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05/03/2010
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El rincon del cinéfilo
Taller para el espectador
por Andres B. Pohrebny
4833-2617
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Estreno del jueves 4 de marzo del 2010
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Hay cuatro estrenos en soporte fílmico.
ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS
De Tim Burton. Con Johnny Depp, Mia Vasiskowska, Helena Bonham Carter (esposa de Burton), Anne Hathaway, entre otros. Música de Danny Elfman. Basado en el cuento de Lewis Carroll.
EXCELENTE. TIM BURTON RECREA EL TRADICIONAL CUENTO CON PRODIGIOSA IMAGINACIÓN Y TECNOLOGÍA
Es una “Alicia…” diferente. Tim Burton recreó la historia de Lewis Carroll, descartó las 21 versiones fílmicas anteriores y se opuso a la “literalidad” o sea a traspasar el libro en forma textual a la pantalla de cine. Solo tomó algunos de los personajes que guían a Alicia en el país de las maravillas.
El “sombrerero loco” que encarna Johnny Depp es realmente el “alter ego” de Tim Burton, su “pívot” en el guión que le permitirá jugar situaciones diferentes a las del libro de Carrol. Y al mismo tiempo dota de cierto carácter sombrío a algunas secuencias, similar al temperamento burtiano. Recordemos “El cadáver de la novia”, o los tremendos efectos especiales de “Sweeny Todd”.
La niña que inspiró a Lewis Carroll
A diferencia del libro, aquí Alicia no se duerme debajo de un árbol sino que Burton prepara una reunión familiar definitoria para el destino de la protagonista de la que ésta sale a un jardín para pensar la propuesta que se le hace y es allí donde comienza su travesía onírica. En un tiempo real, esta salida de Alicia de la reunión familiar al jardín tardaría apenas minutos. En la ficción de Tim Burton lleva tanto tiempo como el que necesita su imaginación para recrear el mundo de conejos y personajes “freaks” y las aventuras de Alicia que la fortalecerán frente a la vida y la resolución que debe tomar.
Destacamos la gran apoyatura musical a cargo del maestro Danny Elfman, que dota de fuerza cada paso que da Alicia en su mundo real y en su mundo de sueños.
El “sombrerero loco” no aparece en forma inmediata sino recién cuando Alicia ingresa al mundo mágico a través del jardín, que es la excusa cinematográfica.
Este mundo “infra” o subterráneo (título que Lewis Carroll barajó en los borradores de Alicia en el País de las Maravillas) fascinó a Burton. De hecho, la protagonista cae en un pozo. Y otro tanto ocurre en el libro de Lewis Carroll. Son situaciones de las que el realizador echó mano por ser en sí mismas los puentes que le permiten ingresar al mundo de la fantasía pura.
Hay personajes claves en el film como el ya mencionado Sombrerero Loco que será el ideal del hombre con el que sueña Alicia y que se opone al que en la vida real tiene como pretendiente, así como la Reina Roja, gran actuación de Helena Bonham Carter (esposa de Tim Burton), así como Anne Hathaway en la Reina Blanca, la buena de la historia.
Aquí debemos agregar que Lewis Carroll escribió una secuela de Alicia en el País de las Maravillas que se llamó Alicia a través del Espejo, y también fue tenido en cuenta por Tim Burton para algunos personajes e historias.
En la primera historia de Lewis Carroll aparecen varios personajes (conejo, pato, loro, aguilucho, dodo, ratón, oruga azul, lacayo “freak”, gato, liebre, lirón, naipes, erizos, flamencos, duquesa, falsa tortuga, ajedrez, espejos) de los que Burton solo tomó algunos, los necesarios para que la película no fuese literal a ninguno de los dos libros de Carroll y ganara efectividad sin perder su esencia. Cuatro son los que sostienen a Alicia: el Sombrerero, la Reina Blanca, la Reina Roja y el Dragón.
Alicia enfrenta dos mundos: el real y un conflicto en él que debe resolver cuando sale al jardín y el onírico, donde encontrará dos puntales para resolver el problema de la realidad.
Es un juego de opuestos magníficamente realizado por Tim Burton, a través de una prodigiosa imaginación, y de actores eximios. El caso de Johnny Depp y sus “transformaciones” es el más claro ejemplo de un actor fascinado por la actuación más pura, más original, la de la máscara continua, aquélla que proponían los griegos.
A esta complejidad argumental hay que añadirle la complejidad de la postproducción, llevada a 3D, y la división en la realización, las voces primero, luego la actuación del elenco en sets solo con paredes en color verde (el resto, la escenografía, se puso mediante computación), materiales que requirieron un enorme trabajo luego del rodaje en sí. Nos parece un estupendo film, independientemente de si hay fanáticos o no de Lewis Carroll.
N.deR.: el primer libro de L. Carroll fue editado en 1865. La niña “modelo” del personaje sería Alice Liddell. El primer libro tuvo 12 capítulos, la secuela llegó a 11 capítulos.
Carlos Pierre
AQUEL QUERIDO MES DE AGOSTO
De Miguel Gómes. Con Sonia Bandeira, Fabio Oliveira, entre otros. Música de Mariana Ricardo. Ganadora del BAFICI, Buenos Aires.
REGULAR. VERSIÓN BUCÓLICA DEL VERANO PORTUGUÉS
Al comienzo del film portugués, que tiene lauros en festivales de cine, sentimos atracción por la impronta que nos muestra el joven director Miguel Gómes, una empatía inconciente con la historia por venir. Antes de extendernos en el comentario, consignamos que no es frecuente que veamos producciones portuguesas en la Argentina.
Cuando la historia se plantea, y se hará durante dos horas y media, el entusiasmo inicial empieza a decaer por la morosidad del relato, por el tratamiento cansino de la puesta en escena de las secuencias, algo que no le resta poesía pero que provoca agobio en el espectador, al que hay que tener siempre en cuenta.
Hay elementos que podrían haber contribuido a un gran entusiasmo: la historia se basa en un padre protector, su hija y un primo, todos músicos integrantes de una banda musical. El resto de los personajes están trazados con pinceladas, eficientes pero nada más. Así surge gran número de ellos que cantan “karaoke”, un sinnúmero de bandas pueblerinas cuyos shows se muestran en forma completa, detalle que es determinante para la morosidad de la que hablamos al comienzo., o bien emigrantes que regresan a sus hogares, la caza despiadada del jabalí, los fuegos artificiales como detalles pintorescos que aligeran la explicativa narración de Gómes (sí, con “s”).
Este es el segundo largometraje de Miguel Gómes, que tiene en su haber seis cortometrajes. Y esto nos permite inferir que estamos frente a un film que arranca como ficción pero que tiene un fondo muy claro de documental.
Para ahondar el estilo poético y místico, por momentos, Gómes incluye, entre otros personajes, a un sonidista que cree grabar “lo que flota allí en el aire”. Y es una apoyatura más del guión que enturbia el carril de la temática inicial, en la que hay un esbozo del verano portugués y sus personajes. Bucólica y cansina, pensamos que es un film para festivales y no para el circuito comercial.
Carlos Pierre
UN MALDITO POLICÍA EN NUEVA ORLEÁNS
De Werner Herzog. Con Nicolás Cage, Eva Méndes, Val Kilmir, entre otros.
MUY BUENA. EL DELIRIO DE LA MISERABILIDAD HUMANA
Werner Werzog, reciente presidente del Festival de Berlín, es uno de los maestros del cine contemporáneo. Cabalga entre su Alemania natal y su Hollywood adoptivo. Amigo o no de Klaus Kinsky, le ha costado encontrar otro “alter ego” que pueda contarnos, desde la pantalla, la miseria humana que corroe a nuestro género. La elección de Nicolás Cage ha sido excelente, y le damos la diestra a un actor con el que no simpatizamos porque no le solemos creer. Sin embargo, Herzog logró que Nicolás Cage se transformara en ese policía de la ciudad de New Orleáns poco después del Katrina que uno llega a odiar con sus entrañas y luego a tenerle piedad infinita.
Para Herzog, este film es un análisis fino de la conducta humana sometida a límites, incluso físicos, y una radiografía de la transformación de una persona sometida a situaciones indeseadas, aunque con notorias tendencias a las adicciones de todo tipo. Nicolás Cage es impiadoso como el teniente Terence McDonough y se mueve en una ciudad afroamericana destruída por un huracán. Por lo tanto, hace prevalecer su condición de blanco aunque no lo quiera, le sale por los poros aunque no lo diga.
El desencadenante del planteo argumental es el misterioso asesinato de cinco inmigrantes senegaleses, así como el salvataje de un prisionero latinoamericano de aguas putrefactas, secuencia fundamental para comprender el cambio en el personaje quien mantiene una simbiótica relación con una meretriz a cargo de Eva Méndes (supo tener papeles más gráciles). El resto, o sea la relación con los presos, la manera de encarar una investigación, son solo apoyaturas del guión para permitirle a Nicolás Cage crecer en su personaje, este “bad lieutenant” o “mal teniente” entre los detectives de homicidios de la policía local. Y en verdad Herzog lo consigue. El salvataje lesiona su columna, su amante le proporciona droga, es adicto al juego. Y, de por sí, el teniente McDonough no tiene escrúpulos. He aquí el trabajo del director y el notable cambio actoral de Nicolás Cage: a medida que transcurre el film, el cambio en su rostro, en su mirada, van siendo espectaculares, cada vez más sombrío, más lúgubre. Su aspecto será menos sobrio, sus actitudes tendrán la escatología propia del corrupto (hay escenas de sexo desagradables tal como se muestran, no por lo que se ve).
Es una remake o variante del film homónimo de Abel Ferrara de la década del 90. Para Herzog, el final tiene que ser irreverente, insólito, inesperado, y lo logra. Se aleja de la propuesta del film de Ferrara (no explicamos por qué para no dar más “pistas”). Asistimos a la “autopsia” espiritual de un alma corrupta, admirablemente encarnada por Nicolás Cage a quien parece que estos personajes le caen de maravillas. Increíble, pero real.
Elsa Bragato
SOLO PARA PAREJAS
De Peter Billingsley. Con Vince Vaughn, Jason Bateman, Jon Favreau, entre otros. Música de A.R.Rahman.
REGULAR AUNQUE ENTRETENIDA COMEDIA SOBRE CASADOS ABURRIDOS
Peter Billingsley es un debutante en la pantalla grande como director y empezó con un tema fácil: una comedia a la usanza de Hollywood, hecha en base a estructuras básicas pero aún así sólidas. Cuatro parejas deciden ver qué pasa con ellas, algunas discuten, otras se quieren separar, y se ponen de acuerdo para viajar a un lugar paradisíaco donde presumen que la playa, la arena, la música “revival” los pondrá en buena forma para afrontar un proyecto de vida en común.
No será tal como sueñan la vida en ese sitio, allí hay que cumplir con un estricto horario de reuniones con psicólogos, de entrenamiento físico y demás.
Pero algo les servirá. No es un film que “capture” al espectador por las vivencias de las parejas, es demasiado predecible con gags, simpáticos, reideros, pero no mucho más. Nos dio la sensación de un film de los 70.
Y decimos que es regular por su factura, por cómo ha sido realizada. Es entretenida si uno no piensa que está gastando su dinero en una pavada más frente a otros films que merecen que gastemos nuestros pesitos. Mal no la va a pasar. Por último, el título en inglés “CouplesRetreat” alude a las parejan que dan vuelta sobre sus pasos…
Elsa Bragato
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Estrenos de la semana anterior
Hay cinco estrenos en fílmico.
UN HOMBRE SERIO
De Joel y Ethan Coen. Con Michael Stuhlbarg, Richard Kina, Fred Relamed, entre otros. Música de Carter Burwell.
BUENA. ANÁLISIS DE LA CONDICIÓN JUDÍA Y LA DEPENDENCIA RELIGIOSA
Los hermanos Cohen siempre sorprenden. Podría decirse que no hay un film parecido a otro. En este caso, analizan la actitud de un hombre serio, es decir, un hombre que no hace nada mal supuestamente pero al que la vida lo carga con injusticias. Todas y de todo tipo. El film, en principio, resultará muy interesante para la comunidad judía porque muchos temas que hacen a la identidad de la religiosidad judía no son ampliamente comprendidos por todos los tipos de público. O sea, que no lo vemos como un film de éxito comercial masivo.
En segundo término (¡gracias Luis Pedro Toni por la ayudita!), está basado en el Libro de Job. Fuimos a investigar este libro bíblico, al que algunos historiadores ubican en el 1450 A.C, y otros en el 500 A.C. (en el primer caso correspondiendo a la explosión de la literatura judía de aquellos años) y coincide absolutamente con los pasos dados en la narración audiovisual por los hermanos Cohen.
Veamos: en el fondo del film, el sustrato, está el libro de Job. O sea “el sufrimiento del inocente”, que ha dado lugar a no poca filosofía sobre el tema. En el libro de Job, el personaje bíblico es un hombre religioso, que hace las cosas bien, y, sin embargo, Satanás o el Diablo lo meten en vericuetos inimaginables. En el film, el protagonista sufre desde la traición de su mujer con un amigo rico hasta la muerte de éste de manera increíble, de la que de alguna manera es responsable… sin querer. Porque él, como Job, “no hizo nada malo”. Tres buenos amigos ayudarán a Job y, en el film, tres rabinos son consultados por el personaje principal que dan origen a tres capítulos bien marcados por los Cohen.
No es ni una caricatura ni una farsa. Es sencillamente la exposición lineal de las vivencias tortuosas de un hombre judío ante sucesos negativos en su vida, su desesperación, el no encontrarle la vuelta a tanta mala suerte. O es un “mufa” o bien Dios le ha caído con todo, librándolo a su suerte y al mal. Son pruebas espirituales que “un hombre serio”, una persona que “no hace nada malo” no está preparado para recibir. En lo formal, en la narración en sí, los Cohen no caen en el exceso de otros films mostrando violencia física o efectos especiales degradantes sino que cuentan la historia de manera clásica, sólida, sin buscar nada que no sea narración cinematográfica.
Los actores no son conocidos. El personaje principal es Larry Gopnik, la historia transcurre en 1967 en Minnesota, se trata de un profesor universitario con una vida chata, regular, que su familia, para nada habitual o regular, pondrá patas para arriba.
La estética también corresponde a un film de la época, con la solidez de los Cohen en la narración.
Elsa Bragato
LA MADRE
De Gustavo Fontán. Con Gloria Stingo, Federico Fontán, Marisol Martínez.
BUENA. RETRATO CONCEPTUAL SOBRE LA RELACIÓN MADRE E HIJO
Gustavo Fontán, a quien le debemos ese film maravilloso y sensorial titulado “El árbol”, nos cuenta la historia de una madre y su hijo de una manera no convencional, casi sin diálogos, dejando el espacio narrativo a una coherente y particular utilización de las imágenes, detalle que hace a su forma de hacer cine. Todo es deliberadamente sugestivo: la pluralidad de planos fijos, los primeros planos de personajes y objetos (plantas, hojas que se arremolinan en la alcantarilla de un piletón, llamativos insectos).
Es, sin duda, un realizador con una lírica, una poética visual muy personal. Licenciado en Literatura, docente, director de teatro, Fontán tiene una serie de recursos estéticos que marcan sus realizaciones dotándolas de imágenes sensoriales características de un rico espíritu.
Alicia Silva Rey colaboró con Gustavo Fontán en el guión, donde solo tres personajes se debaten en un ambiente austero, cargado de la tensión que se produce entre madre e hijo. Solos, porque el padre los abandonó y las búsquedas son infructuosas, madre e hijo deben aprender a respetar los espacios espirituales del otro, la madre se desquicia, cae en el alcoholismo, el hijo debe atenderla, encuentra algo que puede ser su salvación para salir la vida, pero es su madre quien lo ata. He aquí la cuestión.
El hijo encuentra una novia que va a vivir con ellos, y se quiebra esa relación madre e hijo, siendo ahora una tensión sostenida por tres. El hijo tiene dudas sobre su destino y su propia vida, su madre alcohólica, su padre ausente.
Estamos en presencia de un film con un relato no tradicional. Y es una novedad esta pluralidad de imágenes sugerentes, poéticas, que dejan fluir la vida a través de primerísimos primeros planos, un pie, una mano, una ventana, con morosidad, casi con fruición de la cámara. En algunos momentos, el espectador se asombrará por encontrarse frente a un cuadro de la naturaleza tan metido en él como los mismos personajes.
Es un film que resulta muy interesante para los festivales de cine. En cambio, aunque tenga una realización diferente y sólida, es difícil que sea masivo, que llegue a todo tipo de público.
Carlos Pierre
ADOPCIÓN
De David Lipszyc. Con Ignacio Monná, Ricardo González, entre otros. Música de Pablo Sala.
REGULAR. IDAS Y VENIDAS ENTRE DOCUMENTAL Y FICCIÓN QUE NO CONVENCEN
Al filo de la navaja entre documental y ficción, David Lipszyc comienza su film con una narración a la manera de documental que deviene luego en una historia novelada. El realizador utilizó para narrar el tiempo pasado el soporte del super 8, como si alguien hubiese registrado algo y lo hubiese conservado. Para las entrevistas, en tiempo presente, usó el soporte digital. Este movimiento entre documental y ficción es lo que determinó nuestra calificación, no resulta un producto final claro, sólido, que atrape.
El tema es la adopción de un niño huérfano por parte de una pareja gay en 1976, plena época del proceso militar. Aquí es donde el relato se resiente, no resulta creíble la historia de dos homosexuales y la voluntad de adoptar en plena época del sangriento proceso. Bien sabemos a quiénes se daban los huérfanos en los años de plomo.
El niño huérfano aparece luego en el film como un hombre de unos 30 años, quien tiene inconvenientes laborales por su condición de adoptado, si bien mantiene una muy buena relación con sus padres adoptivos.
También hay otro punto no muy resuelto, a nuestro modesto entender, que es el cuestionamiento de la pareja gay sobre el origen del niño, si es o no hijo de un desaparecido. En 1976 este conocimiento no era público, la mayoría no sabía qué pasaba con los detenidos que, justo en ese año, comenzaban a llenar campos de concentración.
Con idas y venidas, el film se encamina hacia un final bastante feliz, que no está mal. El tema pasa por el desarrollo de la historia y no por su final.
Al haberse encarado el film entre documental y ficción, la historia que se nos cuenta nos deja la sensación de que no es creíble tal como se plantea, por la gravitación ejercida por el plano documental en detrimento del relato ficcionado. El pasado habría merecido, siempre según nuestro entender, un tratamiento más genuino y pleno y no las características del documental. Está basado en un hecho real, iba a ser un documental. He aquí la cuestión para que no nos haya terminado de convencer.
Carlos Pierre
AL FILO DE LA OSCURIDAD
De Martín Campbell. Con Mel Gibson, Ray Winstone, Danny Huston, entre otros. Música de Howard Shore.
BUENA. POLICIAL TRADICIONAL CON RIBETES POLÍTICOS
Tras 8 años de no filmar, reaparece Mel Gibson en un papel muy tradicional, sin aspiraciones a ningún premio, aunque sólido y creíble. El film de Martín Campbell también es tradicional, un policial con ribetes muy dramáticos que se enmaraña en la búsqueda de un veneno y de pruebas ocultas de algunos departamentos del Estado norteamericano.
Un padre solo, una hija que llega para visitarlo, una descompostura, una muerte súbita y altisonante, y el comienzo de una búsqueda sin tregua por parte del protagonista para dar con los asesinos de la joven. Padre e hija: nudo central protagónico. El veneno, el arma oculta: el desarrollo narrativo policial.
Encontramos un film de género, un thriller policial hecho y derecho, que nos muestra a un Gibson muy seguro de sí, tal vez poco emotivo frente a tamaña tragedia que ocurrió en sus brazos, y con enorme tozudez para enfrentar lo que fuere.
Si bien el film es atrapante, son dos horas en las que uno está atento y de por sí esto es un logro, se advierte que los hallazgos del protagonista de pista son un poco forzados y fáciles. Esto nos remite a policiales de la década del 70, no está mal, pero le quita cierta “gracia” a la locura (comprensible) que tiene Gibson por encontrar al culpable o culpables. El final, bueno… es más de lo mismo pero está dentro del género.
Es decir, es entretenimiento policial. Nos recuerda a la sinfonía Nro 94 La Sorpresa, de Haydn, en la que el auditorio salta por notas altisonantes escritas con esa intención en su segundo movimiento. Para saltar en la butaca de vez en cuando, para ver un film de género, está bien.
Elsa Bragato
EL IMAGINARIO MUNDO DEL DOCTOR PARNASSUS
De Terry Gilliam. Con Heath Ledger, Johnny Depp, Jude Law, Colin Farrel, Christopher Plumier, Lily Cole, entre otros. Música de Jeff y Michael Danna.
BUENA. DELIRIO ESPECTACULAR EN EL FILM PÓSTUMO DE HEATH LEDGER
Resultó difícil terminar esta producción que inició el mismo actor Heath Ledger: llevar a la pantalla una película con mucha imaginación, por momentos cabalgando entre el siglo XIX y en el Londres actual. En definitiva, y sin analizar mucho, es el viejo mito de Fausto, el hombre que vende su alma al diablo por su vida eterna pero con un precio, en este caso, entregar a su hija cuando cumpla 16 años. Pero algo pasará para que Parnassus, encarnado por un magnífico Christopher Plumier, no quiera cumplir con el diablo.
La película se rodó en Londres: un estrafalario carromato gigantesco que se abre como gran guiñol recorre sus calles. De esta manera Parnassus y su pobre troupe viven y luego abren el carro pudiendo trabajar en circos o en plazas. Hay aquí un contraste fuerte entre la visión del Londres actual, nocturno, y ese carro tirado por caballos. No es muy creíble. Pero estamos en el terreno de la pura ficción.
Un espejo armado como telón (papeles de aluminio bien gruesos) permite que quienes se animan ingresen a un mundo imaginario, espacial, surrealista y, por cuestión de segundos, bailen con príncipes o puedan saltar entre nubes o visitar jardines maravillosos. Esto ocurre cinco veces en el film. Y ahora vamos a explicar qué incidencia tiene esto.
Heath Ledger murió antes de terminar la película. Parecía imposible terminarla porque, en realidad, faltaba poco. Curiosamente, como si el destino así lo hubiese planificado, Ledger filmó todo su personaje (alguien que llega por una casualidad más que dramática al carromato) sin la inclusión de esos momentos de imaginación de algunos clientes que se animaron a pasar por el “espejo mágico”. Y he aquí donde Gilliamechó mano a tres actores que, por obra de la imaginación, pudieron componer a Ledger: Jude Law, Colin Farrelly Johnny Depp. El resultado es óptimo.
El problema de la película reside en su guión. La idea es muy buena, pero en mitad del film el relato decae en diálogos inútiles o cuanto menos extensos, pierde gracia, tardando mucho en reacomodarse para seguir con la historia de este Fausto-Parnassus que terminará su carrera de una manera muy digna y sin dramatismo. Estas caídas, esta morosidad que, de pronto, el film tiene es lo que nos impide ponerle muy buena. Las actuaciones son excelentes, la resolución de la lamentable ausencia de Ledger es estupenda, y la imaginación de Gilliames sorprendente. El film está dedicado a Heath Ledger y al productor William Vince, también fallecido. Para espectadores que amen la superimaginación y el hipersurrealismo.
Elsa Bragato
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Estrenos de la semana anterior
Hay seis estrenos, uno en DVD, La canción de las novias. No comentamos Toy Store 2.
DESDE MI CIELO
De Peter Jackson. Con Mark Whalberg, Rachel Weiz, Stanley Tucci, Susan Sarandom, y SaoirseRonan entre otros. Música de Brian Eno.
BUENA. EXCESOS DE SURREALISMO Y FUERTE GOLPE BAJO.
Ponerle regular sería injusto porque hay momentos de genuina emoción bien narrados y porque el hecho es, desgraciadamente, muy real y cotidiano: la violación seguida de muerte de una niña de 14 años. Aquí el “quid” es la estética que propone el realizador de El Señor de los Anillos: el cielo desde donde nos habla Susie Salmon (la eficiente y bella SaoirseRonan), también con voz en off, contándonos lo que le pasó. Y la consiguiente narración audiovisual a partir de esta estética: cielos al estilo de cuadros surrealistas (extensiones verdes y celestes con un árbol en el horizonte cuyas hojas son pequeños pájaros verdes), la niña que desesperadamente busca atraer la atención de sus padres para que ubiquen al asesino, y ese estar entre el cielo y la tierra, si podemos hablar así, que va golpeando el corazón del espectador.
El film es previsible desde el vamos porque la protagonista anuncia lo que le va a pasar y lo que nos va a contar. Así que se espera ese ataque, se espera al asesino, y, en definitiva, el contarnos lo que le pasó –supuestamente uno de los finales del film- actúan como acicates de la atención de la audiencia.
Hablamos de “fuerte golpe bajo” por cómo está tratado el tema: saber que la niña ha sido violada y la espera de la consumación de ese brutal ataque. Luego está el morbo: donde está el cuerpo, cómo no tendrá una cristiana sepultura, la búsqueda de sus padres (una demasiado joven Raquel Weiz para el personaje de la mamá) y la actitud, en apariencia, desenfocada de la abuela, a cargo de Susan Sarandom. Todo confluye para hacernos sufrir con previsibilidad. No parece un f ilm de Peter Jackson pero lo es.
Stanley Tucci hace un gran papel que no quería. Y no es para menos: verlo aquí como un asesino hecho y derecho realmente es un disgusto. Por lo menos, sabemos que es ficción y que Tucci es un gran actor. Tratemos de olvidar esta imagen de Tucci porque no se lo merece.
Elsa Bragato
PETER JACKSON Y EL LADRÓN DEL RAYO
De Chris Columbus. Con Pierce Brosnan, Uma Thurman, Logan Lerman (protagonista), entre otros. Música de Christophe Beck. Libros de Rick Riordan.
BUENA. ENTRETENIDAS AVENTURAS DEL NUEVO HÉROE A LA MANERA DE HARRY POTTER, MÁS DE LO MISMO TAMBIÉN
La saga de Harry Potter se termina así que se echó mano a los libros, el primero,de Rick Riordan. Hay solo una originalidad que es tomar la mitología griega, aquí tratada con banalidad aunque también es cierto que, de no ser un film en serio sobre los dioses griegos y sus propias tragedias, no se ve como muy posible la realización de un film de entretenimiento. Desde este punto, la película cumple con ese objetivo y entretiene durante dos horas. Ciertamente es más de lo mismo, con una idea diferente al unir el Olimpo con la ciudad de New York y el Empire State Building. Se puede hacer una segunda lectura, por supuesto, de tinte político, porque es notorio que la hay.
Chris Columbus fue, de alguna manera, el gestor de la saga de Harry Potter, así que experiencia tiene en este tipo de blockbusters o aspirantes a serlo.
Alguien se robó el rayo de fuego y el joven Percy(mito griego de Perseo) no sabe que es un semidios, hijo de Poseidón, con capacidades paranormales que se nutrirán de los notables efectos especiales, algunos muy bellos y logrados (la explosión de los tanques de agua en las alturas de los edificios neoyorquinos, por ejemplo, es ingeniosa).
Además hay un “toque” de La Divina Comedia del Dante Alighieri, sí, aunque parezca mentira. Ese “infierno” que se crea con el embarcador que espera a las almas de los que han muerto tiene la estructura inicial del Infierno de la obra del Dante (hay un plano de La Divina Comedia, que se consigue en las escuelas de idioma italiano, donde se muestra la estructura de la obra, insuperable desde 1304).
En cambio, resulta insulsa e inapropiada la aparición de Uma Thurman como Medusa (Perseo le cortará la cabeza y la usará como arma) en el lugar que aparece y el personaje de una mujer asustada que no es comprende y queda en el aire.
Tampoco resulta muy convincente la “escuela” para los hijos de dioses, frutos de la unión de éstos con humanos: ver a Pierce Brosnan convertido en Centauro y caminando como si tal cosa, con la mitad de su cuerpo transformado en caballo, resulta cuanto menos ridículo.
No le ponemos regular porque es muy entretenida. No obstante, tenemos que marcar estos hechos que indican la poca profundidad del guión. Como norma, no leemos los best-sellers ni tampoco sentimos atracción por este tipo de sagas. Y, más que buscar la “literalidad” de la película con el primer libro, intentamos analizar qué nos llega como producto final en el cine. Seguramente, va a atraer a los adolescentes y con razón porque hay efectos especiales y “héroes” del siglo XXI. Es original, por cierto, unir la mitología griega con Nueva York, y marcar así otro hito socio-político que los países emergentes debemos mirar con recelo.
Elsa Bragato
PLUMÍFEROS, AVENTURAS VOLADORAS
De Daniel Defilippo. Con Mariano Martínez, Luisana Lopilato, Carla Peterson, Mike Amigorena, Mario Pasik,Muriel Santa Ana, entre otros. Canción Volare de Domenico Modugno.
MUY BUENA. REALIZACIÓN NACIONAL SOBRE AVENTURAS DE AVES EN 3D
Resulta original esta técnica de 3D que no requiere utilización de anteojos especiales. Daniel De Filippo hizo una lograda película para los chicos, con la colaboración, entre otros, de Gustavo Giannini. La particularidad técnica de este tipo de 3D es simular las tres dimensiones, a diferencia de la 2D que se ve en un solo plano.
La historia de las aves es también una idea de Daniel De Filippo, con el acierto de situar a estas criaturas en nuestra ciudad de Buenos Aires. Fácilmente se identifican los modernos edificios de Catalinas Norte, el Planetario, el Rosedal y otros sitios de Buenos Aires.
El guión tiene un objetivo y es el amor y la relación sentimental entre un gorrión seductor y muy engreído con la Canarita Feifi, que está en cautiverio en uno d e los edificios de Catalinas Norte, muy sofisticado. Y su dueño es el “señor Puertas” (una humorada por el gran parecido físico a Bill Gates, el magnate de la industria del software). También aparece el “gato perdedor”, al estilo de Tom, que siempre acaba humillado. Su objetivo es la canarita. Aparecen los amigos de ésta como el picaflor charlatán, una paloma gorda y quejosa, una “murciélago” llamada Clarita porque se arriesga a volar de día. Todos ellos protegen a la canarita luego de su huida de la jaula.
La elección de la libertad que hace la canaria Feifi por amor al gorrión fanfarrón es todo un tema que los padres deberán aclarar con sus hijos: por qué algunas aves están en jaula. Aquí hacemos una aclaración que puede ser útil: los canarios son originarios de las Islas Canaras, desde hace 500 años los pájaros “canarios” son aves de criadero y han perdido la capacidad de vivir en libertad. Dejarlos libres los mataría. No existen en el mundo “bandadas de canarios” desde hace 5 siglos.
Ésta es una contradicción del argumento porque puede inducir a los chicos a soltar los canarios que puedan vivir en sus hogares.
El doblaje tiene a importantes figuras del medio artístico como Mariano Martines, Luisana Lopilato, Mike Amigorena, entre otros.
Es un film que agradará a los más pequeños y también a los adultos que los acompañen.
Carlos Pierre.
LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES
De Niels Arden Oplev. Con Michael Nyqvist y Naomí Rapace.
MUY BUENA. SÓLIDO FILM SOBRE UN EXTRAÑO CASO DE DESAPARICIÓN
Estamos frente a un film sueco de notable solidez con personajes bien construídos y una historia que mezcla el thriller policial con el nazismo y sus consecuencias. El guión toma, en principio, dos vías a partir de dos personajes: el periodista condenado por una noticia y la hacker bisexual que tendrá escenas de violación y venganza muy fuertes.
Estas dos vías parecieran que nunca van a confluir hasta que ocurre y aquí la historia va en busca de otros personajes para cerrar el caso de la joven desaparecida. La narración no pierde ritmo aún cuando se trata de ver qué investigan cada uno de los dos personajes por separado. La tensión dramática se mantiene y se refuerza, un poco burdamente para nuestro gusto, con escenas como las mencionadas y otras que hacen a las consecuencias de la investigación en sí. El film sostiene la búsqueda y avanza hacia un desenlace con guiños a algún film de Audrey Hepburn por el vestuario de la protagonista y la resolución del hecho, que permite descargar la tensión acumulada a lo largo de 2 horas.
Esta película viene precedida de varios premios y vale la pena, a pesar de ser compleja.
Elsa Bragato
LA CANCIÓN DE LAS NOVIAS EN DVD
De Karin Albou. Con Lizzie Brocheré y Olumpe Boreal, entre otros. Música de Francois Eudes Chanfrault.
MUY BUENA. EL NAZISMO EN ÁFRICA, LA FEMINEIDAD Y LA AMISTAD.
La originalidad es la base del guión de La Canción de las Novias: la amistad de dos adolescentes, una musulmana y la otra judía. La historia transcurre en Túnez, en 1942, plena época de la Segunda Guerra Mundial. Una sueña con el amor para siempre, la otra con ir a la escuela. Se envidian y se quieren, como suele ocurrir con las adolescentes.
El hallazgo de este guión es contarnos qué pasaba en Túnez cuando llegaron los nazis y cómo fueron tratados musulmanes y judíos. Estos aspectos tienen incidencia directa en la vida de las dos protagonistas (Noury Myriam). Hay una estética muy particular de Karin Albou, una directora que ha sido más que reconocida por esta película en Québec, Beirut, Namur, Seattle, Turín, entre otras ciudades y sus respectivos festivales. Y una recreación de época muy interesante, tanto visual como subjetivamente.
No hay detalles que queden fuera para Albou, como es la preparación de los cuerpos de las jóvenes para el casamiento y los conceptos de “agradar al hombre” desde la piel misma. Hay minuciosidad, por momentos exagerada, sobre la depilación, y una fruición en el caramelo que las mujeres toman entre sus dedos a manera de “cera depilatoria”. Sin embargo, este detallismo tiene que ver con la trama propuesta, vidas de jóvenes mujeres atrapadas por ritos religiosos y la imposibilidad de superar tradiciones humillantes, de acuerdo al concepto de la femineidad del siglo XXI.
Es una película que recomendamos a las mujeres, tiene la sensibilidad del género, toca el corazón y nos muestra un segmento de la historia del siglo XX con madurez narrativa. Quedan algunos aspectos un poco colgados por la postproducción, pero no los mencionamos porque no hacen a la historia en sí, que merece ser vista.
Elsa Bragato
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Estrenos de la semana anterior
Se estrenan cinco películas con soporte fílmico. No comentamos “Día de los Enamorados”.
DÍAS DE IRA
De F. Gary Gray. Con Jaime Foxx, Gerard Butler, Viola David, entre otros. Música de Brian Taylor.
REGULAR. ENVOLVENTE TRAMA DE JUSTICIA POR MANO PROPIA PERO SIN SUSTANCIA.
Es imposible dejar de lado la expectativa que esta película genera en la audiencia, la tensión de la trama, a pesar de que no encontramos una evolución en los personajes protagónicos, es decir, Gerald Butler como Clyde Shelton y Jaime Foxx como Nick Rice.
Shelton sufrió un brutal asalto con el asesinato de su mujer y de su hijita, una secuencia inicial muy dramática y lo mejor realizado. Se enfrenta a la Justicia cuando ésta le da una leve condena al “cabecilla” de los delincuentes. Una década después, Shelton está en situación de enfrentamiento exasperado, alocado, con los jueces y comete un brutal asesinato, relacionado con los malvivientes que dieron muerte a su familia, por el que debe purgar una condena.
A partir de este momento, el film inicia un recorrido de violencia que atrapa al espectador si bien se nota que el dolor del protagonista, Shelton-Butler, está estancado, que su furia es similar a la que tuvo el actor en “300” y que su oponente, el rol del fiscal Nick Rice a cargo de Jaime Foxx, es inexpresivo. Hay mucha tensión pero no se canaliza en los personajes sino en las matanzas que empiezan a ocurrir en la elegante ciudad de Filadelfia. Esto provoca sobresaltos en el espectador pero no evolución en la trama. Ni en quienes están haciendo “justicia por mano propia”: el rol de Shelton que encarna Gerard Butler tiene furia, y solo la demuestra con exaltados parlamentos y en una escena de horror obscena. No hay llantos ni emociones profundas que nos conmuevan desde ese lugar, desde el lugar del hombre que perdió brutalmente a su familia. En el caso de Jaime Foxx, la falta de sensibilidad de su fiscal, que enfrenta severas situaciones como el peligro para su propia familia (hay un video estremecedor que su mujer e hija de ficción reciben), es pasmosa. Solo con una mirada que intenta ser profunda Foxx mira a su furioso adversario, más que enloquecido.
Además, hay una secuencia de extrema violencia (un descuartizamiento) que le agrega un tinte “gore” al film con el que se demuestra la ira. Ahí se tiene la sensación de ingresar a una película diferente, de horror. Es decir, hay confusión: es un policial violento pero entra en el terreno del “gore”. Es además un policial que tiene un sustento bueno como proponer el tema de la Justicia que es Injusticia, pero se desbarranca en secuencias innobles.
Elsa Bragato
EL HOMBRE LOBO
De Joe Johnston. Con Benicio del Toro, Anthony Hopckins, Emily Blunt y Geraldine Chaplin, entre otros. Música de Danny Elfman.
REGULAR. REMOZADA VERSIÓN DEL HOMBRE LOBO CON EFECTOS ESPECIALES Y PROBLEMAS DE MONTAJE
Benicio del Toro señaló a la prensa mundial que solo realizó un homenaje al mítico personaje del Hombre-Lobo que encarnara en 1941 Lon Chaney Jr para que no se perdiera en la historia de la cinematografía.
Buena aclaración que nos permite, entonces, comprender algunas ausencias en la narración audiovisual, algunos cortes que uno supone que se hicieron en la postproducción y que redujeron secuencias a su mínima expresión. La cuestión fue retomar el mito del hombre-lobo, que viene de la época greco-romana.
Los efectos especiales del siglo XXI han ayudado a del Toro que también es productor. La historia se sitúa en Londres a fines del siglo XIX. Johnston ha creado una atmósfera opresiva, virada al azul, tenebrosa, lúgubre, que es acertada. El “quid” pasa por la elementalidad de los personajes y por los elementos “colgados” que quedan.
Veamos. Anthony Hopckins, el patriarca de los Talbot, compone a su “Hannibal”de siempre, son una muletilla para el actor este tipo de personajes. Nos gustaría ver al Hopckins tierno o apasionado, más que al asesino. Benicio del Toro es el protagonista de esta familia de “freaks”, los Talbot, que, cuando llega la Luna Llena, se regodean destripando a diestra y siniestra. Aquí se cae en el gore: un pedazo de hígado en la boca del hombre-lobo, fresquito, recién arrancado, una espalda descarnada a la que se le ve los huesos, tripas por todas partes y sangre salpicando por doquier.
Emily Blunt, en el rol de la novia del hermano que fue destripado, motivo por el cual Lawrence-del Toro regresa a la casa paterna, parece pintada. No hay emoción en su personaje, está hierática confundiendo terror con inexpresividad. Además hay problemas en el tiempo propuesto en esta ficción, sobre todo si nos ubicamos en el siglo XIX: la bella Gween- Blunt es despedida por del Toro cuando parte a Londres. Pero, pocas horas después, no sabemos cómo, aparece cuidándolo luego de que “Lawrence” sufriera el ataque del hombre-lobo.
¿Cómo hizo para ir y volver en una época en la que las comunicaciones tardaban tanto? No hay explicación alguna, pero allí está Emily Blunt.
Tampoco se ve completa la secuencia del entierro del hermano y se salta al encuentro de la joven mujer con Del Toro al borde de un barranco que es clave en el film. Este salto de secuencia se nota y mucho.
Los gitanos que vivían cerca de la gran mansión vieja de los Talbot ayudan a Lawrence cuando es atacado. Aparece Geraldine Chaplin, segura, en un breve y sustancioso papel. Pero luego desaparecen de la narración. Nunca más se sabrá de este asentamiento gitano que, tal como se plantea en el film, viven proveyendo de chicas lindas a los londinenses. Mal pueden entonces desaparecer de la narración.
El otro gran problema lo provoca la música, el score de Danny Elfmann. La música incidental tiene que ser eso, acompañar el “incidente”, la secuencia, y hay veces en que no es necesaria y, por lo general, no está, tal como debe ser. Elfmann no respetó esos silencios musicales tan necesarios para no ensordecer. La música está siempre y, por momentos, es altamente abusiva e innecesaria, molesta, porque tiene más potencia que las imágenes mismas. El deseo del compositor fue acompañar en la generación del terror, del miedo, pero esta vez se equivocó porque aturde.
Hacia el final, que no vamos a contar, ingresamos a una versión de Freddy Vs Jason que hemos visto hasta el cansancio en las películas de terror. No falta nada, ni sangre ni fuego ni luna llena ni hasta una posible segunda película…
Como entretenimiento puro, se deja ver. Como buena recreación cinematográfica, no.
Elsa Bragato
LOS VIAJES DEL VIENTO
De Ciro Guerra. Con Marciano Martínez, Yull Núñez, Rosendo Romero, entre otros. Film colombiano.
BUENA. ROAD MOVIE COLOMBIANA, PINTORESCA, MOROSA Y CON TINTES MÁGICOS
Estamos en presencia de un film colombiano, coproducción internacional que incluye a la productora nacional Primer Plano que también la distribuye, donde se narra la vida de un juglar del acordeón a lo largo de un viaje por su país. Este viaje tiene un objetivo que alcanzará a cumplir. El personaje principal, Ignacio Carrillo, afronta el que deberá ser su último viaje, y hay una suerte de mimesis entre su personalidad y los diferentes paisajes áridos de Colombia por los que transitará. Parco, ensimismado, tiene un motivo: quedó viudo y desea abandonar la juglaría, devolviéndole ese acordeón “embrujado” a quien fuera su maestro.
Hay reglas-clishés en este tipo de travesías cinematográficas que vuelven a aparecer: la peregrinación se iniciará con un joven aprendiz de músico. Esta relación maestro-alumno vivirá diferentes circunstancias, amables y no tanto.
En toda la narración audiovisual de Ciro Guerra, muy reconocido por su film “La sombra del caminante”, existe la influencia del realismo mágico de su tierra, empezando por el acordeón tan especial del personaje Ignacio, con aspecto diabólico, intimidante.
Ignacio tiene fama de diestro, es casi un Paganini del acordeón, y entabla “payadas” a la colombiana con muchos otros músicos que va encontrando.
La película tiene un propio peso mitológico y, además, un profundo carácter étnico que, si bien enriquece al espectador al mostrar otra cultura, por momentos estas secuencias son demasiado extensas y tediosas.
Film atractivo y moroso, étnico y mágico, ha sido nominado y ha ganado numerosos premios en diferentes festivales internacionales. Colombia es apreciada, gracias a Ciro Guerra, en todos sus matices y paisajes, si bien hay un “tempo” interno que no es afín a todas las audiencias.
Carlos Pierre
PRECIOSA
De Lee Daniels. Gabourey Sibide, Paula Patton, Mo’nique, Sherri sheperd, Jenny Kravitz,Mariah Carey, entre otros. Film ganador del Globo de Oro a la mejor actriz secundaria, del Premio del Público en Toronto, San Sebastián, Sundance, etcétera. Basada en la novela PUSH de Shapphire. Presentada por Oprah Winfrey y Tyler Perry.
MUY BUENA. EL ESPÍRITU COMO REFUGIO VITAL
El film, fuera de toda consideración crítica, es políticamente correcto en un momento histórico de los Estados Unidos donde su presidente es negro, primera vez en la historia del país del Norte.
El argumento propuesto se sitúa en el Harlem en 1987, donde aún hoy se vive el drama de la exclusión y de la discriminación de los afroamericanos. “Preciosa” es el nombre de la adolescente protagonista, sobrenombre que conlleva una humorada porque no es exactamente bonita y además es analfabeta.
El mundo que rodea a la protagonista es horrendo, marcado por los abusos de sus padres, una madre indolente y un padre violador, del que ha tenido un hijo con síndrome de down, siendo madre de otro niño también.
En el film, se ahonda en la personalidad de Preciosa que sueña con ser una top model, con ser amada por un hombre que solo mire su alma, pura a pesar de los ataques de la vida y de sus padres. Esos sueños están narrados visualmente por Danielsen secuencias que pueden criticarse porque quiebran el hondo dramatismo pero también aportan datos interesantes, aunque no resulten tan convenientes para el producto total. Gabourey Sidibe es la actriz que encarna a “Precious” y la dota de un andar cansino, torpe, siempre con gesto adusto y sin hablar. El quid de este film está en la fuerza interior del personaje que le permitirá, con sus sueños, ingresar a una escuela y empezar un camino diferente. Y es allí donde el espectador encuentra la respuesta al drama.
Se establece un excelente duelo actoral entre Gabourey Sidibe y Mo’nique como su madre. Curiosamente, este salto a la fama de Sidibe tiene puntos en común con su propia vida: era una cantante callejera de los subtes neoyorquinos y, por una corazonada de su mamá(educadora especial), se presentó al casting de Lee Danielsganándolo, hace ya dos años.
Desde diferentes puntos de vista, la película resulta aleccionadora dado que muestra cómo, aún en los momentos más dramáticos y horrendos, hay una luz de esperanza para salir adelante; solo hay que saber verlo y no bajar los brazos.
Puede ser un film imperfecto pero tiene emoción. Muchos hablan de “golpes bajos” pero, si nos detenemos a mirar quiénes sufren más, bien podemos decir que la vida misma está llena de golpes bajos. Es una buena propuesta.
Carlos Pierre
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Estrenos de la semana anterior
Hubieron cuatro estrenos de muy buen nivel, incluso excelente.
VIVIR AL LÍMITE
De Kathryn Bigelow, con Jeremy Renner, Anthony Mackie, Guy Pearce, Brian Geraghty, entre otros. Música de Marco Beltrami y Back Sanders.
EXCELENTE. CONTUDENTE Y REAL MIRADA SOBRE UN COMANDO ANTIEXPLOSIVOS EN IRAK.
Kathryn Bigelow, ex esposa de James Cameron, es la directora de este film bélico que tiene grandes chances de alzarse con el Oscar, tanto como su ex marido con Avatar. Por momentos, es difícil imaginarse a una mujer filmando un film bélico. Por otro lado, se tiene entonces la certeza de la minuciosidad femenina, de la búsqueda del detalle a través de primeros planos, de la cámara subjetiva analizando las mínimas expresiones de los soldados que dan como resultado esta película de gran impacto emocional.
Con su cámara, Bigelow se planta en medio de un trío de soldados en Irak especializados en desactivar todo tipo de explosivos. Hay una cuota de adrenalina espeluznante en cada secuencia, rodada con varias cámaras y, como dijéramos, con municiosidad femenina.
Se siente que uno mismo, como espectador, está en medio de una ciudad en ruinas, rodeado de enemigos, aspirando la furia de la arena y de la latente explosión que puede costar la vida de cualquiera de los integrantes del comando.
Para lograr este constante ritmo de guerra, la directora Bigelow se valió de una fotografía y de una edición de sonido superlativas. Además de un montaje postproducción impecable. Así consiguió un objetivo “antifemenino” si tenemos una mirada superficial sobre la fuerza del llamado “género opuesto”: hacernos vivir el espanto de los cuerpos mutilados y el verdadero ruido de las armas, de las cápsulas servidas que caen y de la respiración cortada, frenética, de cada uno de los soldados en misión.
La base del film está en el guión del periodista Marck Boal, que, como corresponsal de la Rolling Ston,e estuvo en Bagdad durante la guerra con un grupo especializado en la desactivación de explosivos. Junto con Kathryn Bigelow, armaron un “storyboard” de excelencia superlativa.
No solo hay secuencias en el desierto, antológicas, y en barrios de Bagdad sino que Bigelow le permite al protagonista regresar a su hogar y mostrarlo con sentimientos de ternura hacia su pareja y su pequeño hijo. Pero lo hace regresar a Irak, donde se lo ve demencial, cumpliendo tareas de riesgo de vida absoluto.
Por su coraje, se podría decir que tiene desprecio por su propia existencia, aunque se quiebra en dos oportunidades ante el salvajismo de sus adversarios. Es, sin duda alguna, un escuadrón suicida y enajenado.
Hay tres actuaciones soberbias: Jeremy Renner, Anthony Mackie y BrianGeraghty, que nos meten en cada una de las misiones con heroísmo, locura bélica y solvencia actoral notables. Marco Beltrami, afamado músico, aporta su talento como compositor poniendo acentos musicales que son descarnados y premonitorios. Estamos en presencia de un gran película que hará historia.
Carlos Pierre
ENSEÑANZA DE VIDA
De Lone Sherfig. Con Carey Mulligan, Peter Sarsgaard, Alfred Molina, Emma Thompson, entre otros.Música de Peter Englishby. Basada en el relato autobiográfico de la periodista Lynn Barber.
MUY BUENA. EDUCACIÓN SENTIMENTAL EN LOS 60. REAL Y SENSIBLE FILM.
Estamos en presencia de la directora danesa de “Italianos para principiantes”, la segunda mujer directora de los estrenos de este jueves en Buenos Aires. Y he aquí el espíritu femenino puesto en acción sobre una realidad de las adolescentes: el irresistible atractivo del hombre mayor sobre la ingenuidad femenina en el despertar a la vida.
Sherfig pinta con maestría la década del 60 en una Londres todavía cerrada a la independencia femenina que comenzó a gestarse en ese tiempo: una familia tradicional, con Alfred Molina a la cabeza, el sueño de la hija con título universitario, la firmeza paterna para los “no”, la complacencia de la madre para que su hija sea más feliz que ella, y la rebeldía de la joven que actúa en consecuencia a tiempos que determinaron un cambio social absoluto para la mujer.
Toda jovencita sueña con un príncipe azul. Y, por lo general, un hombre que le lleve más de una década es capaz de enajenar su espíritu y hacerle realidad sus más caros sueños de grandeza, de adultez y de sofisticación social con solo ser galante, caballero, en los primeros pasos de la conquista. La protagonista, encarnada por una dulcísima y reveladora Carey Mulligan, Jenny, violoncellista y próxima a ingresar a Oxford, se encandila, y la negativa de su fuerte padre caerá en mil pedazos.
París, la noche, la bohemia, la nublan. Aprende en la universidad de la vida sin pensar que puede ser un “anzuelo” o bien “tapadera” de otras situaciones que desconoce, alejándose de la verdadera Universidad que, en este caso, es la de Oxford. Porque desconoce todo, y todo es un descubrimiento segundo a segundo de la mano de ese truhán encantador que compone Sarsgaard.
La psicología femenina de la adolescente está retratada con pinceladas perfectas y encarnadas por Mulligan con sutileza y credibilidad.
El film es envolvente. La historia no es solo el despertar a la vida sino que es una descripción de época minuciosa. Bastan pocos trazos de Sherfig para meternos en los 60 y la irrupción de una nueva etapa en la historia de la mujer que continúa hasta hoy.
Una excelente película. No deje de verla.
Elsa Bragato
ANDRÉS NO QUIERE DORMIR LA SIESTA
De Daniel Bustamente. Con Norma Aleandro, Conrado Valenzuela, Fabio Aste, Juan Manuel Tenuta, Celina Font, entre otros. Música de Federico Salcedo.
BUENA. SÓLIDA REALIZACIÓN EN UN RETRATO DE LOS 70
Daniel Bustamante debuta en las lides de los largometrajes. Y no podía haberlo hecho mejor: su narración audiovisual es excelente. Los “pecados” están en los diálogos que, de por sí, siempre exigen un trabajo especial que no suele darse en el cine nacional. Salvando este importante detalle, la historia de la guerrilla metida en el seno de una familia tradicional es el fiel espejo de lo que se pasó en nuestro país en los “años de plomo”. Norma Aleandro, efectiva y sólida como siempre, compone a la abuela de un niño que pierde a su madre (luego se sabrá por qué), a cargo de Conrado Valenzuela, pequeño gran actor. Esta dupla hará girar en torno de sí al resto del elenco y solo con pinceladas, sin explicitar innecesariamente detalles que se advierten tan solo con los muy buenos esbozos narrativos planteados, se verá la realidad argentina de aquellos trágicos años. De no ser por los diálogos, este film merecería un muy bueno. El “quid” está en lo que los personajes van diciendo, explicando, lo que ya se ve, y esto quita vuelo a cualquier film. No es un problema de Bustamante sino del cine argentino en general. Hay excepciones. Véala. Es un muy buen planteo de nuestra sociedad.
Elsa Bragato
HADA POR ACCIDENTE
De Michael Lembeck. Con Dwayner Johnson The Rock, Julie Andrews, Billy Crystal, entre otros. Música de George Clinton.
REGULAR. EL RATÓN PÉREZ AHORA ES “LA ROCA”
Es un film confuso aunque tiene buenos momentos con gags como las secuencias de un casi desconocido Billy Cristal y la aparición de Julie Andrews en un tierno papel pero no a la altura de su condición de gran actriz y cantante. Además, es la segunda vez que vemos a Dwayner Johnson en un film destinado a la platea menuda, la anterior fue el “papá a la fuerza” de una buena comedia. Aquí el guión es muy malo y hasta el título está equivocado: en inglés es Tooth Fairly, o sea el Hada del Diente, pero en la película los efectos especiales no muestran dientes sino MUELAS. Desde el vamos se inicia una serie de enredos de producción que saltan a la vista. Esto no inhabilita a la película como distracción para los chicos.
También es brusco y poco creíble el “sueño” que lleva a este deportista que encarna el ex The Rock hasta el mundo de las hadas. No es sueño, es realidad y él aparece ridículamente vestido, detalle que no es suficiente para hacer reir.
La mezcla de situaciones tampoco es efectiva: The Rock como deportista, un jugador de hockeyya adulto, sujeto a las burlas de sus colegas jóvenes, y su actividad como “hada madrina” que reemplaza al clásico y amable Ratón Pérez. Hay muchas escenas que podrían haberse ahorrado porque, en definitiva, no tienen que ver con el mundo de las hadas. Es un film plagado de convenciones con algunos buenos momentos logrados por la aparición de un casi irreconocible Billy Cristal. Es para chicos y, los adultos, a remarla!
Elsa Bragato
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Estrenos de la semana anterior
Hay cinco estrenos, todos en soporte fílmico, una “novedad” en Buenos Aires. No comentaremos “Astroboy”.
NINE, UNA VIDA UNA PASIÓN
De Rob Marshall. Con Daniel Day-Lewis, Sophia Loren, Penélope Cruz, Marion Cotillard, Nicole Kidmann, Judi Dench, Kate Hudson, Fergie (de los Black Eyed Peas), entre otros. Basada en el musical Nine, de Arthur Kopit y Maury Yeston
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MUY BUENA. HOMENAJE A FELLINI Y MASTROIANNI A TRAVÉS DE UN BUEN MUSICAL
Es muy pretensioso decir que Nine está basado en “8.1/2” de Federico Fellini porque, en realidad, tiene más del Marcello Mastroianni actor que del afamado director italiano. Y vamos a decir por qué.
Guido es el personaje central a cargo de Daniel Day-Lewis, poco apasionado para semejante rol, que debe filmar “Italia” pero no tiene guión ni ideas, acosado por su amante, por el mandato materno, por su esposa, por la estrella de sus films, por una periodista y fan de “Vogue”. Y por los productores.
Rob Marshall, director de Chicago y Cabaret, hizo un muy buen trabajo de montaje entre los musicales, que se van presentando con sus canciones, y las secuencias en estudios, donde los personajes desarrollan sus vidas de ficción. He aquí un logro del film para el que debió adaptarse la música a cargo de Yeston tanto en el musical como para la película.
Es tan solo la idea de los tormentos pasionales y profesionales de Fellini que él mismo retrató con su alter ego, Mastroianni y su Guido de “8.1/2”. Nada más! Pero revelamos que tiene más de nuestro admirado Marcello que de Fellini por el siguiente dato: Mastroianni no hacía una película si no estaba acompañado por su vestuarista, papel que aquí encarna Judi Dench, espléndida. Lo vivimos directamente cuando tuvimos la suerte de compartir del rodaje de “De esto no se habla” en Colonia, Uruguay. El “salvoconducto” para llegar a Mastroianni fue su amiga, su vestuarista (está en nuestro libro “Recuerdos de Redacción”, donde dedicamos un capítulo a Mastroianni, en venta en Lavalle 2047) con quien compartimos almuerzos y charlas, “cercadas” por el gran actor italiano. La vestuarista era la confidente de Marcello Mastroianni, tal como se muestra en este musical.
Hay muy buenas secuencias como la de Fergie, la estupenda y sensual cantante de Black Eyed Peas, y su “Be italian”, fuerte y rítmico, y una sutil y conmovedora Marion Cotillard (La Vie en Rose) y su “Mi marido hace películas”. No podemos dejar de lado la canción y actuación de Penélope Cruz, también potente y bien realizada.
Sophia Loren compone a la “mamma”, un pequeño y agradecido papel que también la lleva a cantar.
Para quien ame los musicales, aquí tiene una muy buena realización que, sin ahondar en ninguna de las dos personalidades mencionadas, nos deja un homenaje a dos grandes, Fellini y Mastroianni. No busquemos la quinta pata del gato. No aparece. Esto es un homenaje y tiene el espíritu del siglo XXI y no de la década del 60 del siglo XX. No se va a olvidar de “Be italian” o de “Mi marido hace películas”.
Elsa Bragato
INVICTUS
De Clint Eastwood. Con Morgan Freeman, Matt Damond, entre otros. Música de Kyle Eastwood y Michael Stevens.
BUENA. ESTRUCTURA CLÁSICA PARA UN RETRATO PRESIDENCIAL
Clint Eastwood nos regala un film clásico, demasiado para nuestro gusto, lejos de la complejidad estructural de Cartas desde Iwo Jima, por ejemplo, o Río Místico, otra notable realización, sin olvidarnos de Los Puentes de Madison, que es considerada “menor” por algunos colegas. Enfoca la vida de Nelson Mandela, el líder sudafricano, cuando asume la presidencia en 1994, ya separado de su segunda mujer por escándalos políticos en 1992. Y su astucia como estadista para tomar al equipo de rugby Springboks como puente para unir a blancos y negros, aprovechando la realización en 1995 de la Rugby World Cup en su país. El líder del equipo está a cargo de Matt Damond, quien compone un personaje clásico y rudo de rancia estirpe inglesa. Buena actuación pero sin mayores exigencias.
Lejos de Gran Torino, film clásico también con una grata presencia actoral del propio Eastwood, aquí va deslizando la trama hacia los partidos de rugby, y, por momentos, las secuencias son muy largas. Sin embargo, en estas secuencias se advierte la calidad de realizador de Eastwood porque pone acento en el Sonido, así, con mayúsculas, algo inexistente en el cine nacional, y trabaja en él para otorgar sensibilidad y emoción. En este sentido, son notables los últimos largos 20 minutos dedicados a un partido de rugby donde Eastwood enfatiza la respiración de los jugadores, en el “slow”, en los primeros planos de caras deformadas por los choques entre cuerpos, en los gritos contenidos por el dolor ante una patada, es decir, realza una secuencia con la calidad de un autor cinematográfico.
Puede gustar o no el film porque está dedicado a un deporte que conocemos pero que no es masivo en la Argentina. El film es clásico y se queda en esta estructura, de la que Eastwood no quiere salir, deleitándose en momentos claves de partidos para el equipo sudafricano de 1995. No es lo mejor de Eastwood pero tiene su sello y, como apuntamos, se advierte. El ritmo, aunque cansino, no decae por lo que el espectador queda atrapado en una historia sencilla que se desarrolla sin sobresaltos pero con contundencia. Aquí no hay explosiones, solo trabajo de postproducción donde el sonido es clave bajo la mano de un talento como el del viejo Clint.
Elsa Bragato
CINCO DÍAS SIN NORA
MUY BUENA. COMEDIA NEGRA, AGRIDULCE, DE FORMATO CLÁSICO Y NOVEDOSO GUIÓN.
Este film es una prometedora opera prima de la realizadora mexicana Mariana Chenillo. Comedia negra que no llega a la truculencia, con fuertes ingredientes humorísticos sobre las tradiciones cristianas y judías y sus ritos contrapuestos.
Desde este punto de vista, el guión es original y brillante porque genera hilarantes situaciones protagonizadas por el anciano que queda viudo por el suicidio de su esposa, de la que estaba separado.
La historia también pertenece a Chenillo y desteje una madeja de secretos y malos entendidos que tienen a la difunta como eje: elije suicidarse justo para la festividad judía Pésaj, fechas en las que los muertos no pueden enterrarse con el agravante que la religión impide inhumar a los suicidas en el camposanto del resto de los mortales.
Esta situación genera un ritmo indeclinable con tono de comedia sarcástica, sucediéndose secuencias reideras y de mucho desparpajo.
El título del film responde al tiempo que la familia, encabezada por el viudo y un joven rabino, deberá esperar para darle sepultura a Nora.
Esto le permite a la directora mostrar otros subtemas como la limitación y hasta el anacronismo de las ortodoxias religiosas, además de los intereses económicos que mueve la muerte de una persona.
Como recurso de narración audiovisual, Chenillo recurre a los “flashback” describiendo la relación de los esposos en tiempos mejores y serán los que permitan ir deshilvanando la historia paralela, que es la del por qué estaban separados. Los personajes también se ven enriquecidos por las características que la directora les impuso: la frivolidad que demostró tener Nora y el feroz agnosticismo de él, que produce no pocas escenas hilarantes.
Destacamos como logros el guión, las actuaciones, la puesta y el soporte de la música de Darío González. Entre los 10 premios internacionales que el film logró está el Astor de Oro a la Mejor Película en el último Festival Internacional de Cine de la ciudad de Mar del Plata, 2009. Es un film para ver.
Carlos Pierre
TIERRA DE ZOMBIES
De Rubén Fleischer. Con Woody Harrelson, Jesse Eisenberg,Emma Stone, Abigail Bresilin y participación especial de BillMurray como él mismo. Música de David Sardy.
MUY BUENA. ROAD MOVIE DE HORROR EN TONO DE COMEDIA
Difícil objetivo se propuso el debutante Rubén Fleisher: hacernos reir a través de una historia de zombies, que significa cuerpos despedazados, seres humanos transformados en monstruos, sangre que salpica literalmente la cámara y, por lo tanto, la pantalla.
Por supuesto, obras maestras del género son las dos Exterminio o las de Romero, ni qué hablar, pero esta película le da un toque de humor inesperado que jamás cae en el grotesco. Se mantienen los fundamentos de los films de zombies sin llegar a la caricatura. Hay solo cuatro humanos que no están infectados, papeles a cargo de Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone y Abigail Bresilin, que harán lo imposible por sobrevivir en un planeta desvastado, trampeándose mutuamente y generando nuevas situaciones límites.
Cada personaje tiene un rasgo distintivo: el joven Jesse es un cobarde mientras que su compañero Harrelson compone a un violento a la fuerza cuya debilidad es conseguir un postre esponjoso en las abandonadas ciudades. O sea la “ternura” de los “violentos”. La participación de Bill Murray, que no se destaca ni siquiera en los datos de producción, le da un toque de sátira inesperado, en una mansión que nos dejará con la boca abierta. Aconsejamos quedarse a ver los títulos hasta el final, donde hay un “bonus track” de actuación.
Desde el centro de Hollywood hasta Beverly Hills pasando por el parque de diversiones Pacific Playland aparecen en esta singular road movie que recomendamos si no tiene aversión a la sangre cinematográfica: hay cabezas que se aplastan literalmente sobre la lente de la cámara… Mantiene la atención y resulta una excelente combinación de comedia y humor negro.
Elsa Bragato
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Estrenos de la semana anterior
Hay cinco estrenos, cuatro en fílmico y uno en DVD. No comentaremos el DVD Medusas ni la producción de Disney “Papás a la fuerza”.
AMOR SIN ESCALAS
De Jason Reitman. Con George Clooney y Natalie Keener, Vera Farmiga, y música de Rolfe Kent y Matt Messina. Ganadora de un Globo de Oro al mejor Guión.
BUENA. COMEDIA ROMÁNTICA MONTADA SOBRE EL DRAMA DE LA DESOCUPACIÓN EN USA
Uno esperaba más de este film. Montándose en el drama de la desocupación de los Estados Unidos, Jason Reitman transforma tamaño problema socioeconómico en una comedia romántica, con moraleja incluída: no sirve tener solamente como metas el trabajo y el sexo ocasional. Para este guión había un solo actor capaz de soportar el peso del film: George Clooney, quien no deja sus tics de lado y los suma al personaje.
El film es entretenido pero previsible. No hay emoción sino un seguimiento simpático del espectador que puede sentir empatía o no por los personajes.
Clooney encarna a un “downsizer” o sea un “achicador de dimensiones” que, traducido al ámbito laboral, se encarga de “reducción de personal”, despedir masivamente a trabajadores de cualquier tipo de trabajo, edad, experiencia, con familias y dramas a cargo, en cualquier tipo de empresa. No está solo sino que pertenece a una empresa, presuntamente surgida por la grave situación económica de USA. Todo es posible en la ficción así que, en este sentido, es creíble. Cumple con su objetivo que requiere mente fría, no tener compromisos según él o ataduras amorosas, y encontrarse con una mujer, elegante y madura, en algún sector de algún aeropuerto americano para hacer el amor.
He aquí su trampa. Previsible. Y lleva un maletín, una credit-card de ésas que uno sueña, y es tratado como un rey donde quiera que esté, viviendo en hoteles lujosos.
En este sentido, la película se destaca por una notable fotografía aérea de las diferentes ciudades a las que llega el “downsizer”.
Una empleada a su cargo para “foguearla” en esta cuestión de echar a trabajadores de años de empresas es su única compañía de vuelo, y es una joven que sueña con casarse y está en el polo opuesto de lo que el personaje “Ryan” quiere para su vida.
La comedia romántica surge en medio del tremendo drama que plantean los trabajadores a la hora de ser convocados por Ryan para ser despedidos. Pero salvo esas secuencias, el resto del film se pasea por la personalidad, sin mucha introspección, de Ryan y su manera de ser hasta que la vida le dará buenas lecciones.
La idea de un “downsizer” y de una empresa que presta estos servicios es muy buena. Armar un personaje romántico, a pesar de todo, le sacó hondura. George Clooney es un seductor nato y se apeló más a este aspecto de su personalidad que a sus dotes actorales, bien demostradas en films como Syriana, por ejemplo.
Es una comedia romántica diferente, previsible, para disfrutar. Por algo ganó un Globo de Oro al mejor guión: bien la idea básica de la empresa de “downsizers”. Lo demás, muy conocido.
Elsa Bragato
ALVIN Y LAS ARDILLAS II
De Betty Thomas. Con Jason Lee, David Cross, entre otros.
BUENA. LAS ARDILLAS ENCUENTRAN COMPAÑÍA, MUY CHILLONAS PERO IDEAL PARA LOS MÁS CHICOS
Esto sí que fue difícil. Demasiado chillonas estas ardillas, que ya conocimos en la versión anterior donde Jason Lee tenía una real interacción con los animalitos en 3D. Ahora deberán ir a la escuela donde surgirá un concurso musical y deberán enfrentase con Las Chipettes, tres ardillas femeninas que son un calco de los tres “varoncitos”, o sea ideales para formar tres parejitas.
Los chicos chiquitos la van a disfrutar. Hay música, rock, buenas voces, pero electrónicas y eso produce, en los adultos, un cierto agotamiento auditivo. Hay que “remarla” mucho si bien es entretenida. Si tiene pequeños en la familia, no dude, ellos la van a pasar muy bien. No está mal, pero es más de lo mismo con demasiada tecnología en las voces. Y Jason Lee, bueno, está enyesado de pies a cabeza por lo que su relación con sus representados es a través del teléfono. En fin…
Elsa Bragato
DAYBREAKERS, VAMPIROS DE DÍA
De The Spierig Brothers. Con Ethan Kawke, Willem Defoe, Sam Nelly, entre otros. Música de Christopher Gordon.
MUY BUENA. IMPECABLE REALIZACIÓN. BUENA VUELTA DE TUERCA
Los hermanos Peter y Michael Spierig le dieron una vuelta de tuerca al legendario tema de los vampiros. Hace poco tuvimos la oportunidad de “deleitarnos” con “Criaturas de la noche” donde la protagonista-vampiro era una niña. En “Vampiros de día” asistimos a un thriller futurista. Corre el año 2019 y una plaga de vampiros transformó a la mayoría de la población mundial en… vampiros! Y los pocos seres humanos no infectados corren el peligro de extinguirse y tratan de esconderse para no ser capturados.
Hay un tinte nazista en el film, que presagia la generación de grandes corporaciones que dominen el cuerpo y el alma de la Humanidad.
El guión es muy creativo, imaginativo, no exento de una perturbadora visión del futuro del ser humano en la Tierra.
Los hermanos Spierig le dieron un ritmo frenético porque nutrieron a la historia con vértigo y sobresaltos a granel. Recurrieron, en principio, a un alienado paisaje urbano donde los vampiros, con aspecto de humanos, se mueven por la ciudad. El único rasgo que los distingue de los hombres es el color de sus ojos, entre dorado y brillante, y los dientes más largos, muy escondidos, esos famosos colmillos.
El giro de tuerca es la salvación de los humanos, y en esto está la creatividad de los Spierig, a cargo de un grupo de vampiros que no son ni andrajosos ni sucios sino supersofisticados.
Se trata de una producción realizada en Australia en coproducción con los Estados Unidos, así que el paisaje fotografiado es espacioso, abierto y un tanto estepario, propio de Australia, en contraposición a la glamorosa escenografía montada en estudios, una ciudad futurista poblada de vampiros.
La sangre es la otra gran protagonista de este film, con pedazos humanos esparcidos por doquier. Y los Spierig no se privaron de “salpicar” la platea con el líquido rojo dándole un acabado tenebrismo.
La banda de sonido de Christopher Gordon es perfecta para el film, incide en las secuencias donde es necesario y colabora como otro integrante del elenco al horror y espanto de los espectadores. Que de eso se trata cuando hablamos de bandas de sonidos: deben ser parte indisoluble de la historia. Así que, si gustan de este género, aquí tienen un excelente realización para “embadurnarse” de líquido rojo.
Carlos Pierre
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Estrenos de la semana anterior
Hay cuatro estrenos en soporte fílmico, muy interesantes.
SHERLOCK HOMES
De Guy Ritchie, basados en los caracteres creados por Arthur Conan Doyle. Con Robert Downey Jr, Jude Law, Rachel McAdams, Marck STrong, entre otros. Música de Hans Zimmer.
MUY BUENO. DETECTIVE AGGIORNADO, CON ADICCIONES PROFUNDAS Y ARTES MARCIALES A PIACERE
Curiosa presentación del director Guy Ritchie, ex marido de Madonna, de este Sherlock Holmes,que ha tenido varias versiones cinematográficas y hasta series televisivas que aún se pueden ver en señales de cable. Basándose en las novelas y caracteres ya conocidos, y no olvidándonos nosotros de que en Londres existe la casa de Sherlock Holmespara la visita turística, armada en base a la invención novelística, nos topamos con muy buenas actuaciones de Robert Downey Jr y Jude Law, atildado abogado que comparte las investigaciones de su jefe y lo salva de situaciones límites. Downey Jr recrea el personaje protagónico dándole sus propias connotaciones actorales y las que les marca el director: un Holmessucio, grasiento, hundido en la miseria, en la mugre, en el hollín, igual que el tiempo que le toca vivir en su ciudad, Londres, donde nada es como lo imaginamos. Estamos en el ingreso de la Londres industrial donde todavía no existe la medicina socializada que hoy la caracteriza por lo que sus personajes-habitantes tienen dentaduras horribles, sucias, con caries, además no se bañan y lucen harapos.
Así vive este adalid de los investigadores, famoso por sus deducciones, pero vencido por sus adicciones. El realizador le da más chances para su lucimiento a Downey Jr: las artes marciales, una novedad para este detective de pura cepa inglesa. Tugurios en villorrios, hombres sucios que mascan tabaco, y peleas a morir para ganar dinero o para sacarse las ganas. Y, por supuesto, para que los actores luzcan sus habilidades coreográficas.
Nos resultó un film atractivo porque nos mantuvo con la atención afilada. Si vamos a la historia en sí, el guión tiene debilidades porque no hay hechos que, aunque se mencionen como “el” caso a investigar, sean tan contundentes que superen al personaje en sí. Éste es el quid de la debilidad argumental: la investigación es quasi anecdótica y cobra relevancia la actuación de Downey Jr así como ese entorno impensado por el autor de este personaje. Aquí es importante conocer “el otro lado” de Sherlock Holmesy no su famoso método de la deducción “paranormal” que lo caracterizaba. Jude Law está impecable en su “british” rol, así como Rachel McAdams. Destacamos la música del maestro Hans Zimmer que, desde el comienzo, nos ubica en ese tiempo y espacio donde viviremos una experiencia policial diferente, menos intelectual y más visceral en el estricto sentido de la palabra. Vale la pena.
Elsa Bragato
FINAL DE PARTIDA
DE Yojiro Takita. Oscar 2009 a la Mejor Película en Idioma Extranjero. Ganadora de premios del público, de diferentes premios en diversos festivales de todo el mundo.
EXCELENTE. UN RITO FÚNEBRE JAPONÉS ES LA EXCUSA PARA UN GRAN FILM CON ACTUACIONES E HISTORIA MEMORABLES
Para muy pocos realizadores un rito fúnebre como es el lavado y preparación de los cuerpos para los servicios fúnebres es un tema que transite todas las emociones, desde el llanto hasta el gag cómico. Para el realizador Yojiro Takita ha sido la demostración de su enorme capacidad para afrontar la dirección actoral, contar un rito japonés ancestral y meterse en la vida privada de un joven matrimonio, con apéndices en la música sinfónica y hasta en un violoncello piccolo, toda una rareza como subtema de un film, con excepción de El Solista, película de origen norteamericano.
El mal gusto, convengamos, habría echado por tierra este ritual y hasta habría provocado rechazo en las audiencias occidentales. Pero el guión de KUNDO KOYAMA y la realización de TAKITA lograron lo imposible: hacer cine y del mejor.
La historia se centra en Daigo, un joven violoncellista que pierde su puesto como tal y encuentra, como único sustento económico para su flamante matrimonio, el empleo en una tradicional casa fúnebre. Empleo al que todos rehúyen, pero que a fuerza de innumerables sustos y desagrados, el joven irá conociendo en sus detalles y adquiriendo, en consecuencia, gran destreza.
Por si fuera poco transitar por tantos hogares con sus difuntos con una cámara, Takita y el guionista Koyama le ponen un sesgo dramático en el encuentro entre el protagonista y su padre y esa ceremonia tan especial que juntos deberán transitar. Uno de los hitos argumentales del film.
La fotografía es soberbia por cómo se han minimizado detalles escabrosos y por cómo se han exaltado los más bellos tanto físicos como de la naturaleza, mostrada a través de las diferentes estaciones, desde los cerezos en flor hasta la impiadosa nieve invernal. La solitaria presencia del violoncello piccolo, que es tan común en la cultura oriental (incluso tienen un “violoncello” oriental) a través de grandes exponentes como el maestro Yo Yo Ma, es ese plus que emociona y que nos remite a la vida interior de la que muchos pueblos hacen culto aún hoy en día. Gran comedia dramática que invitamos a ver. Jamás se aburrirá, y saldrá con un toque de emoción en el corazón.
Carlos Pierre
BUENAS COSTUMBRES
De Stephan Elliot. Con Jessica Biel, Kristin-Scott Thomas, Colin Firth, Ben Barnes, entre otros. Música de Marius De Vries
MUY BUENA. LA SUEGRA MALA EN UNA DELICIOSA VERSIÓN DE ÉPOCA CON EL LUCIMIENTO DE JESSICA BIEL
Hay una nueva “musa” que seguramente Woody Allen tendrá en cuenta: Jessica Biel, cercana por actitud y belleza a Scarlett Johansson, hoy una señora alejada del runrún. Biel aquí compone a Larita, una hermosa norteamericana que gana un gran prix en el sur de Francia, ha nacido en Detroit y conoce de mecánica. Esto, en la década del 20 del siglo XX, post primera guerra Mundial, era casi un delito para una mujer. Se casa impulsivamente con el inglés John Whittaker, quien pertenece a una rancia familia británica caída en la desgracia económica. Visitar Inglaterra y conocer a los “relatives” es una obligación moral que la joven esposa tomará como una cuestión de días sin saber que se alargará un poco más, con consecuencias para ella y su inexperto marido, dominado por la madre.
La ambientación lograda por Elliot y su equipo es fantástica, pero la filmación en sí, la suma de secuencias, tiene un toque muy especial, dinámico, que hacen también a la esencia de la novela de Noel Coward, notable dramaturgo y actor inglés fallecido en 1973. De pronto, el espectador se siente invadido por ese espíritu de “laissez-faire”, de vida semiacomodada, ese sentimiento de liviandad y al mismo tiempo de severidad familiar. Hay rencores ancestrales fruto de inhibiciones y censuras familiares, un salpicado de frecuentes disputas entre padres e hijos inevitables a lo largo de la historia de la Humanidad. Aquí el centro de ataques y de hipocresías será la joven pareja, frente a un marido que no sabe deshacerse de la sutil por momentos influencia materna (una gran Kristin Scott-Thomas).
Hay dos escenas claves: una, la “desaparición” del perrito de la familia, que tiene ribetes poco amables para quienes amamos a las mascotas y otros ribetes semicómicos, y el tango que bailan Colin Firth y Jessica Biel, con orquesta típica incluída en el set. No es el tango europeo sino un tango escrito para la ocasión: Easy Virtud Tango. Aquí se contó con el asesoramiento del joven argentino Juan Carlos Di Pace, modelo y actor radicado en Londres, quien fue llamado por Jessica Biel dado que ambos se conocieron durante el rodaje de “Mamma Mia!”. Esta secuencia es decisiva porque marca la transformación de los dos personajes, los puntos en común y las grandes diferencias de ambos, pero la conexión con la libertad de acción y pensamiento.
Es un film atractivo, disfrutable, sobre una novela de Coward, como dijéramos, que tuvo dos versiones: la primera fue en el cine mudo de 1927, realizada por Alfred Hitchcock (Easy Virtud) ni bien el autor estrenó la pieza un año antes ( se trata de una comedia dividida en tres actos), y la segunda es la teatral de ese año del propio Coward (Coward recibió un Oscar honorífico por su trabajo en In Which we serve en 1943).
Si tiene tiempo, no se la pierda.
Elsa Bragato
LA JOVEN VICTORIA
De Jean –Marc Vallée. Con Emily Blunt, Jim Broadbent, Ruport Friend, Paul Bettany, entre otros. Producción de la princesa Sarah Ferguron y Martin Scorsese. Participación especial de la princesa Beatrice, hija de Sarah, que es la tatara-tatara.tatara nieta de la Reina Victoria retratada en el film.
MUY BUENA. UN FILM HISTÓRICA CON GRAN RECREACIÓN DE ÉPOCA Y ESTUPENDAS ACTUACIONES
El cine histórico es un género que nos complace a muchos, sobre todo cuando está tan bien realizado, en este caso, por el director canadiense Jean-Marc Vallée. Tiene ingredientes “extra” históricos que la hacen aún más atractiva: la coproducción de la princesa Sarah Ferguron y la participación de una de sus hijas, la princesa Beatrice, en un breve rol y paneo.
El film se ubica en 1837, un año antes que la joven princesa Victoria debiera asumir el trono ante la muerte de su tío, el Rey William, a cargo de un soberbio Jim Broadbent.
Hay buenas actuaciones, una reconstrucción de época estupenda, vestuario fantástico, fotografía maravillosa. Todo está bien así como el guión planteado por Julián Fellowes, el mismo del gran film “Gosford Park”, un experto en la “Top” British Society.
Además del temperamento inusual para el siglo XVIII de la joven Victoria, que encarna Emily Blunt con soltura, con solvencia, con credibilidad y hasta con modernidad, se ponen de manifiesto las intrigas políticas entre las fuertes casas europeas con príncipes casaderos y los múltiples intereses de los eventuales “regentes” en caso de que la joven reina no pudiese asumir totalmente el cargo por desconocimiento debido a su corta edad. El carácter de la joven Victoria derribó muros tremendos para cualquier mujer, casándose con el hombre que amó, el príncipe alemán Albert de Sajonia-Coburgo, aquí encarnado por Ruport Friend, y no con los que su madre y su regente político mientras reinaba su tío William querían imponerle.
La vida de alcoba de una reina joven y recién casada está contada con altura, sin golpes bajos ni escenas perturbadoras, así como se muestran los diálogos creíbles entre un marido y su mujer cuando se pelean. Estos aspectos hacen al film aún más atractivo y cercano al espectador, a pesar de que la historia tenga más de un siglo y medio.
Cuando se encara un film histórico siempre hay momentos de una “biopic” real que se que se abrevian sin querer darles menos importancia por una cuestión razonable que es el tiempo en el que debe contarse la propuesta argumental. Es una p ena que, en el final, se hayan contado a la manera de “créditos del film” aspectos interesantes, como que fue la reina que más tiempo gobierno, hasta ese entonces, Inglaterra; que tuvo 9 hijos y con ellos refundó las casas reales de Europa, un dato más que interesante para comprender la importancia de Gran Bretaña en el mundo y su supremacía como potencia durante santísimas décadas. Si le gustan “las históricas”, no se la pierda. Emily Blunt cumple un gran papel para el que ha sido nominada al Globo de Oro, y el elenco la ha acompañado con consistentes actuaciones. No estamos muy convencidos de la nominación que ha logrado, pero no dudamos de la capacidad actoral de Blunt. El trabajo responde al tratamiento clásico actoral y nos parece que, en estos tiempos, las nominaciones deben recaer en trabajos diferentes, es decir, personajes que nos representen hoy y que hayan sido creíbles y emotivos. No se la pierda.
Elsa Bragato
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Estrenos de la semana anterior
Hay siete estrenos. No comentaremos Halloween II, ni tampoco el documental La Tigra.
ENAMORÁNDOME DE MI EX
De Nancy Meyers. Con Meryl Streep, Alec Baldwin, Steve Martin, entre otros. Música de Hans Zimmer y Heitor Pereira.
EXCELENTE. COMEDIA CON MUCHO RITMO, ESPECIAL PARA EL PÚBLICO FEMENINO. MERYL STREEP, FANTÁSTICA.
Ciertamente, es un film que no le ha gustado a los críticos varones del medio. No obstante, a las mujeres nos ha parecido más que creíble, con un ritmo cinematográfico ágil, con comediantes de primer nivel que toman sus personajes y los hacen “de carne”.
La historia puede parecer conocida, pero está conducida con habilidad en el montaje, bien narrada, y con enorme simpatía sobre situaciones conflictivas.
El tema es el reencuentro con el ex de una mujer, encarnada por una estupenda Meryl Streep, un ex que la engañó y se casó con una mujer mucho menor. Allí se sucederán aventuras y desventuras graciosas, muy bien actuadas. Steve Martin hace un papel diferente, no es el cómico alocado sino el hombre que espera alguna chance. Y no es un personaje que tenga mucho desarrollo. Aquí roban el film Meryl Streep y Alec Baldwin.
Para nosotros, el quid del argumento radica en el rescate de los hijos adolescentes, en la mirada de éstos sobre esta ocasional vuelta de sus padres cuando “les costó 10 años acostumbrarse a estar sin la presencia del papá”.
Sí, hay clishés: pero están en todas las películas de este tipo. Lo diferente es lo que destacamos: la mirada de los hijos adolescentes y la mayor ya de novia y a punto de casarse. Invitamos a todas las mujeres casadas a ver el film y a disfrutarlo, a reirse con una acertada recreación de situaciones íntimas conyugales, tocadas con una delicadeza notable, por Meyers. Para invertir en la entrada y salir sonriendo del cine.
Elsa Bragato
ASESINO NINJA
De James McTeigue. Con el cantante coreano Rain.
BUENA. ACCIÓN SANGRIENTA CON EFECTOS ESPECIALES
De no ser por el tema tan transitado, esta realización merece un muy bueno. Hay efectos especiales a granel y tiene todos los ingredientes que le gustan a los fanáticos del género. Es más: atrapa desde el principio al fin y éste es un mérito que no todas las películas alcanzan.
Los productores de Matrix están aquí también, Andy y Larry Wachowski, autores de V de Venganza, entre otros filmes muy taquilleros. Asesino Ninja sin duda tendrá buena taquilla.
Nos cuenta la vida de un joven que es abducido por el clan Ozu donde será brutalmente entrenado para matar. Sin embargo, algo hará cambiar su actitud de sometimiento al maestro y guía y allí está la causa de un enfrentamiento con patadas y dagas voladoras.
Aquí el que quiera ver sangre y cuerpos despedazados no podrá decir que salió defraudado. En estos toques, imágenes brutales (en los Estados Unidos está prohibida para menores de 17 años), se ven cabezas que vuelan con cuerpos que quedan parados y chorros de sangre desde el cuello como surtidores. Algo hay de Tarantino, de sus famosos KillBill I y II, y esto hay que reconocérselo a James McTeigue, realizador australiano. Hasta sería, en el mejor de los casos, un homenaje al director norteamericano.
Los efectos especiales cumplen un rol especial y son esenciales en este tipo de films.
Para los que aman el cine de peleas orientales, bien coreografiadas, que entretienen de principio al fin, esta película será un gran entretenimiento. Si no le gusta este baño de sangre, que surge de peleas y no de asesinatos como en Halloween, no se moleste.Y, en lo personal, nos mantuvimos atentos desde el principio al fin.
Elsa Bragato
LA PRINCESA Y EL SAPO
De Ron Clemens. Música de Randy Newman.
MUY BUENA. UN REGRESO A LAS FUENTES DE DISNEY
Este film viene de tener un gran suceso en los Estados Unidos: es el regreso a las fuentes de la compañía Disney, un retorno a los dibujos (los hand-drawn) y la novedad de tener una protagonista afroamericana, por lo cual es más que correcta políticamente.
La acción se ubica en New Orleáns, en 1920, y también esto tiene relación con una ciudad que es la ciudad del jazz, desvastada por el huracán Katrina. Un homenaje a una localidad que, en épocas del presidente Bush, no tuvo el salvataje necesario, tal como fue denunciado por sus propios habitantes.
La realización en 2D, o sea como aquella inolvidable Cenicienta o Dumbo, nos devuelve a un mundo de hadas, que se mueve cómodamente en aquel famoso beso al príncipe que todo lo podía, aquí es un sapo, y en la ilusión de una historia que aporta la novedad de la realización y el encanto eterno de las historias tradicionales de la empresa Disney. Recordemos que Walt Disney se asoció con Pixar, de hecho la adquirió, y comenzó a producir películas en 3D, también fantásticas. Este revival de la animación clásica, con la tecnología del siglo XXI, es un deleite para grandes y chicos a partir de una historia bella y emotiva.
Elsa Bragato
MATAR A VIDELA
De Nicolás Capelli. Tema inédito de Iván Noble. Con Juan Leyrano y María Fiorentino entre otros.
REGULAR. GUIÓN ENDEBLE Y ALICAÍDO FINAL
La idea del film de Nicolás Capella es buena: la violencia engendra violencia. Y es positivo que un joven como el realizador mencionado, de 27 años, tenga en cuenta esto y lo lleve al cine cuando no vivió el período de terror que produjo el genocida Videla.
No obstante, si tenemos que revisar la cartelera porteña, este film es un desafortunado intento de plasmar una teoría que, quienes peinamos canas, sostenemos a rajatabla: el “nunca más”. ¿Por qué? Porque Capelliecha mano de recursos archiutilizados en el cine a partir de un personaje que no quiere vivir y que va abandonando, uno a uno, los lazos que lo atan a la vida: su trabajo, su novia, su familia, y sus amigos. Lo único que lo reivindica y lo mantiene es matar al dictador y asesino Videla.
Con frases en off que ya oímos hasta el hartazgo, se expone todo lo que el director absorbió del oscuro proceso militar. Salvando mares de distancia, el protagonista vive como El Extranjero, de Albert Camus, que protagonizara Marcello Mastroianni. Pero insistimos: mares, océanos de distancia.
Hay una cena de despedida que nos remite a La última Cena de Leonardo Da Vinci, mesa rectangular, mantel, panes redondos. Actores de la talla de Leyrado o Fiorentinopadecen la falta de dirección justamente actoral del novel Capelli.
Incluso aparece la señora Estela de Carlotto con un discurso pacifista a pesar del horror vivido. Nos parece que el tema daba para mucho más, que era necesario darle otra carnadura al protagonista, que podía haberse guionado desde otro lugar, con mayor profundidad.
Carlos Pierre
ACNÉ
De Federico Veiroj. Con Alejandro Tocar, Igal Label, Julia Catalá, entre otros.
BUENA. COMEDIA DRAMÁTICA SOBRE LA ADOLESCENCIA
Con la filosofía de la productora Rizoma y Control, que tuvieron a su cargo buenísimos films como Whisky, El Custorio, La Perrera, en este caso el director aborda la adolescencia desde el acné y la iniciación sexual. El tratamiento cinematográfico no recurre a pronunciadas actitudes dramáticas sino que plantea las situaciones de un modo lineal, característica de la productora, revolviendo las tribulaciones de un adolescente de 13 años, que vive en los 90 en Montevideo en el seno de una familia judía, de una manera natural, sin sobresaltos.
Es una auténtica tragicomedia con tono menor, cotidiano, poco hablada, pero con secuencias donde irrumpen, de manera natural, el amor, el sexo y el acné.
El film transita sin solución de continuidad las diversas experiencias del protagonista tanto en el colegio como en su hogar, con sus amigos y con ese ideal de mujer que lo persigue.
Federico Veiroj llega a la cartelera porteña con su opera prima, y promete un estilo particular, sin reacciones estentóreas, sobre la pasión y sus consecuencias. Dejar de ser niño, adentrarse en la vida amorosa, luchar contra el ridículo que se siente cuando se padece de acné, son los sólidos y reales argumentos de esta película, parsimoniosa y creíble a la vez.
Carlos Pierre
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Estrenos de la semana anterior
AVATAR
De James Cameron. Con Sigourney Weaver, Zoe Saldana, Sam Worthington, Stephen Lang, entre otros. Música de James Horner. 161 minutos. En 2D y 3D.
EXCELENTES EFECTOS ESPECIALES DE ÚLTIMA GENERACIÓN, MUY BUENA COMO PRODUCTO DE LA INDUSTRIA, BUENA COMO PROPUESTA ARGUMENTAL. UN MUNDO FLÚO Y UNA AUTÉNTICA “SPACE OPERA”
Técnicamente, esta reaparición del realizador canadiense James Cameron, a 12 años de Titanic que recaudó 1.835 millones de dólares y 30 años para Sigourney Weaver y su encuentro con los extraterrestres, en la película Aliens, marca un antes y un después.
El fondo de la historia, la idea del film, es ecológico: los humanos buscan minerales que ya no existen en la Tierra y se encuentran con un planeta repleto de bosques y, obviamente, minerales, Pandora.
La forma del film es la novedad: Cameron logró diseñar una cámara donde pudo editar las figuras recreadas en computadora con las actuaciones reales del elenco.
1) Una cámara y una isla de edición acorde a esta nueva exigencia tecnológica que facilita el trabajo del director. Primero utilizó la “captura de movimientos” tan usual especialmente luego de “El señor de los anillos”, de Peter Jackson. Los actores fueron conectados mediante sensores a computadores y sus movimientos más pequeños fueron capturados. Luego se les dio “forma animada” a esos movimientos, surgiendo los Na’Vi, seres de tres metros de altura, con piel azulada, oriundos del planeta de ficción Pandora, soñado por James Cameron.
2) De esta manera, por primera vez, los actores “transformados” en “Na’vi” jamás serán vistos con sus rostros verdaderos, que es el curioso caso de Zoe Saldana, la protagonista de la historia central de amor. Ella es Neytiri, pero su rostro y su físico no se ven, salvo la animación que inventó Cameron.
No sucede lo mismo con Sam Worthington, en su papel de JACK SULLY, el soldado discapacitado que es enviado a la misión Avatar en reemplazo de su hermano, fallecido supuestamente en combate, a quien se le mantienen los rasgos en su paso de “hombre a avatar”.
3) Se generó también un idioma especial, el lenguaje Na’Vi, que realizó el profesor Paul Frommer, a partir del lenguaje maorí de Nueva Zelanda.
4)Un aspecto FUNDAMENTAL de la forma es cómo se ha dividido la historia: tiene dos locaciones bien claras, las naves espaciales y el planeta Pandora, de aire enrarecido para los humanos. La base humana es la HELL’S GATE, así como están los vehículos interestelares o Venture Star (ISV), y el planeta es PANDORA es el asentamiento del clan OMATICAYA, que tiene 10.000 años de vida. Pandora está ubicado en el sistema solar ALFA CENTAURO, uno de los más cercanos a la tierra, a 4.4 años luz de distancia.
La base humana son sets, mientras que Pandora es COMPUTACIÓN.
5) Hay otros elementos que conocemos pero que nos resultan, todavía, inconcebibles de usar: la hibernación de los cuerpos humanos mientras la nave terrestre se acerca a Pandora.
6) La búsqueda del metal UNOBTAINIUM (el vocablo proviene del inglés “unobtainable”, o sea es un “latín trucho”) término que utiliza la literatura fantástica para indicar aquel mineral que contiene propiedades fuera de lo común y que no se consiguen fácilmente. Por lo tanto, es un mineral inexistente similar a la Kryptonita. Es el nombre genérico literario con el que se menciona a minerales inexistentes en la Tierra.
7) Se generaron animales exóticos para Pandora, muy parecidos a los viejos y queridos Dinosaurios y todas sus especies. Aparecen luciérnagas muy lindas, llamadas WOODSPRITE, una forma de medusas que andan entre la flora de Pandora como si fuesen mosquitos gigantes con colores flúo.
Finalmente, hay que explicar qué es AVATAR.
James Cameron debió tener asesoramiento para tomar esta palabra como título; sabemos que proviene del Sánscrito, AVANTARA, que significa reencarnación de una deidad, cambio, transformación, y es lo que sufren los personajes del film.
El fondo de la película es simple y conocido, de alguna manera, en líneas generales: un valeroso soldado, Jack Sully, es enviado al corazón del territorio de los Na’Vi para lograr convencerlos de la necesaria destrucción de parte de la vida vegetal del planeta para buscar el mineral faltante en la Tierra (los humanos agotamos el unobtainium). Jack es una persona sensible y se enamora de una Na’Vi por lo cual los proyectos de los humanos, ya apostados en Pandora en la Hell’s Gate, tendrán un brusco giro. La historia se ubica en el año 2154.
Un elemento que también hemos visto en una película reciente de Bruce Willis es la “transformación”: el avatar surge de la mente de un ser humano, que debe someterse a un tratamiento en una suerte de sarcófago. Mientras el humano “sueña” con su “doble”, el “avatar o doble” existe. Cuando lo deja de pensar telepáticamente o “soñar”, el avatar queda sin vida. Esta situación será manejada por James Cameron para darle giros a la historia de amor y al enfrentamiento de las fuerzas armadas humanas con las flechas de los avatares.
El film es la lucha entre los malos y desaprensivos humanos y los buenos y ecológicos seres de éste o cualquier otro planeta, si es que existen, la destrucción de la naturaleza y la importancia de cuidarla. Una historia de amor endulza las imágenes “flúo” generadas por Cameron y sus fabulosas cámaras, y todo se sintetiza en una visión estupenda que produce placer visual y seguramente espiritual también. Pero justamente la historia es lo débil del film de Cameron. Es un film también más importante para la industria cinematográfica que para el espectador por los avances tecnológicos alcanzados. De allí que Cameron haya esperado 15 años para poder realizarla.
¿Qué sentirá el espectador? Ningún sobresalto y sí una historia quasi convencional en medio de un ambiente flúo que le agradará. Mucho para relativamente poco.
¿Por qué titulamos “space opera”? Porque así se denomina al género de films que son pura fantasía, bella, pero fantasía al fin.
Elsa Bragato
ROSETTA
De los hermanos Dardenne. Película de 1999. Con Emilie Dequenne, Fabricio Rongione, Anne Yermaux, entre otros.Música de Jean Pierre Cocco. Ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes.
MUY BUENA. INTENSO DRAMA CON LA MAGISTRAL VISIÓN DE LOS DARDENNE
Es curioso que veamos una película 10 años después de haber sido consagrada en el mundo, al menos en uno de los festivales más importantes como el de Cannes, como la mejor. Pero problemas legales, según se adujo, impidieron que el público argentino se encontrara con esta maravilla trágica de los fantásticos Dardenne.
Los realizadores belgas eligieron a la joven Emile Dequenne, entonces de solo 18 años, para el papel de Rossetta, una desventurada joven que ha perdido el trabajo y que intenta sobrevivir con su madre alcohólica en medio de todos los sinsabores posibles.
Una cámara nerviosa, apresurada, anticipa por momentos la desesperación de la protagonista, luego de perder su trabajo que pudo mantener durante el período de prueba. La cámara está desesperada como el alma de Rossetta, y luego, con el fluir de la historia, se torna rutinaria al seguir los movimientos de la joven buscando un alimento o al cambiarse el calzado, o cuando ingresa al pequeño bosque donde está situado el camping, allí vive de un modo sórdido.
Más que bien otorgado está el premio, en 1999, a la mejor actriz concedido en Cannes a Emile Dequenne, hoy de 28 años.
Respecto de la forma de los Dardenne, que ya nos regalaron “El silencio de Lorna” y hace un par de años, la dramática “El hijo”, entre tantas otras obras, manejan una estoica y doliente estética con diálogos concisos, necesarios, y la carencia de la más mínima ternura en la protagonista para quien lo primordial es sobrevivir y no amar.
El drama de la joven es un drama social de muchos europeos y ni qué hablar de los latinoamericanos: un paisaje urbano que se mete, se cuela, en la tremenda pobreza de los personajes sin oportunidades laborales. Hay una brutal inclemencia social y ambiental, y Rossetta debe llegar hasta el límite para conseguir algo y sobrevivir.
El dolor de Rossetta está, según nuestro modesto criterio, graficado en la secuencia donde ella debe cargar con el enorme peso de una garrafa que acaba de comprar. Y hay que ubicarla en su mísero hogar. Son épocas de dolor, de tristeza, en el mundo. Da la impresión de que un film así nos puede derrumbar espiritualmente. Sin embargo, son las películas que nos hacen tomar conciencia de la realidad, del aquí y ahora, y hasta nos pueden dar fuerzas para seguir luchando con más bravura. Más que recomendable.
Carlos Pierre
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CENA CON AMIGOS
De Daniele Thompson. Con Karid Vird y Dany Boon.
BUENA. CENA A LA FRANCESA ENTRE CUATRO PAREJAS DE GRAN HIPOCRESÍA
Daniele Thompson echa mano de una historia conocida: cuatro parejas que se reúnen con alguna excusa para cenar escondiendo sus culpas y miserias. En principio, uno tiene la sensación de que estos protagonistas, porque se trata de un elenco coral y así funciona, tienen algo en común con nosotros. Estos matrimonios franceses no se diferencian mucho de tantos otros matrimonios argentinos.
El engaño, el amigo doctor, la amiga ginecóloga, un año de tiempo entre una cena y otra (un 21 de junio de un año sin determinar y el 21 de junio del año siguiente), las pasiones escondidas, el reencuentro con la ex, el divorcio en puerta de una pareja, y tres largas secuencias en tres automóviles de tres parejas a la salida de las cenas que, por la cámara tan estática, le quitan ritmo y hasta gracia a la propuesta cinematográfica.
Bien realizada, muy creíbles actuaciones, rallentada por estos diálogos estilo francés, es un film menor a Mis estrellas y yo y también a Háblame de la lluvia, que están todavía entre los 10 primeros puestos de las más vistas en Capital Federal.
Es una buena comedia, bien planteada, en la que encontraremos muchos puntos en común y algunos momentos de diálogos un tanto extensos.
Elsa Bragato
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AMANTE A DOMICILIO
De David Mackenzie. Con Ashton Hurtcher y Anne Heche.
MALA. FALLIDA COMEDIA SOBRE UNA SUERTE DE “CAFISHO” CALIFORNIANO
Realmente esta comedia con el marido de Demi Moore, el apuesto Ashton Hurtcher, es demasiado previsible como tan siquiera ingresar a la categoría de buena. Además, es posible imaginar estas situaciones en cualquier país o lugar del mundo pero en la riquísima California, hasta hace poco la quinta economía del mundo, nos parece exagerado y pueril.
En todas partes hay algún joven bien dotado que quiere pasarla bien con una mujer mayor pero adinerada. Digamos que esto está dentro de lo previsible. Pero que el joven en cuestión devenga en una suerte de corderito arrepentido ya nos parece una exageración.
Demasiado sexo quasi explícito, escenas que no agradan porque saltan al espectador sin previo aviso, e innecesarias en su gran mayoría para hacernos comprender que el protagonista está en esa lujosa casa californiana solo para complacer sexualmente a su dueña. Tampoco hay mucha explicación sobre cómo accede el personaje principal a locales muy exclusivos donde encuentra a sus “víctimas” adineradas. Y mucho peor nos pareció la redención de este “cafisho californiano” tal como se plantea.
No pierda tiempo.
Elsa Bragato
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