto de vista.

En síntesis, pochoclera o no, Transformers 3 en 3D nos proporciona entretenimiento, y, si queremos ver un poco más allá, también hay subtemas que están expuestos así como una recreación lunar increíble. No es poco para un “tanque”.

Elsa Bragato

 

MEDIANOCHE EN PARÍS

De Woody Allen. Con Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Adrien Brody, Carla Bruni, entre otros.  Duración: 94 minutos.

MUY BUENA. FANTASÍA EN PARÍS, EN UNA COMEDIA ROMÁNTICA Y SINGULAR

Woody Allen nos asombra desde hace varias décadas. Para quien esto suscribe, dentro del Allen posterior a los comienzos muy psicológicos de sus films, uno de las películas más logradas fue “La rosa púrpura de El Cairo” por la comprensión del universo femenino y sus ilusiones. Hubo otros films maravillosos así como  otros reiterativos hasta llegar a éste, Medianoche en París, donde la 0 hora es un momento exacto para que todo se transforme.

Woody Allen, más que basarse en historias complicadas de reconocidos autores, da la impresión de haber recurrido a sus propios recuerdos y ensueños y uno al alcance de todos es el de la Cenicienta: a la medianoche todo cambiaba. Si para la rústica muchacha del cuento devenida en princesa era para mal, aquí Owen Wilson, el alter ego de Allen, la medianoche es para bien, para conocer el París de los 20, para sentarse a la mesa con Hemingway, Cole Porter, Salvador Dalí, Gertrude Stein, la musa de Picasso y de Modigliani, todo es posible en ese París de los 20. Recordemos que Hemingway lo retrató en París era una Fiesta.

Hay paneos cortos que han sido muy tratados como el de Carla Bruni, que aporta su presencia y lo que significa (la primera dama de Francia). En cambio, Marion Cotillard, dueña de una belleza muy europea sin los afeites hollywoodenses, encarna a las mil maravillas a la musa que todo artista querría tener. Y tiene un hermoso personaje que puede desarrollar con extensión.

También merece una consideración especial la actuación de Rachel McAdams, la compañera de aventuras de Owen Wilson en este film… Bella, sutil, tal como la trama lo requiere.

La búsqueda de la creatividad perdida es el motor argumental que le permite a Woody Allen rendirle un homenaje a la ciudad de París desde el lugar que todos podemos admirarla, el de sus sitios tan bellos, que tanto recuerdan a otros de Buenos Aires, el turístico, o bien los que todos queremos conocer. Y además hacer un tributo a la unión de tantos intelectos prominentes que el estilo de vida de la ciudad permitió unirse en bares y barrios hoy míticos.

Owen Wilson encarna a un guionista frustrado de Hollywood que aprovecha el viaje con su novia, por razones familiares, a París para buscar algo que despierte su capacidad de creación. Por momentos, pensar en Woody Allen y su compromiso artístico es inevitable. El realizador también busca renovar su capacidad de asombro ante la vida y transmitirla en sus películas.

Es un film para el recuerdo, para la emoción, para tenerlo como un hito dentro de la historia del cine porque Woody Allen retrata la ciudad de París como hacía décadas que no veíamos (en los 50 hubo films americanos memorables), con un ritmo romántico, de ensueño, que hace bien, que nos deja felices por dentro y por fuera. No se la pierda.

Elsa Bragato

 

Estrenos del jueves 23 de junio del 2011

Hay cinco estrenos, uno de ellos posiblemente se exhiba en DVD, El Amor de Robert, que vamos a comentar.

 

ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO

De Fernando Spiner. Con Pablo Cedrón, Claudio Rissi, Moro ANghileri, Luis Ziembrowski, Gabriel Goity, Horacio Fontova, entre otros. Duración: 100 minutos.

 

BUENA. LA HORA SEÑALADA DEL MALO Y EL VENGADOR, UN WESTERN GAUCHESCO BIEN REALIZADO QUE INCLUYE RIÑAS DE GALLOS DESAGRADABLES

Aballay, de Fernando Spiner, es una rareza dentro de la cinematografía nacional. Un western gauchesco, que continúa la línea gauchesca y no de western que supimos tener con obras memorables que van desde El Cura Gaucho hasta la Guerra Gaucha pasando por el cine de Leonardo Favio.  El hecho de defender un producto con excelente fotografía, cuidada escenografía, y paisajes no nos debe impedir ver que el producto es solo para un determinado público muy cinéfilo o seguidor del cine nacional de ciertas características y que no es un producto masivo. Y esta consideración es al margen de cualquier excelencia técnica y actoral que tenga el film.

Fernando Spiner surge de las filas de la televisión como un notable realizador (lo conocimos como director de programas de canal 13). Su lanzamiento al cine no hizo más que confirmar su capacidad para la narración audiovisual en gran escala.  El elenco de Aballay confirma un excelente casting, Pablo Cedrón con recursos mínimos demuestra su gran altura actoral, y así con cada uno de los elegidos para el elenco. La ubicación de la historia en Amaicha del Valle en la provincia de Tucumán le da esa justa pátina de polvo, caminos sinuosos, exactos a los que conocimos del Oeste norteamericano.

La historia se centra en la venganza de un niño que ve cómo matan a su padre. El rostro del asesino se clavará en su memoria. Y el tiempo enfrentará al homicida con el huérfano.

Sin embargo, el comienzo del film no nos produjo ningún agrado: desde la riña de gallos, prohibida, e innecesaria muestra de brutalidad aunque haya existido y subsista: el cuchillazo sobre el pescuezo de un gallo herido, brutal, certero, hasta una borrachera en una pulpería, nos pusieron en alerta. Ya en plena narración, las escenas no nos convencieron, parecían demasiado armadas, se les veía la entretela. Y esa entretela subsistió porque no pudimos creernos la historia tal como se nos presentó. Siempre notábamos o un supuesto, para nosotros, armado en estudio, o una prolijidad extrema en medio de caseríos tan limpitos como empolvados de manera sutil, hechos para la fotografía. No obstante, y a pesar de esta entretela, la actuación de los protagonistas iba creciendo de manera notable al punto de opacar otros aspectos como los apuntados.

Nadie pone en duda la excelencia en la dirección de Spiner ni en los actores. Pero no podemos dejar de señalar que hay reminiscencias importantes a Leonardo Favio y que la historia no resulta creíble en su totalidad, aunque nos hable de la venganza, del dolor, del precio a pagar por un asesinato. Tal como fue contada. Estas cosas también hay que decirlas cuando se hace un comentario de cine aunque no guste escribirlas y tampoco sea del agrado de quienes hicieron el film.  Nuestro interior y los alrededores de la ciudad de Buenos Aires fueron tan crueles como el Oeste americano, tan pobres como lo que vimos en los films, y la ley del más fuerte fue una constante. Es cierto. Sin embargo, la pulcritud extrema en parajes polvorientos le restó credibilidad a Aballay. No así la mayoría de las actuaciones. Nos gustó Pablo Cedrón.

Elsa Bragato

 

 

8 MINUTOS ANTES DE MORIR (Source Code)

De Duncan Jones. Con Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, entre otros. Música de Chris Bacon. Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. FÍSICA CUÁNTICA EN UN FILM DE INTENSO SUSPENSO, INTELIGENTE RELATO

Así es, Duncan Jones, el hijo de David Bowie vuelva al cine con un thriller de inusitado suspenso, que retoma una premisa científica: el cerebro vive aún, después de muertos, unos 8 minutos más. El capitán Stevens se encuentra en un tren que va a llegar a Chicago y explotará. Desde un centro científico estatal, una bella mujer y un impiadoso investigador se contactan con él que está, ahora, en un cubículo intentando desatar algo, moviéndose con enormes dificultades. Recibe órdenes y vuelve a ese cuerpo que es reconocido por una viajante como el capitán Stevens.

El secreto del relato está en ese ida y vuelta que no “tiempo”, no va hacia el pasado sino hacia su propio presente, el que está en esa oficina de investigación y donde recibe órdenes. Por eso es física cuántica (muy compleja de explicar mínimamente y de comprender también). Este ida y vuelta le permite al protagonista conocer más detalles de lo que debe hacer para evitar la explosión del tren cada vez que regresa al cuerpo del capitán Stevens.

También nos muestra la frialdad y la crueldad de muchos métodos científicos para lograr que un cerebro, de un cuerpo muerto, esté trabajando. Hay sofisticación tecnológica, de todo tipo, que es real y está mostrada con credibilidad. Esto existe, el tema era cómo narrarlo en el cine y no caben dudas de que Duncan Jones lo logró.

El “source code” del título en el inglés se refiere a la matriz que genera esta posibilidad de volver al cerebro y luego tomar el cuerpo del capitán en el tren, donde tiene pocos minutos, siempre menos de 8, para encontrar al terrorista y desactivar la bomba. Entonces, el ritmo del film es frenético, ágil, y exige una buena atención del espectador que no se aburrirá jamás. Hay excelencia en la filmación, la ciudad de Chicago es mostrada desde distintos planos estupendos, y no hay dudas de que el suspenso se apodera de toda la audiencia. Es un film inteligente. Y hay pocos así. El final nos muestra la crudeza de ciertas investigaciones.

Elsa Bragato

 

 

EL LABERINTO

De Johnb Cameron Mitchell. Con Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Sandra Oh, Dianne Weist, Miles Teller, entre otros.  Música de Anton Sanko. Duración: 91 minutos.

MUY BUENA. TRANSITAR EL DOLOR SIN CAER EN EL MELODRAMA. FILM INTELIGENTE, PROFUNDO

En inglés el film se llama “Rabbit Hole”, o sea “madrigiuera”, “conejera”. Y este título tiene estrecha relación con el “el laberinto” (título en castellano) espiritual que recorre una pareja para superar el duelo por la muerte de su hijo en un accidente automovilístico frente al hogar.

El argumento está armado sobre premisas científicas de S. Hawking sobre la existencia de la virtualidad y la posibilidad de encontrar en ese otro plano la felicidad que en éste no tenemos. Pero no hay ni viajes al pasado ni al futuro ni al presente virtual, solo la comprensión de que es posible, y de esta manera, alcanzar un atisbo de resignación.

 

No es un film ni sensiblero ni oportunista ni triste. Es un film reflexivo y profundo sin caer en el melodrama. Hay que destacar además que la historia está basada en una obra de teatro de David Lindsay-Abaire; sin embargo, la adaptación cinematográfica fue realizada por el autor por lo cual (como ocurrió con Sweeny Todd y su autor S.Sondheim) vemos secuencias de cine y no sketchs con reminiscencias teatrales. Esto es de destacar.

El tema parece muy difícil de tolerar para el espectador: padres que perdieron a su hijo. No obstante, uno se enfrenta a una realidad sin golpes bajos, no se ve la muerte de nadie, solo el transcurrir de la pareja que forman Becca y Howie y los intentos cotidianos por superar la ausencia del hijo, la depresión que jamás bordea el límite de la tragedia, los intentos de superación con grupos de autoayuda, la confianza del marido en que éstos funcionarán y la intuición femenina de Becca de que algo más es posible para volver a ser feliz. En ese “algo más” reside “el laberinto” o “rabbit hole” que no podemos desentrañar porque es el motor argumental.

Para ayudar a los dos personajes principales en este viaje de resignación con aristas tan inteligentes aparecen la madre de Becca, interpretada por una maravillosa Diane Weist, que ha sufrido un dolor similar. Aquí podríamos hablar de que hay destinos que se heredan. También está la excelente actriz de origen oriental Sandra Ho, a quien vemos en series renombradas de televisión así como fue una de las actrices de la celebrada “Entre Copas”. Hay un personaje clave para este laberinto o rabbit hole que enfrenta especialmente Becca, o sea Niciole Kidmann, y es el del joven que atropelló a su hijo.

El perdón, la venganza, la resignación, la posibilidad de la fe en otros caminos de felicidad, se unen para armar un argumento que asombra por su sagacidad, su intensidad y su realismo.

Se destaca la actuación de Nicoie Kidman en un rol profundo, que le mereció nominaciones a los Golden Globe y al Oscar. También Aaron Eckhart, a quien conocimos en “Gracias por fumar”, entre otros filmes. Ambos hacen absolutamente creíbles a estos padres en busca de redención al dolor. Iinsistimos, no hay melodrama. Es una de nuestras películas elegidas de la semana.

Carlos Pierre

 

 

NO ME QUITES A MI NOVIO

De Luke Greenfield. Con Kate Hudson, John Krasinski, Ginnifer Goodwin, entre otros. Duración: 103 minutos.

REGULAR

Este film está basado en la comedia dramática “Something Borrowed” (Algo prestado) y ese algo prestado es nada menos que el novio de una de las dos íntimas amigas que se conocen desde la infancia y mantienen una fuerte amistad a pesar de abismales diferencias. Una está por casarse, la otra es tímida, apocada.

Cuando “Darcy” va a festejar los 30 años de su amiga “Rachel”, aprovecha la ocasión para “birlarle” por un rato su novio. De allí en más el film transita por todos los equívocos que ya hemos visto hasta el hartazgo, celos mutuos, cuestiones fundamentales y conocidas como elegir al hombre de su vida como desea o renunciar a él .En el medio, la mejor amiga.

Se cae en el tono mediocre y convencional de peripecias amorosas vividas en fiestas, pubs, en la playa. Nada que no conozcamos.

El punto más débil del guión es la pasividad de la amiga engañada cuando descubre el desliz de su novio.  Hay alguna secuencia de explosión ante un caso de infidelidad tan grueso pero el director  rápidamente se empecina por “alisar” cualquier otro clímax, más que oportuno por la situación que muestra.

Es una comedia super ligera, para digerirla fácil. No está mal para distraerse pero, como película en sí, como producto cinematográfico, deja mucho que desear. Bien por Kate Hudson que tiene mucha cintura para estos films.

Carlos Pierre

 

 

EL AMOR DE ROBERT

de Nicholas Facker. Con Martin Landau y Ellen Burstyn.

MUY BUENA. LA FELICIDAD AL FINAL DE LA VIDA A PESAR DE LA DESMEMORIA

Esta película arranca lágrimas. Hay dos estupendas actuaciones, memorables, de Martín Landau, de 82 años y productor del film, y de Ellen Burstyn, de 77, sobre la relación de un matrimonio de la cuarta edad. Uno de los dos sufre del mal de Alzheimer que aquí está tratado con tanta altura que reconforta y nos permite ver otra forma de encarar lo peor de la mejor manera hasta transformarlo en felicidad.

Las ensoñaciones, las pérdidas de memoria, están enmarcadas en una navidad que el protagonista vive como puede, cree volver a enamorarse, pero será su mujer la que le permita transitar ese estrenado amor. Hay un clímax fuerte cuando la medicación  no llega a tiempo, pero también es verosímil que esto ocurra sin entrar en la tragedia o la densidad.

Mirar la cuarta etapa de la vida, la del final, con romanticismo, alguna reminiscencia a Berman y su Cuando huye el día, por ejemplo, es un l ogro. Nos emocionó, nos hizo reflexionar y nos sacó sonrisas de felicidad. Todo es posible. El film lo recomendamos para los abuelos, para los hijos con padres grandes.

Elsa Bragato

 

Estrenos del jueves 16 de junio del 2011

Hay 8 estrenos. No comentaremos “El túnel de los huesos”, con Raúl Taibo. Más que en otras oportunidades, esta semana tenemos que elegir entre los films que desarrollan historias de vida y los que se basan en los efectos especiales.

LOS AGENTES DEL DESTINO

De George Nolfi. Con Matt Damond, Emily Blunt, Anthony Mackei, Terence Stamp, entre otros. Música de Thomas Newman. Duración: 106 minutos.

REGULAR. ENREDOS ENTRE LA REALIDAD Y LOS MUNDOS VIRTUALES. THRILLER DE CIENCIA FICCIÓN

Matt  Damond parece condenado a huir  desde su personaje Bourne  de diferentes acechanzas. Antes fueron oscuros miembros de la CIA que insistían en lavarle el cerebro o matarlo. Ahora son humanoides, de alguna manera hay que definirlos, que están en otro plano pero se presentan ante nosotros como semejantes. Se dará cuenta de una manera extraña, en medio de una campaña política que lo llevaría como senador del estado de New York y que pierde. La aparición de una bailarina le complica el panorama porque se enamora.

La referencia más cercana está en nuestra televisión en Un año para recordar  (Telefé) y la relación que entre Carla Peterson y Gastón Pauls: si se unen, sus vidas serán sucesiones de frustraciones. Damond y Blunt , o sea “David Norris y Elise Sellas” , viven esta experiencia en Los agentes del Destino, una “oficina de ajustes del destino” tal como sería la traducción literal del inglés, Adjustement Bureau. Esta “oficina” y sus “agentes” se encargan de que cada uno de nosotros no se aparte del destino que se nos ha determinado.

El film está basado en un cuento de Philip K. Dick publicado en 1954. Y tiene aristas interesantes en su narración fílmica: la posibilidad de que nuestra realidad esté atravesada por mundos que no vemos porque habitan en otra dimensión y la posibilidad también de que en algún momento los mundos se conecten como le ocurre al protagonista del film. De allí a que estas aristas estén bien resueltas en la narración hay un buen trecho.

Decíamos al comienzo que Damond parece condenado a huir porque, efectivamente, intentará huir de estos caballeros de traje gris y sombreros de ala corta, bien de los 50, que lo saben todo. Habrá situaciones de mucha tensión porque ese “sombrerito” y un libro similar a un GPS con la vida de cada uno de nosotros intentarán impedir cualquier acción. Sin embargo, la sensibilidad de uno de ellos, un afroamericano (Mackie), será un factor desencadenante para que la historia no sea tal como la quieren estos agentes sino que se torne más humana.

Es decir, el amor tiene que triunfar de alguna manera. No sin rispideces, no sin un toque mágico que solo el cine puede dar como el de abrir puertas e ingresar a lugares que están pero a kilómetros de distancias, conformándose un laberinto que se ha visto en dibujos animados (Monster Inc.). Porque estamos frente a un thriller con suspenso y algunas tonterías en los diálogos. No deja de ser entretenido, aunque muy lejos de la saga de Bourne.  Como película, es regular. Como entretenimiento, es pasable.

Elsa Bragato

 

PRIEST, EL VENGADOR

De Scott Stewart. Con Paul Bettany, Karl Urban, entre otros. Música de  Christopher Young.

REGULAR. SACERDOTES VS VAMPIROS EN UN WESTERN POST-APOCALIPSIS. TRHILLER DE CIENCIA FICCIÓN

Esta película es ideal para los seguidores de la saga “Inframundo”. Para el resto del público, puede resultar una sumatoria de efectos de computación con correrías estilo “cowboys”. La crítica norteamericana ha sido contundente: Paul Bettany es un sacerdote que quiere impartir justicia al estilo John Wayne. En vez de caballos, hay motos de gran cilindrada. El paisaje es lunar, gris, y revela una Humanidad transformada en vasallos medievales que sufren los ataques de los vampiros. Compartimos en que Bettany es el “Wayne”  del siglo XXI en esta película.

Hay suspenso en los minutos iniciales, un toque de “Rápidos y Furiosos” en la narración ya avanzada, los vampiros son muy feos y de aspecto fetal y cuentan con trenes mientras que el sacerdote por excelencia, con una cruz dibujada en la frente, encarnado por Paul Bettany, tiene motos de gran potencia. Hay estilo a lo Mad Max que solo ha sido una revelación en ese film y no en estas secuelas escenográficas. En definitiva, sectas que regentean el mundo que queda, post apocalíptico, muertos que son vampiros, sacerdotes que deben cumplir con una misión (aquí un pariente cercano al protagonista es raptado…) de justicia y otra personal.

Como película, continúa en la línea de Inframundo, o sea estamos frente a más d e lo mismo. Como entretenimiento, pensamos que es para los seguidores de “Inframundo”,  sin descartar el interés de otro tipo de espectador. Mucho ruido, muchas correrías, poca sustancia.

Elsa Bragato

 

CARLOS

De Olivier Assayas. Con Edgar Ramírez, Alexander Scheer, Ahmad Kaabour, entre otros. Montaje de Luc Barnier y Marion Monnier. Duración: 2 h 45 minutos (165 minutos)

BUENA.  INTERESANTE BIOPIC CON DUDOSA EDICIÓN

Cuando se sabe de antemano que una miniserie de cinco  horas y media es llevada a un film de poco menos de tres horas, se tiene un oculto reparo porque las ediciones no obran milagros.

Sin embargo, el film del director francés Olivier Assayas, presentado en el Festival de Cannes, no defrauda en la narración de la vida de este terrorista venezolano, Illich Ramírez Sánchez, apodado Carlos, que actuó en los 70 y los 80 dentro del terrorismo internacional, en el activismo propalestino hasta en el Ejército Rojo Japonés, incursionando en los últimos años de la Guerra Fría.

Carlos fue un terrorista, un mercenario oportunista contratado por los poderosos servicios secretos de Medio Oriente. Muy buscado en 1974, intentó asesinar a un hombre de negocios británico (el dueño de las tiendas Marks & Spencer), por ejemplo. En 1975 ingresó a la sede de la Organización de Países Exportadores de Petróleo en Viena y tomó más de 40 rehenes, asesinando a tres personas. Tuvo gran renombre y era dueño de una personalidad rayana en el divismo. Fue capturado en 1994 en Sudán, donde fue entregado a la policía francesa. Actualmente cumple su condena en Francia.

Encontrar un intérprete para Carlos no fue fácil para Assayaz. En Venezuela, país natal del terrorista, ubicó a Edgar Ramírez, nominado a los Golden Globe por su perfomance en este telefilm con formato de miniserie, actor con dominio de inglés, francés, árabe y castellano, idiomas que alterna en la carrera terrorista del personaje.

Es curioso observar las transformaciones físicas de Carlos a lo largo de su vida, al menos lo que se muestra en esta recortada miniserie, desde aumento de peso  hasta el cambio en el cabello y el agregado de bigotes. Tuvo el sobrenombre de “El chacal” dado que, al ser detenido, se le encontró el libro “El día del chacal” de Frederick Forsyth entre sus pertenencias. Durante veinte años Carlos sembró la locura del terrorismo en gran parte del mundo. Su vida fue tormentosa, tuvo dos mujeres, una hijita, que, por obra de la edición, aparecen en la narración de manera forzada. Otro tanto ocurre con su carrera terrorista así como muchas otras asociaciones ilícitas, secuencias que no aparecen a raíz del efecto devastador de una reducción del material en un 50%.

Nuestro modesto criterio es que Carlos debió ser emitida por televisión y no ingresar al circuito comercial cinematográfico dado que esto último obligó a un cercenamiento del material que es visible, notable, y que no pasa inadvertido para el espectador porque la historia salta, el guión pierde su eje en muchos momentos. No obstante, no deja de ser una “biopic” interesante. No es atractiva por lo que apuntamos.

Carlos Pierre

 

JUNTOS PARA SIEMPRE

De Pablo Solarz. Con Peto Menahem, Malena Solda, Mirta Busnelli, Luis Luque, Sergio Boris, Silvia Kutika, Marta Lubos, Valeria Lois. Música de Nicolás Diab. Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. EFICAZ GUIÓN CON EXCELENTE ELENCO EN BUEN RELATO COMPLEJO, DIVERTIDO Y ÁCIDO

Cuando se conjugan un buen guión y un excelente elenco estamos frente a un buen film. En este caso, se trata del director Pablo Solarz, de gran reputación como guionista de Historias Mínimas, El Frasco, Un Novio para mi Mujer, entre otras películas nacionales, coordinando además varios “workshops” de guión en la actualidad.

El guión de Juntos para Siempre es sólido y hace punta en la vida de un guionista (vaya casualidad!) robotizado al punto de alejarse de sus afectos, en este caso su esposa, quien le exige cambios de actitud y una mayor atención. Finalmente, decide abandonarlo luego de contarle a su marido que tuvo un “affaire”. Pero nada inmuta al personaje de Peto Menahem, a quien hemos visto en excelentes roles televisivos, que continúa con su obsesión de terminar con su guión. Curiosamente, el personaje que crea en la ficción es su “alter ego”, el que cobrará vida a través de Luis Luque. También resultan muy buenos los trabajos de Malena Solda como la esposa, de Florencia Peña como la nueva compañera, de Mirta Busnelli como la excéntrica madre del obcecado guionista.

Resulta muy atractiva la interacción de la vida real del protagonista con los personajes de su propio guión, una tarea que el realizador Pablo Solarz lleva con mano segura y fluidez narrativa a través de un desarrollo en el que transitan la comedia y el drama con tonos ácidos, oscuros, que mantienen el interés en el espectador. A decir verdad, hay que decir que no estamos acostumbrados en nuestro cine a guiones de esta envergadura, complejidad y buena resolución audiovisual. Es un promisorio film de Pablo Solarz, conocedor como pocos, por lo visto, de la columna vertebral de un film: el guión cinematográfico. Y es una de las mejores películas de esta semana.

Carlos Pierre

 

UNA MISIÓN EN LA VIDA

De Eran RIklis.  Basado en la novela “A woman in Jerusalem”. Música de Cyril Morin. Duración 103 minutos.

 

MUY BUENA. REALIDAD QUE MOVILIZA LOS SENTIMIENTOS. ENTRE EL DRAMA Y LA COMEDIA “NOIR”

Resulta muy interesante, dentro del amplio arco de films de esta semana, esta película israelí de Eran RIklis, el mismo de Lemmon Tree, entre otros films vistos en la Argentina. No muchos pero suficientes como para encarar The Human Resources Manager, título en inglés de Una misión en la Vida, con buen espíritu de espectador. En este caso, Riklis apunta al gerente de Recursos Humanos de una panadería, la más afamada de Jerusalén, en cuyo plantel falta una de las empleadas y no se dan cuenta. Acusados de falta de sensibilidad, el gerente es enviado por la dueña a ubicar a la empleada.

El viaje que inicia este hombre pasa desde el drama personal, tratado con objetividad, hasta el drama de una empleada cuyos orígenes están lejos de la ciudad y lo llevan a otros países y otras culturas. De pronto, el tono dramático, aunque sin caer en el trazo grueso, se disuelve y se transforma en una comedia negra. Cementerios, morgues, un ataúd, un cónsul, y, cuanto menos, como séquito, un pesado periodista, forman una comitiva que acompaña al gerente en su búsqueda. No hay un país determinado por lo que el film es considerado “apolítico”, si bien fue rodado en gran parte en Rumania.

Es muy interesante ver la transformación interior de este gerente, acostumbrado a controlar la mayor producción quien, de pronto, busca a un ser humano, enfrenta emociones y comienza un viaje interior mucho más atrapante que el que realiza. Ahora debe controlar lo inasible, el dolor, las preguntas sin respuestas. Nos gustó mucho porque estamos frente a una historia de vida y no a un relato plagado de efectos especiales. Es la otra buena película de la semana (junto con la argentina Juntos para Siempre).

Elsa Bragato

 

 

LA DOBLE VIDA DE WALTER (THE BEAVER, EL CASTOR)

De Jodie Foster. Con Mel Gibson, Jodie Foster, Jennifer Lawrence, Cherry Jones, Sam Breslin, entre otros. Música de Marcelo Zarvos.

 

MUY BUENA. INTERESANTE PROPUESTA SOBRE EL PÁNICO Y LAS RELACIONES FAMILIARES

Jodie Foster le tiró un cable a su amigo Mel Gibson al convocarlo como protagonista de este nuevo film que la actriz dirigió y coprotagonizó como la esposa del empresario con pánico. Sabida es la declinación del astro australiano como gran figura por su racismo religioso y su alcoholismo que lo ha llevado hasta la cárcel, amén de sus divorcios y peleas conyugales.

En este caso, Foster tomó la vida de un marido depresivo que es un buen empresario pero padece de fobias, de pánico, que lo llevan a intentar suicidios casi caricaturescos.

Un día “Walter” encuentra un títere que representa a un castor, de allí el título en inglés, al que adopta como un integrante de su vida, o mejor dicho de su mano izquierda. Con este agregado a su cuerpo, puesto que no se desprenderá más del títere, siente que puede enfrentar situaciones antes imposibles para él y que su vida vuelve a ser positiva. Encuentra su propia terapia de salvación. Por supuesto, sus dos hijos toman actitudes diversas, el menor acepta esta simbiosis del padre con el títere, el mayor lo rechaza, lo ve ridículo. Este títere le permitirá crecer al empresario como tal al idear una especie de juguete de madera que será un éxito comercial.

La idea no está mal y Mel Gibson se consagra con una gran interpretación. En los Estados Unidos el rechazo al actor por su vida errática significó un fiasco en las boleterías. Para muchos críticos, el film no merece una mayor consideración. Sin embargo, pensamos que hay elementos muy valiosos sobre la psicología de la persona que sufre de pánico y depresión, una lleva a la otra y viceversa, y que no hay nada ridículo sino una historia que puede tener empatía con muchas situaciones que se puedan vivir. El pánico no siempre se manifiesta abiertamente. De allí que le asignamos importancia al eje argumental propuesto por Jodie Foster.

El film es pequeño si nos atenemos a la anécdota que se propone desarrollar. Pero es desafiante, original, nada simplista y aporta elementos interesantes. Gibson es creíble y, como dijimos, se destaca ampliamente con sus dotes actorales, fuera de espionajes, secuestros o bien films históricos. Jodie Foster lo secunda muy bien. Hay un excelente trabajo de Anton Yelchin como el hijo adolescente que reniega de su padre. Y la música de Marcelo Zarvos tiene, en el comienzo, una impronta tanguera a lo Astor Piazzolla que no nos desagradó sino todo lo contrario.

Una comedia dramática bien estructurada, bien narrada, con un Mel Gibson que nos da una actuación que lo reubica como un gran actor. Pasa rápidamente del gag quasi cómico a la depresión, del ridículo al éxito, transitando todos los estados de ánimo del personaje. No es poco.

Carlos Pierre

 

LAS MARIMBAS DEL INFIERNO

De Julio Hernández Cordón. Coproducción de Guatemala, Francia y México. Duración: 73 minutos.

REGULAR. CURIOSIDAD MUSICAL ENTRE LA MÚSICA SATÁNICA Y UN ARGOT INCOMPRENSIBLE

La marimba (instrumento parecibo al xilofón, que es su versión de metal) es de madera y es considerado el instrumento nacional de Guatemala. Según la historia de Julio Hernández Cordón, va siendo dejado de lado en Guatemala por otras tendencias musicales e interpretativas.

El indigente personaje que toca la marimba, en un último acto de supervivencia, se asocia a un pionero del heavy metal, un baterista que se desarrolló en el ambiente underground que, en Guatemala, es muy precario, según el film. El conjunto musical que resulta con el agregado de la marimba, en perfomances de “música satánica”, tiene un hacedor y es un chiquilín de los barrios marginales, delincuente, prototipo de la picaresca cuando mucho. Esta marimba en desuso cae en la agonía del infierno del conjunto de heavy metal con aspiraciones satánicas.

El eje de la trama resulta interesante pero, ni bien se plantea, se pierde en los escasos minutos que tiene la narración audiovisual, costando entender muchos diálogos por la jerga o argot que utilizan, propios de ciertos barrios guatemaltecos. La filmación además es deficiente en su factura, escasa de medios técnicos.  La película nos muestra una curiosidad musical y social pero todo se desvanece muy pronto.

Carlos Pierre

 

 

Estrenos del jueves 9 de junio del 2011

Esta semana hay cuatro estrenos. Siguen en los primeros opuestos “Piratas del Caribe IV” y “X Men, El Comienzo”, que arrasan la taquilla. No comentaremos “Retornos”, coproducción argentino-hispana.

 

AGUAS TURBULENTAS

De Erik Poppe. Con Pâl Hagen Valheim Sverre, Trine Dyrholm, Ellen Dorrit Petersen. Música de Johan Soderqvist. Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. COMPLEJO DRAMA SOBRE LA CULPA Y EL PERDÓN

La inocencia y la redención, la culpa y el perdón, se entremezclan en relatos correlativos, por momentos paralelos, en esta tercera realización del director norueego Erik Poppe. El film es del 2008, hay cierto retraso pero bien vale la pena.

La historia tiene un notable acento dramático que perturba desde el comienzo al espectador. El título, “Aguas turbulentas”, tiene directa relación con el argumento y, desde la primera secuencia baña a la audiencia de desesperación y exasperación. Imposible no conmoverse con esta película.

Las primeras secuencias nos muestran a un joven asesino que está por dejar la cárcel, donde purgó el asesinato de un niño en aguas turbulentas. Los reclusos le dan el “salvoconducto” metiéndolo en agua hirviendo y luego propinándole una feroz paliza. Los “asesinos de niños” no son perdonados por los reos.

Salir de la cárcel puede significar dos cosas: la búsqueda de un destino personal mejor, ahora como organista de una inglesia de Oslo, enamorarse de la “pastora” de la iglesia que tiene un niño. Del supuesto crimen del pasado no se habla. Hay silencios contundentes en el film.

La segunda vertiente del relato está en la madre cuyo niño fue muerto, asesinado o bien cayó a las aguas por error. Ubica al joven asesino y comienza a perseguirlo.

Hay un punto de unión entre el pasado, insistimos, supuestamente criminal del joven organista y su actual pareja con su niño: éste también se pierde aunque momentáneamente. Esto provoca una ruptura en su presente que se traslada con intensidad a todo el relato: la culpa por un pasado que no acepta porque siempre se declaró inocente y la culpa que le produce ese hecho fortuito con el hijo de la pastora.

Profunda, silenciosa, intensa, la película tiene pasajes donde el joven toca el órgano con disonancias fuertes algunas fugas. He aquí una forma del realizador Erik Poppe para graficar el dolor y la culpa, aunque se declare inocente, del protagonista. Y, como venimos diciendo, el auditorio no permanece ajeno a tanto dolor contenido, a tanta desesperación de la madre cuyo hijo falleció, a tanto silencio que mezcla llantos tácitos y culpas con un perdón que resulta inasible.

El drama tiene una reafirmación con un tema musical que ejecuta el organista: el tema de Simon y Garfunkel “Puente sobre aguas turbulentas” (traducción literal del título en inglés). ¿Es culpable, es inocente? ¿Por qué tanto silencio, por qué tanto dolor en los personajes?

Sin duda, todos ellos nos remiten a las diferencias de la moral social y las actitudes que los latinos tomamos frente a situaciones límites, como en este caso. Y hay una pátina lejana al legado cinematográfico de Ingmar Bergman.

Film duro y difícil de asimilar por el planteo inicial, el asesinato o muerte accidental de un niño, un suceso que se mantiene latente a lo largo de la narración y que mantiene en vilo al espectador. No hay tregua en el drama.

Carlos Pierre

 

HANNA

De Joe Wright. Con Saoirse Ronan, Eric Bana, Cate Blanchett, entre otros. Música de Chemical. Duración: 110 minutos.

MUY BUENA. UN “PATCHWORK” DE THRILLER, GENÉTICA, LOS CUENTOS DE GRIMM, ALOCADO Y ATRAPANTE

Ésta es una semana de dos films complejos: Aguas Turbulentas y Hanna.  Los dos tienen en común una ausencia de sentimientos explicitados y, en cambio, aportan miradas atormentadas que valen más que las palabras. En el caso de Hanna nos enfrentamos a un “patchwork” de Joe Wright, el mismo realizador de “Atonement” y de “El solista”, dos películas que nos encantaron. También con variados escenarios.

Esta película comienza en las estepas finlandesas, pasa por los desiertos de Marruecos, se interna en la zona de Andalucía, en España, y nos mete, sin permito, en una fría oficina de la CIA. Un hombre vive de la caza y pesca con su hija adolescente, la incnreíblemente bella Saoirse Ronan. Eric Bana encarna a este padre que prepara a su hija para la lucha, matar o morir, cazando un venado al comienzo con la misma técnica con la que cazará a sus enemigos. La jovencita no tiene opción: cuando salga de su casa en medio de los hielos será para matar o morir. Su objetivo es una mujer, encarnada por Cate Blanchett, que tuvo que ver con la mutación genética hace 20 años para generar una raza, cuándo no, rubia y de ojos azules más fuerte, más poderosa física y mentalmente. Hanna es el fiel reflejo de estas capacidades pero no está claro si es por el brutal entrenamiento al que la somete su padre o por una cuestión genética.

Impacta la primera secuencia de la muerte del venado y su destripamiento. Esto hay que contarlo porque mucha gente puede sentirse herida. Hanna no tiene sensibilidad aparente.

Al salir al mundo, tanto ella como su padre emprenden una alocada carrera por lugares insólitos y muy lejanos a Finlandia como es Marruecos. Aunque la atrapen, la jovencita sabrá salir y continuar con su búsqueda o su salvación. Una familia tipo, con algunas excentricidades en sus dos hijos y en la madre, le permite vivir esa vida que desconoce: la de la familia, la salida con chicos de su edad, la pérdida momentánea de su brutalidad. Pero Hanna no es una chica que conozca sutliezas así que se producirán gags que quiebran, momentáneamente, la dureza de la narración.

Es atrapante, por otra parte, porque es un thriller. Y la música del grupo Chemical, ensordecedora y machacadora en el rítmo, colabora en gran medida para que el espectador esté casi al borde de un ataque de nervios o con una extrema excitación. El volumen de los ritmos electrónicos de Chemical tienen una explicación: Hanna tiene los sentidos más agudizados que el resto de los mortales por lo tanto, cuando sale al exterior, los sonidos son brutales. Para el personaje y para el espectador.

Hay una marca “Bourne”, la famosa saga de tres filmes, en el escape de los protagonistas. La historia real de Hanna, cómo llegó al mundo, vendrá con algunos flashbacks, que en nada perjudican la narración central y, en todo caso, aportan claridad.

Es que, entre tantas corridas de Hanna por el mundo, el guión deja mojones sin cubrir: desde el acarreo del venado destripado hasta la aparición en Marruecos. Puede haber alguna que otra señal de que algo semejante puede ocurrir, mediando tantas distancias, pero no resulta muy claro si uno lo analiza sin pasión.

La casita de los cuentos de Grimm aparece como un solaz en medio de tanta correría pero no será un lugar apacible tampoco. La muerte está por todas partes, Hanna es una luchadora y vengadora en esencia y la ternura, la femineidad, la dulzura, están ausentes en todos los personajes. Sin embargo, el ritmo febril, con sus más y sus menos en el guión, nos resultaron atrapantes de principio a fin dejándonos la sensación de haber visto un thriller fuera de lo común.

Elsa Bragato

 

KUNG FU PANDA 2 en ·D

De Jennifer Yuh Nelson. Con Jack Black, Angelina Jolie, Dustin Hoffman, entre otros. Música de Hans Zimmer y John Powell. Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. DIVERSIÓN Y AVENTURAS EN UN CONTEXTO VISUAL ESTUPENDO

Estamos frente a la segunda película de Kung Fu Panda, la primera fue hace tres años. La “reinvención” de la tecnología en 3D nos asegura un film entretenido de principio a fin, con este oso Panda que no se da cuenta de su papá es un “ganso” y no un panda, y que, ya entrenado en las técnicas del Kung Fu, es un experto en artes marciales que salvará la legendaria tradición de las mismas.

Ahora se enfrenta a un pavo real que ha creado una máquina de fuego espantosa con la que piensa destruir el mundo de Kung Fu Panda, llamado Po, y cinco amigos, desde una serpiente hasta una suerte de langosta exótica y muy entrenada. Este pavo quiere apoderarse de China.

Nada menos.

No se trata de una secuela más. Nos animamos a decir que es más entretenida que la primera y tiene un objetivo: dilucidar el origen de Po, mientras defiende China y al Kung Fu. Estos propósitos narrativos le dan mucha sal y pimienta a esta segunda parte que resulta más que atractiva.

Desde la fotografía, que abunda en planos largos con todos los matices de detalles y colores que uno se pueda imaginar, hasta planos cortos, igual que si se trabajara en un film no animado, hasta la música en manos de dos grandes maestros de Hollywood, Hans Zimmer y John Powell.

El “quid” de la historia está en un sello que despierta en Po reminiscencias de un origen que ve confuso y le saca fuerzas en la lucha. Lo demás es un thriller de entretenimiento de primerísimo nivel. Esta vez sí se puede decir que segundas partes son buenas.

Elsa Bragato

 

Estrenos del jueves 2 de junio del 2011

Hay cinco estrenos en soporte fílmico. No comentamos “Desbordar”, de Alex Tossenberg que merece nuestro reconocimiento aún sin haberla visto por el tema que trata.

 

 

X.MEN, PRIMERA GENERACIÓN

De Matthew Vaughin. Con James McAvory, Michael Fassbender,Jennifer Laurence, Kevin Bacon y un cameo de Hugh Jackman. Música de Henry Jackman. Duración: 132 minutos.

 

MUY BUENA. JÓVENES MUTANTES CON SINCEROS PLANTEOS ÉTICOS

Estamos ya en la cuarta película de los X-Men, en este caso la precuela, cómo se originó ese singular grupo de jóvenes mutantes o con dones especiales que los entrenara Hugh Jackman. En este caso, vemos qué pasó con Eric Lensherr en un campo de concentración nazi en Polonia, una escena que había quedado en suspenso en el primer film. Aquí se sabe qué originó que sacara a la luz su enorme fuerza mental.  

El film nos va contando, con una magnífica fotografía aérea para ubicarnos en diferentes ciudades europeas y hasta en el Pentágono, cómo van apareciendo estos jóvenes mutantes, de dónde vienen y, posteriormente, cómo terminarán reuniéndose para dar inicio a la escuela de jóvenes mutantes.

Charles Xavier, encarnado por un sagaz James McAvory, terminará reuniéndose con Eric, el futuro Magento, a cargo de Michael Fassbender. Son los fundadores de esta escuela de superdotados, aunque con el tiempo surgirán diferencias conceptuales sobre el origen de estos dones, la mutación de los genes desde los campos nazis, y la necesidad de proteger a quienes son diferentes.

El film, con una narración muy bien planteada y ágil recorriendo diferentes ciudades como indicamos, añade un toque analítico a las circunstancias de cada joven mutante. Aparecen subtextos sobre la ética del comportamiento de cada uno de ellos, la reacción social por el aspecto, y cómo defenderse. No es poco para un film taquillero desde el vamos.

El futuro de Charles y de Eric serán el Profesor Xavier y Magneto. Pero es tan solo lo que se espera que suceda mientras los mutantes recorren buena parte de la historia de los últimos 50 años, hasta ubicarse en medio de la guerra fría entre los Estados Unidos y Rusia, en momentos en que en Cuba se instalaban misiles. Y se puede ver el discurso original del presidente Kennedy en aquel momento, con una notable recreación de época. Este hecho permitirá que conozcamos la reacción de Eric, que lleva tatuado su número en un campo nazi y tiene espantosos recuerdos, y la de Xavier, con su lucidez extraordinaria.

Si bien hay efectos especiales, por suerte no inundan la pantalla a puro ruido sino que se dan en los momentos justos. También hay secuencias graciosas como las que suceden en el Pentágono y alguna reflexión machista.

El error: es tan visible que no podemos dejar de contarlo. Uno de los nazis se escapa a la Argentina y así lo dice un secuaz cuando es ferozmente atacado por Eric. Lo ubica en Villa Gesell. Y cuando Eric viene al país, el paisaje de Villa Gesell no es una playa sino uno típico de Bariloche. Hablan en castellano, lo necesario, dentro de un bar de la zona. Y, por suerte, no aparece más esa Villa Gesell inventada por una producción que no investigó y supuso que nadie conoce ni el país ni las playas de Gesell. Grave error. Salvando esto, que nos molesta en forma especial, el film es muy atractivo, no decae nunca la acción ayudada por una fotografía estupenda y por muy buenas actuaciones.

Elsa Bragato

 

 

ROMPECORAZONES

De Pascal Chaumeil. Con Romain Duris, Vanessa Paradis, Julie Ferrier, entre otros. Música de Klaus Badelt. Duración: 104 minutos.

 

MUY BUENA. GLAMOUR EN UNA COMEDIA ROMÁNTICA SOBRE EL CAZADOR CAZADO

Es difícil innovar en el género romántico, especialmente cuando se trata un tema muy trajinado: la joven dispuesta a casarse con un hombre que sus padres no quieren y la aparición de un “salvador” que se enamorará de ella. El debutante Pascal Chaumeil logra un aggiornamiento de la historia del “cazador cazado” con elementos propios del siglo XXI y mucho glamour y sofisticación de las locaciones (Montecarlo) utilizadas.

Alex Lippi es el personaje a cargo de Romain Duris que tiene montada una empresa familiar insólita: desbaratar, a pedido y con muy buen pago, situaciones románticas que desagraden a terceros. Ayudado por su hermana y su cuñado y con cierta sofisticación de medios, algunos un tanto ridículos, demuestra su capacidad para seducir, engañar y así devolver esposas, amantes y madres a sus hogares originales. Hasta que un millonario le hace la propuesta de quebrar el noviazgo de su joven hija, una bellísima Vanessa Paradis, con un riquísimo hombre de negocios de Las Vegas. El plazo es de cinco días para impedir una boda que está más que planificada.

Esto le permite a los guionistas una serie de secuencias ágiles, viajes, corridas de los protagonistas en aeropuertos y hoteles lujosos, tratando de seducir a la bella  para que no se case.

En este sentido, los subtextos son los conocidos: la relación padre-hija, la soltería del protagonista embaucador, la necesidad de llevar una vida ostentosa y qué se hace para conseguir dinero. Es decir, hay varios puntos que pueden analizarse y traspolarlos a situaciones de nuestras sociedades para comprender, no con la misma índole de trabajo por cierto, el enriquecimiento de una buena mayoría. O sea, no siempre hay caminos “sanctos” y a veces son insólitos, como el que nos muestra el film.

Buena ropa, buenas locaciones, hoteles soñados, viajes a lugares bellísimos, noches con lunas y romance, un sinfín de situaciones jugadas con elegancia que resultan simpáticas y agradables para pasar un buen momento.

ELSA BRAGATO

 

 

QUÉ CULPA TIENE EL TOMATE

Documental sobre mercados populares latinoamericanos.

Este documental bien puede ser calificado como “muy bueno” por la inquietud de sus siete directores de recorrer los mercados populares de Argentina, Bolivia, Perú, Colombia, Brasil, Venezuela y España. Montado en capítulos, con cámara ágil, sin diálogos (solo al final) pero con el sonido ambiente de los trabajadores que hombrean bolsas de verduras muy de madrugada para ir armando el mercado, nos muestra la verdadera cara de las ciudades. Bien se dice que, para conocer el sitio que visitamos, hay que ir a su mercado.

Los directores de este documental que lleva un título muy de esta semana , “Qué culpa tiene el tomate?”, cuando en Europa se inició la “guerra de los pepinos”, han hecho un muy buen trabajo; por supuesto que no es comercial, taquillero, pero sí puede obrar como un film de información incluso para las escuelas.

Alejo Holjman, Marcoz Loayza, Josué Méndez, Carolina Navas, Paola Vieira, Alejandra Szeplaki y Jorge Coira fueron los sietes directores que armaron estas estupendas secuencias de vida en 107 minutos.

ELSA BRAGATO

BLUE VALENTINE

De Derek Cianfrance. Con Michelle Williams, Ryan Gosling. Música de Grizzly Bear. Duración: 120 minutos.

MUY BUENA. CUANDO LA VIDA PRODUCE ESTRAGOS EN EL ALMA

La historia de “Blue Valentine” (blue, en inglés, también significa tristeza) es triste y melancólica: una pareja transita desde el éxtasis del enamoramiento hasta el ocaso del amor.

Son múltiples las razones que hacen de este film una propuesta diferente, con un fuerte rasgo de cine independiente: la inserción del pasado con una filmación en 16 mm de planos largos, en contraste con numerosos planos cortos del presente de la pareja, en la parte técnica de la narración. En su contenido, están los contrastes sin atenuantes de la vida misma: ella quiso ser médica y terminó siendo enfermera, él, pintor de brocha gorda, terminó haciendo changas.

Es una historia de amor y dolor sin maniqueísmos, las culpas fueron repartidas, el final que no es el típico de Hollywood, son otros elementos que transforman a Blue Valentine en un film profundo, doloroso, sin atenuantes de ningún tipo.

El contraste de personalidades es uno de los tonos del film de este “primerizo” llamado Derek Cianfrance. “Cincy”, a cargo de Michelle Williams (cuando se inició el film, quedó viuda de Heath Ledger, hubo que esperar a que se repusiera de la pérdida de su marido, justo cuando intentaban recomponer la relación, para continuar luego de meses el film) es dinámica y emprendedora. Dean se deja estar en su hogar, cuida de la hijita de ambos, un verdadero “botín” cuando el andamiaje del amor empieza a quebrarse y desmoronarse.

Este contraste que mencionamos permite que Williams y Gosling se enfrenten en un duelo actoral realista, extremadamente creíble, cotidiano en sus idas y venidas, personajes que gozan y sufren la vida , una vida y una realidad que les tienden trampas. Y no siempre se está preparado para salir de ellas y recomenzar. Muchas veces la vida provoca estragos en el alma y allí se derrumba lo que se pudo construir. Cindy y Dean no son la excepción.

Hay dos escenas que consideramos antológicas: la primera es un baile de la pareja en la calle, bajo la magia de la noche, y la segunda, es cuando Dean intenta reconquistar a Cindy llevándola a un hotel futurista y bizarro, secuencia que no termina de un modo feliz, a diferencia de la anterior del baile callejero.

Dos amantes, una niña. Una vida en común. Contraste de personalidades. El sentimiento más profundo y valedero que nos deja esta película es el rigor en el tratamiento del tema, y le sumamos el peso de la pérdida que agobia, que puede agobiar, a dos que se quieren, transformándolos de dos alegres amantes en dos tristes seres humanos que sucumben a sus miserias espirituales. La narración está contada de manera NO LINEAL, pero esto no obstaculiza la comprensión de la historia que nos duele, que nos enfrenta a miedos, tal vez a recuerdos que no queremos. Un gran film que mereció la nominación a los Oscar, incluyendo la actuación de Michelle Williams. También, junto con Rosling, fueron nominados como mejores actores en Drama de los Golden Globe.

Si quiere una historia de verdad, que lo conmueva, ésta es su película

 

 

Estrenos del jueves 28 de abril del 2011

Hay cinco estrenos. No comentaremos “Felinos en África” porque ese tipo de documentales se ven en algunas señales de cable y las escenas de violencia animal no nos agradan.

 

THOR

De Kenneth Brannagh. Actores:  Anthony Hopkins, Chris Hemsworth, Natalie Portman, entre otros. Música de Patrick Doyle. Duración: 113 minutos

MUY BUENA. CÓMIC CON PARLAMENTOS A LO SHAKESPEARE Y ESTRUCTURA DEL DANTE ALIGHIERI. DIFERENTE Y ATRACTIVO.

Kenneth Brannagh en un notable actor y realizador irlandés (lleva más de 10 films incluyendo cortos) y un gran estudioso del teatro Shakeapeare. No obstante, se ha dado el gusto de interpretar papeles diversos en diferentes géneros fílmicos. Le faltaba dirigir una película en 3 D y no dudó en aceptar el cómic de Marvel llamado “Thor”, ese guerrero vikingo desterrado por su padre enfrentando a su malvado hermano que intenta matar al progenitor.

Si se ingresa al género del cómic y además se utilizan efectos en 3D siempre se caerá en lugares comunes que son los que permiten el esplendor de esta técnica que se disfruta con anteojos bicolores. Brannagh no es la excepción. Nada más que, entre líneas, no escapará al espectador que lee y mucho la dirección actoral propia del teatro de Shakespeare en muchos parlamentos del gran Anthony Hopkins, sus modulaciones, y su postura escénica, como también reconocerá en la utilización de planos-secuencias que, tal como están plasmados en la narración audiovisual, solo pudo concretarlos quien, además de literatura inglesa, conoce la estructura de la Divina Comedia del Dante Alighieri. La cámara comienza en ese mundo virtual, dorado, espléndido y de computadora para pasar por un colchón de nubes y detenerse en las espaldas de Natalie Portman, la investigadora terrestre ubicada en Nueva México, Estados Unidos.

Solo quien conoce La Divina Comedia pudo realizar ese plano secuencia donde se unen dos reinos. El del pecado? El de la violencia? El puramente virtual junto al plenamente terráqueo? Brannagh tiene el secreto y creemos haber dado en el “clavo”.

Los diálogos también llaman la atención muchas veces, al margen de la parafernalia de los efectos en 3D: poner en boca de severos agentes del FBI frases con relación a otros superhéroes o muy actuales luego del atentado del 11 de setiembre son recursos que ha incluido Brannagh.

Enriqueció un cómic, que no deja de ser tal con sus más y sus menos, y le añadió el conocimiento de estructuras literarias jamás superadas. Hamlet y la Divina Comedia son toques que Brannagh maneja, conoce, disfruta y nos regala porque tuvo ganas.

 

Anthony Hopkins hace un gran papel como el rey Odín, creíble como pocas veces en performances tan elaboradas. Thor está encarnado por el joven actor australiano Chris Hemsworth, apolíneo y, si bien carilindo, con personalidad para actuar! Y, por supuesto, Natalie Portman, seguramente antes de El Cisne Negro.

Nos parece un muy buen cómic con, como ya dijimos, algunos clishés y sus más y menos, pero enriquecido por la estructura narrativa propuesta por Brannagh y por la dirección actoral donde a personajes de historieta les ha otorgado la majestuosidad de los personajes de Shakespeare. No es poco para un cómic.

Elsa Bragato

 

MIS TARDES CON MARGHERITTE

De Jean Becker. Con Gérard Depardieu, Giséle Casadesus, entre otros. Música de Laurent Voulzy. Duración: 82 minutos.

BUENA. CANTO A LA AMISTAD Y AL AMOR. FILM TIERNO, SENCILLO Y CONMOVEDOR

Estamos frente a un encuentro singular y emotivo entre una anciana de 95 años y un cincuentón rústico excedido de peso, casi analfabeto, en un pueblo francés. La anécdota es el encuentro en un banco de la provinciana plaza de los dos personajes indicados que se relacionan por un tácito amor entre una señora mamá y un hombre que no mantiene buena relación con la suya, surgiendo así diferentes motivos de interés cotidiano como la lectura, el amor a los animales, la charla amena sobre las cosas simples de la vida.

La actriz Giséle Casadesus, de vasta trayectoria en la Comédie Francaise, y el notable Gérard Depardieu, de innegable carisma y capacidad actoral, conforman un binomio deslumbrante, especialmente para las emociones.

El director Jean Becker, que viene de familia de realizadores (padre, hermano) transita con comodidad el difícil camino del cine. Incluso ha revelado, con infrecuente modestia, que no posee demasiada imaginación  por lo que recurrió -en 11 de sus 12 películas- a la literatura como material para guionar. En este caso, se basa en la novela de Marie-Sabine Roger donde afloran textos de Albert Camus como La Peste y El Extranjero, y es un ejemplo más de la interminable lista de películas francesas que se cimentan en la literatura.

La historia está bien estructurada. No se escapan detalles del pasado del protagonista, “Germain”, que fundamentan la relación con la anciana y su devoción por cuidarla, y la que mantiene con su madre, que siempre lo criticó por ser grandote y gordote.

Un bar de pueblo, sus habitués, sus chanzas y sus historias particulares, 19 palomas (bien contadas por “Germain”)con sus nombres alrededor del banco de la plaza donde Margheritte y Germain se encuentran ocasionalmente, la novia de Germain, la madre terca, redondean una comedia muy amable y emotiva. Hay secuencias un poco extensas pero que hacen a la esencia del film, por ejemplo, la lectura de fragmentos de La Peste que Margheritte no duda en hacerle conocer a Germain, o bien la búsqueda en el diccionario de nombres y palabras frente a su gato que Germain realiza con charlas a ese “alter ego” que lo mira y acepta complaciente.

Hay climas bien logrados, a “giorno” en la plaza; con penumbra en algunos rincones del carromato donde vive Germain. La música, por otra parte, de Laurent Voulzy acompaña desde los títulos de apertura hasta los créditos finales con una orquestación bien “a la francesa” en la que no escasean los músicos, los atriles.

Pasado y presente montados ágilmente, ternura en los protagonistas, una historia sencilla que, en algunos momentos, nos toca en algo a cada uno. Para los adultos que buscan buenas películas, sin que sean las más virtuosas del firmamento cinematográfico.

Carlos Pierre

 

UN TREN A PAMPA BLANCA

De Fito Pochat. Documental hispanoargentino. Música de Sergio de  la Puente. Duración: 79 minutos.

BUENO. UN HOSPITAL SOBRE RUEDAS PARA LOS MÁS NECESITADOS

Este documental de Fito Pochat tiene, a su favor, el mostrarnos algo que la mayoría de los argentinos desconocemos: la existencia del Tren Alma, un tren hospitalario formado por tres vagones que se adosan a una formación del Belgrano Cargas. Desde Buenos Aires, un grupo de voluntarios médicos viajan hasta esta zona del sur de Jujuy, lindante con Salta, llamada Pampa Blanca (es zona de salitres), con poco más de 3600 habitantes. La necesidad de los pueblos aborígenes o bien de los argentinos nacidos en esos parajes es absoluta. Los niños padecen todo tipo de enfermedades, los médicos tratan desde adultos a bebés, muchas veces deben derivar los casos más agudos de desnutrición, se enfrentan al Mal de Chagas, tuberculosis, desnutrición, entre tantas otras enfermedades.

El documental aspira a mostrarnos una verdad, tiene algunas secuencias muy bien fotografiadas mientras el tren se acerca al paraje, luego se torna sencillo en su narración pero no por eso deja de tener el valor de “documento”.

Mostrar qué pasa en el país en el aspecto social y médico es un deber para muchos documentalistas. A veces no se tiene el público deseado para recuperar la inversión pero aún así son documentales bienvenidos por las verdades que desnudan, con la amplitud que da el cine. Desde este punto de vista, felicitamos a Pochat por su iniciativa.

Elsa Bragato

 

 

SCREAM 4

De Wes Creaven y Kevin Williamson. Con Lucy Hale, Roger Jackson, Shenae Grimes, entre otros. Música de Marco Beltrami, Buck Sanders, John Kurlander. Duración: 111 minutos.

 

BUENA. TERROR CONOCIDO CON LA EFICACIA DEL 3D

Hace quince años (1996) Scream aterrorizaba con una llamada telefónica, una ya emblemática máscara y un cuchillo. El regreso, luego del último Scream en el 2000, del director Wes Creaven junto al mismo guionista, Kevin Williamson y a tres estrellas de entonces (Neve Campbey, Courteney Cox y David Arquette), con la ausencia de la protagonista Drew Barrymore, nos promete una larga hora de estremecimiento en el mismo pueblo.

La historia de este cuarto film Scream se centra en “Sidney Prescott”, convertida en una exitosa escritora que logró superar el terror vivido en su pueblo, Woodsboro. Sin embargo, el destino quiere que tenga que presentar su último libro allí, en Woodsboro, donde había vivido tanto horror. Todo está armado en el argumento de manera tal que el horror recomience como se debe en este tipo de films secuelas. Claro está, de una manera más sofisticada porque incluye el 3D.

Para quienes no vieron las anteriores “Scream”, encontrarán muchas referencias que no les dirán nada, salvo una íntima interrogación, tendrán la sensación de que algún eslabón se perdieron. Para el que ha seguido la saga, viendo la última película en el 2000, muchos elementos argumentales comenzarán a tener sentido. Hay que destacar que el tema en el género del terror es, básicamente, el mismo con gradaciones: el primer film aborda siempre el género por completo. Horror, terror, sangre y los elementos distintivos del comienzo de una saga. El segundo se centra en las secuelas del primero. El tercero se apoya en los cierres de las historias de los personajes y lugares y llega a la conclusión. No siempre se espera un cuarto film.

Los cuatro films están dirigidos a los espectadores que hacen un culto del estilo “Scream” porque fue la trilogía que renovó el género cuando prácticamente no interesaba más a mediados de los 90. Hoy se tiene la tecnología 3D para asustar más, la música efectista de Marco Beltrami, y se forma una narración audiovisual que contribuye a atemorizar a los que buscan un esparcimiento teñido de sangre.

Se considera que “Scream 4” es la película más seria y oscura de todas, aunque persistan los guiños referenciales: cuando revisan el baúl del auto de la protagonista y se encuentran las fotos que, obviamente, corresponden a los films anteriores. Hasta aparece un póster de Shakira y en una película que se transmite por televisión se observa el nombre de Robert Rodríguez en los créditos. Guiños, referencias, saludos crípticos, solo para fans del género.

Los asesinatos seriales regresan con el “esplendor” sangriento que da el 3D y la previsibilidad de la conclusión que, de ninguna manera, da por terminada la saga. Buen ojo comercial de Wes Craven y una realización que incluye a jóvenes actores como para que tengamos la certeza de que el terror continuará. Para fanáticos de Scream.

Carlos Pierre

 

Estrenos del jueves 14 de abril del 2011

 

Hay cinco estrenos, cuatro en soporte fílmico y uno en DVD, AJAMI, que no comentaremos. Hay dos estrenos nacionales sobre los cinco.

 

LOS MARZIANO

De Ana y Daniel Katz. Actores: Arturo Puig,Guillermo Francella, Mercedes Morán, Rita Cortese, entre otros. Duración: 82 minutos.

BUENA. RELACIONES FAMILIARES EN UNA NARRACIÓN ASÉPTICA CON BUENAS ACTUACIONES

Ana Katz nos presenta su tercer largometraje, esta vez con grandes figuras del espectáculo nacional. De su obra anterior, nos emocionó especialmente “Una novia errante”. Ahora asistimos una comedia que intenta rescatar lo mejor del costumbrismo sin caer en clishés. Dos hermanos enfrentados por condiciones sociales y familiares, el que viene de Tucumán está a cargo de Guillermo Francella, lejos de la comicidad que le conocemos, y el que vive en un country es Arturo Puig, junto a su “paqueta” esposa Mercedes Morán. Uno tiene un problema en la vista, el otro juega al golf,  situaciones que marcan la diferencia social entre ambos.

Lejos de internarnos en la narración de la anécdota argumental planteada, encontramos muy buen elenco y actuaciones. En la narración en sí, sentimos que faltó emoción y que, por eludir los clishés del costumbrismo, se quedó en la asepsia secuencial. Por eso, Guillermo Francella aparece encorsetado en la solemnidad, si bien esto no le resta mérito alguno a su perfomance, pero sí a la dirección actoral. En definitiva, resulta más entrador para el espectador el personaje de Arturo Puig, que conserva buenas razones de encono para con su hermano.

En el caso de las dos actrices, Rita Cortese nos llega al corazón como la hermana que recibe a Juan, personaje de Francella, para tratar de ayudarlo en su problema y acercarlo al hermano. Mercedes Morán es impecable, pero esta quasi perfección en la actuación la hace excesivamente distante. Lo remarcamos porque no es la primera vez que sentimos que Morán actúa sin movilizarnos.

El film es amable, correcto, y se nota que los Katz lograron un presupuesto que les permitió internarse en una historia más compleja y también mucho más costosa. Si la va a ver, no se sentirá defraudado. Nada más que a la hora de hacer la crítica no podemos dejar de lado que un buen producto también tiene que movilizarnos, hacernos sentir “algo” en el corazón.

Elsa Bragato

 

EL DERROTADO

De Javier Torre. Con Adrián Navarro, Romina Gaetani, Norma Argentina, Facundo Navarro, M´´onica Galán, entre otros. Guión basado en el libro homónimo de Leopoldo Torre Nilsson. Música de Pablo Memi y Eduardo Piva. Duración: 90 minutos.

 

BUENA. COMEDIA DRAMÁTICA SOBRE LA VIDA DE UN LUDÓPATA EN LA DÉCADA DEL 50

Javier Torre logra una ambientación perfecta de los años 50, a cargo de Catalina Motto. Hay un retrato realizado con minuciosa fidelidad de una época huérfana de objetos domésticos, formal en el trato diario y con una pátina del nihilismo existencialista de entonces. La locación de la vivienda es más que acertada, reflejando cabalmente las edificiaciones de las primeras décadas del siglo XX.

Julio es el personaje que encarna Adrián Navarro, un actor ampliamente fogueado en el cine (no solo en TV), que ve su propio deterioro y el de su vida por su ludopatía: juega a las carreras, a las cartas, dados y taba criolla. La pérdida constante en el juego lo sumerge en una pendiente psicológica difícil de remontar: maltrata a su joven esposa, a cargo de una eficiente Romina Gaetani, a su pequeño hijo, y hasta pierde el trabajo. Ni siquiera su esposa, sufrida durante años, dejará de buscar un atajo a tanta desilusión y dolor cotidiano.

El clima es opresivo y convincente. Es una comedia dramática donde los actores puede lucir sus capacidades y movilizar al espectador.

Añadimos que Javier Torre recurrió al archivo de sonido de Radio Nacional y al Archivo General de la Nación para adecuar los programas de radio, único medio informativo de las familias de entonces, a la época. Si bien nuestra calificación es “buena”, hay rigor cinematográfico y buena dirección actoral.

Carlos Pierre

 

 

PRUEBA DE AMOR

De Shana Feste. Con Pierce Brosnan, Susan Sarandon, Carey Mulligan, Johnny Simmons Bennett, entre otros. Música de Christopher Beck. Duración: 96 minutos.

REGULAR. DRAMA FAMILIAR ENMARCADO EN UN ROMPECABEZAS

Decimos que este film tiene un montaje desacertado porque se transforma, rápidamente, en un rompecabezas para el espectador que deberá saltar desde la movilizante escena de amor de los protagonistas (Carey Mulligan, gran actriz) al dolor desesperante de Susan Sarandom como la madre que perdió a su hijo.

La pareja tiene relaciones, el joven muere trágicamente, y un buen día, nadie sabe cómo, la chica (Mulligan) aparece en el hogar de su novio para decir que quedó embarazada. Sin más, el padre la acepta ante la reticencia de Sarandom que apenas puede con su vida. El hermano del joven fallecido es adicto a las drogas y supera rápidamente el dolor familiar logrando cierta amistad con la “desconocida” y su futuro bebé.

El gran problema del film no pasa por el guión sino por el montaje. No se entiende. Veamos: la aparición de la joven en la casa de su novio no se comprende. La salida al cine con el padre de su novio, un personaje que Pierce Brosnan realiza con oficio y emotividad, tiene una extensión secuencial inusitada y no aporta nada. O la visita a un centro de recuperación por parte del hermano de la víctima también es extensa y queda ahí, como un gran cabo suelto. Tampoco se comprende la rápida asimilación de la jovencita a su nuevo hogar y las decoraciones insólitas, cuanto menos, que realiza.

Se salta de situación en situación. Hay una secuencia que destacamos y que muestra, finalmente, el dolor de los padres: el arrebato de la madre de ahogarse en el mar y la salvación de su marido. Brosnan conmueve, Sarandom nos arranca el corazón.

Tampoco tiene correlato alguno la visita de Sarandom al hospital para hablar con el camionero que dio muerte accidentalmente a su hijo, y la búsqueda de frases, que le describan ese brutal hecho, para cambiar bruscamente el sentido original del film.

Muchos son los subtemas colgados: el de la recuperación del joven drogadicto, el accidente fatal contado y no filmado, la relación del padre con una profesora amable y sonriente. Y “colgar”, dejar sin desarrollo tantos subtemas, produce confusión. Son saltos narrativos que desdibujan el drama familiar transformándolo en anodino.

Destacamos a Susan Sarandom en un protagónico conmovedor. Y aportamos el dato de que es el primer film de la directora.

Elsa Bragato

 

 

TORRENTE 4 en 3D

DE Santiago Segura. Con Santiago Segura, Kiko Rivera, entre otros. Duración: 93 minutos.

MALA. GROSERÍAS DE LA PEOR CALAÑA EN 3D

Estamos frente a la cuarta película de la saga Torrentiana de Santiago Segura. Desde la primera Torrente-El brazo tonto de la Ley (1998), el actor y guionista y director Santiago Segura cosechó millones de euros en España. Y, lamentablemente, espectadores (ha estado en el BAFICI!). Encarna a un policía transformado por obra del tiempo en seguridad privada que pasa por una “crisis letal” e intenta sobrevivir en la ciudad a la espera de algún “encargo”. Una misión fracasada lo lleva a la cárcel y éste es el lugar para desarrollar una serie de groserías de la peor calaña. Especialmente si estamos viendo un film que fue incorporado al circuito comercial y no a una sala condicionada.

La escatología más barata está a la orden del día, como un teléfono que se extrae de un orificio del cuerpo, sucio y pestilente, a manera de “gracia”. Por si fuera poco, las mujeres son “vaciaderos útiles” para este maleducado del cine español que las menea desnudas para distraer al espectador. No se entiende cómo Santiago Segura es licenciado en Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Creemos que se quedó dormido en varias materias. Mal gusto, pésimo cine para un circuito comercial que requiere de salas para el cine nacional, bueno o malo. ¿Cuánto dinero ha pagado la distribuidora para que Segura se pasee por los canales porteños de TV promocionando esta basura?

Carlos Pierre

 

Estrenos del jueves 7 de abril del 2011

Hay cuatro estrenos. No comentaremos “Río” ni “Revolución el cruce de Los Andes”.

 

EL HOMBRE QUE VENDRÁ

De Giorgio Diritti. Con Maya Sansa, Alba Rohrwacher, Eleonora Mazzoni, entre otros. Música de Marco Biscarini y Daniele Furlatti. Duración: 114 minutos.

 

MUY BUENA. LA ESPERANZA DE VIVIR EN MEDIO DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL.

El film de Giorgio Diritti ganó el David di Donatello y el premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Roma, en el 2010. Estamos frente a una película de la mejor cepa del cine neorrealista italiano, dado que Diritti trabajó con actores no siempre profesionales.

Además, el realizador es boloñés y supo rescatar la historia “boca a boca” de los lugareños de Marzabotto, donde 800 personas fueron asesinadas por la SS de Hitler.

El hecho puntual se centra en la noche del 28 al 29 de setiembre de 1944 cuando estas fuerzas especiales de las tropas alemanas llevaron a cabo una redada sin precedentes que se ha conocido como “la masacre de Mazabotto”, que vio justicia recién en el 2007.

La protagonista es una niña de 8 años (Greta Zuccheri Montanari), quien quedó muda cuando su hermano menor murió a los pocos días de nacer. Su madre queda embarazada y ese nuevo niño es el que da título al film, en medio de escenas desgarradoras.

La producción es creíble, así como Diritti hace uso de una fotografía muy exquisita para recorrer las tareas del campo, lejos del costumbrismo pero pegado a la realidad cotidiana de esos pobladores. Es también una muestra de la descarnada subsistencia al frío, al hambre y a la amenaza de muerte de las tropas alemanas.

Se trata del segundo film del realizador y escritor Giorgio Diritti (“Il vento fa il suo giro”, 2005), que nos conmueve y nos hace recordar a aquel gran cine italiano de postguerra. Para muchos críticos, el film se queda en la anécdota o bien tiene problemas de guión. Para nosotros, es una gran película, que profundiza la herida que no cierra fácilmente dejada por el hitlerismo.

Diritti tiene una paleta realista, salpicada por pequeños momentos de bonanza. La película llega al corazón de la mano de esta pequeña, muda, que nos emociona por su valeroso paso a través de esta trágica historia.

Carlos Pierre

 

 

PASE LIBRE

De Peter y Bobby Farrelly. Con Owen Wilson, Jason Sudeikis, Jenna Fischer, Christina Applegate, entre otros. Duración: 105 minutos.

BUENA. UNA “NADA” QUE HACE REIR

Cuando en un microcine, repleto de críticos, se escuchan risotadas, es dable pensar que el film será calificado como corresponde, o sea cuanto menos “bueno”, aún con elementos humorísticos que no son del agrado del argentino en general. Para nosotros, esta película con Owen Wilson a la cabeza y la dirección de los Farrelly es menos mala que muchas comedias que hemos visto. El nudo argumental toma a dos jóvenes matrimonios cuyos maridos se desviven por los cuerpos de cualquier jovencita que pasa por la calle. Las esposas deciden darles un “pase libre” de una semana para que hagan lo que quieran, sin posteriores reproches ni para ellas ni para ellos. El “pase libre” es para ambas partes, lo que generará secuencias divertidas y controvertidas.

Si bien no hay un gran desarrollo de personajes, sí lo hay de situaciones que cambiarán más a las esposas que a los maridos, atados sentimentalmente (dicho esto en el mejor de los sentidos) a sus mujeres legales.

Como siempre, hay escenas que nos pueden desagradar, pero son las menos y, en líneas generales, es una comedia que arranca risotadas especialmente en los varones. Hay gags previsibles y graciosos a la vez. Si quiere entretenerse y no pensar en nada, no está mal que elija este film. Es una comedia más.

Elsa Bragato

 

Estrenos del jueves 31 de marzo del 2011

Hay 5 estrenos, uno en DVD, Divorcio a la Finlandesa, que no comentaremos.

 

 

EL MAL AJENO

De Oskar Santos. Con Belén Rueda, Eduardo Noriega, Angie Cepeda, entre otros. Música de Fernando Velázquez. Duración: 107 minutos.

BUENA. DRAMA COMPLEJO ENTRE LO SOBRENATURAL Y LA REALIDAD

La recomendación que el protagonista (un médico frío y distante) le hace a un pasante, “No mires, haz tu trabajo, pero no mires”, dentro de un hospital abarrotado de pacientes de primeros auxilios y enfermos terminales nos pinta el ambiente donde transcurre gran parte del film, producido por Alejandro Amenábar (Ágora).

El protagonista es un médico acostumbrado a manejar situaciones límites, está inmunizado ante el dolor de los demás pero también en su relación con su esposa y su hija. Dos hechos cambian su actitud: un desconocido que lo amenaza con un revólver, sin entrar en detalles argumentales, y una joven embarazada en estado de coma, que encarna la colombiana Angie Cepeda (de recordada actuación en la telenovela Las Juanas).

A partir de estos dos nudos narrativos, dentro de un guión un tanto desparejo y confuso, se mezclan los vectores argumentales: se cruzan, entonces, el melodrama con el suspenso y los elementos sobrenaturales con un “don” que esgrime que la joven embarazada. En definitiva, este don no se comprende del todo.

El clima casi opresivo que se plantea agrega elementos en la vida del protagonista que sacudirán su insensibilidad con situaciones familiares casi límites. La hija padece una peligrosa infección a raíz de un piercing, y está la conciencia del protagonista a partir de un disparo y una relación con la esposa de quien intentó matarlo. Hasta aquí vemos un mix complejo.

Cuando el film transita el género del suspenso sobrenatural (impronta de Alejandro Amenábar), el interés crece superlativamente en detrimento de las relaciones amorosas del médico, que es un personaje contenido e impasible, muy bien elaborado por Eduardo Noriega (conocido en Argentina incluso por sus participaciones en el cine nacional), acompañado por la convincente Belén Rueda, Angie Cepeda y Clara Lago.

En síntesis, el film se mueve en dos andariveles, la más absoluta realidad y un deslucido atisbo de lo sobrenatural, y en definitiva se afecta la comprensión final de un producto logrado, a pesar de lo apuntado.

Carlos Pierre

 

 

NUNCA ME ABANDONES

De Mark Romanek. Con Keira Knightley, Carey Mulligan, Charlotte Rampling, Sally Hawkins, Andrew Garfield, entre otros. Música de Rachel Portman. Duración: 104 minutos.

REGULAR. RELATO LÁNGUIDO Y OPRESIVO SOBRE LOS DONANTES DE ÓRGANOS

Aunque el guión haya tenido la mano del escritor japonés Kazuo Ishiguro, autor de la novela Never Let Me Go que da origen al film, estamos frente a un producto lánguido, por momentos con belleza visual, y con un planteo moral sobre la medicina que aterra.

En principio, se nos ocurrió la idea de “monstruoso” para calificar a este film que parte del supuesto de clones humanos como donantes de órganos localizados en Hailsham, una escuela inglesa que existe y desconocemos si dio o no su permiso para ser mencionada (los edificios no coinciden según lo que se ve por internet). Aquí son internados, niñas y niños que desconocen que no tendrán la vida de cualquier ser humano sino que serán donantes que, en la tercera intervención, morirán. Solo tienen una posibilidad de semisalvación y es pedir un “aplazamiento” si se enamoran.

Es realmente un planteo ético sobre la medicina que aterra, especialmente cuando se ve a los ya adolescentes (ya tienen los órganos desarrollados para su extracción) con muletas, con cicatrices, con parches en los ojos que han donado, y resulta agobiante para el espectador comprobar la frialdad de los médicos cuando extraen los órganos y, si el paciente se muere, lo dejan abandonado en el quirófano tal como está: un pedazo de carne más. Una escena que hay que remarcar para la gente sensible.

La narración que plantea Mark Romanek es lánguida, sin “pathos”, con una relatora en off que es la estupenda actriz Carey Mulligan, ganadora de varios premios el anteaño, y que encarna a una “curadora” de pacientes hasta tanto se le indique la fecha de empezar a donar.

La pérdida de los compañeros de escuela por las extracciones de órganos, la frialdad de una medicina que debe preocuparnos, la asociación ineludible con los experimentos nazis en mujeres y niños en la Segunda Guerra Mundial (no está en el film pero se nos ocurre un desprendimiento de aquellos actos monstruosos), son pensamientos ineludibles en el espectador sensible. ¿Es ésta la medicina que queremos? Algunos entendidos indican que Ishiguro plantea dónde está el alma del ser humano. Nosotros creemos, muy humildemente, que esta película excede ese planteo y nos muestra la carencia de ética de los experimentos médicos, sin olvidarnos de los experimentos con medicamentos que todavía realiza el Primer Mundo en los países africanos de raza negra.

Languidez, horror, frialdad, crueldad con buenas actuaciones. Decididamente, pasamos un mal momento y no sacamos nada bueno de este film. Tan solo un alerta rojo que intuimos desde siempre. ¿Es ésta la medicina que nos espera? ¿Necesitamos torturar para vivir? En fin…

Elsa Bragato

 

 

 

EL MECÁNICO

De Simon West. Con Jason Statham, Ben Foster, Donald Sutherland, entre otros. Música de Mark Isham. Duración: 93 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL INTENSO, SANGRIENTO DE CABO A RABO

Esta remake de “Fríamente, sin motivos personales”, film antológico encarnado por Charles Bronson es superior a la original por el ritmo frenético y la andanada de efectos especiales con los que hoy se cuenta. Y si bien es una “remake”, Jason Statham impone su impronta a un protagónico que bien pudo quedar a la sombra del recordado Charles Bronson, quien nos estremecía son sus policiales en los 70.

La presencia de Donald Sutherland, en un papel breve pero fundamental para la trama propuesta, es también un claro indicio de que aquí West fue por todo y no simplemente por una segunda vuelta. Los breves diálogos entre Statham y Sutherland le confieren a este tremendo policial esa cuota de actuación que no suele ser frecuente en el género.

El asesino a sueldo de Statham tiene la estatura que este actor le da a sus personajes, pocos decires, una acción brutal, sin medias tintas. La aparición del hijo de Sutherland, un descarriado que asume a Statham como su mentor y maestro en el crimen, agrega la cuota de suspenso. Quién mata a quién?

Va a saltar de la butaca, y, si bien hay secuencias de diálogos y de cierta calma, solo es para conferirles ese ratito de actuación que mencionábamos, de lucimiento actoral de los protagonistas, para luego pasar a secuencias donde no queda ni un dedo sano. Nos atrapó.

Elsa Bragato

 

 

CACERÍA DE BRUJAS

De Dominic Sena. Con Nicolás Cage, Ron Perlman, Claire Foy, entre otros.

REGULAR. CAGE NO LE HACE ASCO A NADA

Nicolás Cage reaparece en la pantalla y no con su mejor actuación. Al parecer, Cage, multimillonario, no le hace asco a nada. Aquí encarna a un cruzado del 1300 que, junto a su amigo (a cargo del notable Ron Perlman), regresa a Francia y comprueba que la peste ha diezmado a gran parte de la población.  Los ancianos de la iglesia creen que el “mal” está en una niña-bruja y deciden llevarla a un remoto monasterio.

Es fácil percibir que el guión es el “rejunte” de temas que ya conocemos hasta el hartazgo: las cruzadas, las brujas, la peste medieval y el demonio (aquí más parecido a un Alien que a un ser ultratumba).

El director Dominic Sena (60 segundos, Swordfish, dos buenos policiales) aporta su estilo visualmente atrevido en un intento heroico de salvar al film del naufragio por un pésimo guión. La fotografía es oscura y aterradora por momentos, y es justo decir que se trata de una ambientación lograda para la Europa del siglo XIV. Y, por supuesto, Sena se vale de su vasta experiencia como destacado camarógrafo y realizador de galardonados videos. Esta experiencia ahora la pone al servicio de un mundo devastado por guerras y enfermedades, con paisajes nevados y sombríos y demonios que andan a sus anchas.

La niña bruja, protagonizada por Claire Foy, tiene un destino cruel y no hay que presumir de mucha intuición para saber hacia dónde nos conducirá esta travesía por escarpadas montañas y puentes endebles.

Guión previsible, gastado, otra actuación más de Cage que suma así buenos cachets, y una osada dirección de Sena, dan como resultado un film de aventuras con tintes sobrenaturales. No dudamos de que este género tiene su público. Como realización cinematográfica, adolece de casi todas las bondades del buen cine.

Carlos Pierre

 

Estrenos del jueves 24 de marzo del 2011

Hay seis estrenos en fílmico. No comentaremos el film nacional “Familia para Armar”.

UN DESPERTAR GLORIOSO

De Robert Michell. Con Harrison Ford, Diane Keaton, Jeff Goldblum y Rachel McAdams. Duración: 107 minutos.



BUENA. LA TV BASURA VS TV TRADICIONAL EN CLAVE DE COMEDIA

La televisión basura no es cuestión argentina, es un tema global. Lo circunspecto, lo formal, está siendo dejado de lado por cientos de miles de telespectadores agobiados por la realidad cotidiana. Entonces, ver pavadas atómicas por televisión resulta una distracción que no siempre los críticos aceptamos como buenas, pero son distracción al fin. Esto no significa que el telespectador no desee informarse con documentales, films medulares, no. Sencillamente, luego de un día agotador, la elección es la distracción en un altísimo porcentaje.

Éste es el planteo básico, la idea del film: la seriedad circunspecta vs la televisión basura. El argumento se ubica en una telemisora que va perdiendo la batalla del rating a la mañana con su Despertar Glorioso, o Morning Glory, frente a su principal competidor. Una joven productora ejecutiva se hace cargo del programa que conducen Diane Keaton y un astro de la TV al que despide. Tiene otro conductor valioso, que es el personaje de Harrison Ford, caído en desgracia por su pésimo carácter.

El ambiente creado es exacto: una telemisora ganadora con lujo hasta en los marcos de las puertas y la perdedora en el rating, con puertas desvencijadas y oficinas de producción abarrotadas de papeles, archivos, desorden por doquier.

El elenco es de lujo. Diane Keaton está muy bien en el papel de la co.conductora que debe soportar el malhumor del nuevo conductor, a cargo, como dijimos, de un Harrison Ford que, al comienzo, no nos gustó. Seriote y con algunos toques de cirugía en la cara. Cuando su personaje se aliviana de pesadas cargas emotivas, su rostro cambia de expresión y reconocemos el viejo y querido Ford de siempre. Demasiado parco durante toda la narración.

La joven productora, que es el eje del film, encarnado por una muy eficiente Rachel McAdams, es enérgica, vital, compulsiva en su trabajo y contagia de energía a la platea. En el papel del descreído CEO está Jeff Goldblum, el ex “La mosca” y de tantos otros films, como siempre acertado, justo.

El producto apunta a mostrarnos qué pasa en la “network” de TV y, por otro lado, qué pasa con la vida de quienes están en una alocada producción perdedora.

Hay secuencias realmente muy reideras relacionadas con la búsqueda del rating y la caída lenta e inexorable hacia la televisión absurda, burda, sometiendo a sus conductores a insólitas y desopilantes coberturas.

Está lejos de la antológica “Network” que protagonizaran Peter Finch y William Holden (1976) pero está cerca de la televisión actual.

A pesar de todo, nos atrapó.

Elsa Bragato



LOS OJOS DE JULIA

De Guillem Morales. Con Belén Rueda, Lluís Homar, Julia Gutiérrez Caba, entre otros. Música de Fernando Velázquez. Duración: 112 minutos.
 


REGULAR. TELENOVELÓN CINEMATOGRÁFICO DE TERROR

El cine español encontró una veta que es el género del terror. Está muy lejos del terror de Hollywood pero es justo reconocer que está produciendo con calidad fílmica, cinematográfica, con narraciones audiovisuales compactas. Éste es el caso de Los ojos de Julia si bien, y en definitiva, no nos convenció la propuesta. No está mal, sino todo lo contrario, pero nos pareció más un melodrama al estilo de un telenovelón mexicano que un film en sí mismo de género.

Julia padece la enfermedad de su hermana melliza (había que buscarle un “alter ego” para cumplir con el guión) y es una ceguera paulatina. La hermana murió ahorcada pero Julia no acepta el suicidio sino que investiga, a pesar de que deberá someterse a la misma operación para evitar la ceguera y correr los mismos riesgos que su hermana, incluyendo la muerte provocada o no.

Los personajes están bien perfilados. Belén Rueda carga con todo el peso de la narración, es ella y ninguna gemela quien debe asumir diferentes actitudes ante situaciones dramáticas, trágicas, terroríficas. Y este personaje contrasta, hábilmente, con el de su pareja, un hombre demasiado calmo frente a todo lo que enfrenta su esposa. ¿Sospechoso o no?

Hay intriga. Hay clishés y muchos, se mantiene la atención del espectador con una narración compacta y con efectos especiales burdos. Al asesino solo lo ve Julia aunque no lo vea, y no es un juego de palabras. Los ojos de Julia ven algo que los demás no pueden, y no son fantasmas.

Es un film de terror que no llega a las alturas de los clásicos orientales o de Hollywood. Pero tiene a su favor la solidez de la narración propuesta y la credibilidad de las actuaciones aunque la mano del productor Guillermo del Toro aquí no sea la misma que empleó en su celebrada y excelente El laberinto del Fauno. La calificamos como “regular” por cómo está planteado el tema y porque la realización, aunque efectiva, es burda como producto cinematográfico en sí. a pesar de tener elementos que hemos ponderado. El espectador va a ver un telenovelón con suspenso. Y no está mal.

Elsa Bragato
 

 


SOLO TRES DÍAS

De Paul Haggis. Con Russell Crowe, Elizabeth Banks, Ty Simpkins, Liam Neeson, entre otros. Música de Danny Elfman. Duración: 122 minutos.


MUY BUENA. POLICIAL INTENSO CON MUCHA HISTORIA Y POCA BALACERA

Que un policial nos atrape de principio a fin es mucho decir porque no son pocos los que se ven semanalmente. En “Solo tres días”, Russell Crowe encarna a John, un padre de familia, que decide salvar a su mujer de una acusación de asesinato mientras se apega a su hijo Luke, encarnado por un pequeñín actor llamado Ty Simpkins. Es notable el guión de Haggis, a quien le debemos “Crash”, entre otros films taquilleros y ganadores de premios (por Crash recibió el Oscar), dado que es allí donde puso la energía: hay desarrollo de personajes, evolución de éstos, sin olvidarse del entorno narrativo, en este caso, la policía que va detrás del matrimonio y su hijo, y el plan de salvataje que el protagonista encara para su mujer, encarcelada por una aparente injusticia. Si es aparente o no deberá resolverlo el amigo lector que la vea.

Los climas que logra Paul Haggis son fantásticos porque la tensión y la adrenalina se apoderan del espectador desde el primer minuto del film. Es allí, en las primeras secuencias, donde está la clave del desarrollo narrativo. Pero no su desenlace que no se vislumbra.

Resulta además interesante la participación especial de Liam Neeson como un ex convicto que le proporciona un plan perfecto a John, convencido de la inocencia de su mujer. Breve, casi un “paneo”, pero una presencia sin duda estelar.

Pocos tiros, poquísimos, los necesarios, y un guión sólido para generar una narración policial intensa. He aquí el “quid” de este film: historia y no balaceras.

Por otra parte, la banda sonora de Danny Elfman subyuga, es justa, no es estridente, apuntala las secuencias indicadas por HAggis, refuerza los cambios del personaje de Russell Crowe quien encara un film muy interesante.Nos parece un muy buen policial, con dos subtextos a tener en cuenta: la injusticia de la Justicia en todas partes del mundo y la salvación por la via políticamente incorrecta como es, para la mayoría de los norteamericanos, Venezuela. Nada más. Hay que verla.

Elsa Bragato


 


SANCTUM 3D

De Alister Grierson con producción de James Cameron. Con Dan Wyllie, Rhys Wakefield, entre otros. Música de David Hirschfelder. Duración: 95 minutos.


BUENA. DISFRUTE VISUAL EN UN FILM MENOR DE CAMERON

Producida por el inquieto innovador australiado James Cameron (Titanic, Avatar), vemos en Sanctum la continuación de su avasallante estética. En este caso, se unió a su amigo Andrew Wight, quien vivió una situación semejante a la planteada en el film en 1988. Entonces, un grupo de espeleólogos y submarinistas de Australia, realizando tareas de investigación en una cueva submarina, se vieron atrapados en tales profundidades a raíz de una extraña tormenta que derrumbó la entrada de la cueva. Fueron rescatados e idearon esta hitoria que ahora se ubica en Papúa, Nueva Guinea.

A fin de otorgarle más carnadura al guión, se ficcionó una conflictiva relación entre un padre y un hijo, sumándose otros sucesos accidentales como la diferencia de criterios de los expedicionarios.

La ambientación es fenomenal. Para darnos idea de la monumental cueva donde se desarrolla el film, Cameron y sus productores recurrieron a un gran tanque de agua de 40 metros de largo por 30 metros de anche y siete de profundidad, con capacidad de más de siete millones de litros de agua.

El avance técnico que se ha alcanzado en el cine, en buena medida por la inventiva de James Cameron luego de Avatar, sumerge literalmente al espectador en las profundidades del mar no solo físicas sino emocionales, porque hay un impacto visual muy fuerte.

La ficción del film es compacta y todo tiene relación con todo: el título, Sanctum, significa Santuario y se cita al escritor inglés Samuel Coleridge, que escribiera un altisonante poema llamado KublaKhan, donde nos describe la majestuosidad de una cueva subterránea a la que jamás llegó el hombre.

Es un film para disfrutarlo visualmente, como sucedió con Avatar. La anécdota que se narra es prácticamente secundaria aunque ayude a generar tensión y emoción en el espectador. Es una aventura “Cameron” y está todo dicho.

Carlos Pierre
 

 


LÍBANO
de Samuel Maoz. Con Yoav Donat, Itay Tiran, entre otros. Música de Nicolás Becker. Duración: 93 minutos.


MUY BUENA. EL HORROR DE LA GUERRA EN PRIMERA PERSONA
La película Líbano ganó el premio mayor del último festival de Venecia. Es que su director y guionista, Samuel Maoz, vivió como conscripto la guerra del Líbano, en 1982, y logró realizar un film donde sintetizó y concentró todo el terror y el horror que vivió. Aquí están sus experiencias, de allí nuestro título de "guerra en primera persona".
En el caso del film son cuatro conscriptos israelíes dentro de un tanque. Conforman una patrulla de reconocimiento que, luego, se transformará en una patrulla en medio de una pesadilla sangrienta. Sin embargo, el director apela a la ética y no solo muestra el terror de los soldados frente a la muerte sino la muerte de los civiles que es tanto más cruenta porque no están peleando sino que están en el medio de dos bandos.
Chicos, animales, ancianos, despedazados, clamando por paz, acribillados sin razón. La guerra es eso, una sinrazón.
La singularidad del film reside en el encierro, durante 24 horas, en un tanque de estos soldados a quienes les cuesta pelear, matar, luego de apuntar en la mirilla al enemigo que no les parece tal sino todo lo contrario. Ven en esos enemigos lo que veríamos nosotros: personas iguales a uno, con tanto miedo y terror como uno.
Todos están envueltos en la misma tragedia. Por eso el soldado se niega a disparar o bien el motorista no acciona su vehículo. La retracción no solo es exterior, es también interior. Todos quieren volver a sus hogares, estar con sus familias y no vivir ese injusto infierno.
Dentro del tanque, a medida de que pasan las horas, el espíritu va sufriendo por la menesterosidad del hombre mismo, sus propias miserias corporales que debe afrontar. Aquí está el mayor logro del film. No son héroes ni los enemigos son tales.
La leyenda pintada dentro del tanque señala "el hombre es acero; el tanque es solo hierro". Sin embargo, esta historia muestra que los hombres no están hechos de acero, por suerte. Desde este punto de vista, es una película lograda y, a pesar de las fuertes escenas, impacta en el corazón.
Carlos Pierre

 

Estrenos del jueves 10 de marzo del 2011

Hay cinco estrenos. No comentaremos el DVD titulado Divorcio a la Finlandesa, ni la comedia norteamericana Mi abuela es un Peligro 3.

 

UN FERIADO PARTICULAR

De Gianni Di Gregorio. Con Valeria De Franciscis, Marina Cacciotti, entre otros actores no profesionales. Música de Ratchev & Carratello. Duración: 75 minutos.

 

MUY BUENA. CÁLIDA COMEDIA ITALIANA

Este film de Gianni di Gregorio es una gema preciosa, rescata lo mejor del cine de comedia italiano. Hay múltiples razones: Gianni Di Gregorio, a los 58 años, dirige tardíamente su opera prima, luego de tener un largo recorrido en el mundo del cine como guionista, ayudante de dirección, durante más de 20 años. Di Gregorio se impregnó del neorrealismo italiano al punto que fue el protagonista de esta película además de su director y recurrió a actores no profesionales.

Situó la trama en el Trastevere de Roma, lugar donde nació y se crió y que conoce profundamente.

Esta comedia tiene coherencia y solidez argumental a lo largo de sus 75 minutos. Se podría haber caído en un facilismo de groseros gags, pero, contrariamente, la trama se desenvuelve ágilmente, con un andar como entre plumas, a pesar de los innumerables contratiempos que debe sortear el protagonista. Singular italiano, buen hijo, no pierde en ningún momento su heroica predisposición para llevar a buen término el extraño almuerzo del tórrido verano romano.

El “Ferragosto” es un tradicional feriado de 2 días en agosto, pleno verano italiano, donde todos los negocios cierra y los habitantes de Roma salen de vacaciones, igual que el “enero porteño”.

Di Gregorio compone a un solterón que cuida con altruismo a su autoritaria madre viuda. La situación económica es mala y un acuerdo con el administrador le permite recuperarse momentáneamente. No será fácil el acuerdo: cuidar de la madre del administrador, de su tía y hasta de la madre del médico de cabecera. Todos tienen que salir menos el personaje de Di Gregorio.

Las ocasionales inquilinas mostrarán sus caracteres, sus rebeldías y tendrán en jaque al protagonista. Y es aquí donde surge el neorrealismo de Di Gregorio, que ha sabido “aggiornar” con una realización sólida, sin lugares comunes. A pesar de tratarse mujeres de más de 80 años, se siente una bocanada de frescura con este film italiano tan realista y al mismo tiempo inmaterial por la afectividad que emana y que llega al espectador, por la verosimilitud de las ocurrencias de las ancianas, y porque, de alguna manera, sentimos empatía y un espejo de muchas situaciones familiares argentinas.

Nos pareció un film adulto, veraz, que hacía tiempo no se veía en la cartelera porteña. Claro está, viene precedido de premios de festivales como el de Venecia y muchos más.

Carlos Pierre

 

 

EL CONCIERTO

De Radu Miihaileanu. Con elenco ruso y francés. Música original de Armand Amar. Duración: 120 minutos.

MUY BUENA. UNA COMEDIA DIFERENTE SOBRE LOS MÚSICOS Y LA LIBERTAD

Estamos frente a una historia de músicos, de música y de libertades truncas, que resulta una comedia diferente, adulta, simpática.

El nudo de la historia es el caso de Andrei Filipov Alexei quien, presuntamente, en la época de Leonid Brezhnev, la Rusia comunista, pasó de ser director de la orquesta del Bolshoi a limpiar los baños del famoso teatro de ballet por negarse a echar a los músicos judíos de la orquesta. La posibilidad de tocar en el Theatre du Chatelet de París, engañando a un celoso espía de la KGB, a raíz de un hecho circunstancial y causal es el eje de la trama. Y, por si fuera poco, dejar fuera del concierto a la Filarmónica de Los Angeles, nada menos. Los músicos judíos rusos y el director encuentran la posibilidad de retomar su profesión de manera “indirecta” (hay que ver el film), y viajan a París donde los esperará otra sorpresa: la hija del director devenido en ordenanza.

Para lograr esto, se echó mano a un elenco ruso y francés, que debieron congeniar sus diferencias idiomáticas en el set.  Además, se hizo una adaptación del Concierto para Violín y Orquesta en Re Mayor de  Tchaivosky, empresa nada fácil para no desnaturalizar una obra clásica de envergadura.

Las secuencias parisinas producen cierto bajón en el guión, los músicos se pierden por París, y tanto el espectador como el teatro Du Chatelet los esperan para el concierto, que da título al film. No obstante, es un film rítmico, apasionado, diferente, que nos ofrece un encuentro con la otra cara de la música, la de la censura, y la música como “ordenadora” de la libertad y de la unión de los pueblos más allá de las fronteras y las políticas. A nosotros, nos encantó a pesar de algunos vaivenes del guión, como apuntamos.

Elsa Bragato

 

 

INVASIÓN DEL MUNDO, BATALLA LOS ANGELES

De Jonathan Liebestman. Con Aaron Eckhart, Ramon Rodríguez, Noel Fisher, entre otros.

 

BUENA. INVASIÓN ET REPELIDA A SANGRE Y FUEGO

Ésta es la película pochoclera de la semana. Balaceras, despanzurramientos, y caos por doquier.

Ciertamente, el film mantiene la atención del espectador de principio a fin porque las balaceras no paran nunca y no hay forma de apelar a un “descanso visual” ni mental. El director hace un repaso de los avistamientos de OVNI registrados desde 1942, incluyendo los de Buenos Aires, para recalar en esta feroz invasión de unos ET que son como medusas envueltas en trajes metalicos que obran como escudos. Un batallón comandado por el personaje de Aaron Eckhart hace frente a estos ET que se parecen mucho a otros enemigos de los ejércitos norteamericanos en su accionar. Ahora se cuenta con rayo láser, con misiles que van directo hacia donde apuntan estos rayos, y ciertas modernidades que no bastan para que se produzca una cruel matanza de humanos y ET.

Hay escenas realmente escabrosas que marcamos para los más impresionables: por ejemplo, indicamos la del sargento Michael Nantz (Eckhart) que decide darle muerte a un ET, desprovisto de su traje metálico, metiendo sus manos, sin ninguna prevención, dentro del cuerpo aún con vida, y arrancándole el centro de energía vital, algo así como el corazón de un ET. Produce repugnancia y una sensación de horror ante tanta crueldad. Se puede pensar que, frente a un enemigo, cualquier cosa está bien para darle muerte, aún la tortura.

Los parlamentos son básicos, elementales. Aquí se trata de dar muerte a estos ET que vienen con malas intenciones hacia los terrestres.

Si quiere escuchar tiros, ésta es su película. Si quiere pasar un momento con sentimientos de otra envergadura, no dude en ver o Un Feriado Particular o El Concierto.

Elsa Bragato

 

Estrenos del jueves 3 de marzo del 2011


Hay cuatro estrenos en fílmico en la ciudad de Buenos Aires. No comentaremos “Fase 7”, film nacional.

 



RANGO
De Gore Verbinski. Con Johnny Depp, Isla Fisher, Timothy Olyphant, entre otras voces. Duración: 107 minutos.



MUY BUENA. NOVEDAD EN ANIMACIÓN, SIMPÁTICA LAGARTIJA EN UN WESTERN-HOMENAJE

Es difícil encontrar en el género animación guiones que no caigan en lo ya visto. Son pocos los films animados que nos han impresionado porque no tienen golpes bajos o de fuerte emoción o bien por su creatividad. Rango es una película que nos impresionó y divirtió.

Rango es el nombre de esta lagartija que se ve envuelta en situaciones de cowboys cuando cae, buscando agua, al pueblo de Dirt, donde no hay agua justamente y sus habitantes están desesperados por la sequía, todos ellos animales extraños, vestidos al mejor estilo del farwest.

A Rango lo acompañan, como voces que van narrando sus desventuras y aventuras, cuatro lechuzas que conforman un cuarteto de mariachi, simpático, oportuno, con parlamentos divertidísimos.

Además la misma carita de este animalito nos produce empatía, recordándonos a la ardilla enloquecida por su bellota de la saga La Era del Hielo. Rango se hace el malo, el que puede enfrentar a los peores del pueblo, entre ellos, un “che”, un argentino que es un malevo (buena tipificación, sin burla alguna). La serpiente que es el mal, la tortuga vieja que amenaza a todos a pesar de su pachorra, la niña del pueblo que ve en Rango a un ser especial, y un guiño a los westerns memorables (el reloj que va marcando la hora, por ejemplo, como A la hora señalada), así como un sinfín de desaguisados de Rango que arrancan la genuina risa.

No se la pierdan. No nos queda en claro si el film es para los más chiquitos o bien para los adolescentes pero, es sin duda, una gran película de animación que divierte sin golpes bajos. Nadie se come a nadie, nadie queda huérfano. Y el héroe es un antihéroe que se maneja con buenos sentimientos. Está dentro del estilo de Madagascar o La Era del Hielo o Monsters Inc. Por su guión atractivo y sus parlamentos imperdibles. Tenga o no chicos, vaya y dese el gusto de ver Rango.

Elsa Bragato

 



INFIERNO AL VOLANTE 3 D
De Patrick Lussier. Con Nicolás Cage, Amber Heard, Billy Burke, entre otros. Duración: 103 minutos.


MALA. CAGE EN 3D, TACITURNO ASESINO, MÁS DE LO MISMO AMPLIFICADO

La experiencia 3D permite algunos experimentos no del todo finiquitados como Infierno al Volante o Drive Angry, algo así como Enojado al Volante o Conductor Enojado. Nicolás Cage, que debuta en el cine 3D, se pone en el papel de Milton, un abuelo que quiere salvar a su nieta de la muerte a manos de la misma secta que mató a su hija ni bien nació la beba. Enceguecido por la ira, encuentra en su camino a una mesera que sabe más artes marciales que él mismo. Salido del infierno, Milton recorre las carreteras buscando al mandamás de la secta y, mientras tanto, no le hace asco a las balaceras aún haciendo el amor con una rubia infartante que no entiende qué pasa, se resbala de la cama, desnuda, y ofrece un “show de cómic” bien estudiado por el director Lussier, el mismo de Sangriento San Valentín.

Encontramos que la narración es elemental, previsible, que se ha buscado probar el 3D con efectos de computación y se imita mucho al último Tarantino con brazos amputados, piernas destrozadas, balas en los ojos, todas escenas de trazo grueso con tinte de cómic, tal como dijimos más arriba.

Para quienes buscan acción, aquí tienen su película semanal. No es buena en su argumento, tiene personajes muy “maquietas”, es decir, sacados de un “storyboard” muy duro, inflexible. Cage ama este tipo de personajes, y parece que nada hace mella a su carrera mostrándose con un rostro adusto, enojado como en otros films, matando a piacere. Hay escenas de destripes, de explosión de órganos, puentes que se deshacen ni bien pasa el auto de este hombre maldito, mucha computadora y una historia que se deshilacha de a poco. Pero cumple su objetivo de entretener y de taparse los ojos cuando algún órgano revienta por una bala. Usted elige.

Elsa Bragato



LA REVELACIÓN
De John Curran. Con Robert De Niro, Edward Norton, Milla Jovovich, entre otros. Duración: 104 minutos.

REGULAR. HISTORIA QUE SE PIERDE Y ELENCO DESAPROVECHADO

La primera escena, ambientada en la década del 50, pinta de entrada el carácter del protagonista (Edward Norton en el papel de Stone, título en inglés del film), quien es indiferente y maltrata a su esposa, sometida y hasta intenta arrojar a la pequeña hija por la ventana si ella lo abandona. Extorsión de un perverso.

Hay un pase de tiempo y este mismo personaje aparece como un veterano oficial de justicia a cargo de la redacción del informe que será decisivo para que un juez se expida en la liberación o no de un verborrágico recluso, encarnado por Edward Norton.

El reo había tenido participación en el incendio del hogar donde murieron calcinados sus abuelos.

Hay además un personaje determinante en la historia, y es la esposa del convicto, quien intenta seducir al oficial de justicia.

Aquí se trastocan los roles de los protagonistas, el convicto se convierte a un pseudomisticismo, su esposa no sabe si ha enamorado o no al oficial o bien si es todo un ardid y Stone-Robert De Niro saca a relucir una falsa moral religiosa.

El director John Curran (recordar “Al otro lado del mundo”) no supo valerse de tan importante grupo de actores y cayó en un trhiller que se enturbia a medida de que avanza la narración. El comienzo prometía mucho más pero se diluye con largos parlamentos que sacan al espectador del nudo de la trama.

Sí se asiste a la hipocresía religiosa, progresiva, del protagonista, que tampoco cumple con ninguno de los preceptos que dice respetar.

Compensa, en alguna medida, la endeblez del guión la magnífica realización visual, el manejo de los “tempos” con precisión. Un film que nos hace suponer mucho más de entrada y que se queda a mitad de camino.

Carlos Pierre
 

 

Estrenos del jueves 24 de febrero del 2011

Hoy hay cinco estrenos en soporte fílmico. No comentamos los documentales Justin Bieber 3D y Dulce Espera, de Laura Linares.

 

BIUTIFUL

De Alejandro González Iñárritu. Con Javier Bardem, Maricel Álvarez, entre otros. Música de Gustavo Santaolalla. Duración:  147 minutos.

 

MUY BUENA. RELATO ASFIXIANTE SOBRE UN BUSCAVIDAS Y SU ENTORNO SOCIO-FAMILIAR

“Biutiful”, vocablo inglés escrito con la fonética castellana, está nominada a los premios Oscar en los rubros mejor película extranjera y mejor actor protagonista. Tiene en su staff una real impronta argentina: los nietos de Armando Bo  en los guiones (Nicolás Giacobone y Armando Bo), la coprotagonista Maricel Álvarez (de reconocida trayectoria teatral), la música de Gustavo Santaolalla (es el compositor que siempre elige González Iñárritu), y Juan Carlos Corazza, actor argentino radicado en España con una importante escuela de teatro, coach de Javier Bardem.

Empezamos por el título: Biutiful (beautiful, que significa “hermoso”) es irónico. Nada de lo que veremos es hermoso sino atroz. González Iñárritu localiza este drama en los bajos fondos de Barcelona, mostrando la patética vida de los inmigrantes ilegales, en este caso senegaleses y chinos.

Javier Bardem es el protagonista de este intenso y extenso drama (necesitó 3 meses de preparación y 5 de rodaje para este personaje), encarnando a un traficante de influencias relacionada con el oscuro destino de los ilegales que son sometidos como mano de obra barata, y deben trabajar en condiciones infrahumanas en talleres de costura. Las “extras” se logran con la venta de drogas en las calles, actividad oscura y peligrosa.

Hay sombras profundas que enrarecen la vida del protagonista aún más: padece un cáncer terminal y está desahuciado. Es divorciado, su ex mujer es bipolar y está preocupado medularmente por el futuro de sus hijos, una niña de 10 años y un varón de 7, a quienes les quiere dejar una buena cantidad de dinero y sus mejores recuerdos como padre.

Reconocemos en González Iñárritu a un realizador nada complaciente, abarcador de situaciones sociales complejas aunque las caras visibles sean pocos protagonistas. Los climas que logra son perfectos.  Por lo tanto, Biutiful no es la excepción y tampoco es un film complaciente, nos muestra sin piedad el sórdido ambiente que rodea la pujante Barcelona, al meternos de lleno en la miseria de los inmigrantes ilegales, manejados por inescrupulosos “dealers”.

La perturbación espiritual en el espectador es la consecuencia directa de este film como de cualquier otro de González Iñárritu, desde sus Amores Perros, del 2000.

La espina dorsal de este largo relato es Javier Bardem, que realiza un protagónico antológico. El film, por su extensión, tiene altibajos, pero es innegable que es un retrato profundo de un submundo urbano, al que no le escapamos en ninguna parte del mundo.

Carlos Pierre

 

 

127 HORAS

De Danny Boyle. Con James Franco, Kate Mara, entre otros. Música de de A. R. Rahman. Duración: 94 minutos.

 

MUY BUENA. RELATO ESTREMECEDOR SOBRE UN HECHO REAL

“127 horas” alcanzó seis nominaciones a los premios Oscar y debería llevarse varios. Está protagonizada por James Franco y nos cuenta el caso de Aron Ralson quien, en el 2003, cayó a una grieta de un cañón de Utah, lugar que solía recorrer con frecuencia y en soledad. James Franco toma el lugar del protagonista de la historia real quien vivió 127 horas de terror, de fuerza mental y de fe hasta ser socorrido. Esa caída en la grieta significó un desafío a la muerte, que Ralson vio cara a cara. Su brazo derecho quedó apretado por un gran peñasco, le quedó menos de media botellita de agua, sus gritos no eran escuchados por los pocos turistas, pero tenía una cámara que le permitió filmar haciendo malabares con el brazo y la mano izquierdos todo lo que le sucedía.

Es un manual de supervivencia, es también un manual de coraje y el espectador no puede permanecer impasible ante escenas muy fuertes e impactantes, acompañadas por una música incidental potente y por una fotografía propia de Boyle, el mismo realizador de la notable Exterminio y de la ya antológica Trainspotting.

Es excelente la perfomance de James Franco que sostiene con su actuación notable un film de 94 minutos. No hay un segundo de respiro para el espectador quien, por momentos, se estremecerá y hasta intentará taparse los ojos. Nos parecen más que merecidas las nominaciones a los premios Oscar. Es un film para personas no impresionables por la crudeza de algunas escenas, que fueron tomadas del hecho real.

Elsa Bragato

 

 

AMIGOS CON DERECHOS

De Ivan Reitman. Con Natalie Portman, Ashton Kutcher, Kevin Kline, entre otros. Duración: 107 minutos.

REGULAR. COMEDIETA PREVISIBLE SOBRE EL SEXO SIN COMPROMISO

Hace escasos días comprobamos el esforzado entrenamiento de Natalie Portman como bailarina clásica en Black Swan. Ahora la vimos en un personaje rutinario, sin convicción, encarnando a Emma, una jovencita que no quiere una relación amorosa con compromiso y propone relaciones sexuales a Adam, rol de Ashton Kutcher, un ex compañero de la secundaria, productor de TV y mujeriego, quien acepta gustoso. El gran escollo del joven  es su padre, a cargo de Kevin Klein, desmotivado o haciendo un rol de taquito, quien suele salir con sus ex novias.

El film está bien realizado por lo que podríamos calificarlo de bueno, pero la sucesión de escenas que uno las ve venir, la poca convicción de los actores para moverse en sus roles, nos llevan a ponerle un regular con ganas de “mala”.

Llama la atención en muchos films, incluso argentinos (y hasta en un reality de la TV porteña, no se nos pasó por alto) las escenas de consumo de droga, cuando se prohíbe fumar un cigarrillo común. No entendemos estos dobles mensajes. ¿Hay alguna adicción que sea buena?

En síntesis, la comedia se transforma rápidamente en comedieta. No está mal, no está bien. Anda por un camino trillado. Más de lo mismo, bien realizado. Lástima que Ashton Kutcher esté tan encasillado en niño bonito con poco en la cabeza.

Elsa Bragato

 

 

Estrenos del jueves 17 de febrero del 2011

EL GANADOR

De David O. Russel. Con Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo, Jack McGee. Música de Michael Brook. Duración: 115 minutos.

 

MUY BUENA. HISTORIA CONMOVEDORA, ATRAPANTE DE PRINCIPIO AL FIN

Nominada en 7 rubros a los premios Oscar y ganadora de 2 premios Globos de Oro, El Ganador se basa en una historia real, la del boxeador Micky Ward, campeón de la categoría welter junior de la Federación Mundial de Boxeo.

La vida de este boxeador de Lowell, estado de Massachussetts, es una más de la de tantos hijos de inmigrantes irlandeses que, en medio de una gran pobreza, concurrieron a alguno de los más de 30 centros de entrenamiento de la zona para superar la crisis ocasionada por el cierre de molinos y fábricas.

Pocos fueron los que accedieron al boxeo grande, con mucho esfuerzo y valor. En este caso, dos medio hermanos dignificaron el orgullo del pueblo Lowell. El protagonista, Micky Ward, vivió a la sombra de su hermano mayor, un boxeador fracasado y adicto a las drogas. Sin embargo, en momentos cruciales de la carrera de su hermano salió a entrenarlo y guiarlo. La vida de Micky Ward no fue fácil. Debió superar la férrea tutela de su madre “manager”, y supo salir de su casa y encontrar el amor de su novia.

Esta trama de boxeo, que tiene una vasta genealogía en la cinematografía norteamericana (basta con recordar a Sylvester Stallone y sus Rocky), es una apuesta de calidad del director David O. Russel (Secretos íntimos, Tres reyes, entre otros films), con una pléyade de actores: Marck Wahlberg, Christian Bale (el último Batman), Amy Adams y Melissa Leo. Todos ellos se enfrentan en un duelo actoral de altísimo nivel de principio a fin, manteniendo en vilo al espectador.

Mark Wahlberg, protagonista y productor del film, se preparó durante meses para este rol, la preproducción en sí duró tres años. Es una historia real de superación que está narrada con magia y desarrollo de personajes, con profundidad, con sabiduría. Continúa, además, la tradición de los grandes films sobre boxeo de Hollywood y le imprime un sello imborrable. Imperdible.

Carlos Pierre

 

 

SOY EL NÚMERO CUATRO

 

De D.J.Caruso. Con Diana Agun y Timothy Olyphant, entre otros.

BUENA. ENTRETENIDA CIENCIA FICCIÓN PARA ADOLESCENTES

Estamos frente a un thriller de extraterrestres concebido para los adolescentes. La lucha de los personajes se centra en Ohio. Y el protagonista es el cuarto alien vivo dado que murieron sus congéneres “buenos” en manos de otros aliens “malos”. El número cuatro debe ponerse a salvo yendo de pueblo en pueblo y cambiando de identidad.

Del director de “Paranoia”, D.J. Caruso, el film tiene cierta impronta a la saga Crepúsculo aunque cambie vampiros por extraterrestres o aliens. Encontramos una buena definición entre los roles de los malos, grandotes y feos, y el bueno, un adolescente lindo e idéntido a un terrestre de su edad.

En Ohio encuentra el amor y se siente como en su casa. Por suerte, otro congénere alien se asienta en el mismo lugar y lo ayuda a defenderse.

La historia resulta simpática y atractiva para los chicos aún en edad escolar, y el guión deja una puertita abierta para que se genere una saga, para que exista una película número dos.

Las escenas entre los bandos de extraterrestres son de lograda factura, hay fantásticos saltos marciales de los protagonistas y una variada andanada de efectos especiales, favorecidos por una cada vez más sofisticada tecnología.

Es un film que atrapa, como decíamos, y que hará el placer de los amantes de este género, un thriller de terror impactante, y con personajes que tienen poderes especiales para agregarle una pizca más de emoción y entretenimiento.

Carlos Pierre

 

 

PIRAÑA 3D

 

De Alexandre Aja. Con Elizabeth Shue, Ving Rhames, Jerry O’Connell, Adam Scott, Christopher Lloyd, Richard Dreyfuss, entre otros. Música de Michael Wandmacher. Duración: 88 minutos.

BUENA. ORGÍA DE SANGRE Y TERROR CON PIZCAS DE HUMOR… NEGRO

Aférrese al asiento y dispónganse a disfrutar de un 3D que le mostrará en su cara los tremendos dientes de estas pirañas. El argumento, sin embargo, se apiada del espectador al entrecruzar el terror y el humor, bajando la tensión que provocan estas animaciones perfectas. Todo comienza cuando un súbito temblor submarino libera a estas pirañas de su cueva, mientras un pescador está en las aguas, personaje a cargo de Richard Dreyfuss, vestido exactamente como el rol que hiciera en Tiburón. Es el gancho perfecto para introducirnos en una verdadera orgía de sangre y terror.

El director francés Alexandre Aja es un experto en films de terror y supo imprimirle a este relato sólidos elementos y logra una puesta atractiva, especialmente para los más jóvenes. A las fantásticas y muy bien producidas técnicamente escenas subacuáticas, hay que agregarles el aporte de actores muy interesantes como Elisabeth Shue, recordada por el film “Adiós a Las Vegas” (1995) por el que fuera nominada al Oscar como mejor actriz, y la aparición de Steven McQueen, nieto del muy recordado Steve McQueen, fallecido a temprana edad por un cáncer.

La producción requirió de una gran inversión para lograr tanta tecnología de punta y transformarla en un film entretenido y vistoso, a pesar de la sangre que, cada dos por tres, tiñe de rojo furioso las aguas del lago Victoria Jóvenes estudiantes, un clishé en este género, despreocupados caen en las garras de estas feroces pirañas, deseosas de carne humana fresca.

Estamos frente a un producto ideal para el formato 3D y deja un espacio abierto para continuar con esta saga de pirañas mordedoras y sanguinarias, que son las crías de otras adultas y gigantescas. Para fanáticos del género.

Carlos Pierre

 

 

BLACK SWAN O EL CISNE NEGRO

 

De Darren Aronofsky. Con Natalie Portman, Vincent Caseel, entre otros. Duración

 

BUENA. “EL LAGO DE LOS CISNES” TRANSFORMADO EN PESADILLA

 

Aronovsky ingresa al mundo del ballet en el Lincoln Center de New York, que fuera el predio donde se filmó Amor sin Barreras, de la mano de El lago de los Cisnes, un maravilloso ballet de Tchaivosky. E intenta analizar ese argumento a través de un personaje.

El film forma un “tándem” con “El luchador”, que interpretara Mike Rourke. En vez del sudor de los boxeadores veremos el sudor de los bailarines, el trasfondo de la preparación de un ballet, y la perseverancia para llegar a ser una estrella.

Nina está encarnada por Natalie Portman en el papel más exigido de su carrera, dado que le demandó 8 meses de duro entrenamiento físico para mostrarse como bailarina clásica. Y lo logra. He aquí el primer mérito de la película.

El segundo está en una gran secuencia cuando Nina baila como el Cisne Negro, el gran villano del Cisne Blanco o la Reina, según el argumento del tradicional ballet. La transformación de los brazos de Nina-Portman en alas de cisne negro es una maravilla visual.

La idea argumental es el mandato familiar a los hijos de ser exitoso cuando uno no lo ha sido, así como las consecuencias psicológicas en una hija, Nina, de débil temperamento, acuciada por fantasmas psicológicos muy fuertes que le impiden brillar como bailarina.

El desarrollo argumental tiene tres planos: el primero está en el hogar de Nina, el segundo transcurre en el teatro y las exigencias del director del ballet, el tercero es el desenlace que nos presenta una forma de liberación del dolor físico y espiritual.

De principio a fin, la película recurre a todos los clishés: el fantasma psicológico que persigue y que, si miramos, no está, la competencia o rival como contrafigura, la liberación sexual, el enfrentamiento con la madre, la decisión de triunfar o morir. La narración apunta al thriller a través de la pesadilla psicológica lo consigue por momentos, aunque se torna previsible.

Hay una relación lésbica, que fue la presentación de este film, entre  Nina con una compañera del ballet. Marca un momento de ruptura entre la protagonista y la madre.

La actuación de Natalie Portman tiene un enorme mérito por su esforzada preparación. Es notable el nivel alcanzado por la actriz. En cuanto al carácter de Nina, su personaje, tiene tantas debilidades para enfrentar la vida que resulta ser la bailarina que jamás podría pisar un escenario. En su papel, Portman apeló a una mayor gestualidad más que a la convicción.

Por momentos, hay confusión para el espectador: ¿Nina es un “rara avis”, le salen alas o no, es su imaginación, mata o lo sueña, está enamorada o no?  La narración audiovisual falla, recurre a los efectos como señales explicativas, aunque nos regale una bella secuencia con la danza del Cisne Negro y la notable habilidad alcanzada por Portman.

Esta película viene con mucha “venta anticipada”. En realidad, es un plato fuerte para los psicólogos. Y, en definitiva, es un thriller con todas sus convenciones, destacándose la preparación física de Natalie Portman. Esperábamos mucho pero mucho más.

Elsa Bragato

 

 

DESCONOCIDO

 

De Jaume Collet-Serra. Con Liam Neeson, Diane Kruger,

 

MUY BUENA. UN THRILLER PERFECTO PARA ESTAR

EN VILO

“Desconocido” nos acerca un thriller de ésos que bien pueden considerarse como antológicos por su realización actual, por el tema en sí (un biotécnico), y por las actuaciones. Todo cierra, nada es previsible hasta el desenlace, tal como debe ser.

Atrapante resulta la vida de este hombre biotécnico que encarna Liam Neeson: llega a Berlín del brazo de su esposa para asistir a una conferencia sobre sus investigaciones de la que participará un jeque árabe, filántropo de la Humanidad. Una valija olvidada en el aeropuerto será la excusa para desarrollar una trama apasionante desde principio a fin. Muchos críticos norteamericanos la calificaron como propia del maestro Hitchcock por el entramado perfecto, la tensión creciente y las grandes actuaciones.

Redondo, sin fisuras, es este thriller policial que tiene un toque a Bourne el Ultimatum y mucha modernidad en su concepción, actuación, realización, producción.

No es el primer policial de Liam Neeson, que nos desarma con cada una de sus actuaciones. Seguro, fuerte, sólido, creíble, solo se sabrá realmente qué pasa en esta historia de suspenso sobre el final, y nada se habrá previsto antes.

Desde el director hasta el consabido The End usted tendrá que atarse a la butaca y meterse de lleno en la historia para no sucumbir a sus emociones. Nos apasionó.

Elsa Bragato

 

Estrenos del jueves 10 de febrero del 2011

Hay cinco estrenos en fílmico. No comentaremos los dibujos animados “Las aventuras de Sally en busca del pasaje secreto” ni el documental de Julián D’Angiolillo titulado “Hacerme feriante”.

 

EL DISCURSO DEL REY

De Tom Hooper. Con Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Cartes, Guy Pearse, entre otros.  Música de Alexandre Desplat. Duración: 118 minutos.

12 NOMINACIONES A LOS PREMIOS OSCAR 2011

MUY BUENA. PARSIMONIOSA Y TEATRAL, CON UN EXCELENTE COLIN FIRTH

Esta realización de Tom Hooper, tan británico como el primer actor Colin Firth, ofrece, además de la consolidación de Hoope como director,, un tema interesante desarrollado dentro de los cánones de una acendrada tradición inglesa. Hooper había abordado hace un tiempo otro tema histórico, con gran repercusión, en la multipremiada “Elizabeth I”, que protagonizaran Hellen Mirren y Jeremy Irons.

En este caso, el film desarrolla la superación de la tartamudez del rey Jorge VI, quien no tenía ganas de llegar al trono. De allí el título. Agregamos que muestra un costado humano de un hombre que debe asumir la corona de su país.

En la superación de esta dificultad es ayudado por un terapeuta poco ortodoxo, un frustrado actor canadiense, a cargo del siempre notable Geoffrey Rush. Este monarca llega a serlo en un momento crucial de la historia mundial, la Segunda Guerra Mundial.

Hay tres elementos argumentales que van atrapando al espectador: el acontecimiento bélico en sí, la tartamudez del rey y el contrapunto que entabla con su singular terapeuta.

Y se establece un duelo actoral excelente entre Colin Firth, como el problematizado rey, y el actor australiano Geoffrey Rush, relación que centraliza los tres elementos argumentales que señalamos. Hay una aparición fugaz de Timothy Spall como W. Churchill y es convincente Helena Bonham Carter como la Reina Isabel.

Podemos establecer también dos momentos en el film: uno, el primero, con cierto tono teatral, y el segundo, con una mayor amplitud visual y escénica, mayor narración cinematográfica en sí, cuando el futuro monarca es coronado como Jorge VI. Tom Hooper incluye también breves pasajes documentales que muestran a Hitler y su aparato bélico, secuencias que suman interés al nudo de la trama.

La música de Alexandre Desplat vuelve a asombrar, adecuándose a los íntimos sucesos que padece el monarca, a la superación de su discapacidad. Curiosamente, se incluyó fragmentos de música alemana como la Séptima Sinfonía de Beethoven, el Réquiem de Brahms, Las Bodas de Fígaro de Mozart y otros fragmentos de Bach, para acentuar los momentos dramáticos o más ceremoniales de la historia.

Estamos ante un film sólido en todos sus aspectos, parsimonioso y teatral por momentos, que no se olvida de Shakespeare cuando el terapeuta juega con su hijo y representan escenas del genial bardo, por ejemplo. British style por donde se lo mire, resulta un producto atractivo por la problemática presentada y la interrelación con el monarca y su problema de habla. Para ver.

Carlos Pierre

 

TEMPLE DE ACERO

 

De Joel y Ethan Coen, basada en la novela de Charles Portis (1968). Con Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Hailee Steinfeld, entre otros. Música de Carter Burwell. Duración: 110 minutos.

10 NOMINACIONES A LOS PREMIOS OSCAR

MUY BUENA. RECUPERACIÓN DEL WESTERN CON UNA EMOTIVA HISTORIA

En 1969 John Wayne, un “cowboy” hecho y derecho, ganó su único Oscar por el film Temple de Acero, diferente a los papeles que había realizado hasta ese momento en el rubro. Muchos críticos norteamericanos consideraron entonces y hoy que Wayne ganó por él mismo y su trayectoria más que por su composición del rudo Rooster Cogburn, ahora encarnado por un notable Jeff Bridges.

Los hermanos Coen, que apelan a versículos bíblicos en la presentación de esta “remake”, le han otorgado a la historia una emotividad que va atrapando de a poco al espectador hasta no soltarlo hasta el final.

Es extraña la sensación: primero, uno se enfrenta al mundo de los cowboys y a una niña de 14 años, en la excelente interpretación de Hailee Steinfeld. Y se piensa que se está frente a un western más, sin tener en cuenta la versión original. Luego, la emotividad del personaje de Bridges y el convencimiento de la joven protagonista de encontrar al asesino de su padre van ganando el corazón. No sin razón y sin manejo cinematográficio: el clima que generan los Coen es subyugante. Y la pequeña historia se transforma en algo grande, que vale la pena seguir.

Hay una composición especial de Jeff Bridges, afeado y grotesco, de su personaje, al que dota de cinismo pero de una inconmensurable ternura y humanidad. Matt Damond acompaña con eficiencia siempre mientras que Steinfeld es una auténtica revelación (como la joven actriz de Lazos de Sangre).

Las balaceras, las escenas fuertes, son el “toque Coen” de que, si quieren, transforman el mítico western en algo más que sangriento. Pero se detienen a tiempo y le permiten jugar a los sentimientos. La secuencia de Bridges con la joven en sus brazos galopando con el corcel negro es apoteótica y arranca el corazón.

Es un film atrapante, emotivo, que supera con creces cualquier idea sobre un clásico de los western. Se vive en el mundo de los cowboys pero se nos regala sentimientos a granel.

Elsa Bragato

 

 

EL RITO

De Michael Hafstrom. Con Anthony Hopkins, María Cucinotta, Colin O’Donoghue, Ciaran Hinds, Rutger Hauer, Alice Braga, entre otros. Música de Alex Heffes. Duración: 113 minutos.

 

BUENA. NUEVA MIRADA SOBRE LOS EXORCISMOS

Dentro del género thriller sobrenatural, enrolamos a El Rito, basado en la novela El Rito y cómo hacer un moderno exorcismo, del italiano Matt Baglio, publicado en el 2009. El director Halfstrom adaptó este cuento que transcurre entre Roma y los Estados Unidos, donde un joven seminarista, a cargo del debutante Colin O’ Donoghue, enfrenta sus dudas para aceptar los votos definitivos como sacerdote. Es enviado a Roma, donde la cámara de Halstrom se explaya en los interiores poco conocidos de El Vaticano, y debe encontrar a un sacerdote especial, jesuita, encarnado por el siempre vehemente Anthony Hopkins, experto en exorcismo.

El film tiene una primera parte atrapante, que se centra en el joven seminarista y su llegada a Roma, así como su primer encuentro traumático con el jesuita exorcista. Hay que destacar que Hopkins pudo echar mano de su Hannibal Lecter consagratorio pero no recurrió a aquellos tics que, sumados a una actuación descomunal, le valieran el Oscar. La segunda parte se diluye un poco: nos referimos a la etapa en que el seminarista regresa a su país, regresa a Roma y debe enfrentar al Demonio en el cuerpo y alma del jesuita.

Aparece una intrigante periodista pero, en verdad, ningún otro personaje fuera d e los dos centrales aportan elementos sustanciales. Es muy loable la perfomance del joven Donoghue junto al gran Hopkins. Cucinotta está demasiado delgada y es un muy secundario personaje. Y es justo decir también que Colin O’Donoghue, en su primer protagónico en cine, está estático y sin emoción en un papel donde debió transmitir desde incredulidad hasta terror. Raro, cuanto menos.

Decimos que se diluye la fuerza de la historia porque pierde fuerza al resultar reiterativos los exorcismos de los que no se ve mucho “entramado” (no aclaramos por obvias razones). Se pierde fuerza en la indecisión del joven seminarista, se pierde fuerza en el exorcismo al jesuita de Hopkins, aunque es una muy buena secuencia actoral. Hay caídas del argumento, no por elipsis sino por debilitamiento del desarrollo narrativo. No obstante, si desea verla, no saldrá defraudado: verá exorcismos no impactantes pero de práctica habitual, algo poco frecuente de conocer. Y en esta cotidianeidad de los exorcismos reside el principal atractivo del film.

Elsa Bragato

 

Estrenos del jueves 3 de febrero del 2011

Hay cuatro estrenos en soporte fílmico. No comentaremos el nacional “Sudor frío” ni “Lazos de Sangre”, nominada a los Oscar.


CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS



De Woody Allen. Con Anthony Hopkins, Antonio Banderas, Naomí Watts, Josh Brolin, entre otros. Música de la época del swing y fragmentos clásicos. Duración: 98 minutos.

MUY BUENA. ESPEJO ZUMBÓN DE NUESTRAS VIDAS

Algunos críticos del exterior consideran que este film de Woody Allen es “más de lo mismo”. Sin embargo, corresponde a la visión del realizador sobre las relaciones humanas y el cinismo que pueden entrañar.

“Conocerás al hombre de tus sueños” es una de las frases que utilizan las pitonisas del film para embaucar a la crédula clientela. Encomendar nuestro destino a lo que nos promete la fortuna o nuestro débil corazón a terceros “fortunetellers”, es la sinrazón de la gente. Éste es el planteo de esta nueva película de Woody Allen, en tono irónico, que es uno de sus fuertes.

Como es usual en Allen, que tantas veces nos ha desnudado en pantalla o bien nos dio una compasiva palmada por nuestras actitudes, un relator, una voz en off, presenta las secuencias y va desarrollando el rol de cada una de las criaturas que anhelan y tropiezan en la calle de la vida. No podía faltar una frase de Shakespeare que resume la pasión humana como “un montón de furia y ruido…”.

El guión pertenece a W. Allen y lanza al ruedo de la incierta fortuna a cada uno de los personajes sin dejar de lado el desarrollo de cada uno de ellos.

Los ocho actores elegidos para el film, algunos muy consagrados y otros novatos, conforman este cabal entramado que nos despierta una sonrisa y, también, cierta piedad. Anthony Hopkins, Gemma Jones, Pauline Collins, Naomí Watts, Antonio Banderas, Josh Brolin, Lucy Punch (una call-girl deliciosa) y Freida Pinto, a quien conocimos en Slumdog Millonaire.

Como banda sonora, Allen se vuelca, como siempre, al swing, del que es devoto y al que nunca abandona. Agrega fragmentos de Boccherini, Mozart, Donizetti.

Allen lleva realizadas 40 películas y, aún a riesgo de ver historias parecidas, uno suscribe sus producciones antes de conocerlas. Destacamos las actuaciones de Hopkins y de Antonio Banderas.

Es un film para pasarla bien pero también para condolerse porque opera como un espejo zumbón que nos involucra. Por supuesto, nos gustó aunque encontremos reminiscencias de otros films de Woody Allen.

Carlos Pierre



EL AVISPÓN VERDE




De Michel Gondry. Con Seth Rogen, Jay Chow, Christoph Waltz, entre otros. Basado en la serie televisiva de 1966. Música de James Newton Howard. Duración: 119 años.

BUENA. UN BATMAN DEVALUADO AUNQUE SIMPÁTICO

Desde hace años viene dando vueltas el guión de El avispón verde. Finalmente llega al cine en versión 3D, superproducción y buenas actuaciones. Seth Rogen, el protagonista timido de Ligeramente embarazado, surge como héroe protagonista con buena perfomance. Un editor periodístico fallece, su hijo queda a cargo y, como es un inútil, descubre que puede ayudar a los más necesitados en la vía pública. Se vale del chofer de su difunto padre, experto en artes marciales e inventor.

No falta acción, hay un plano secuencia en el desenlace estupendamente filmado, en medio del humo, balaceras, y un ritmo frenético para que el Avispón pueda descubrir al “malo” que no es otro que el galardonado con el Oscar Christoph Waltz. Malos y buenos, como corresponde. Decimos en el título “Batman devaluado” porque este personaje tiene mucho del hombre nocturno, desde buscar un disfraz (avispón verde) hasta defender a los pobres e indefensos. Y es inmediata la comparación.

Hay buenos climas de acción, hay buenas perfomances y no ocultamos que resulta un tanto extraño ver a Seth Rogen como protagonista, papel que cumple con gran solvencia. Para pasar un rato divertido.

Elsa Bragato

Estrenos del jueves 20 de enero del 2011
Hay cinco estrenos. No comentaremos el film nacional “SIDRA”.
 


ESCUPIRÉ SOBRE TU TUMBA


De Steven Monroe. Con Sarah Butler, Jeff Branson, Andrew Howard, entre otros. Música de Corey Allen Jackson. Duración: 106 minutos.

BUENA. FUERTE, SÁDICA, UN PLATO FUERTE PARA POCOS

Antes de realizar el comentario, debemos indicar que, en la década de los 70, algunos directores de Hollywood irrumpieron con un subgénero muy violento conocido como Rape and Revenge (violación y venganza). En 1978, Meir Zarchi dirigió y escribió el guión de “La vioelcnia del sexo o Tomar Revancha”, film que generó polémicas por sus escenas explícitas, cargadas de sadismo y morbosidad.

En los últimos años, no hay nada que no se haya visto en el cine, si recordamos Hostel, por ejemplo, entre tantos otros ejemplos. El director Steven R. Monroe tomó el tema y lo “aggiornó” ahora, cuatro décadas después, provocando el mismo impacto. En esta versión, una joven y bella escritora decide pasar sus vacaciones en una casa alquilada en un lejano pueblo para poder escribir una novela. Sin embargo, el lugar se verá invadido por cinco lugareños, cargados de violencia y de deseos sexuales reprimidos.

En esta aislada trampa en la que cae la protagonista, ocurrirán todas las violaciones morales y físicas imaginables y también inimaginables. Participan de estas orgías hasta el sheriff del lugar y un joven con retardo mental. Detalles no menores para atornillar al espectador a la butaca y horrorizarlo por el calvario al que es sometida la joven mujer.

A esta “primera etapa de horror” le sigue la revancha. Muy sangrienta, mutilaciones y atrocidades de todo tipo. Por supuesto, debemos decirlo para avisarle al espectador que no irá a ver un film de horror más sino quizás una sumatoria de horrores.

Un hallazgo del film está en los efectos especiales. Otro en la elección de la protagonista, una joven esmirriada que será capaz de una fuerza irrefrenable.

Es un film de culto, basado en la película mencionada al comienzo, “I spit on your grave” o bien “Day of the woman”, de 1978. No es un film para todos sino para los que son fanáticos de este subgénero. Quien se anime a ver “Escupiré…” no podrá sustraerse ni olvidar la perturbadora muestra de horror que hace Monroe, trazado ingeniosamente en un guión simple pero de impecable desarrollo. Escenas muy fuertes, repetimos. Solo para fanáticos.

Carlos Pierre

 



LA VIEJA DE ATRÁS


De Pablo José Meza. Con Adriana Aizenberg, Martín Piroyansky, entre otros. Música de Sergio Rojas. Duración: 115 minutos.

BUENA. PEQUEÑA HISTORIA SOBRE LA INCOMUNICACIÓN BIEN CONTADA

Con una cámara fija que muestra los objetiso más cotidianos y austeros, tales como una pava que hierve, las galletas sobre la mesa, los viejo s objetos que conviven con el presente de una mujer mayor, en primer plano, va armando la historia el director Pablo José Meza, galardonado en varios festivales. Detalles todos que hacen a la historia que nos contará.

De a poco, Meza hace aparecer la idea del guión y su desarrollo, una historia pequeña, austera y sórdida. La casa de la anciana y el joven provinciano que ocupa otro departamento serán los protagonistas de encuentros y desencuentros. La anciana solo pide una conversación diaria. El joven necesita un lugar para vivir sin pagar por no tener dinero, además de otros problemas familiares.

La relación es fría pero llevadera. Sin embargo, no tardarán en aparecer diferencias entre ambos. Saldrán a relucir la monotonía de la personalidad de la anciana, viuda, aferrada a una conducta elemental, así como la parquedad y el abatimiento del joven.

A manera de paneos, si bien cumple con una breve acción determinada, aparecen Atilio Pozzobón y Brenda Gandini (de gran actualidad por su personaje en Malparida, Canal 13).

Estamos frente a la segunda película de Pablo José Meza (la primera fue Buenos Aires 100 km -2004), que demuestra una buena dirección actoral y una cámara minuciosa que mueve con solvencia en interiores y exteriores. De esta manera retrata acertadamente el fluir concreto y sencillo de un barrio porteño.

Gran actuación de Adriana Aizenberg, más que probada actriz que nos ha regalado grandes trabajos. Éste no es la excepción. En síntesis, una historia pequeña, bien contada, seres anónimos que tienen una íntima pasión por la vida y buscan concretarla.

Carlos Pierre


 


EL TURISTA


De Florian Henckel von Donnersmarck. Con Angelina Jolie, Johnny Depp, entre otros. Música de James Newton Howard. Duración: 103 minutos.

REGULAR. UN “CHORLITO” PERDIDO EN VENECIA

En el momento de analizar el film, nos damos cuenta de que se han dado elementos preciosos para realizar una película estupenda sin lograrla. Llama la atención que Florian HEnckel Von Donnersmarck haya sido el director de La vida de los Otros, un hito del cine de los últimos años. Aquí contó con una pareja protagónica especial: el encanto de la superdelgada Angelina Jolie y la solvencia de Johnny Depp, más acostumbrado a personajes estrafalarios que a mostrarse como lo hiciera en Chocolate, y en esta película, a cara limpia y pura actuación. Por lo tanto, es raro verlo actuar sin máscaras. Recordamos que estuvo nominado a los Golden Globe por este film (la otra nominación fue por Alicia en el país de las maravillas).

El director además filmó en la ciudad de Venecia a la que, en este caso sí, tomó desde todos los ángulos, incluso zenitales, con un derroche de espectacularidad pocas veces visto. Sin embargo, no supo manejar el guión, con muchos flancos débiles, y se dejó ganar por la prepotencia de la fama de Jolie y de Depp además de la belleza de Venecia. No bastó.

Atrapados por la fotografía de la ciudad, algo que repetiremos hasta el cansancio, nos topamos con una Jolie encorsetada en fastuosos vestidos tanto en París como en el estupendo hotel Danieli de la ciudad de los canales, con cara de “aquí estoy yo” y nada más. Nada de actuación. Como modelo, mil puntos. Como actriz, en este film (para nuestro gusto, nunca), nada de nada.

Y la aparición de Johnny Depp, tal vez con algún guiño a algún personaje de Cary Grant en sus comedias policiales, es rara, como con timidez extrema, pero seguro de ella y de cómo manejarse. Hay una diferencia entre Jolie y Depp: ella hace poses y cree que así actúa. Él sabe que su personaje es sostén de la protagonista y actúa bien. Nada más que el guión no lo dejó lucirse salvo en un segundo plano. Depp será el “chorlito” que caerá en una trampa de consecuencias insospechadas.

La falta de pasión, el tono bajo con el que hablan los personajes, casi susurrándose, las escenas que uno cree que verá y no aparecen nunca, dejan un sabor agridulce: por un lado, está la fastuosa Venecia, en su máximo esplendor. Por el otro, una comedia policial que no termina de convencer con superfamosos y millonarios en los protagónicos, con pésima dirección actoral. Si se decide, no perderá su dinero porque habrá viajado en primera clase hasta la maravillosa Venecia aunque luego olvidará en pocos segundos la historia.

Elsa Bragato
 



LOS VIAJES DE GULLIVER


De Rob Letterman. Con Jack Black, Jason Segal, Emily Blunt, entre otros. Música de Henry Jackman. Duración….

MUY BUENA. ENTRE NEW YORK Y LILIPUT, UN JACK BLACK PARA CHICOS

Jack Black es un músico de rock que ha ido ganando espacio actoral en varios films muy taquilleros y buenos. Por ejemplo, Vacaciones, con Jude Law y Cameron Díaz. Y también recordamos su actuación en “Rebobinados”, un film “indie” muy diferente, que les recomendamos.

Recrear la historia del “gigante Gulliver” conllevó muchas peripecias técnicas que Rob Letterman ha podido resolver muy bien. Viene del campo de la animación, hombre ducho en peripecias de computación, siendo éste es su primer film para toda la familia.

Es convincente la realización donde se mezclan los seres humanos en su tamaño natural con otros personajes diminutos, también protagonizados por actores de carne y hueso. El encargado de una redacción logra, por una mentira hacia una editora de la que está enamorado, viajar a las Bermudas, donde deberá desentrañar el famoso “triángulo” y las desapariciones que allí se producen. Pero terminará en la isla de Liliput. Y el cuento de Swift, de 1726, ya lo conocemos. Gulliver será un “ diminuto “ muñeco en medio de los humanos normales con gags logrados y simpáticos especialmente para los chicos. A estos ingredientes bien desarrollados, y “aggiornados” (la isla de Liliput tendrá un centro a la manera de Broadway y la 42, por ejemplo), se le añade una historia romántica que ayuda a cerrar la propuesta narrativa de manera clásica. El encuentro entre el distribuidor de correspondencia y la editora tiene que tener un final, feliz o no.

Es muy interesante la fotografía, no solo por los efectos especiales que hemos enumerado muy por arriba pero que son imaginables en este film, sino por cómo se maneja la cámara de Letterman codo a codo con Black en sus caminatas por la estupenda New York, por ejemplo, y la relación entre el “gigante” a la fuerza y los pequeños habitantes. El “desborde” de Black del que algunos hablan se debe sencillamente a que él es el gigante y los demás, los diminutos. Black parece muy cómodo en este papel donde hace de aturdido al que le pasan cosas insólitas.

El film es redondo. Y tiene a su favor que no hay personajes de computación sino actores “empequeñecidos” o “agigantados”, según los momentos de la historia. Esto le da verosimilitud y lo hace muy atractivo. Obviamente, es para toda la familia. Al que no le gusten los cuentos para chicos, abstenerse. La relación entre el gigante, los liliputienses, la princesa, no es un plato digerible para todos. No obstante, no podemos calificarla con menos porque cumple su objetivo, no deja cabos sueltos y tiene una compleja realización donde todo marcha como la máquina de un reloj.

Elsa Bragato

 

Estrenos del jueves 13 de enero del 2011
Hay cinco estrenos en la ciudad de Buenos Aires. No comentaremos ni Noches de Encanto ni Buen día, día, que es el Documental del Mes. Se reestrena Volver al Futuro durante una semana.



SOMEWHERE, EN UN RINCÓN DEL CORAZÓN


De Sofía Coppola. Con Stephen Dorff y Elle Fanning, entre otros. Mùsica de Phoenix. Duración: 96 minutos.

BUENA. UNA HIJA DE HOLLYWOOD HABLA DE SU MUNDO. RELATO SIN IMPACTO PERO CON MUCHO ENCANTO, AUTOBIOGRÁFICO
Una larga secuencia, plano largo y cámara fija, de un circuito automovilístico y una Ferrari que pasa frente a cámaras, luego se pierde, se escucha el ruido de su potente motor, vuelve. La estructura fílmica, formal, que nos presenta Sofía Coppola es la de un film “indie”. En su tercer film, la hija de Francis Ford Copppola, que produce la película, vuelve a los comienzos mostrados en “Perdidos en Tokyo”. Es decir, esa gran máquina de generar estrellas que es Hollywood y la soledad que los embarga, tan lejos de la fastuosidad que la sociedad les impone en la gran mayoría de los casos.
Curiosamente, luego de la primera secuencia, la cámara de Coppola se apoya en el luminoso cartel del Chateau Marmont (ex propiedad de Regina Bragato, residente en Palm Spring, CA, USA), un hotel pequeño al que van los actores para disfrutar de una vida tranquila y poder estudiar sus libretos sin el acoso de las fans. Allí hay fiestas nocturnas y todo lo que desee, chicas que bailan en los cuartos privados (Coppola se extiende en exceso durante la escena del baño del caño a cargo de unas mellizas rubias, cámara fija siempre, y resulta innecesario porque el film pierde timing)mujeres que se regalan por nada, y la vida solitaria de un actor, en este caso Johnny Marco, encarnado por Stephen Dorff. Separado, con una hija de 11 años, Cleo, a cargo de una futura gran estrella, la bellísima Elle Fanning, un buen día debe hacerse cargo de la niña porque la madre “necesita pensar” su futuro. El actor asume el reto, y viaja con su hija a Italia, es la figura de la famosa entrega d e los premios Gatto en Milán, disfrutan juntos de una vida que les resulta prestada (el lujo romano de las piscinas privadas, las fiestas con celebridades).
La unión padre-hija nos remite inmediatamente, por los sutiles detalles que va exponiendo Coppola en un relato con encanto pero sin impacto, a su propia vida, especialmente cuando su pequeña protagonista manifiesta el dolor que le causa la ausencia de sus padres a su papá.
Decimos que el film tiene encanto porque la vida de este actor papá y su hija nos transmiten ternura, descubrimiento mutuo, cariño, empatía. Y decimos que no produce impacto emocional porque la forma de la narración audiovisual tiene un tono menor, no busca sobresaltar al espectador sino contarle una historia. Por ser Sofía Coppola, con un estilo muy definido, nos parece que la construcción de la narración es muy simple, más de aficionado que de una hija de la meca del cine. No obstante, cumple con su objetivo y nos va llevando al climax poco a poco, tal vez no el deseado pero sí el más humano y comprensible.
Resulta interesante esta película y muy autobiográfica, tal como la misma Sofía Coppola lo dijo en varios reportajes. Y, si uno no lo sabe, igual se dará cuenta de que allí están los conocimientos que la vida misma le dio a la hija de Francis Ford Coppola, la vida de trabajo y rutina de un actor o productor y la fastuosidad de los eventos que lo alejan de lo sustancial: la familia. Sin duda alguna, Sofía lo vivió. Se deja ver porque, además, vemos Hollywood y cómo se desarrolla la cotidianeidad en un mundo que no es de fábula.
Elsa Bragato
 



IMPARABLE

De Tony Scott. Con Denzel Washington, Chris Pine, Rosario Dawon, entre otros. Música de Harry Gregson-Williams. Duración: 97 minutos.
MUY BUENA. UNA IDEA BÁSICA CON UNA REALIZACIÓN FUERA DE LO COMÚN, VIBRANTE, IMPACTANTE, ESTREMECEDORA.

Denzel Washington es una marca registrada: donde actúa, uno tiene la garantía de que verá un film fuerte, con una actuación que nos conmoverá. Esta película no es la excepción. La idea del guión es elemental: un tren con 39 vagones y una carga química peligrosa arranca solo por una mala maniobra de su conductor que baja para cambiar la ruta de las vías. Este hecho bien pudo ser banalizado por la realización. Sin embargo, los encuadres, el trabajo del sonido en postproducción, hacen de este hecho una historia estremecedora. Se unen las actuaciones de Denzel Washington y Chris Pine que, además, plantean un tema candente: las jóvenes generaciones que van sustituyendo a los “viejos” en los trabajos y la competencia que se establece a nivel gremial y personal, el “elegido”, el por jubilarse, los temores de unos y otros en medio del frenesí de las locomotoras, de rieles, de aplastantes ruedas gigantes.
Es una película que recomendamos porque no hay nada que uno pueda criticarle. La forma es soberbia, el fondo es un poco más de lo mismo pero tan bien actuado, con tanta carnadura, que resulta impecable. Una idea básica con una realización fuera de lo común. Si le gusta aferrarse a la butaca, ésta es su película.
Elsa Bragato
 



EL RETRATO DE DORIAN GREY

De Oliver Parker. Con Ben Barnes (el príncipe Caspian de Narnia), Colin Firth, Rebecca Hall, entre otros. Música de Charlie Mole. Duración: 120 minutos.
BUENA. OSCAR WILDE CON EFECTOS SIGLO XXI
La ambientación del film y los detalles de la vida nocturna del London West, el vestuario, y el clima que se va logrando hacen, de esta película, una gran realización. En este sentido, deberíamos calificarla como “muy buena”. Pero es tan solo buena porque tiene muchas secuencias en las que pierde su tempo, su timing, y se alarga innecesariamente. Basada en la obra del mismo título de Oscar Wilde, nos enfrenta a un joven de gran belleza que viaja a Londres y es iniciado en el hedonismo y los placeres de la vida nocturna más lujuriosa por Henry Wotton, a cargo del gran Colin Firth.
La vida nocturna, la aparición de una joven actriz que enamora al protagonista, las drogas y los placeres transforman al joven en una persona muy segura de sí, capaz de cualquier atrocidad como matar a otros, insinuar una incipiente homosexualidad, y tener su propio retrato que será su gran condena.
El relato tiene todos los elementos técnicos actuales por lo cual el director puede jugar con el espejo del ático que refleja la esbelta silueta y el bello rostro del joven Dorian, y su paso a la vejez cuando el hechizo se quiebra por un hecho fortuito aunque sabido por quienes conviven con él.
Esta película, con tan buen trabajo de forma y fondo (Ben Barnes y Colin Firth se adueñan de sus personajes), es muy interesante para quien ame ver narraciones audiovisuales puntillosas, de gran espectacularidad visual, de gran riqueza en las imágenes. Si le gustan las novelas, ésta es su película, con el aditamento del “thriller” y de los efectos especiales, muy bien añadidos tanto en el guión como en la realización.
Carlos Pierre

 

Estrenos del jueves 6 de enero del 2011

Hay seis estrenos, uno en DVD, Baaria, de G. Tornatore. Destacamos el primer estreno nacional del 2011: Los Santos Sucios, de Luis Ortega.


 
MÁS ALLÁ DE LA VIDA

De Clint Eastwood. Con Matt Damond, Cecile de France, entre otros .Música de Clint Eastwood. Duración: 129 minutos.
BUENA. EL MÁS ALLÁ EN UN RELATO CON DESNIVELES
La mano y la banda sonora de Clint Eastwood son inapelables: están presentes. A manera de tríptico, nos presenta una historia que, por su complejidad narrativa, tiene desniveles si bien, en algunos momentos, resulta muy atrapante y hasta conmocionante. Es impactante la escena inicial con el Tsunami en Indonesia. En estas primeras secuencias, queda planteada la idea del film (es recomendable prestar mucha atención al inicio de una película). Esa recreación que toma a una de las protagonistas, encarnada por Cecile de France, es altamente conmovedora, estremecedora. La otra historia se centra en los Estados Unidos, en Matt Damond, un mecánico que es médium pero que se resiste a trabajar como tal porque no le ha ido bien al descubrir la vida de los otros con solo tocarles las manos. Y finalmente, el tercer protagonista es un niño que vive en Londres, que tiene un hermano gemelo que muere.
Esta complejidad argumental obliga a una narración audiovisual que va de aquí para allá, desarrollando cada historia, y buscando algún punto de unión. No es fácil encontrárselo por lo cual se alarga más de lo necesario la historia. Finalmente, habrá un denominador común para los tres protagonistas y sus subhistorias, esto es importante destacarlo porque es otro “alargue” en la narración propuesta que pudo evitarse. Pero no somos realizadores de cine sino comentaristas y no vamos a indicarle a Eastwood qué debió hacer. Simplemente informamos lo que verá el lector.
Atreverse con el más allá teniendo una edad límite, 80 años casi 81 para Eastwood, es tener mucho coraje. Como hombre ateo, con súbitos momentos de misticismo, Eastwood no nos dice que debemos creer en el más allá pero lo muestra; no nos presenta la conversión de sus personajes como algo inapelable. Pero sí nos regala las tres historias que tienen que ver con la vida en el más allá: una protagonista porque la vive, el otro porque la ve con su mediunidad, el tercero porque la sospecha y necesita encauzar esa angustia que no se le revela como visiones.
Es un film interesante, complejo, al que le cuesta encontrar una unión entre tantas historias pero que finalmente la logra. En el “mientras tanto”, el espectador ve el desarrollo de vidas conmovidas por situaciones límites con actuaciones descollantes. Es un film interesante a pesar de los altibajos en el guión, bien realizado y, por momentos, con secuencias atrapantes.
Elsa Bragato
 


ENREDADOS


Film de animación de Walt Disney en 3D, doblada al castellano. Música de Alan Menken. Duración: 100 minutos.
MUY BUENA, ATRAPANTE HISTORIA DE UNA PRINCESA DE LARGOS CABELLOS CON FANTÁSTICA BANDA SONORA
Walt Disney, de acuerdo a las últimas informaciones, se despediría, luego de 75 años, de los cuentos de princesas (Blancanieves, Cenicienta, Pocahontas, entre otras) con Rapunzel, la protagonista de esta nueva historia de animación. La princesa es una adolescente de largos cabellos, que fue raptada y vive en una torre muy alejada. No hay mejor oportunidad para despedir a la galería de princesas con este film que sorprende por el alto grado de expresión de los personajes animados, por las excelentes canciones de Alan Menken (un “histórico” de éxitos musicales de Disney) y con lograda depuración en los personajes. Es decir, pocos pero fundamentales acompañando la historia de esta tan especial princesa, que saldrá de su encierro para sentir el palpitar de la vida. La siguen el camaleón Pascal, el caballo Máximus, el pícaro ladrón Flynn Ryder, una pandilla de matones, la bruja y captora Gothel y sus padres, los reyes que están desesperados.
Es una película atrapante para chicos y grandes por la calidad de la realización y por la historia, simpática, que tanto tiene que ver con los 21 metros de cabellos de la princesa Rapunzel. Para disfrutar a pleno y en familia.
Carlos Pierre


 
LOS SANTOS SUCIOS


De Luis Ortega. Con Alejandro URdapilleta, Luis Ortega, Emir Seguel, entre otros. Voz de Oscar Alegre. Música de Leandro Chiappe. Duración: 86 minutos.
BUENA. APOCALISPSIS CRIOLLO EN UN FILM DE BUENA FACTURA
Luis Ortega asombró con Caja Negra, aquel relato descarnado y, al mismo tiempo, pleno de mensajes de hace algunos años. Luego vino Monoblock, también interesante. En este caso, nos presenta a seis sobrevivientes del fin de una guerra, de una era, o los estertores de la Humanidad. Fiel a su estilo, personal más que cargado de influencias (si bien uno nunca puede sustraerse a su momento histórico y sus maestros), no abundan los diálogos, son más palabras, frases, expresadas en un silencio estremecedor, concordante con el hermetismo de los personajes. El relato se apoya en un montaje muy logrado, cuidado, que se plantea en un paisaje desolado de un pueblo de Colón, en la provincia de Entre Ríos (locación muy utilizada en nuestro cine).
En un guión árido pero profundo, los sobrevivientes buscan su salvación que está después de un río, dato que nos remite inmediatamente al mundo creado por Dante Alighieri. El Edén está más allá del río Fijman, en un tributo al poeta del grupo Martín Fierro del siglo XX. Cada personaje tiene, en un bolsillo, un picaporte, que es el pasaporte a la meta. Todos abandonan el pueblo para salvarse en el Edén, salvo Monito, personaje a cargo de Martina Juncadella, que busca el amor. Y se quedará como la campanera de la iglesia una vez que estos “santos sucios” la abandonen. He aquí el “quid” del título. Santos por su destino, sucios por su Humanidad de origen pecador.
Como dato curioso, aportamos que en una de la escenas de este personaje aparece un cartel de carne envasada llamada “Liebig”. En alemán, “liebe” significa amar. Podemos suponer que es alguna derivación de esta última palabra.
Estamos frente a un film no apacible, no es fácil sino que convoca al espectador a armar un cuadro roto por una catástrofe cuyo origen se desconoce. Hay una muda sensación de angustia, un clima sobrenatural, bien logrado, que sobrevuela el film.
La música incidental de Leandro Chiappe acompaña las secuencias de manera acertada y también lo destacamos. La filmación es depurada, acertada elección de las locaciones y secuencias con tomas muy subyugantes que tienen peso por sobre las actuaciones, en algunos momentos poco acertadas. El final es abierto y tiene el secreto de una puerta que no podemos aquí descubrir.
Interesante regreso de Luis Ortega con un film inteligente.
Carlos Pierre



LA EPIDEMIA


De Breck Eisner. Con Timothy Olyphant, Radha Mitchell Danielle, entre otros. Música de Mark Isham. Duración: 99 minutos.
BUENA. ENFOQUE DIFERENTE EN UNA REMAKE “TERRORÍFICA”
Estamos ante la remake de la película de 1973 de Goerges Romero, ahora con una sofistacada técnica cinematográfica que incluye interesantes planos secuencias y planos abiertos. El género del terror, como bien sabemos, moviliza nuestra ancestral curiosidad y morbosidad por la sangre, y este film no es la excepción para nuestra movilización interior.
Hay a lo largo de La Epidemia o The Crazies secuencias de gran despliegue audiovisual, donde resaltan los movimientos de una población desbocada por un hecho fortuito (la caída de un avión militar que transportada armas bioquímicas en el lago de la zona). Un pueblo de Kansas, de apenas 1200 habitantes, se ve poblado de soldados y helicópteros que buscan el motivo de la “epidemia” de locura y sangre que se desata.
Si bien el guión se torna previsible a medida que avanza el relato, el suspenso se mantiene a partir del accidente inicial que desencadena la epidemia de locura. Como “zombies” los habitantes contaminados por las aguas del lugar se transforman en asesinos incluso de sus familiares, en una verdadera orgía de sangre y terror. Este género “gore” tiene muchos adeptos y, en este caso, encontrarán una narración audiovisual diferente para el desarrollo de una historia que mantiene los clishés propios del género, puestos al servicio del entretenimiento de los espectadores. Para amantes del terror.
Carlos Pierre


 
LOS PEQUEÑOS FOCKERS


De Paul Weitz. Con Ben Stiller, Robert De Niro, Owen Wilson, Barbra Streisand, Dustin Hoffman, entre otros. Música de Stephen Trask. Duración: 98 minutos.
BUENA. MÁS DE LO MISMO CON UN ELENCO SUPERESTELAR
Nada más que ver a tantas estrellas juntas produce un placer que, seguramente, el film no dará al espectador por sí mismo. Es que ya no hay muchas vueltas para esta historia de los Fockers donde el yerno vive enfrentado al suegro ex agente de la CIA. Sin embargo, ver juntos a la Streisand con Hoffman o De Niro, es un placer que pocas veces tenemos.
El advenimiento de los mellizos, nietos de Robert de Niro en la ficción, convoca a un cumpleaños superestelar que tendrá de todo: desde escenas escatológicas en un hospital hasta gags conocidos pero no menos eficaces, y cierto letargo en la narración audiovisual, con cenas de poca eficacia, y la llegada del ex novio, que personifica Owen Wilson, además del ataque cardíaco de uno de los personajes. Reaparece la locura sexópata que encarna Barbra Streisand y el vuelco al flamenco de un Hoffman simpatiquísimo. Todos son segundos que nos mueven a sonreírnos y que nos hacen bien. Pero no mucho más.
El film se basa en los mismos estereotipados personajes de la primera historia de esta saga familiar, con pocos aciertos en los diálogos y cierta morosidad no conveniente para una comedia. A Stiller se lo ve demasiado serio, mientras que De Niro ensaya sus muecas de siempre y Streisand está sobreactuada. Hoffman se luce en un papel que hace de taquito. Y Wilson aletarga la acción. Y la realización es más que convencional.
En una primera lectura, sentimos que el film es más que olvidable. Sin embargo, no molesta aún con sus momentos menos agradables, no muestra escenas obscenas y, en definitiva, nos deja con una sonrisa. Es algo y, en tiempos de locuras sociales, no está mal ni sentirá que ha perdido su dinero. Es cierto, pudo ser mejor.
Elsa Bragato



BAARIA. LAS PUERTAS DEL VIENTO


De Giuseppe Tornatore. Con Francesco Sciana, Margareth Made, entre otros. Música de Ennio Morricone. Duración: 152 minutos.
MUY BUENA. EL “MUNDO TORNATORE” EN UN FRESCO DE REALISMO Y NOSTALGIAS
Giuseppe Tornatore nos regala, en este nuevo film, un fresco que se inicia en su natal Baaria en una familia. Recorrerá tres generaciones entre 1930 y 1980 y nos hará pasear por las tristezas y alegrías cotidianas de cualquiera de nosotros. En el caso de Tornatore, se suman la Segunda Guerra Mundial, el eterno enfrentamiento entre los comunistas y fascistas italianos, las arengas en el pueblo, el crecimiento del pequeño pastor y el encuentro con el amor, y las consecuencias que lo diario, lo que vivimos tanto en el hogar como fuera de él, van dejando en nuestra alma y nos van formando de tal o cual manera.
La música de Ennio Morricone no hace más que acentuar los sentimientos profundos de esta historia que, para muchos, es autobiográfica, y que nos muestra la cotidianeidad de las familias, con los claroscuros propios entre mayores y menores, la juventud y la vejez, la adultez.
Extensa, profunda, sentimental: una pequeña obra maestra de la narración audiovisual de Giuseppe Tornatore. Y un reencuentro con un gran cine italiano, el de la narración, el de los personajes creíbles, el de la emoción.
Elsa Bragato

 

Estrenos del jueves 30 de diciembre del 2010
Hay dos estrenos: el tercer film de Narnia y el mexicano Los Bastardos.
 
LAS CRÓNICAS DE NARNIA, LAS TRAVESÍAS DEL VIAJERO DEL ALBA

De Michael Apted. Den Barnes como Caspian, SHkandar Keynes como Edmund, Georgie Henley como Luci, Will Poulter como Eustace, Tilda Swinton como La Bruja Blanca, entre otros. Basado en los libros de C.S. Lewes. Música de David Arnold. Duración: 115 minutos.
BUENA. GRANDES BATALLAS CON SERES MITOLÓGICOS Y HUMANOS DESCONCERTADOS
Esta tercera película sobre los siete libros que escribió C.S. Lewis encuentra a los hermanos Lucy y Edmund Pevensie regresando a Narnia, reencontrándose con el príncipe Caspian (motivo del segundo film) y enfrentando al primo Eustace que será un personaje clave por su transformación en monstruo alado: debe purgar sus desconfianzas, sus “pecadillos”.
La película es muy atractiva visualmente, tiene efectos especiales en 3 D que van a deslumbrar a los chicos. Sin embargo, a los adultos nos trae un “dejá vú”, un haber visto todo antes, aunque los personajes se muevan en otros territorios, esta vez los océanos de Narnia y la búsqueda de los siete caballeros de Narnia, desaparecidos.
Hay una gran mezcla de elementos ya vistos en El Señor de los Anillos, y en otras sagas incluyendo las del Pirata del Caribe, y por momentos uno siente un agobio porque resulta más de lo mismo. Esto no quita, insistimos, que los chicos disfruten de las aventuras. Éstas por momentos son demasiado truculentas: el encuentro con los caballeros desaparecidos no siempre es agradable de ver y comprender para los más chiquitos.
Y el artilugio del cuadro del que empiezan a manar las aguas pintadas como si fuesen las Cataratas de Iguazú, si bien no está mal, es previsible aunque bueno para trabajar el 3D. De todas maneras, es la llave para el regreso a Narnia de los menores Pevensie. Las islas donde anida el mal ya las vimos. Las lagunas encantadas, también.
Para quienes son fieles seguidores de los libros de Lewis van a encontrar algunos personajes fuera de lo escrito. Han sido adaptados a las exigencias del cine en 3 D y a un argumento más efectivo, en virtud de que la segunda película no tuvo el éxito de la primera.
No está mal, por ahí nos aburrimos un poco con momentos de quietud antes de las batallas contra el mal y vimos muchas situaciones ya conocidas, vividas en otros films. También nos parece que el guión es muy flojo y que el aditamento de batallas y monstruos es el recurso para reflotar la idea inicial de Lewis. No así sus personajes.
Como sugerencia, decimos que el cine es un “fenómeno artístico” en sí mismo y que, cuando se lleva un libro, una novela, un cuento, de lo escrito a la imagen de la pantalla grande, se transforma en otro “fenómeno artístico” que tiene sus propias reglas, por lo tanto no es un “calco” de lo que escribió Lewis en este caso. Este detalle hay que tenerlo en cuenta: el cine requiere elementos y personajes para su técnica que no está presente en los libros, por lo tanto los “recrea” y no los copia. Lo decimos para que no se sientan defraudados: un hecho artístico es el cine y otro diferente es la literatura.Es para ver en familia, está bien.
Elsa Bragato
 



LOS BASTARDOS

De Amat Escalante. Con Jesús Moisés Rodríguez, Rubén Sosa, entre otros. Duración: 90 minutos
BUENA. ARIDEZ TRÁGICA SOBRE EL DESTINO DE TRABAJADORES MEXICANOS
Amat Escalante ha sido colaborador de importantes directores mexicanos. Y no resulta inadvertido con este film, Los Bastardos, por su lenguaje sin vueltas, su mirada despiadada o sin piedad sobre hechos que son reales en su país, especialmente en el límite con los Estados Unidos. Algo vimos en “Machete”, si bien con un humor negro sobrevolando. Aquí no lo hay de esa manera, el film es duro, árido y fuerte. Dos mexicanos esperan en una esquina el trabajo de cada día, lo que fuere, incluso matar por encargo. Obviamente el título alude a la condición de los mexicanos frente a los norteamericanos, una división que acentuó el ex presidente Bush y que no tiende a morigerarse.
Las escenas son a todo o nada. Hay muchos silencios y mucha violencia. Es una “aridez trágica” la que se respira. El film ha tenido buena repercusión en el exterior. Ahora depende del público argentino.
Elsa Bragato

Estrenos del jueves 23 de diciembre del 2010
Hay dos estrenos, uno en soporte fílmico y el segundo en DVD.



EL ILUSIONISTA

De Sylvain Chomet. Guión de Jacques Tati. Duración: 78 minutos.
Distribuye Zeta Films
 
EXCELENTE. FASCINANTE HOMENAJE A TATI Y EL MUSIC HALL
Desde hacía 50 años, el “Film Tati Nro 4” estaba guardado en el Centro Nacional de la Cinematografía de París. La hija del genio Tati, Sophie Tatischeff, lo reflotó y apalabró a Sylvain Chomet, realizador de la también maravillosa “Las Trillizas de Belleville”, animación nominada al Oscar. Chomet vive en Escocia por lo que, de común acuerdo con Sophie, ubicó buena parte de la historia en Edimburgo y sus alrededores.
Chomet se basa en el tradicional dibujo animado, a puro talento, lápiz y color, sin diálogos, o los más elementales, y una fascinante narración audiovisual que invita a soñar y seguir los pasos del personaje principal, realizado a imagen y semejanza de Tati, un ilusionista de la década del 50 que ve mermado su trabajo por la aparición del rock. También Chomet respeta el apellido, Tatischeff, para el personaje y crea situaciones maravillosas como el ingreso a un cine del ilusionista y ver en pantalla al mismísimo Tati haciendo sus mismos gestos. Un hallazgo más del film.
Este ilusionista encuentra en la joven ordenanza de un viejo hotelucho de Escocia a la hija que no tuvo y peso que gana peso que invierte en zapatos y vestidos para esta adolescente. Juntos viajarán, ella cuidará del papá postizo, y éste aprenderá que es maravilloso tener un pequeño hogar. La vida le dio un vuelco, y el guionista de lujo Jacques Tati le da otra vuelta más al guión para que el ilusionista comprenda el crecimiento de su hija y hasta le dé libertad al conejo que lo acompaña estoicamente para que lo saque de su galera.
Se la recomendamos con énfasis. Saldrá del cine con una sonrisa en el alma y en el rostro. La ternura de esta película es fascinante, su realización tiene la marca de las películas, animadas en este caso, que jamás serán olvidadas en el cine. Disfrútela, dese el gusto de ver una animación para toda la familia que comprenderá especialmente el adulto. Maravillosa.
Elsa Bragato



VIDEOCRACIA

En DVD. Documental de Erik Gandini. Duración: 85 minutos.
BUENO. INTERESANTE APORTE SOBRE BERLUSCONI Y LA TV
La televisión irrumpió en los hogares de manera candorosa para luego, en este caso en Italia, imponer un nuevo estilo de vida basado en una nueva moral con fuerte exhibicionismo sexual. Coincidentemente, Silvio Berlusconi, el premier italiano, es el rey de la televisión en su país desde hace tres décadas.
El documental del italiano Erik Gandini, residente en Suecia desde hace 25 años, retrata a la sociedad peninsular bajo la influencia de la televisión. Y hay una cierta identificación con nuestra sociedad por la fuerte raíz itálica que tenemos.
Berlusconi tuvo y conserva a rajatablas una relación carnal con lo mediático. En este documental, se muestra su acceso a las esferas más poderosas desde su villa en la paradisíaca Cerdeña. Aparece el desfile de chicas que luchan por acceder a la pantalla chica, haciendo lo que fuere. Lo menos es desnudarse de modo ridículo y penoso. Son las secuencias que más abundan en este documental.
Italia ocupa el 73 lugar en el mundo por su libertad de prensa y el 80 por ciento de los italianos recurre a la televisión como fuente de información.
Por supuesto, Il Cavaliere aparece luciendo su famosa sonrisa, convencido de su poder a través de la “república televisiva italiana”; a veces hay una impronta sarcástica, otras provoca hilaridad, y muchas veces resulta irritante por el manejo que se hace de los medios de comunicación masivos. No falta la presencia de Fabrizio Corona, el paparazzo quien no tiene vergüenza de cobrarle a las celebridades para no publicar fotos comprometedoras. Erik Gandini nos da un testimonio ácido del uso que deviene en abuso de la bendita televisión. Es un aporte interesante.
Carlos Pierre

Estrenos del jueves 16 de diciembre del 2010
Hay cuatro estrenos en soporte fílmico.
 
TRON EL LEGADO

De Josehp Kosinki. Con Jeff Bridges, Michael Sheen, entre otros. Música de Daft Punk. Duración: 127 minutos.
 
BUENA. EL LADO OSCURO DEL MUNDO DIGITAL
En 1982, Jeff Bridges fue el pionero de los “Hackers” y del mundo virtual. Los personajes de entonces, muchos generados por una “tibia” computadora, dieron pie para el gran avance de hoy. Ahora regresa con este film, por partida doble, él y su digitalización.
Daremos algunos datos para entender el film: ya se está trabajando en un videojuego llamado Tron que es el título del film. Tron tampoco es el nombre del personaje, para quienes no vieron el primer film, sino el nombre de un programa de computación. Kevin Flynn es el personaje de Bridges quien tiene un hijo, Sam, que sigue sus pasos. Entre “precuela y secuela”, se sabe que Kevin fue estafado por sus compañeros-socios quienes quedaron al mando de la empresa y, por artilugios que no vamos a contar, lo “metieron” en el mundo virtual del que no ha podido escapar.
La historia se ubica en 1989. Su hijo lo busca y quiere desentrañar qué ha pasado con la empresa de amigos y familiares y dónde está su padre. En menos de media hora de film, ingresa al mundo virtual donde existen el bien y el mal, donde está la guerrera Guorra, a cargo de Olivia Wilde, que ayuda al viejo Kevin. A partir de este momento, habrá luchas, peligros, siempre dentro del mundo virtual, con un personaje poderoso como acompañante que es la música de Daft Punk. Qué pasa entre guerreros virtuales, el viejo Kevin y su hijo, la guerrera y la querida moto del ex hacker, es un misterio a resolver por el espectador.
El film posee una tecnología superior a la de Avatar. Los actores trabajaron con sensores, sin mirar a cámaras porque no existieron, transmitiendo así sus movimientos a las computadoras.
El film está destinado a los amantes de la tecnología virtual, tiene momentos de mucha tensión y otros de diálogos un tanto ampulosos en un medio justamente virtual que exige rapidez en palabras y acciones. En algún momento, la película puede resultar densa. Y hasta tediosa visualmente. Para fanáticos, recordando que Tron, 1982, es hoy un film de culto que, en aquel momento, fue un fracaso.
Carlos Pierre


BERLIN CALLING

De Hannes Stoeh. Con Paul Kalkbrenner, Rita Lengyel, entre otros. Duración: 105 minutos.
BUENA. COCKTEL INFERNAL DE MÚSICA Y DROGAS
El film está orientado a los amantes de la música techno y su micromundo. El actor Paul Kalkbrenner, de gran lucimiento aquí, es artista exclusivo de Creamfields Argentina y estuvo en noviembre en la masiva reunión techno que se hizo en Buenos Aires. Paul compone a Martín Karow, un DJ que se apoda Ickarus, tomando el nombre mitológico de aquèl que es consumido por el fuego del sol. Y es lo novedoso: que el propio músico interprete su vida como DJ.
Luego de una exitosa carrera en clubes y ciudades, mientras prepara un nuevo CD, Martín es rechazado por su mánager y pareja. Mathilde. Y el protagonista se abandona al submundo de las drogas. Se lo interna en una clínica, con salidas oportunas para que pueda terminar su gran obra. Sin embargo, no todo está perdido y esto lo descubrirá el espectador.
Es un drama contemporáneo que tiene estrecha relación con el mundo de la música techno y lo que genera o puede generar en millones de jóvenes seguidores.
Es también una buena realización con escenas muy fuertes de consumo de drogas, prostitución, lesbianismo, a través de una narración audiovisual muy sólida, ascética, dura. La película en sí es estremecedora, tiene un tono frío y directo, pero llega a conmovernos por la vida misma del músico que tiene la firme determinación de superar sus locuras en pos de los sonidos que ama, ligados siempre a la sensibilidad del hombre.
Es un film que tendrá una aceptación masiva en el público joven que sigue la música techno. Y, desde nuestro punto de vista, es una benévola mirada a los tiempos que corren y sus peligros. Cada secuencia, cada diálogo, cada momento aberrante como de alegría, están filmados con una consistencia narrativa elogiable.
Carlos Pierre
 

QUERIDO ASESINO

De Francis Veber. Con Richard Berry, Patrick Timsit, entre otros. Música de Jean Michel Bernard. Duración: 85 minutos.
REGULAR. TONTA REMAKE EN FORMATO DE COMEDIA NEGRA
En 1973, Francis Veber “en persona”, realizó el film del mismo título. Como las comedias negras francesas vienen bien en el mercado europeo, tuvo la mala idea de recrearla ahora con buenos actores como Timsit y Berry pero sin aggiornamiento en los gags y en los parlamentos.
El argumento se basa en un dúo masculino dispar: un hombre separado de su mujer alquila un cuarto de hotel y se quiere suicidar. En el cuarto contiguo vive un asesino a sueldo que, en vez de “liquidarlo”, tendrá que convertirse en su padre espiritual. No negamos que hay gags que, por tontos, nos mueven a risa. Pero, fuera de la realización correcta y de las buenas actuaciones, hay debilidad en el guión y se producen baches que no son elipsis y decae la atención y sobreviene el aburrimiento en la audiencia. No obstante, para darse una panzada de tonteras, no está mal. Como ejemplo de lo que decimos damos el título en inglés. “A Pin in the Ass” o sea un “palo en el c…”. No sabemos si es por uno de los protagonistas, el “perturbado”, o bien por la sensación que se le produce al público cuando ve el film y se da cuenta de que no era lo que había pensado.
Elsa Bragato
 

PERSONALIDAD MÚLTIPLE

De Joel Bergvall y Simon Sanquist. Con Sarah Michelle Gellar, Lee Pace, Michael Landes, entre otros. Duración: 86 minutos.
REGULAR. UN ALMA EXTRAÑA EN CUERPO DIFERENTE Y SEGUIDILLA DE CLISHÉS
Ni en los Estados Unidos este film pudo ser llevado a los cines: pasó directamente al DVD. Sarah Michelle Gellar es considerada la “reina del horror” por su aparición en films de este género, además de su decisivo paso en numerosas series de televisión. O sea es figurita conocida. Buena actriz, aquí más que desaprovechada. El binomio de los hermanos, Jess y Ryan en la ficción, también son eficientes. Pero nada de esto alcanza para someternos a más de lo mismo: el estado comatoso y el “pase” del alma del bueno al cuerpo del malo, la consiguiente fascinación de la mujer, Gellar, por el bueno, su confusión, y lo que ya podemos imaginar.
Como la narración audiovisual no tiene fuerza, es “lavada”, transita por las secuencias planificadas sin darle énfasis actoral cuando se debe, el film, aunque cumpla con todos los requerimientos técnicos, no tiene fuerza. Si le gusta el “semi horror” o “thriller”, bueno, ésta es su película. Pero puede esperar para ver mejores dentro de este género.
Elsa Bragato