Crítica On Line
Los estrenos de la semana
Por Elsa Bragato

ESTRENOS DEL JUEVES 16 DE MAYO DEL 2013

Hay siete estrenos de cine esta semana que incluyen cuatro films nacionales, dos documentales y dos ficciones. Los documentales son Camila desde el alma, de Norma Fernández y Planetario, de Balzar Tokman. Los films son Pecados, de Diego  Yaker y Nositaliaj, la belleza, de Daniela Seggiaro. Estos dos últimos tienen gran belleza fotográfica, buenas actuaciones, y un mismo clima envolvente, con historias pequeñas de pueblo, ambas desde diferentes perspectivas, desde el amor hasta el mundo indígena.

EL GRAN GATSBY 3D

De Baz Luhmann. Con Leonardo Di Caprio, Carey Mulligan, Robey Mcguire, entre otros. Música de Craig Armstrong. Duración. 147 minutos.

BUENA. VERSIÓN OPERÍSTICA DEL CLÁSICO DE FITZGERALD CON MUY BUENAS ACTUACIONES

Es la quinta versión de “El gran Gatsby”, del novelista norteamericano Fitzgerald, publicada en 1926. Las anteriores fueron en 1926 (muda), 1949 con Alan Ladd, 1974 con Roberto Redford, se incluye la versión televisiva del 2001 y ahora esta versión del realizador australiano Baz Luhmann con Leonardo Di Caprio como Jay Gatsby. A Luhmann corresponden versiones muy buenas de “Romeo y Julieta”, por ejemplo, 1996, con Leonardo Di Caprio también, así como “Moulin Rouge”, con Nicole Kidman, su estrella también de “Australia”, 2008, un notable fracaso.

La realización de “El gran Gatsby” tiene mucho del pop y de la ópera que ama Luhmann, es teatral por momentos, exagerada visualmente, con algunas novedades tecnológicas que aligeran el relato audiovisual. Bien pueden destacarse dos partes: la primera, una introducción a las fiestas del millonario Gatsby, y la segunda, la explosión del personaje de Leonardo Di Caprio quien, en poco más de 45 minutos, muestra su capacidad actoral. No tiene más tiempo que ése, que es cuando Luhmann se alinea con la narración más tradicional y permite el desarrollo de sus personajes.

El relator es Tobey Mcguire, el ex “hombre-araña”, como “Nick Carraway”, oficiando de enlace entre Gatsby y su amor, “Daisy”.  Leal, sencillo, alejado de la fastuosidad de Gatsby, que Luhmann retrata con exagerada puntillosidad en desmedro de un acercamiento más rápido y romántico entre los protagonistas de la historia de amor, drama intenso de los años 20 del siglo XX.

Hay algunas secuencias que llaman la atención por su calidad y su excentricidad: la primera, es el rico joven Jay Gatsby recostado en un suntuoso sillón sobre almohadones mientras bebe champaña y mira el baile de “Nick” con su amada “Daisy Buchanam” (la inglesa Carey Mulligan). Joel Edgerton compone al airado marido de Daisy, “Tom Buchanam”. La excentricidad, para nosotros, está dada por el paso obligado de los costosos coches por una carretera donde hay un extraño letrero que parece controlar, con sus ojos, lo que ocurre, y al que la cámara de Luhmann reitera con primeros planos. Señalamos una tercera secuencia: el brutal enfrentamiento de Gatsby con Buchanam, donde Di Caprio muestra su enorme crecimiento actoral, no reconocido todavía por Hollywood (recordar “Revolutionary road”, “Los infiltrados”, “Diamantes de sangre” y “Djando sin cadenas”).

La historia transcurre en unas de las locaciones neoyorquinas más lujosas, ubicadas al norte de la ciudad, Long Island, en 1922. Un lugar paradisíaco para que Gatsby concrete los sueños de un palacio majestuoso y conquistar lo único que realmente quiere en su vida: Daisy,  quien vive enfrente de su mansión, lago de por medio. La propuesta de Fitzgerald no cambió. Solo que Luhmann le ha dado una aparatosidad que puede no gustar, especialmente en la primera parte. En todo caso, es la mirada y el sentir de un australiano sobre la bella época neoyorquina (“Moulin Rouge” fue la mirada australiana de Luhmann a la belle epoque parisina).

Es una narración novedosa desde ese punto de vista, que atrapa en los últimos 45 minutos cuando los actores se enfrentan en un duelo de pasiones sin concesiones. De todas maneras, no se sale incólume del cine.

Elsa Bragato

 

REINO SECRETO 3D

De Chris Wedge. Con Amanda Seyfried, Colin Farrell, Beyoncé, Christoph Waltz, entre otras voces. Música de Danny Elfman. Duración: 102 minutos.

MUY BUENA. HERMOSO MENSAJE EN UN FILM ANIMADO DIFERENTE

Chris Wedge fue el director de “Era del hielo” del 2002 y “Robots” del 2005, con lo cual se aseguró la realización de “Epic”, en inglés, traducido como “El reino secreto” en castellano, una bella historia de la lucha entre el bien y el mal, esta vez encarada desde la ecología.

Las voces de importantes actores como Amanda Seyfried y Colin Farrell, así como de Christoph Waltz y Beyoncé, entre otros, permite disfrutar personajes muy creíbles, muy bien realizados y una historia diferente, aunque el nudo sea la lucha entre el bien y el mal. En este caso, nos invita a conocer el mundo invisible a nuestros ojos humanos del bosque, donde habitan tantos seres que no vemos. El profesor Bomba es quien los ha descubierto y estudia, si bien por eso perdió su hogar. Ya fallecida su esposa, Mary Katherine, joven y bella adolescente, regresa al hogar paterno donde el profesor vive con un perro de tres patas y numerosas pantallas conectadas a sensores. Estos le indican la presencia de los seres que él ha descubierto: el hombre-hoja, los malvados que erosionan, la bella reina que da la vida, entre otros. Algo inesperado sucede y su hija queda transformada por lo que la actividad de su padre se torna de gran importancia para sobrevivir.

La banda sonora es del gran compositor Danny Elfman, y contiene 21 canciones, con un leit motiv de apertura y cierre de los créditos, melodías muy bellas.

Es una animación diferente por el objetivo que tiene, la ecología; tiene personajes muy bien delimitados dentro de la ciencia ficción propuesta, y el tema en sí resulta empático, agradable, uno siente que le hace bien. Muy recomendable. Una pequeña joyita de la animación siglo XXI.

Elsa Bragato

 

SCARY MOVIE 5

De Malcom D. Lee. Con Ashley Tisdale, Simon Rex, Charlie Sheen, Anna Farris, entre otros. Música, James L. Venable,                Duración, 85 minutos

BUENA. EFICAZ PARODIA DE LAS PELICULAS POCHOCLERAS

Esta nueva parodia de terror apela a satirizar a los más grandes éxitos cinematográficos. SCARY MOVIE en su secuela número 5 es una oportuna vuelta de tuerca. Y no está mal dentro de su género.

La base del guión es la burla a varios sucesos del cine de terror de los últimos años como Actividad paranormal y Mamá, y a películas exitosas como El cisne negro y El planeta de los simios. La historia parte de una pareja felizmente conformada que detecta una extraña actividad paranormal al llevar a sus tres sobrinitas a su hogar. Estas niñas han pasado tres años en soledad en el bosque, luego de la muerte de su mamá, y son verdaderas criaturas poseídas por el demonio.

“Dan”, encarnado por Simon Rex, es un investigador de monos, y su esposa “Jody”, protagonizada por Ashley Tisdale, es bailarina de danza clásica; con la llegada de las sobrinas, todo les sale mal, y deciden recurrir a expertos calificados y a numerosas cámaras para tratar de deshacerse de una presencia demoníaca que pareciera ser el siniestro fantasma de la mamá de las niñas.

Charlie Sheen tiene una fugaz aparición como productor de películas de sexo, pero no es más que un recurso de marketing del film. No vale la pena ahondar en nada más. Estamos frente a una película que cumple con los clishés del género y, en especial, con los de la saga Scary Movie. Una hora y media para tomarse en solfa el terror, reírse un rato y nada más. Y no está mal.

Carlos Pierre

JUEVES 2 DE MAYO DEL 2013.-

Hay cinco estrenos, que incluyen dos nacionales. No comentaremos “El gran simulador”, documental de Néstor Frenkel sobre el gran René Lavand, el mago e  ilusionista de enorme trayectoria nacional e internacional. Tampoco haremos crítica de “Bomba”, de Sergio Bizzio, con Jorge Marrale y Alan Daiez, presentada en el BAFICI con mucho éxito.

 

 

EN TRANCE

De Danny Boyle. Con James McAvoy, Vincent Cassel, y Rosario Dawson, entre otros. Música de Rick Smith. Duración: 101 minutos.

BUENA. THRILLER PSICOLÓGICO MÁS ORNAMENTAL QUE PROFUNDO

Danny Boyle, el realizador de este film, viene precedido de grandes éxitos: Transpoitting, Slumdog Millonaire, 127 horas, las más exitosas y ganadoras de premios. La realización de “En trance” es la menor de sus producciones cinematográficas por la linealidad de la trama que, pese a forzadas vueltas de tuerca, no logra profundizar en la tensión dramática propuesta, resultando un “puzzle” para el espectador que se irá con las manos y la mente vacía. Lo cual no es poco decir.

La ambientación es novedosa pero excesivamente minimalista para un film actual de suspenso. El “noir” o “ne-noir” como muchos críticos internacionales denominan a este género es escaso y, en todo caso, nos remite a films sangrientos con torturas incluidas que exceden al género mismo.

La idea del film es analizar la repercusión de la hipnosis en un trío conformado por una mujer y dos hombres. El ardid es el robo de un cuadro de Goya. James McAvoy compone a “Simon”, que es empleado de una casa de subastas en Londres y está en contacto con un delincuente, Vincent Cassel en el personaje de “Franck”, que tiene relación con la psicóloga “Elisabeth”, a cargo de la contundente Rosario Dawson, quien practica la hipnosis. Es que “Simon” no recuerda o no quiere recordar dónde está el cuadro que finalmente roba. Este “quid” es el que permite la narración de Boyle, intrincada, por momentos cruenta, que no llega a buen puerto ni asombra. A pesar de las vueltas, de ese ir y venir a los sueños y pesadillas de “Simon”, producto de las sesiones de hipnosis, de las relaciones sexuales que surgen entre él y la adoctrinada psicóloga y de la amistad de ésta con el veterano delincuente “Franck”, hay cierta previsibilidad y secuencias de diálogos que aletargan en demasía la narración.

El título le viene de perillas al film, “En trance” o directamente “Trance” en el original inglés, porque es una búsqueda de Boyle de las consecuencias en la mente humana a través de una técnica específica de un hecho que un individuo quiere ocultar. Ese “trance” transcurre a lo largo del film, trance hipnótico y el motivo de la búsqueda del elemento robado.

No resulta creíble que el ladrón se someta a las sesiones de hipnosis porque lo hayan torturado arrancándole las uñas. Lo verosímil habría sido caer en la huída y la posterior persecución. Más común, es cierto, pero más real. Si uno no lleva de las narices al ladrón que oculta el dato, a pesar de las torturas, resulta ridículo pensar que irá por miedo y no intentará escapar.

Si bien Danny Boyle no indica que haya tomado la idea de ningún film anterior, se sabe que hay un thriller homónimo emitido por la televisión inglesa en el 2001.

Le reconocemos a Danny Boyle un estilo muy moderno, minimalista, casi de cine independiente. Pero sus anteriores producciones, aún con características similares, resultaron contundentes y muy atractivas. El film le va a gustar a los amantes de los policiales pero advertimos que hay tanta búsqueda psicológica que saldrán bastante aburridos.

Elsa Bragato

 

 

RIGOLETTO EN APUROS

De Dustin Hoffman. Con Maggie Smith, Tom Courtenay, Billy Connoly, Pauline Collins y Michael Gambon, entre otros. Basada en la obra de teatro homónima de Ronald Yarwood. Reino Unido, 2012. Música de Darío Marianelli. Duración: 97 minutos.

MUY BUENA. VETERANOS CANTANTES EN BUSCA DE LA MÚSICA

El gran actor Dustin Hoffman lanzó su primer largometraje que fue muy bien recibido en San Sebastián, por ejemplo, y poco comprendido por quienes desconocen el mundo musical. Tomó la obra teatral homónima de Ronald Harwood (quien preparó también el guión para el film) para incursionar en la dirección cinematográfica, avalando el género musical con sólidos fundamentos ya que estudió música en el Conservatorio de Los Angeles. La obra de Harwood tiene al jorobado bufón del duque de Mantua, inmortal personaje de Rigoletto, ópera de Verdi. Y, para la banda musical, Hoffman convocó al talentoso compositor Darío Marianelli para componer la música incidental del film  además de darle la oportunidad de ejecutar la Tocata y fuga de Bach.

Es un film sobre los cantantes retirados y los instrumentistas aún en vena. La música, en este caso, se entrega en dosis moderadas, sin empalagar el oído de los espectadores. Al contrario, en una clase allí dictada para jóvenes, uno de ellos interpreta libremente un tema rapero. El quid del guión es La Casa Beecham, una residencia para músicos retirados, geriático de lujo, que lleva el nombre del gran director musical Sir Thomas Beecham. Allí se albergan los ex integrantes de un cuarteto vocal que supo interpretar con maestría la ópera Rigoletto, de Verdi, y, en especial, la pieza más famosa de esa obra, la Bella figlia dell’amore que esperan reeditar. Pero este sueño sufrirá un shock con el ingreso de una diva que encarna la siempre magistral actriz Maggie Smith, componiendo a “Jean Horton”, mujer de un ego superlativo que destruye su matrimonio con “Reginald Paget”, a cargo del actor Tom Courtenay. Las vicisitudes surgen por la enemistad del ex matrimonio y algún otro problema con el lugar, que permite un juego actoral de alto nivel.

Dustin Hoffman traspasa el ámbito teatral original al captar el entorno de la residencia con sus jardines elegantemente cuidados, y la sensibilidad y capacidad de la gente mayor de poder continuar con sus sueños. Hay un punto de unión con la magnífica película “El exótico hotel Marigold”, de John Madden, donde Maggie Smith compuso un delicioso personaje también.

Este ‘Rigoletto en apuros’ (primera ópera que tuvo un lugar privilegiado en el repertorio operístico),  de Hoffman es una refinada muestra de buen gusto y de emoción del celebérrimo actor, incluyendo un homenaje a los veteranos de la música en todas sus manifestaciones, que solo puede hacer quien ama ese arte. Se trata de una apuesta valiente a la tercera edad y sus capacidades vigentes ante una sociedad que no otorga lugar a los viejos. El cine viene dando muestras de apoyo a los viejos como la reciente “Y si vivimos todos juntos?” y que lo haga Dustin Hoffman tiene un plus que valoramos. Por supuesto, la recomendamos para adultos mayores y para amantes de la música.

Carlos Pierre

 

 

LA HUESPED

De Andrew Niccol. Con Saoirse Ronan, Jake Abel, Max Irons, Frances Fisher, Chandler Canterbury, Diane Kruger, William Hurt, entre otros. Estados Unidos, 2013. Basada en la novela homónima de Stephenie Meyer. Música, Antonio Pinto. Duración, 125 minutos.

REGULAR. CULEBRÓN DE CIENCIA FICCIÓN ANODINO

El realizador Andrew Niccol encaró con entusiasmo una nueva novela de la afamada Stephenie Meyer y la contrató como guionista, exponiéndose a la inevitable comparación con la exitosa saga Crepúsculo de la que Meyer es la autora, y, por lo visto, en este film anodino no le fue nada bien.

Aquí se entrecruzan la ciencia ficción, el thriller –en los que el realizador Niccol se mueve muy bien- y el tema recurrente de Meyer: el amor adolescente, agotado en la saga “Crepúsculo”. La historia se sitúa en un futuro no muy lejano, un “alma invasora” se mete en un cuerpo humano tratando de convivir, tema frecuentado en el cine y en la televisión (recordemos la memorable serie “Los invasores” y la lograda comedia “Hay una chica en mi cuerpo”). La joven actriz irlandesa Saoirse Ronan, aquélla de “Expiación, deseo y pecado”, realiza el doble rol de Melanie, la humana, y Wanda, el alma alienígena.

Esta aventura romántica está signada por una aséptica invasión alienígena, que ha transformado el planeta en un mundo sano, seguro y pacífico. Pero que no es tal, porque los humanos han sido diezmados “ocupados sus cuerpos” por las almas invasoras Solamente unos ojos translúcidos los distinguen de los humanos. No podemos negar que hay un “dejá vú” importante.

Los pocos que resisten tal invasión viven en túneles cavados en las montañas del desierto, en este caso, en Nuevo México, abandonando las humedades exuberantes de Luisiana en busca de resguardo.

Meyer, entonces, ha sacado a relucir su caballito de batalla, el enamoramiento adolescente, persistiendo esta dualidad de manera poco eficaz (aquí no hay herencia de lobos o de vampiros, hay coptación de cuerpos). Melanie-Wanda se enamoran de dos bellos jóvenes, derrumbando el plan alienígena. De todos modos, resulta a todas luces un martirio ver a dos almas pugnando por sus deseos en un mismo cuerpo, lo cual significa inexorablemente una declarada esquizofrenia de estas dos mujeres unidas en un mismo “envase”.

Con muchos clishés de “Crepúsculo”, Meyer va por más y apunta a un público mayor en su libro y el guión para el film. Ha querido abrir una nueva brecha editorial, pero tomó rumbos muy transitados, con falta de fuerza, descolorido, poco audaz, seguido por la dirección de Niccol que no aporta nada para que el film tenga “nervio”. Seguramente, la fuerza narrativa de uno no se conjuga con la del otro. La guionista plantea algo que el realizador intenta plasmar y chocan, la resolución del tema no está lograda. Es, en realidad, un culebrón de ciencia ficción anodino, como dijimos al comienzo.

Carlos Pierre

Hay cinco estrenos. No comentamos “Tabú”.

 

POR UN TIEMPO

Escrita y dirigida por Gustavo Garzón. Con Esteban Lamothe, Ana Katz, MoraArenillas, Patricio Contreras, Sebastián Wainraich, Jorgelina Aruzzi, entre otros. Música de Fernando Cabrera. Duración: 85 minutos.

MUY BUENA. AUSPICIOSO DEBUT DE GUSTAVO GARZÓN COMO DIRECTOR

Esta ópera prima de Gustavo Garzón, a quien pertenece también el guión, nos muestra el bagaje artístico de alguien avezado en el arte de la actuación, conocedor de los recovecos del alma de los personajes o de cómo encontrarlos rápidamente, y nos muestra también una sensibilidad especial para el tratamiento de la relación padre-hijos, que conoce por su propia vida.

El film es humano, cotidiano, sin golpes bajos, y campea airoso entre la comedia y el drama, sin caer en excesos, manteniendo un gran acento autobiográfico, tal como el mismo Garzón lo afirmó. Es una historia familiar, profunda, en la que un hombre exitoso (Esteban Lemothe) está casado felizmente (Ana Katz) y ambos esperan al primer hijo.  Sin embargo, un amor del pasado se hace presente a través de una hija adolescente (Mora Arenillas), cuya madre está muy grave y el padre debe cuidarla justamente “por un tiempo”. Fruto de una relación ocasional, irrumpe en el hogar consolidado de su padre produciéndose entre ambos rechazos y reencuentros, muy bien tratados por Garzón.

Resulta más que positivo que un excelente actor, un intelectual de pura raza como Garzón, se inicie como director en un metier que ha transitado desde otro lugar pero que conoce muy bien. Un agradable film nacional.

Carlos Pierre

 

IRON MAN 3

De Shane Black. Con Robert Downey Jr., Gwylney Paltrow, Don  Cheadle, Guy Pearce, Ben Kingsley, Rebecca Hall, entre otros. Música de BrianTylor. Duración: 130 minutos.

EXCELENTE. PERFECCIÓN TECNOLÓGICA SUSTENTAN ESTA TERCERA PELÍCULA

Que llegue Robert Downey Jr en el personaje de Iron Man 3, este excéntrico millonario que se inventa un traje a prueba de todo y busca la justicia, es un atractivo más que especial para los fans pochocleros, entre los que nos ubicamos cuando la realización alcanza esta perfección tecnológica.

De alguna manera, el film es más de lo mismo. Tony Stark, el personaje de R.Downey Jr, sigue con su bella novia (Paltrow), tiene nuevos y poderosos enemigos que apuntan ahora a la Casa Blanca (los tiempos políticos reales encuentran su parangón en el cine). Hay puntos de contacto entre esta nueva entrega de la saga y el film número 1, la ironía  de Tony, sus humoradas, que son afines al propio Robert Downey jr (recordemos su actuación en un film poco nombrado: “El solista”) por su manera de ser desenfadada. Tony no podía ser muy diferente.

En este caso, como dijimos, los malvados apuntan a la Casa Blanca. Y Tony Stark lucha con todo, hasta perder su fortaleza, atacada por helicópteros con misiles, como ha ocurrido en los otros films, si bien dentro de contextos diferentes.

Contar qué le pasa a Tony Stark en esta nueva película no lo vamos a hacer. Es el secreto que develará el espectador. Sí vamos a destacar la técnica impecable, con una ingeniería de sonido trabajada y espectacular, una banda sonora de Brian Tylor estupenda que cuenta con una variada percusión y un “brass” brillante, además del aporte del 3D. Todo junto configura un armazón donde el protagonista puede moverse seguridad.

La acción y la comedia, inseparables y efectivas, en una simbiosis perfecta, van llevando la trama de este thriller a ilimitados goces estéticos y emocionales, de ésos que los fans de los “tanques” siempre buscan y que el público, en general, agradece.

Dos detalles a manera de prólogo y epílogo respectivamente: el comienzo es en la ciudad de Berna, Suiza, en 1999, donde aparecen los nuevos personajes de esta tercera película (Guy Pearce y Rebecca Hall, con la novia de Tom Stark) y, en el final, sugerimos quedarse hasta que terminen todos los créditos, entre 10 y 15 minutos, para tener la sorpresa o el bonus track del film, del que no adelantamos nada. Hay que quedarse! Un film de superacción que entretiene de principio a fin y que siempre deja algún subtema picando, desde el poder de una clase alta hasta el poder del Estado, la sensibilidad de algunos y la maldad de otros, y la eterna lucha por hacer prevalecer el bien. No es poco!

 

NR: Iron Man 1 se estrenó en el 2008, bajo la dirección de Jon Favreau, con la participación de Jeff Bridges en el papel del padre de Tony Stark. La música era de Ramin Diawadi, y duró 126 ‘ La segunda película llegó en el 2010, con el mismo director y otro músico, John Debney, durando 124 minutos.

Carlos Pierre

 

PALABRAS ROBADAS

De Brian Klugman y Lee Sternthal. Con Olivia Wilde,Bradley Cooper, Dennis Quaid, JEmery Irons, entre otros. Música de Marcelo Zarvos. Duración: 102 minutos.

MUY BUENA. PLAGIO LITERARIO EN UN JUEGO DE CAJAS CHINAS

Un escritor lee frente a un grupo de personas enfervorizadas su nueva novela, narrando la historia de un escritor fracasado que encuentra un manuscrito y se hace famoso. Le ocurre a este personaje en su vida pero el verdadero autor es un anciano que, en su juventud, en la Segunda Guerra Mundial, encontró al amor de su vida en la ciudad de París.

Se habla de “cajas chinas” o de “matrioska” porque se trata de una pequeña caja encerrada en otra más grande y así sucesivamente, teoría de la conspiración muy actual y es, en verdad, lo que le ocurre al escritor que logra la fama con un libro que no le pertenece. Bradley Cooper, que vive un gran momento profesional, es este hoy escritor afamado que, paseando por el Central Park, se encuentra con el verdadero autor. El anciano (Jeremy Irons) no le reclama beneficios económicos pero le hace sentir vergüenza, arrepentimiento y una gran culpa por su hecho.

Hay caídas en el guión que han desmerecido el producto final: dos de las tres tramas presentadas no ocurren, están contadas y la última, interpretada por Dennis Quaid, tiene una gran falta de emoción por lo que es difícil que el espectador se sienta atraído. Contar y no accionar es una de las falencias de muchas películas aunque estén bien realizadas. El cine es palabra en acción. Imagen que cuenta.

También la narración ofrece dificultades para ser seguida debido a los relatos extensos, al carácter discursivo que toma el film más que de acción misma. Y la historia medular no sorprende porque, en principio, los plagios literarios siempre existieron y, en segundo lugar, es muy escasa la novedad o el giro dado a esta cuestión en este guión. Tiende a la moralina, al consabido consejo y a ejemplificar el buen accionar y las consecuencias de la codicia en este caso.

Destacamos las actuaciones de Jeremy Irons y Bradley Cooper, un poco menos la de Dannis Quaid y festejamos la recreación de la Francia post guerra mundial, elementos que valorizan el film más allá de su complejidad narrativa y de este juego de “uno dentro del otro” que no resulta muy eficaz. El síntesis, el escritor del escritor encerrados ambos en una misma novela.

Carlos Pierre

 

LE NOM

De Matthieu Delaporte y Alexandre de la Patelliere. Con Patrick Bruel, Valerie Banguigui, Charles Berling, Guillaume de Toncuedec, Judith El Zein, Francoise FAbian, entre otros. Música de  Jerome Rebotier. Duración: 109 minutos.

BUENA. EL JUEGO DE LAS PALABRAS DEL TEATRO AL CINE

Mientras Arturo Puig se luce como director de la obra teatral “Le prenom”, con gran éxito en la cartelera porteña, viene de Francia la “matriz” arrasadora hecha película, la obra llevada al cine, por lo que el espectador argentino tiene dos posibilidades no excluyentes para conocer este texto.

El ambiente del film es el del teatro. Y, por momentos, se hace difícil no pensar en que vemos una obra en un auditorio y no una película. Para no quedar encerrados teatralmente, los directores ilustraron cinematográficamente los caracteres de los personajes. Con ilustrativas imágenes, siempre acompañadas por ese aire intelectual propio del cine galo, un comienzo veloz, nervioso, va introduciendo a cada uno, que luego devendrán en conversaciones y discusiones, el Poder de las Palabras en definitiva y la carga inconciente colectiva que le asignamos, por sociedades, por culturas, por experiencias. Lanzándolas, diciéndolas, las dotamos de una vida y con un significado que puede hacer mella en quien las escucha.

Una cena, un sábado, cinco personajes, dos niños que apenas son mencionados porque duermen, son los personajes que debatirán la cuestión a partir de un hecho muy familiar: buscar el nombre de un niño en gestación. El padre lanza “Adolfo” y desata una discusión tremenda. Es un nombre ligado directamente a Adolf Hitler y no a otro personaje, y los franceses padecieron la invasión de las fuerzas nazis, generándose odios profundos. Como dato curioso, mientras se escucha lo que sucede alrededor de este nombre, “Adolfo”, suena desde reproductor la música de Richard Wagner, uno de los gestores del antisemitismo.

Estamos frente a una comedia francesa, muy ágil, divertida, con ese sesgo tan especial de esta cultura que es el toque intelectual. La familia, las discusiones políticas y la sinrazón, en definitiva, de las discusiones acaloradas. Muy interesante.

Hay siete estrenos confirmados, incluyen el film nacional “La vida anterior” y la coproducción argentino-colombiana “Roa”.

 

LAZOS PERVERSOS

De Park Chan-Woo. Con Nicole Kidman, Mia Wasikowska, Matthew Goode, entre otros. Música de Clint Mansell. Duración: 99 minutos.

MUY BUENA. TERROR ERÓTICO EN UNA NARRACIÓN ATRAPANTE

Park Chan-Woo debuta en el cine de Hollywood con Lazos perversos. El director surcoreano, brillante en el género sangriento, no abandona su línea pero consigue un apabullante clima de erotismo contenido y creciente que mantiene atado al espectador a la butaca.

La historia que nos presenta tiene pocos personajes, una mujer que queda viuda (Nicole Kidman) con una hija adolescente (Mia Wasikovska) y un hermano del padre (el hombre fallecido) que aparece, elegante y misterioso, acosador refinado (Matthew Goode, el actor de Match-Point). Un piano, una  mansión, y pocos personajes más que van desapareciendo mientras el film desarrolla una narración morosa, con fruición por el erotismo en los más mínimos gestos de los personajes.

El secreto de ese tío atrae a la sobrina, pero en el medio está su madre, que se abandona la sensualidad de la amistad que el hombre le propone. A partir de la mitad del film, empezamos a enterarnos de otros personajes, sus relaciones con el tío, y una idea argumental que conocemos, previsible. No obstante, la maestría de Chan-Woo logra que, aunque se intuya, disfrutemos de un goce estético visual y temporal que hacen que este film de género sea muy atractivo, muy fascinante, especialmente para sus fans. Un aire fresco sangriento, brutal, con sensualidad y gestos de deseos contenidos nos atrapan en una historia que, sin la perfección estética del director surcoreano, no se habría logrado.

Elsa Bragato

 

 

TU AMOR, MI PERDICIÓN

De Louis-Do de Lencquesaing. Con Louis-Do de Lencquesaing, Ada Cervi, Marthe Keller, Alice de Lencquesaing, entre otros. Música de Emmanuel Deruty. Duración: 93 minutos.

BUENA. LA VIDA QUE CORRE SIN DARNOS TREGUA

Louis-Do de Lencquesaing debuta en el largometraje, luego de ser protagonista y de codearse con los grandes realizadores del cine francés actual, y lo hace con guión, dirección y actuación. Trabaja con su hija en la vida real, Alice, como Camille, compone a un escritor que debe convivir no solo con su hija sino con su madre Mina (Marthe Keller) que acaba de enviudar, y un amor que se le cruza, Ada, a cargo de la italiana Valentina Cervi. Ada es una mujer fuerte pero vulnerable y, a pesar de tener pareja e hija, se enamora de este hombre que tiene el aspecto de un perdedor, de alguien que ve la vida pero, por alguna razón profunda, teme vivirla aunque la vive.

El título en francés, Al Galope, resume esta idea: la vida nos pone frente a opciones de las que no podemos escapar en forma constante. El título en castellano, Tu amor-Mi perdición, trivializa la relación de este protagonista masculino que nos cuenta en off lo que le sucede, además de padecerlo y disfrutarlo con su hija, su amante y su madre. Pero, haciendo honor al título en francés, la vida nos corre, corre por sí misma.

Hay una excelente realización de de Lencquesaing, técnicamente fluido, rápido, y un mirar un poco por arriba de tantas situaciones que nos complican aún cuando no lo deseamos ni lo buscamos. La profundidad de los personajes se logra a través de sus vivencias más que con el hurgar de la cámara en el monólogo interior. Es un interesante planteo: la vida corre, está en nosotros dejarla correr o vivirla. Un film con un protagonista masculino puesto a develar su pasión, su razón de ser, sus ansiedades y sus temores, interesante, diferente.

Elsa Bragato

 

 

LA ESPERANZA DE UNA NUEVA VIDA

De Andrea Segre. Con Tao Zhao, Rade Sherbedgia, Marco Paolini, entre otros. Música de Francois Cuturier. Duración: 93 minutos.

BUENA. DOS ALMAS SOLITARIAS EN EL CORAZÓN DE VENECIA

Andrea Segre se presenta ante nuestro público con un film romántico diferente, filmado en Venecia y su espectacular marco natural. Desarrolla la historia de un amor que hoy es posible: una joven china (Tao Zhao) debe trabajar en un bar en la ciudad de los canales y encuentra un relación paternal con algo más en otro inmigrante, ex yugoslavo, adoptado por los italianos, Bepi (el serbio Rade Sherbedgia, que fue el fabricante de las varitas en Harry Potter y las Reliquias de la Muerte). La poesía les sirve de unión en esta amistad profunda, empática, con la soledad de los inmigrantes, la adaptación a otras tierras, la pérdida de los afectos familiares: un poeta chino, Qu Yuan, con este Bepi, apodado “el poeta” por hacer rimas.

El film comienza auspiciosamente pero luego decae en largas charlas de los habitués al bar (atendido por chinos), en el que trabaja  Shun Li en grado de esclavitud. Comen camarones al aire libre, hacen la clásica filosofía de bar y, si bien resultan simpáticos, los diálogos son consabidos, quitándole mucho ritmo a una historia preciosa que se diluye.

Hay una secuencia que sí nos toca el corazón: la visita de Shun Li a la casucha de Bepi en medio del Gran Canal, entre la isla Giudecca en el fondo y la Piazza San Marco, alejado de todos, como la misma protagonista de su hijo de 8 años hasta que pague lo impuesto por sus patrones. En ese encuentro semipaternal hay mucha poesía, desde la convincente actuación de Tao Zhao hasta la atractiva composición de Rade Sherbedgia de este “Bepi”, padre y abuelo, pescador y rimador compulsivo, solitario y generoso.

Hay saltos narrativos que, si bien se comprenden, resultan un tanto exagerados y nos alejan de ese núcleo prearmado: la relación de dos almas solitarias. La fascinación del espectador por esa pareja protagónica, una china y un serbio, se pierde en un final previsible y lejos de la poesía planteada en el inicio.

Elsa Bragato

 

 

21, LA GRAN FIESTA

Guión y dirección de Jon Lucas y Scott Moore. Con Miles Teller, Justin Chon, Sylar Astin, Sarah Wright, entre otros. Música de Lyle workman. Duración: 92 minutos.

REGULAR. FIESTA DESCONTROLADA, MÁS DE LO MISMO

Un joven americano, de origen oriental (Justin Chon) cumple 21 años y sus dos amigos de la infancia (Miles Teller y Skylar Astin) lo llevan a festejarlo en una alocada rueda de bares nocturnos. El descontrol se apodera de los tres, haciendo peligrar la entrevista del aventajado estudiante cumpleañero para ingresar a la facultad de medicina.

Jon Lucas y Scott Moore, conocidos por el guión de la irreverente y exitosa “Qué pasó en Las Vegas”, encaran este primer largometraje con un argumento harto repetido y, por lo tanto, desteñido, pletórico de viejos y conocidos clishés basados en las bromas juveniles, con desbordes etílicos y amorosos. Aquí no se descontrolan treinteañeros como en “Qué pasó en Las Vegas” sino chicos del secundario que caen en secuencias escatológicas, en fiestas con abundante alcohol y consecuencias previsibles. No obstante, es un film que puede funcionar para los más jóvenes, de impetuosas hormonas, que van a reírse con situaciones que los adultos, si no las pasamos tal cual, las conocemos de alguna manera. No vale la pena abundar en más detalles ni argumental ni de realización: es una más.

Carlos Pierre

 

 

ROA

De Andrés Beiz. Con Mauricio Puentes, Catalina Sandino, Santiago Rodríguez, Rebeca López, entre otros. Coproducción Colombia-Argentina. Música de Iván Wyszogrod. Duración: 91 minutos.

BUENA. UNA MIRADA HACIA EL “BOGOTAZO” DE LOS 40

Basado en los hechos violentos, ocurridos en la década del 40 en Bogotá, Colombia, a raíz del asesinato del político y abogado Jorge Eliécer Gaitán, esta ficción histórica de Andrés Beiz intenta analizar esa muerte, colocando en el centro de la historia, como “pivot”, a Juan Roa Sierra (Mauricio Puentes).

Roa fue un personaje ambiguo que cabalgó entre una personalidad endeble y un afán de alcanzar una meta sobresaliente en el mundo político de su época. Falto de trabajo, extremadamente pobre, deambuló por Bogotá en búsqueda de algo para sobrevivir. Y se acercó al líder Gaitán, gestando su plan criminal.

Rasgos importantes de esta película son la fotografía de la Bogotá de los 40, una recreación generada con pocos recursos pero eficaces (Guillermo Nieto, director de fotografía), que nos muestran el colorido de las calles, la vegetación prodigiosa y las montañas imponentes. Destacando también el vestuario de época y los usos y costumbres de aquellos años, con excepción de algunas frases que son actuales.

Las escenas lentas y minuciosas son importantes en este film y hay que valorarlas en su justa medida porque reflejan, de manera indirecta, el carácter dubitativo y sumiso del protagonista. Roa es un empedernido violento pero camuflado en su carácter opacado y gris. El director Andrés Beiz no se mete en los detalles del asesinato y sí, en cambio, en la personalidad de Roa, el asesino material o el ideólogo de un hecho que marcó a fuego a la sociedad colombiana de entonces.

Es una película interesante que nos muestra un hecho histórico a partir de uno de sus protagonistas, un argumento infrecuente en los films latinoamericanos que, además, poco se difunden en la Argentina.

Carlos Pierre

 

 

LA VIDA ANTERIOR

Guión y dirección de Ariel Broitman. Con Elena Roger, Sergio Surracco, Esmeralda Mitre, Juan José Camero, Adriana Aizenberg, entre otros. Música de Pablo Sala. Duración: 94 minutos.

REGULAR. TRAICIÓN AMOROSA EN CLAVE MELANCÓLICA Y FATAL

El matrimonio entre una joven alumna de canto (Elena Roger) y un chelista (Sergio Surracco) se ve sacudido por una cantante misteriosa y extraña (Esmeralda Mitre). Ambas estudian con una avezada maestra de canto (Adriana Aizenberg), pero en ese ambiente musical surgen juegos de seducción, celos y admiración, entre las dos jóvenes alumnas y el chelista, donde la traición sale a relucir de un modo determinante y fatal.

Entre las aguas musicales, Elena Roger navega con acierto realizando un contrapunto entre el tango y la ópera; Juan José Camero compone a un bandoneonista anciano y decadente, sus solos fueron interpretados por el maestro Néstor Marconi para el film.

En líneas generales, es un film muy pretencioso, con una morosidad que atenta contra el desarrollo natural del guión. En alguna medida, debido a la inclusión de extensos pasajes cantados. Esto rallenta el film que no es musical pero pretende serlo, que es un melodrama y a gatas llega a serlo basándose en el triángulo amoroso. De todas maneras, son logradas las locaciones interiores y también muchos exteriores rodados en la ciudad de Colonia, Uruguay. En todas estas secuencias, y como idea subyacente fundamental, hay un dejo melancólico y fatal que contribuye a la morosidad apuntada.

El argumento está basado en la novela La maestra de canto de Silvia Arazi, ex modelo y cantante lírica, que presenta una alteración lineal del tiempo, según la protagonista (Elena Roger), quien consigue triunfar y permanecer en el canto con la Serenata de Shubert, leit motiv que se escucha a lo largo de la película.

Destacamos que la alusión al violoncellista del Octeto Buenos Aires es un dato inexacto en el tiempo: fue el maestro José Bragato  el único cellista de ese octeto quien hoy tiene 97 años por lo que no se condice con la edad del protagonista. Si se mencionó, debió hacerse con veracidad y teniendo en cuenta el tiempo transcurrido: el Octeto Buenos Aires debutó en 1955 y duró casi dos años más bajo esa denominación.

Estamos frente a un producto inhabitual dentro de la cinematografía nacional, que reproduce la vida de cantantes y músicos, cayendo en la trajinada historia del triángulo amoroso más elemental. Luego no hay una evolución narrativa ni psicológica que nos permita hablar de un desarrollo que nos toque el corazón y nos sobresalte. Todo lo contrario: los pasajes musicales aletargan la historia de manera contundente y, aunque en algún caso se trate de una magnífica voz, no produce el efecto buscado. Nadie duda de la eficiencia de los actores. Pero el resultado (argumento, técnica)no nos tocó el alma.

Carlos Pierre

 

 

JUGANDO POR AMOR

De Gabriele Muccino. Con Gerard Butler, Jessica Biel, Uma Thurman, Catherine Zeta-Jones, Judy Greer, Dennis Quaid, entre otros. Música de Andrea Guerra. Duración: 105 minutos.

 

BUENA. COMEDIA LIGERA SIN PRETENSIONES

Comedia ligera y previsible, sale a flote por el carisma de su multiestelar elenco y por la reconocida trayectoria de su director, Gabriele Mucchino, ahora en las huestes de Hollywood. Muccino aborda el caso de un jugador de fútbol reconocido en Europa, que regresa a su país para reconquistar a su hijo y a su esposa, quien ya tiene otra pareja. Este jugador viene sin bienes por lo que necesita trabajar e ingresa como entrenador del equipo de fútbol del colegio donde está su hijo, al que quiere reconquistar.

En primer lugar, el tema del fútbol es muy novedoso para el público norteamericano y está tratado con solvencia narrativa y protagonizado por un galán como Gerard Butler, quien conquistó al público con “300”, que atrae a las demás mamás de los chicos del colegio, sedientas de pasión. Así aparecen Uma Thurman, Catherine Zeta-Jones y Judy Greer, quienes no escatiman en hacerle proposiciones amorosas al carismático entrenador. Dennis Quaid, un sólido actor pocas veces reconocido como tal, compone al sponsor del equipo de pequeñas estrellas escolares.

Calificamos de bueno al film porque tiene un gran peso su elenco multiestelar y la eficacia de sus actuaciones, por el director europeo que es un gran conocedor del fútbol y tiene una dúctil mano como realizador, y por la novedad del guión en tratar el tema del fútbol y no del béisbol. Finalmente, hay gracia y soltura en una comedia que no tiene más pretensiones que las de hacer pasar un buen momento.

Carlos Pierre

Hay cuatro estrenos que incluye uno nacional,  “Quién mató a Mariano Ferreyra?”, de Alejandro RAth y Juan Morcillo, un semi documental interpretado por el periodista Martín Caparrós, basado en el libro homónimo de Diego Rojas. Se intenta dar una explicación al crimen de Mariano Ferreyra ocurrido el 10 de octubre del 2010, perteneciente al Partido Obrero, al ser atacado por una patota sindical. Es un aporte más al caso, que puede gustar o no.

 

CONTRARRELOJ

De Simon West. Con Nicolas Cage, Malin Akerman, Josh Lucas, entre otros. Música: Mark Isham. Duración: 96 minutos.

BUENO. ENTRETENIMIENTO DE RITMO VERTIGINOSO

Diez horas frenéticas durante la celebración de las fiestas del Mardi Gras en Nueva Orleans, o sea el Martes de Carnaval que conocemos, es el tiempo perentorio de este thriller con Nicolas Cage puesto a liberar a su hija adolescente (Sami Gayle), secuestrada en el baúl de un taxi que conduce un ex cómplice. Este sujeto realmente peligroso está encarnado por Josh Lucas, quien tiene una grotesca pierna ortopédica, producto de un fallido asalto en conjunto con el personaje de Cage a un banco. Ahora el reclamo de uno al otro es de 10 millones de dólares para liberar a la hija.  Éste es el quid argumental, suficiente para generar adrenalina a granel en el espectador fanático de los thrillers policiales.

Desde hace un buen tiempo, Nicolás Cage viene encarnando una serie de personajes de acción de una manera especial: rostro impávido pero, indudablemente, carismático para estos personajes. Buen actor no es. No obstante, con pocos parlamentos, impone su figura como eje de este tipo de historias, convirtiéndose en el símbolo o ícono de la acción actual, sin mayores profundidades. Sin embargo, en esta película titulada en inglés “Stolen” (Robado/da) hay un leve giro hacia lo sentimental porque la acción que desarrolla es para liberar a su hija en la ficción, aunque no haya mantenido una buena relación con ella. Un subtema, si se quiere, a tener en cuenta: los padres que siguen siéndolo aunque estén alejados físicamente de su descendencia.

El Mardi Gras de Nueva Orleans, su singular colorido y fastuosidad, las espectaculares persecuciones, los dos atracos a bancos con precisión sofisticada, le imprimen al film un ritmo vertiginoso y una adrenalina ininterrumpida a lo largo de las horas que, según el guión, el protagonista tiene para reunir el dinero y salvar a su hija.

Este thriller propone un nuevo desafío de acción en un tiempo de ficción limitado, y resulta atractivo como entretenimiento.

Carlos Pierre

 

 

POSESIÓN INFERNAL

De Fede Álvarez. Con Jane Levy, Shiloh Fernández, Lou Taylor Pucci, entre otros. Música de Roque Baños. Duración: 91 minutos.

BUENA. BAÑO DE SANGRE A LA URUGUAYA

La remake de Posesión Infernal de Sam Raimi, 1981, en manos del cineasta uruguayo Fede Álvarez, haciendo además su gran debut en Hollywood, es sorprendente por la solidez del guión, el encabalgamiento de las secuencias, el suspenso y el terror crecientes hasta llegar al paroxismo del “gore”, estilo Tarantino, con lluvia de sangre y vísceras que saltan por doquier.

Como en el film inicial, cinco jóvenes se aventuran en una casa solitaria para curarle la adicción a las drogas a una de las chicas. No advierten que será poseída por un espíritu infernal que irá trastocando la vida de todos ellos en medio de sierras eléctricas, de lenguas que brotan de la boca como serpientes negras y repugnantes, de máquinas disparadoras de clavos que destruyen al contrincante de manera brutal, entre otros acertados clishés del “gore”. Aquí Fede Alvarez planificó cada elemento conocido para conferirle un verismo que es brutal y que logra su objetivo: asustar, sobresaltar, disgustar, aterrorizar, al espectador. No vale la pena agregar nada más ni de argumento ni de efectos especiales.

Esta opera prima de Fede Alvarez es significativa porque se transforma en un gran paso del cineasta uruguayo en la Meca del Cine, y tiene la solidez de cualquier film del género, aún superando en muchos casos a los clásicos del género. Para quienes disfruten del susto, del horror, del “gore”, en su máxima expresión.

Elsa Bragato

 

 

BIENVENIDO A LOS 40

De Judd Apatow. Con Paul Rudd y la familia del realizador Apatow. Música de Jon Brion. Duración: 134 minutos.

REGULAR. MATRIMONIOS DE 40 QUE NO SON UN RETRATO

Judd Apatow es reconocido por un par de films, no muchos, tan solo cuatro, de los que nosotros destacamos “Ligeramente embarazada”, una película muy atractiva y diferente. Otros pueden recomendar “Virgen a los 40” que tuvo un gran éxito. E incluso “Funny People”, también muy buena..

En “This is 40” o “Bienvenido a los 40”, Judd Apatow busca un “alter ego”, el actor Paul Rudd, para interactuar con sus hijas y mostrar cómo se vive en un barrio de California, que puede estar ubicado en Los Angeles como en cualquier otro “county”, así escrito, de ese estado norteamericano. Casas amplias, mobiliario moderno y de primer nivel, un estilo de vida que cuesta mucho mantener por los altos impuestos y por lo que significa vivir en semejante estado, considerado alguna vez la quinta economía del mundo. El matrimonio llega a los 40 con una escena de sexo inicial y luego las diferencias entre el hombre y la mujer, una pelea común, cotidiana, que no va más allá de marcar las diferencias entre uno y otro sexo, a veces con lenguaje adulto abusivo y, en algún momento, desagradable.

De allí pasa al entorno del vecindario, las necesidades de generar un pequeño emprendimiento para subsistir en ese lugar y de ese modo,  los abuelos, los chicos y su problemática, es decir, este matrimonio no tiene un minuto de sosiego por causas propias, por causas ajenas. Es un retrato de cómo se vive en California, más que en cualquier otro estado de los Estados Unidos. Pagando impuestos, generándose un estándar de vida que no nos retrata en nada ni siquiera en la problemática familiar que podría tener puntos en común: la generación de dinero, el pago de las cuentas mensuales, la educación de los hijos. Pero en general. Aquí se retrata a un matrimonio de 40 de California, y nada más.

Al film le falta nervio, pasión, y tiene demasiados minutos extra que no aportan nada. Es un telefilm para emitir por cable un sábado lluvioso por la tarde y verlo aquí, en Buenos Aires, soñando con una casa de ese estilo pero sin tantos problemas cotidianos de toda índole. No nos convenció.

Elsa Bragato

ESTRENOS JUEVES 28 DE MARZO DEL 2013

Hay siete estrenos esta  Semana Santa, que incluyen a tres films nacionales. No comentamos “La memoria del muerto”, de Valentín Javier Diment.

 

BEIRUT-BUENOS AIRES- BEIRUT

De Hernán Belón. Guiòn de Hernán Belón y Grace Spinelli. Música de Juan Pablo Mendonza. Duración: 83 minutos.

MUY BUENO. BUEN DOCUMENTAL SOBRE UN INMIGRANTE LIBANÉS

Estamos frente a un documental de Hernán Belón que realiza un buen rescate del pasado de un inmigrante libanés que, tras algún tiempo, regresó a su país natal. Una mujer de origen libanés decide averiguar por qué su bisabuelo, Mohammed Alí Musa Haitan, quien vino a la Argentina en 1885, formó familia en la Argentina hasta que, un buen día, regresó a su país, dejando seres queridos, pertenencias, todo.

Grace Spinelli, su bisnieta, debió recorrer un intrincado camino, documental y afectivo para tratar de desentrañar esa actitud tajante de su lejano pariente. Unas cartas escritas en árabe, jamás leídas, facilitadas además por una tía abuela, encendió la hispa de esta travesía a través del tiempo y las distancias.

Hernán Belón, joven de vasta trayectoria en el cine (Sofía cumple 100 años, El Campo, El tango de mi vida, entre otros títulos) realizó una trabajosa tarea documental en el Hotel de Inmigrantes de la ciudad de Buenos Aires y en el propio Líbano, buceando en la historia oculta del bisabuelo libanés de la protagonista.

Así retrató a muchos familiares tanto porteños como libaneses, testigos de aquella incógnica que dejó el inmigrante. Las escenas del Líbano tan herido por las guerras nos estremecen y se suman a las sensaciones de tristeza, nostalgia y afectos perdidos y otros ganados que jalonan la vida de todos los inmigrantes. Sus herederos argentinos reclaman sus raíces, su identidad, y es el caso de la protagonista del film. Muy bien narrado, muy interesante.

Carlos Pierre

 

 

LA RECONSTRUCCIÓN

De Juan Taratuto. Con Diego Peretti, Claudida Fontán, Alfredo Casero, entre otros. Duración: 93 miniutos.

BUENA. USHUAIA COMO EPICENTRO DE LA RECONSTRUCCIÓN FAMILIAR

Es el tercer trabajo conjunto de Juan Taratuto y Diego Peretti, quienes ya hicieron “No sos vos, soy yo”, excelente comedia, y luego “Quién dice que es fácil?”. En esta oportunidad, en la soledad luminosa y cambiante de Ushuaia, un duro empleado petrolero, encarnado por Diego Peretti, de Río Grande, asume el rol de un amigo que muere para sostener a la familia de éste mientras, de alguna manera, reconstruye en parte su propia historia dado que su mujer falleció.

Rodada con la vistosidad de la geografía tan singular de Ushuaia, con sus carreteras zigzagueante y la solidez de las estepas heladas del sur, el film gana en ampulosidad. Los personajes se debaten en ese ámbito diferente e intenso, solitarios y encendidos de vida con el afán de recuperar de la muerte y del abandono. La idea es muy interesante, sin lugar a dudas. Pero la calificamos de “regular” por diferentes motivos que enumeramos: el protagonista es demasiado tosco y el guión es muy previsible. Tampoco resulta convincente la canción en inglés que acompaña a Peretti tanto en el comienzo como en el final del film. Detalles que se suman para que el film tenga, frente a nuestros ojos, elementos muy positivos (las actuaciones) y otros que no lo son y que desbaratan la buena idea inicial.

Carlos Pierre

 

 

PROYECTO 43

De los Creadores de “Tonto y Retonto”, entre otros films, Peter Ffarrelly y Charles Wessler. Con Hugh Jackman, Kate Winslet, Naomí Watts, Emma Stone, Uma Thurman, Halle Berry, Gerard Buttler, Seann William Scott, Josh Duhamel, Richard Gere, entre otros.

MALA. DEMASIADA ESCATOLOGÍAI PARA MOVER A RISA

Llama la atención la cantidad de estrellas de Hollywood que integran esta película, armada en base a once historias entrelazadas. Tres jóvenes adictos a la computadora buscan un proyecto secreto, el Proyecto 43 o la Movie 43, topándose con once historias que van armando la narración audiovisual con una gracia obscena y de mal gusto, exageradamente zarpado humor plagado de segmentos escatológicos.

Llama la atención el poder de convicción y participación de los productores de “Tonto y retonto” al lograr convocar a un elenco coral de gran nivel artístico, ganadores de numerosos premios, para representar secuenias desagradables y de muy poco arte en sí mismas.

Citas a ciegas, romances desvariados, testículos adosados a la gargante de un protagonista, por ejempo, o la joven enamorada que, lejos de pretender flores de su prometido, solo ansía sus excrecencias.

Es, en definitiva, una batería disparatada de situaciones bien realizadas, no lo vamos a negar, pero tan desagradables en su mayoría que pensamos seriamente que el cine está para divertir, entretener y enriquecernos desde otro lugar. La irreverencia está destinada a los más jóvenes, un target que siempre se busca para estos films. Y para los adultos de muy mal gusto.

Carlos Pierre

 

 

JACK EL CAZAGIGANTES EN 3D

De Bryan Singer. Con Stanley Tucci y Edward McGregor, entre otros. Música de John Ottman. Duración: 114 minutos.

BUENA. VIEJO CUENTO REMOZADO CON EFECTOS ESPECIALES

Los cuentos infantiles siguen dando pasto para películas con efectos especiales, superespectáculos que siempre tienen público. En el caso de Jack, el Cazagigantes, se toma como base un cuento anónimo, el de Las habichuelas mágicas, erróneamente atribuido a Anderson. Es interesante que esté actuado por artistas de carne y hueso y no sean solo sus voces. En este caso, Jack escucha de la voz de sus padres, antes de dormir, el cuento de los gigantes desterrados de la Tierra, quienes habitan en un lugar por allá, a lo alto, cerca del Cielo. Ya adolescente, y de casualidad, cuando necesita vender su caballo (en el cuento original es una vaca), recibe a cambio varias habichuelas que son “mágicas” y que no deben ser mojadas. Pero no sería cuento ni película si, por un percance, una habichuela no se moja. Le cae una tormenta de aquéllas y crece un monstruoso árbol, como el que vimos en “El gato con botas” (la misma base de habichuelas…), que llega hasta el cielo y, por otro percance propio de la acción narrativa, queda en lo alto la joven princesa, enamorada del plebeyo Jack.

Bajar a la princesa de aquel monstruoso árbol que se mete entre los gigantes, quienes se comen a los humanos como si fuesen manzanitas, es el objetivo a cumplir, aunque siempre hay un enemigo oculto entre los que quieren traerla a la tierra y es otro elemento para intensificar el suspenso. La lucha con los gigantes es la acostumbrada, malos, remalos, pisan esqueletos humanos, cuecen humanos vuelta y vuelta, insensibles y feos.

No hay ningún aporte especial salvo la actuación de Edward McGregor y Stanley Tucci, quien compone al enamorado de la princesa, codicioso y malvado. Más de lo mismo, para perder tiempo y dinero. Y, en alguna escasa medida, algo entretenida. La sensación es que “esto ya lo vimos antes”.

Elsa Bragato

 

 

VERANO DEL 79

De Julie Delpy. Con Emmanuelle Riva, Julie Delpy, entre otros. Duración: 113 minutos.

MUY BUENA. LOS CAMPANELLI A LA FRANCESA, ADORABLE COMEDIA

La caída a tierra de la primera estación espacial norteamericana, Skylab, el 11 de junio de 1979, tuvo al mundo en vilo. La directora Julie Delpy se basa en su propia historia para narrar un momento de su familia, durante un verano en la Bretaña, especialmente por el miedo que sentía la abuela ante el bólido que se esperaba desde el cosmos. Todos tenían miedo de morir trágicamente.

Además de este hecho, que fue real (finalmente el SKylab cayó en Australia, país que demandó a la NASA por 400 dólares), la película da pie para contraponer la vida de los adultos con los chicos, las diferentes posiciones políticas (es muy común en Italia y España el enfrentamiento entre “comunistas” y “fascistas”, mucho más que en nuestro país), la reunión familiar alrededor de la mesa, y se tiene la sensación de que es un film italiano y no francés. Sin embargo, ambos países hacen gala de este tipo de reuniones y las trasladan al cine con frecuencia.

Está el “sentido Campanelli” por llamarlo de alguna manera y también las situaciones individuales que se transforman en un muestrario simpático y afectivo de las relaciones familiares, con sus pro y su contra. Es una película agradable, simpática, para sentirnos, muchas veces, retratados y otras no tanto.

Elsa Bragato

 

 

G.I.JOE, EL CONTRAATAQUE

De Jon M. Chu. Con Dwyane Johnson, Bruce Willis, Channing Tatum, entre otros. Música de Henry Jackman. Duración: 110 minutos.

REGULAR. EFECTOS ESPECIALES PARA UNA HISTORIA YA VISTA

Habría que plantearse, creemos modestamente, si los efectos especiales y la tremenda tecnología alcanzada no están destruyendo los buenos guiones de Hollywood. Es el caso de esta película G.I Joe El Contraataque, continuación de la primera que conocimos en el 2009. Los malos son “COBRA” y los buenos, un grupo de militares especiales que intentan, ahora, sacarlos nada menos que de la Casa Blanca.

Las luchas son lo más interesante, tal como están coreografiadas y los trucos utilizados. La aparición de Bruce Willis es un agregado que funciona como tal. Y da la impresión de que Willis viene haciendo esto en algunos últimos films como para no perder pantalla ni honorarios. CHanning Tatum es la nueva estrella que aquí vimos en su esplendor masculino en “Magic Mike” mientras que el resto se desenvuelve como puede en un guión endeble, ya visto, que solo tiene como gran atractivo los efectos especiales. Las secuencias de alto riesgo en las montañas, ésas que nos mostraron en los avances en cualquier cine, son las mejores.

Aclaremos para las jóvenes generaciones que JOE fue el nombre dado a los soldados norteamericanos en la Segunda Guerra Mundial y que, en 1942, Stanley Weston creó los muñecos militares para reemplazar a los queridos soldaditos de plomo. En 1945 se estrenó el film “La historia de G.I. Joe” y desde entonces los muñecos fueron bautizados así. Es decir que GI Joe es el héroe anónimo americano y tiene gran valor patriótico. En relación a los dos films que empiezan por formar una saga estamos en condiciones de afirmar que no hacen mérito a semejante tradición.

Elsa Bragato

JUEVES 21 DE MARZO DEL 2013.-

Hay cinco estrenos en soporte fílmico. No vamos a comentar “Los croods”, de Kirk DeMicco y Chris Sanders, film de animación.

 

EFECTOS COLATERALES

De Steven Soderbergh, con Jude Law y Rooney Mars, Channing Tatum, Chaterine Zeta Jones, entre otros. Música de Thomas Newman. Duración: 106 minutos.

MUY BUENA. DESCHAVE SOBRE OSCUROS MANEJOS DE LABORATORIOS

Thriller inquietante y devastadoramente actual sobre la manipulación de los grandes laboratorios medicinales cuando lanzan un nuevo medicamento, en este caso, relativo a los antidepresivos. No es la primera vez que el cine se interna en estos temibles vericuetos que hacen a la salud del ser humano. Pero, sin lugar a dudas, la mano de Steven Soderbergh es diferente por lo aguda y punzante.

Este gran maestro del cine, con una treintena de títulos memorables (Traffic, Erich Brockovich, entre otros), aborda sin tapujos y con valor el mundo multimillonario de los laboratorios medicinales, que prueban sus productos, gratificando a los médicos, en pacientes prácticamente indefensos ante este tipo de procedimientos.

Un nuevo producto es utilizado por el psiquiatra que protagoniza Jude Law en una joven desesperada, quien ha intentado suicidarse (Rooney Mars) luego de un episodio policial por el que su esposo fue arrestado por cuatro años. Esta medicina que aplica el psiquiatra tendrá, justamente, efectos colaterales en su paciente, incontrolables y desastrosos para la vida de la joven. La situación se complica porque una psiquiatra que la atendió antes, personaje que encarna Catherine Zeta Jones, enturbia el drama de la paciente, plasmado, narrado con maestría por Soderbergh.

Rooney Mars es aquella actriz que nos deslumbró en el film “La chica del dragón rojo”. Ahora es la paciente que padece los efectos colaterales de esta prueba de un medicamento en su cuerpo.

La locación elegida es la inconmensurable Nueva York, al norte de la isla de Manhattan, y está narrado de tal manera que no hay respiro para el espectador. La ciudad se presta para la historia propuesta porque allí pululan los laboratorios medicinales más importantes del mundo.

Y hay un cierto paralelismo entre la enorme ciudad y la ambición desmedida, enorme también, de la farmacología que prioriza sus intereses por sobre la salud de la gente. El drama es intenso, el thriller es apasionante, de principio a fin. Dicen que es la última película de Soderbergh, quien, de ser así, nos deja un documento que trasciende la mera anécdota planteada. Más que recomendable.

Carlos Pierre

 

Y DÓNDE ESTÁ EL FANTASMA?

De Michael Tiddes. Con Marlon Wayans, Cedricthe Entertainer, Essence Atkings, Nick Swardson, Marlene Forte, entre otros. Suprvisión musical de Andy Ross. Duración: 85 minutos.

REGULAR. PARODIA DEVALUADA SOBRE LA ACTIVIDAD PARANORMAL

Ni con la ayuda de un sacerdote exorcista ni con la terapia de un psiquiatra, el supercómico Marlo Wayans (Malcom), logra sacar a flote esta parodia fallida del suceso “Actividad paranormal”. El sobresalto que produjo en el público la filmación supuesta de algunos fenómenos paranormales no es, en esta búsqueda de un fantasma, cómico, reidero o simpático tan siquiera.

El nudo argumental se centra en la unión de Malcom con una joven llamada Keisha (Essence Atkins) y la decisión de filmar la vida sexual que llevan. El quid está en que Malcom descubre que su novia está poseída por un espíritu maligno.

Se toma en solfa la serie de hechos paranormales que la saga “Actividad paranormal” narró, produciéndose una sucesión de situaciones desagradables, escatológicas, que tienen como epicentros las excrecencias del ser humano. En definitiva, esta película no logra provocar risa sino nerviosismo de malestar ante lo que se va viendo. Falta de ingenio y exceso de mal gusto.

Carlos Pierre

 

UNA PISTOLA EN CADA MANO

De Cesc Gay. Con Ricardo Darín, Luis Tosar, Javier Cámara, Eduardo Noriega, Leonardo Sbaraglia, Eduard Fernández, Jordi Mollé, Alberto San Juan, entre otros. Música de Jordi Prats. Duración: 95 minutos.

BUENA. COMEDIA CORAL SOBRE LAS CRISIS MASCULINAS

Esta película del buen director catalán Cesc Gay intenta realizar una radiografía sentimental de los hombres actuales cuarentones, que cargan con un conflicto sentimental sobre sus espaldas y corazones, están perdidos y confusos y son renuentes al llanto.

Estos 8 hombres vagan dispersos por una envolvente y casi mágica Barcelona. Están bien diferenciados, dispersos como dijimos, pero reunidos a manera de rompecabezas al enfrentar cada uno a sus parejas por diferentes motivos. Las mujeres que Cesc Gay nos muestra han tomado otros rumbos, son más terrenales que sus maridos, a quienes da la impresión de que les falta una razón valedera para tanto conflicto interior.

Un hallazgo del guión del propio Gay es que ninguno de los personajes tiene nombre: son, en definitiva, un mismo hombre, desairado y agónico.

Es, también, una comedia tragicómica sobre los hombres y sus modos de encarar sus relaciones, a veces fallidas, otras quebradas por la infidelidad o bien desgastadas por los años. La narración es, en definitiva, coral pero, a la vez, individual porque, como expresamos, cada personaje da la impresión de ser un aspecto de los sentimientos que afloran, por diferentes motivos, en un mismo hombre.

Una verdadera pléyade de actores brilla con sus actuaciones, destacando a los argentinos Ricardo Darín y Leonardo Sbaraglia, con trayectoria cinematográfica en España, así como a otros artistas que han trabajado para nuestro cine como Eduardo Noriega. O el muy reconocido Javier Cámara, actor fetiche de Almodóvar.

Destacamos la originalidad del guión y de estos personajes a quienes la cámara de Cesc Gay descubre sin compasión, los desnuda ante los ojos de sus compañeras de vida mostrándonos ese otro lado masculino, el de la sensibilidad.

Carlos Pierre

 

MATRIMONIO

De Carlos M. Jaureguialzo. Con Cecilia Roth, Darío Grandinetti, Manuel Vicente, Susana Lanteri, Rafael Spregelburd, entre otros. Música de Federico Marrale. Duración: 85 minutos.

BUENA. VUELTA DE TUERCA PARA EL “ULYSES” DE JAMES JOYCE

Inspirada muy libremente en el intrincado libro escrito por James Joyce “Ulyses”, publicado en Dublin en 1922, surge esta versión argentina ubicada en pleno Buenos Aires donde vive un matrimonio que lleva dos décadas de unión y padece una crisis. Ella es Molly (Cecilia Roth) está en plena desesperación emocional muy profunda. Es compositora de música pero vive postrada en una cama. Y surge la posibilidad de una nueva infidelidad a su esposo, Esteban (Darío Grandinetti), un publicista sin ideas.

¿Qué se debe rescatar de este relato? Sin duda, el monólogo interior que acertadamente eligió el realizador Carlos Jaureguialzo. Es el fluir de la conciencia de la esposa, a manera de un río, vital en el relato de Joyce. Esta corriente lleva a los esposos a encarar una salida, a buscar una orilla donde aferrarse y no naufragar. Recordamos que una gran escritora inglesa, la visionaria Virginia Woolf, desarrollo justamente el monólogo interior en el libro “Al faro”, influyendo posteriormente en muchos guionistas de cine.

La hora y media de este relato están contagiadas por esta característica literaria que, en este caso, se relaciona con la obra “Ulyses”, y que torna la narración un tanto tediosa.

Las actuaciones de Cecilia Roth y Darío Grandinetti son creíbles y logradas, verdaderos sostenes de esta historia agrisada de un viejo matrimonio que trata de descubrir por qué aún sigue unido.

La dirección de Jaureguialzo es pulcra, inteligente, audaz al encarar un texto difícil. La tarea emprendida es correcta, la sustancia está presente: son dos almas sufridas que buscan la salvación terrenal. Muy interesante aunque intrincado relato.

Carlos Pierre

ESTRENOS JUEVES 14 DE MARZO DEL 2013.-

Hay ocho estrenos. No comentamos “La nana” film chileno de Sebastián Silva ni la nacional “Villa” de Ezio Massa.

 

Y SI VIVIMOS TODOS JUNTOS?

De Stephane Robelin. Con Guy Bedoz, Geraldine Chaplin, Jane Fonda, Pierre Richard, entre otros. Música de Jean Philippe Verdin. Año 2011. Duración: 97 minutos.

BUENA. COMEDIA SOBRE LA ANCIANIDAD Y UN FUTURO DIGNO

En este film francés, ligero, simpático, se ha reunido a varias estrellas del cine europeo y norteamericano, septuagenarios, que asumieron sus roles con naturalidad: tienen más de 70 y no quieren ir a parar a un geriátrico. Sin duda, no es el caso de los actores en la vida real pero fueron capaces de asumir esos personajes dejando un mensaje social muy interesante y actual. El título nos describe claramente la idea del guión: irse a vivir juntos para ayudarse hasta el final. Un joven etnólogo se les une para estudiarlos. Pero los ancianos, más que proporcionarle materia para estudiar, le enseñarán que la vida digna siempre es posible.

Es otro film francés ligero, de ésos que están llegando a nuestras pantallas con mucho retraso de parte de las distribuidoras. Sin embargo, no ha perdido vigencia la idea del guión, que resulta agradable,  no cae en rispideces y nos muestra historias de vidas comunes a todos los mayores de cualquier parte del mundo.

Las actuaciones de Pierre Richard, aquel alto y rubio de hace 40 años, así como de Geraldine Chaplin y Jane Fonda, por mencionar a los más famosos, son verosímiles, sinceras. Un gran elenco para darle vida a personajes queribles. No es un film que marque tendencia, que tenga alguna secuencia notable por sobre otra. Hay un fluir de la narración muy bien logrado que la hace amena, digerible, simpática. Nada más que eso. El subtema es profundo: la ancianidad merece otro trato de parte de la sociedad. Y he aquí la cuestión, más allá del tono propuesto de comedia.

Elsa Bragato

 

ANNA KARENINA

De Joe Wright, con Keira Knightley, Jude Law, Aaron Taylor Johnson, Kelly Macdonald, Domhnall Gleeson, Alicia Vikander, entre otros. Música de Darío Marianelli. Duración: 130 minutos.

MUY BUENA. OSADA ADAPTACIÓN DE TOLSTOI CON RIQUEZA VISUAL Y NOTABLE SENTIDO ESTÉTICO

Anna Karenina fue la primera gran novela de León Tolstoi, publicada en 1877, inspirada en María Hartung, primogénita del padre de la literatura rusa Pushkin. La adaptación del libro es de Tom Stoppard (Shakespeare enamorado) y la heroína vuelve a ser Keira Knightley, quien ya trabajó para Joe Wright en “Orgullo y prejuicio” y “Expiación”, uno de sus títulos en castellano. Keira Knightley compone a Anna con enorme entrega.

El film retrata lo que quiso Tolstoi: la decadencia de la alta sociedad rusa envuelta en amoríos e infidelidades, en rigores absurdos y honores familiares a ultranza. Pero, como bien dicen los diálogos de Stoppard, “todo se trata del amor”.

Para dar una idea cabal de la descomposición de esa sociedad, tan capitalista como las actuales, Joe Wright ubicó la historia en un viejo teatro desde donde, con gran magia de la técnica y un artificio inusual en el cine, el escenario sirve como ventanal para la vida real en algunas secuencias, mientras que el auditorio, sin butacas, es un lujoso lugar para el vareo de los caballos de carrera. Dicho así se puede pensar que se asistirá a un invento cinematográfico poco real. Pero no. Es aquí el “quid” técnico del film: desde ese lugar cerrado se accede a la misma realidad, desde el escenario se abre el campo florecido o la ventanilla del tren donde Anna se escapa. Para el director Wright “la acción en un hermoso teatro en decadencia es una metáfora de la sociedad rusa de la época que se corrompía desde adentro”. Y lo emplea para determinadas secuencias sin que se afecte el realismo de la historia. Es novedoso y artístico.

Anna está casada con un funcionario, Alexei Alexandrovich Karenin (Jude Law), con quien tiene un hijo. Se enamora del conde Alexei Kirillovich Vronsky (Aaron Taylor-Johnson) y, luego de un amor escondido, decide abandonar su familia. Esta historia central de amor acapara el film aunque hay lugar para otros tipos de amores, como el de Kitty y Levin (Domhnall Gleeson y Alicia Vikander), que transita por carriles normales de rechazos y unión respectivamente. Aún en la aristocracia decadente rusa, la familia sigue siendo el pivot social, y los personajes lo dicen reiteradas veces.

Hay secuencias muy bien logradas como las escenas de amor de Keira Knightley y Aaron Taylor Johnson, donde la cámara toma una espalda, por ejemplo, y luego un rostro, pero no cae en la vulgaridad. Hay un concepto estético más que valorable en Joe Wright. Así como destacamos ésta, decimos que la secuencia del baile, donde Anna sellará su traición matrimonial, es excesivamente larga y produce tedio.

Más que un drama, es una tragedia en el sentido estricto aristotélico: el amor genera la vida y la muerte, sin cortapisas. Destacamos la reconstrucción de época, la notable banda sonora de Darío Marianelli, de gran envergadura con solos de violoncello, el sentido estético del film y esta travesura técnica y metafórica de iniciar la función en un teatro para saltar a la vida plena. Muy atractivo film.

Elsa Bragato

 

ELENA

De Andrey Zvyagintsev. Con Nadezha Markina, Andrey Smirnov, Igor Ogurtsov, entre otros. Música de Philip Glass. Duración: 109 minutos.

MUY BUENA. LA SUPERVIVENCIA POR SOBRE LA ÉTICA

El progreso actual implica una vuelta al primitivismo brutal, alejado de cualquier idea humanitaria como sería de esperar. El portentoso realizador Andrey Zvyagintsev (El regreso, 2003, ganador del León de Oro, Venecia) nos demuestra justamente esta idea que da origen a un guión fuerte, realista, con una protagonista, Elena.

Con un estilo veraz, parsimonioso en algunas secuencias, pleno, detenido en detalles pequeños, saca a escena a un matrimonio mayor, en segundas nupcias, donde el hogar está supeditado al buen pasar de su nuevo marido, un hombre frío, quien sojuzga a Elena, que es modesta y dócil, con el peso de su dinero. Elena aporta al matrimonio un hijo de una unión anterior. El realizador Zvyagintsev apunta entonces a la psicología del personaje, la mujer dominada, el poder del dinero, la falta de un verdadero amor, y la necesidad de asegurarse el futuro.

Hay dos secuencias importantes para que el espectador tenga en cuenta: el orden establecido, la aparente tranquilidad, se quiebra con un ataque nocturno de una pandilla a otra donde hay un despiadado salvajismo con la complicidad de la noche. La otra, la más trascendental, cuando el esposo sufre un infarto y Elena encuentra la oportunidad (que no se la contamos) para asegurar su futuro económico.

¿Por qué Elena quiebra códigos de vida, por qué aceptó la sumisión, por qué aún hoy las mujeres aceptan estar relegadas en la sociedad? Es decir, por qué aún existe tamaña desigualdad económica que invita a lo peor a los seres más desesperados por sobrevivir?

La música incidental de Philip Glass, machacona y efectiva, irrumpe en cada secuencia donde se hace necesario subrayar el primitivismo atávico del ser humano. Lo logra este gran compositor inglés a través del género musical que creó, el minimalismo, donde la reiteración de tonos se utilizan, en los films, para acentuar situaciones.

Estamos frente a un film riguroso e inquietante, que nos muestra una realidad muy vigente sobre la situación de las mujeres en las modernas sociedades del siglo XXI.

Carlos Pierre

 

PARKER

De Taylor Hackford. Con Jason Statham, Jennifer López, Nick Nolte, Michael Chiklis, entre otros. Música de David Buckley. Duración: 118 minutos.

BUENA. CATARATA DE ADRENALINA A PURA BALA

Jason Statham, actor inglés que actúa en los teatros de su país, es el ladrón audaz e implacable de accionar frío y meticuloso, encontrando un glamoroso escenario en la deslumbrante Palm Beach. El film es una catarata sin interrupción de pura adrenalina con los más sofisticados métodos delictivos que este ladrón, ávido de venganza hacia la banda que lo traicionó, emprende provocando ríos de sangre y balas.

El toque femenino lo aporta Jennifer López, más delgada que de costumbre, como la agente latina de bienes raíces que tiene un gran conocimiento de la zona. Es quien ayuda al protagonista a adquirir una casa, desde donde “Parker” se propone atrapar a la banda que ha venido desde Chicago.

Palm Beach resulta ideal, insuperable, como marco para este policial, por su entorno de lujosas embarcaciones y mansiones grandiosas. Todo fue aprovechado en plenitud por Taylor HAckford.

No hay calma, no hay un resquicio de tregua en la narración. El andar vertiginoso propio de los personajes que encarna Jason Statham en cine está presente y es, sin duda, el actor para la acción pura de estos tiempos.

El film no defrauda en su objetivo: acción de principio a fin. Jennifer López, más una heroína de edulcoradas comedias que actriz de peso, compone un personaje diferente, menos sensual y con mayor densidad actoral, todo un logro. La dupla Statham-López sorprende, se ajusta al guión policial y consolidan una dupla acertada para este género.

Carlos Pierre

 

MI NOVIO ES UN ZOMBIE (Warm Bodies)

De Jonathan LEvine. Con Nicholas Hoult, Teresa Palmr, John Jalkovich, Rob Corddry, entre otros. Música de Marco Beltrami y Buch Sanders. Duración: 98 minutos.

BUENA. ATREVIDO GIRO AMOROSO ENTRE UN ZOMBIE Y UNA BELLA JOVEN

El título en inglés del film, Warm Bodies, nos adelanta algo de lo que veremos: los zombies no son los mismos de antes. Jonathan Levine encara una historia de amor entre un zombie, “R” (Nicholas Hoult) y una joven humana, “Julie” (Teresa Palmer), con tinte netamente shakespiriano, incluida la famosa escena del balcón entre Romeo y Julieta.

Una plaga mundial convirtió a los seres humanos en muertos vivientes y solo un pequeño grupo puede sobrevivir, atrincherado, para no ser devorados por sus ex congéneres. El guión está basado en la novela de Isaac Marion y literalmente se cambian los vampiros por los zombies, seguramente con la idea de imponer una nueva saga.

“Warm bodies” nos habla del cambio de los zombies: hay uno, “R”, que tiene sangre “caliente”, su cuerpo tiene respuestas diferentes a las del resto de los muertos vivos. Y es aquí donde la historia se hace diferente: con acierto, el director combina el género “gore” con la historia de amor, siguiendo la huella de “Romeo y Julieta”. Las canciones juveniles, supervisadas por Alexandra Patsavas, contribuyen al atractivo de esta película, que tiene un público joven asegurado.

Es curioso ver cómo el corazón de “R”, el zombie, comienza a latir con fuerza, rojo y palpitante. Y, entre las feroces luchas entre zombies y humanos, surge la esperanza, la redención. Apocalíptica y plena de humor, la narración se desarrolla entre el horror y la desolación, entre barricadas y un deshabitado aeropuerto, en el que un solitario avión abandonado sirve de lugar de encuentro para los enamorados.

Terror y amor, canciones juveniles, un género inteligentemente trastocado, son los condimentos de este film diferente y atractivo.

Carlos Pierre

 

EN LA MIRA

De David Ayer. Con Jake Gyllenhall, Michael Peña, América Ferrera, entre otros. Música de Davidi S. Sardy. Duración: 108 minutos.

 

BUENA. INTENSO POLICIAL CON RIBETES PSICOLÓGICOS

Una patrulla policial, conformada por Brian Taylor (Jake Gyllenhaal) y Zavala (Michael Peña) recorren en móvil la zona del sur de Los Angeles, donde la precariedad está a la orden del día y está habitada por narcotraficantes y asesinos. A la manera de “Día de entrenamiento”, brutal y claustrofóbica y lo mejor en su género, “En la mira” apunta más a la psicología y la vida personal de los dos hombres afectados a patrullar un barrio marginal, plagado de peligros, aún conociendo a muchos de los dealers y hasta teniendo cierta familiaridad con ellos.

David Ayer hace “pivot” en los dos personajes centrales más que en el suburbio, al que tiene como marco de hechos que surgen imprevistamente y que obligan a los dos policías a actuar, desde derribar puertas hasta tirotearse, salvando sus vidas muchas veces de casualidad. Este anclaje en los dos protagonistas le permite a Ayer descubrir la relación de cada uno con sus sentimientos más caros: para Zavala, es la familia. En cambio, Brian duda todavía en casarse, si bien se enamora de una joven con la que empieza a planificar su futuro.

Por momentos, la felicidad de la vida cotidiana, de la rutina, parece ser el objetivo de la narración, saliéndose de los parámetros del policial. Sin embargo, una encerrona cambiará drásticamente el destino de los dos policías. Tal vez, la película debería haber terminado allí sin esa vuelta de tuerca que se suele dar en Hollywood para redondear y hacerlos menos densos. Éste era un film para un final denso, sin morigerar el dramatismo. De allí nuestra calificación de buena y no muy buena.

Las actuaciones de Jake Gyllenhall y Michael Peña son excelentes, nadie puede dudar de que estamos frente a dos policías de la calle, que patrullan exponiéndose a todos los peligros. En algo, falla la narración por ese giro hacia la psicología de los personajes que le da. No está mal pero alarga demasiado, por ejemplo, la secuencia del compromiso de Brian. Tal vez en oposición al dramatismo que poco después se vivirá. No obstante, es casi un quiebre del guión. El desenlace nos pareció excelente. El final, muy de Hollywood.

Para destacar: la técnica empleada que hace un mix entre la cámara del director y la cámara de video casera con la que Bryan graba cada paso que da en su vida profesional y privada. De todas maneras, no siempre queda en claro quién es el que filma, lo que complica un poco la narración.

Elsa Bragato

Hay seis estrenos, que incluyen dos nacionales. “Los días” de Ezequiel Yanco, es un buen documental sobre dos hermanas gemelas, sencillo, silente, que augura buen material del realizador.

 

HITCHCOCK

De Sacha Gervari. Con Anthony Hopkins, Hellen Mirren, Scarlett Johansson, Danny Huston, Toni Collette, entre otros. Música de Danny Elfman. Duración: 98 minutos.

REGULAR. SUPERFICIAL COMEDIA SOBRE EL FILM “PSICOSIS” DE HITCHCOCK

No es una biopic de Alfred Hitchcock sino la historia del proceso de filmación de “Psicosis”(1959), según el libro que dio origen al guión,  “Alfred Hitchcock and the making of Psycho”, 1990 de Stephen Rebello. Es un film entretenido y superficial,  periférico, una película para pasar el rato sin tener en cuenta a ningún personaje. Ni Anthony Hopkins, metido en un fastidioso maquillaje con rellenos, ni Hellen Mirren, logran lucir sus talentos. Aquí dicen parlamentos, diálogos, como quien lee el diario en voz alta. ¿Oficio? Sin duda, con notable falta de dirección actoral.

Está bien armadito el story board: Anthony Hopkins abre el film como lo hacía el gran Hitchcock en sus memorables series de televisión en blanco y negro y lo cierra de la misma forma. El proceso de “Psycho” o “Psicosis” es el resto.

En un momento de su vida, el gran Alfred no tuvo el apoyo de la Paramount y se creyó que el guión elegido para “Psycho” iba a ser un fracaso. Su mujer, Alma Reville, encarnada por Hellen Mirren, era su mano derecha en guión, en filmación, su verdadera asistente. Y se sobrepuso a los flirteos (no ahondados en el film y el “quid” de los problemas del realizador) de su marido manteniendo un romance efímero con el guionista Whitfield Cook (su libro Extraños en el tren fue filmado por Hitchcock), aquí a cargo de Danny Huston.

Hitchcock aparece como un hombre con el padecimiento de la obesidad, asexuado, amorfo incluso en su capacidad de decidir, que mella la relación con Alma, pero de la que depende hasta para dar una opinión a sus elencos.

La película se realizó gracias a su mujer, que suplantó a su marido aún en la filmación. Y fue un éxito que reverdeció los laureles del director. La secuencia que impacta y que pensamos que debe haber sido real es la del baño de la entrañable Janet Leight, personificada por una desconocida Scarlett Johansson, en la que es el mismo Hitichcock quien empuña el cuchillo mientras ordena la toma y se acerca amenazante a la actriz que estalla en alaridos. No hay nada más para destacar.

Sí, en cambio, es justo decir que el make-up de Anthony Hopkins es desparejo, y, por momentos, se nota tanto el “entramado” de su máscara que se hace muy poco creíble. Las poses de Hopkins ante cámara mirando hacia arriba son excesivas y no retratan en nada el espíritu del personaje.

Así, entre make-up “rápidos” y las ganas de hacer algo sobre Hitchcock que atraiga al público, se llega al final del film. Es entretenido, insistimos, y pochoclero. Lástima que Toni Colette, gran actriz australiana, pase sin pena ni gloria, y que no se disfrute de los personajes que rodearon al maestro del terror. Todo está hecho en función del entretenimiento fácil. Válido pero engañoso. Como película, su narración es deficiente; como producto es atractivo por el tema, funcionará. Periférico relato sobre Hitchcock.

Elsa Bragato

 

 

LAS EDADES DEL AMOR

De Giovanni Veronesi.  Con Robert De Niro, Monica Bellucci, Riccardo Scamarcio, Carlo Verdone, Vittorio Emanuele Propizio, entre otros. Música de Paolo Buonvino. Duración: 127.

MUY BUENA. LA ESCUELA ITALIANA RETOMA SU TRADICIÓN

“Manuale d’amore 3” o bien “Las edades del amor” es la recuperación del buen cine italiano, aquél de trípticos memorables como “Matrimonio all’ italiana”, por ejemplo, entre otros. La falta de una buena distribución del cine de Italia hace que no conozcamos mucho más a sus actores y actrices en su mayoría pero que, en esta película de Giovanni Veronesi, muestran tal carisma que uno siente que son amigos frecuentes de la pantalla.

Es una película entretenida, bien realizada, plagada del humor itálico y sus exageraciones, tan nuestras también. Además es una producción de los herederos de De Laurentiis, Luigi y Aurelio, primos hermanos, que, entre otras actividades, manejan una productora cinematográfica. Y se nota la mano familiar en el concepto narrativo: el film no apunta a hacernos razonar sobre difíciles cuestiones sino a divertirnos con momentos de la vida que pueden ocurrir. El pragmatismo de los romanos se cuela en esta película de Veronesi.

“Cupido”, a cargo del joven Vittorio Emanuele Propizio, es el enganche del tríptico, sutil, sin exagerar la división entre las historias. La primera parte nos habla del amor en la juventud, y está protagonizada por Riccardo Scamarcio, Valeria Solarino y Laura Chiatti. El amor joven que puede sucumbir ante la tentación de la belleza. La segunda historia es divertidísima y la encarna un fantástico Carlo Verdone, hombre maduro que comete una infidelidad con consecuencias tragicómicas. Lo acompaña Donatella Finocchiaro como la tercera en discordia que se las trae.

Finalmente, llegamos al momento de Robert De Niro con Monica Bellucci en una historia previsible pero que hace bien, que nos recuerda que el amor entre una joven y un hombre maduro es posible y que, si bien conocemos el final, es el que anhelamos ver y sentir en el corazón. Robert De Niro, a quien vemos seguido en la pantalla, compone a un Adrián conmovedor, sin las muecas que suele hacer cuando encarna a sus villanos neoyorquinos. Habla italiano y este hecho produce gran empatía con el espectador. Aunque el papel no sea de gran envergadura, De Niro le confiere una entidad, una carnadura, que lo transforma en un gran trabajo actoral.

Previsible, simpática, hilarante, esta película nos reencuentra con algo que nos pertenece, que sentimos familiar. Y salir del cine con una sonrisa, en tiempos de monstruos y efectos especiales, no es poca cosa. Será una película menor? Puede ser, pero hace bien y está muy bien realizada y actuada. Nadie olvidará a Carlo Verdone ni a este Robert De Niro.

Elsa Bragato

 

 

MAMÁ

De Andrés Muschietti, con producción de Guillermo del Toro. Con Jessica Chastain, Nikolaj Coster-Waldau, Isabelle Melisse, Megan Charpentier, entre otros. Música de Fernando Velázquez. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA. ESTREMECEDOR RELATO SOBRE EL ABANDONO DE LOS HIJOS

Este film, “Mamá”, es de gran excelencia a pesar de algunos baches narrativos (personajes que quedan sueltos). La intensidad dramática, el suspenso sin el común “gore”, la emotividad que genera y plantea, la relación entre madres e hijos, hacen que este film de horror sea fuera de lo común, atrapante en sus 100 minutos de duración que parecen un poco más.

Alguien mata a una mujer madre de dos niñas, las estupendas Isabelle Melisse y Megan Charpentier en los roles de Lilly, la menor, y Victoria, la mayor. El padre las lleva a una cabaña perdida en el bosque luego de un accidente. Pasan cinco años y son encontradas por la búsqueda incesante de su tío, protagonizado por Nikolaj Coster-Waldau quien compone al padre y al tío respectivamente de las menores. Y, a pesar de las reticencias de su mujer, Annabel (una Jessica Chastain de pelo corto y negro), las lleva a su hogar. Nada es fácil: las criaturas se criaron solas y tienen actitudes extrañas, de animales, se arrastran, están llenas de moretones, visten harapos. La necesidad de un psicólogo, que sabe de qué se trata esa casa abandonada, es imperiosa.

Aquí se mezcla un poco la narración y no queda en claro el tema de la madre de las pequeñas. Si será esa presencia que se arrastra como una cabellera por el suelo o bien es una mancha de humedad negra muy rara en una pared, o es la madre de una pequeña fallecida trágicamente en 1877. Sin embargo, como la historia se centra en el presente de las niñas y su aceptación en el hogar de los tíos incluída la extraña, amenazante y feroz presencia de la “mama”, este bache importante narrativo se olvida y reaparece solo en el final (no se analiza el tema de la madre de las niñas ni tampoco la espanto desaparición del padre).

La intensidad dramática del film hace honor a la capacidad narrativa del realizador argentino Andrés Muschietti quien había hecho un corto de 3 minutos sobre este tema y a un futuro notable. Lo vio Guillermo del Toro, autor mexicano que trabaja en Europa y Hollywood, y lo lanzó como director de esta película. La mano de Del Toro está presente, la reconocerán quienes vieron “El laberinto del fauno”, que tiene un final atroz por lo schockeante con una niña en el centro de la escena. El tema de los chicos y la relación con la madre sigue siendo esencial para Del Toro que vio en el corto de Muschietti el mejor material para esta película.

“Mama” es una experiencia que hay que vivir para los que aman el género del terror y para quienes deseen ver un muy buen film, a pesar de los problemas narrativos que mencionamos. Todo se diluye ante la espectacularidad del trabajo del sonido, la música incidental de Fernando Velázquez, y el clima generado por la postproducción sumándole actuaciones que llaman la atención: las pequeñas Melisse y Charpentier.

Hay secuencias estremecedoras, que conmueven porque van más allá del horror: nos conmueven como seres humanos. Y nos revelan la profunda unión de los hijos con las madres. En este caso, la mayor, Victoria, es quien tiene en claro que esa “mama” no es la que ella necesita, mientras que la pequeña Lilly es quien se rebela ante el mundo humano y solo desea la caricia que le falta desde que nació. Es infrecuente que un film de terror busque los resortes psicológicos de los personajes para hacernos comprender sus actitudes. Y es otro logro de la película que calificamos de algo más que muy buena por sobre cualquier otra cuestión narrativa que, como dijimos, quedan planteadas pero superadas al mismo tiempo por la realización.

Hay un subtema muy interesante, en medio del terror y del horror: el abandono de los hijos. Para pensar, aunque estemos dentro del género del terror.

Complejidad, intensidad dramática, profunda psicología de personajes, espectacular trabajo en el sonido que hará saltar al espectador de la butaca, banda sonora adecuada a la narración, actuaciones excelentes. Nos estrujó el corazón.

Elsa Bragato

 

OZ, EL PODEROSO, EN 3D

De Sam Raimi. Con James France, Mila Kunis, Michelle Williams, Rachel Weisz, entre otros. Inspirada en la novela de Fran BAum. Música de Danny Elfman. Duración: 130 minutos.

BUENA. EL MAGO DE OZ EN BUSCA DE SU DOROTHY

Tres segmentos narrativos tiene esta precuela de la memorable “El Mago de Oz”, de 1939, interpretada por una jovencísima Judy Garland: se inicia con una secuencia de títulos de apertura muy original, a manera de introducción al relato en blanco y negro y en aquella vieja pantalla cuadrada. La otra, ya a puro color, fotografiada en Panavisión como nudo de la historia que esta vez nos cuenta Sam Raimi (la última “Spiderman” y la serie “Spartacus”), que nos ubica en la Ciudad Esmeralda a la que arriba Oscar Diggs (James Franco), luego de su huída de Kansas en 1905, de un modesto y polvoriento circo. Allí había desplegado toda su farsa, sus embustes y sus amoríos. Un tornado, común en los Estados Unidos, lo deposita, mediante un globo aerostático, en una tierra fascinante, la que mencionamos, donde busca fama, dinero y una redención ante el mundo y también ante sí mismo.

Aquí nos detenemos porque el realizador Sam Raimi despliega un enorme potencial visual, efectista, alucinante, contando con el soporte de dos personajes potentes: una muñeca de porcelana y un mono alado. Sin embargo, Diggs deberá sortear a tres brujas: dos morochas y malas, Theodora (Mila Kunis), Evanora (rachel Weisz) y a la bruja buena y rubia Glinda (Michelle Williams). El entretenimiento está logrado pero decae en esta parte medular, central, a pesar de la riqueza visual potenciada por el 3D y de que la acción sigue. En el tramo final, revive la trama con fuegos de artificio, especialmente cuando el mago logra liberar a un pueblo sojuzgado y a su propio corazón.

El globo aerostático es aquel que trasladó a Dorothy (Judy Garland) hasta la Ciudad Esmeralda donde conoció al Mago de OZ, Oscar Diggs. Todo cierra para que este film sea una verdadera precuela.

Una consideración especial merece la música instrumental creada por Danny Elfman, quien elaboró una sinfonía a lo largo de todo el film, gran soporte para los artilugios de Oz, el poderoso. Un film disfrutable, ameno, a pesar de todo.

Carlos Pierre

 

 

ANTES

De Daniel Gimelberg. Con Nahuel Viale, Nahuel Pérez Biscayart, Carlos Portaluppi, Verónica Llinás, Guadalupe Ocampo, entre otros. Canciones de Fito Páez y Luis Alberto Spinetta. Duración: 94 minutos.

 

REGULAR. BUENA IDEA QUE CAE EN EL TEDIO

Dos planos bien definidos divide los tiempos de la vida de un joven común y corriente (Nahuel Viale), un ANTES en un verano familiar con fiestas, novia, estudios y felices 21 años, normales en cualquier muchacho. El otro plano temporal, el DESPUÉS, surge en un invierno oscuro y triste, dos años luego de aquella reunión, cuando está a punto de cometer un hecho que podría cambiarle la vida de manera fatal.

Esos dos planos temporales se entremezclan en la narración y en la vida del protagonista, ahora muy solitaria, sin trabajo ni estudio, con el único afán de vengarse de un estafador que trampeó a sus padres.

Daniel Gimelberg trabaja con el protagonista de manera especial, ahondando en su vida en la fría ciudad, con recuerdos de canciones de Spinetta o Páez. En su psicología volcada a la venganza.

Cuesta percibir, sin embargo, un asomo de emoción a lo largo de la narración y este guión ameritaba algo más que mostrarnos la vida del joven en su antes y su después. El film pide a gritos una actitud más visceral, por lo que la muy buena idea inicial se traduce en un relato sin fuerza.

Hay una buena fotografía de Buenos Aires y una música muy distintiva para los porteños, con lo cual el relato tiene un buen soporte especialmente porque “Nacho”, el protagonista, no tiene pasión ni en sus pensamientos ni en sus acciones. Y se cae en el riesgo del tedio. La película puede tener buena repercusión en los jóvenes, resulta difícil imaginar una empatía con los espectadores. Si algo distingue a los jóvenes es la pasión para lo bueno y lo errado.

Carlos Pierre

ESTRENOS DEL JUEVES 28 DE FEBRERO DEL 2013

THE MASTER

De Paul Thomas Anderson. Con Joaquín Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, entre otros. Música de  Johnny Greenwood. Duración: 137 minutos.

EXCELENTE. COMPLEJO RELATO CORAL, ÁSPERO, SOBRE LA LIBERTAD INDIVIDUAL

Cuando la vida nos echa al ruedo, la vida puede ser un vagabundeo espiritual tortuoso hasta el final.  “Freddie” (Joaquín Phoenix) es un ex combatiente de la Marina luego de la Segunda Guerra Mundial. El alcohol y extraños brebajes que prepara con todo tipo de alcoholes son su sustento espiritual así como el sexo ocasional. Huyendo de diferentes trabajos donde su presencia termina por ser desechada, cae en un yate, donde Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) está reunido con sus seguidores. El buen trago es lo primero que une al líder del grupo con el desolado Freddie, un polizonte perdonado.

De aquí en más, Paul Thomas Anderson nos describe un deambular penoso de alguien que busca un ancla para vivir, una razón para existir, en medio de vahos etílicos que lo confunden. En el fondo, Freddie sabe lo que quiere, conoce su destino de desamparo. Anderson retoma sus elencos corales, aunque en este caso apuntala a la pareja protagónica en un duelo estupendo: Hoffman-Phoenix.

El planteo del film va más allá de la historia que nos cuenta y surge de los parlamentos del mandamás Dodd, quien maneja “La causa”(muchos quisieron ver una representación de la Cientología), una orden pseudoespiritual de dominio sobre sus seguidores entre los que Freddie no termina de encajar: si Freddie consigue vivir sin un amo, será el primer ser humano que lo consiga. He aquí el quid de esta historia, por momentos atrapantes, en otros lenta pero siempre interesante.

En todo caso, Anderson nos quiere mostrar que las libertades individuales existen, pero cuestan y pueden estar condicionadas por nosotros mismos. Que si no hay un gran sustento espiritual, se cae fuertemente. Si las adicciones atormentan nuestros cuerpos, el camino será aún más difícil. Y si nuestro amo no es otro semejante con poder económico, será nuestra Fe la que nos dirija. Imposible vivir sin un dueño o guía. Anderson se juega aquí con un axioma profundo. Y encarna este peregrinar por la vida en Freddie, un Joaquín Phoenix soberbio, que adaptó su cuerpo a las exigencias del rol, con la espalda semiencorvada y con los brazos doblados casi siempre sobre su cintura, muy delgado.

El trabajo cinematográfico de la narración cuenta con planos secuencias extensas que le dan una continuidad especial a la historia, un montaje efectuado en base a este tipo de tomas que, aún hoy, sale de lo común, del montaje rápido en base a tomar cortas, breves. Otro aporte al cine muy especial.

Como película, es la mejor del 2012. Pero resulta difícil , compleja, y tiene un sustrato muy movilizador y doloroso. Es, ciertamente, el film más inteligente que hemos visto en mucho tiempo, lejos de la acción y los efectos especiales y cerca del ser humano y sus necesidades más cruciales, aunque sean las que menos se ven: las del espíritu. ¿Estamos predestinados? Film áspero y maduro del realizador de “Petróleo sangriento”.

Elsa Bragato

 

 

BROKEN CITY

De Allen Hughes. Con Mark Wahlberg, Russell Crowe, Catherine Zeta-Jones, entre otros. Música de Atticus Ross, Leopold Ross y Claudia Sarne. Duracion: 108 minutos.

BUENA. ELECTRIZANTE POLICIAL CON GRANDES ACTUACIONES

Thriller netamente neoyorquino donde la Gran Manzana, el contrastante jardín Botánico del Bronx y la rudeza de Brooklyn, se convierten en escenarios deslumbrantes y prosaicos donde se pone en disputa la elección del alcalde o Marshall.

Un guión inteligente y sostenido sin resquicios le confieren al film de Allen Hughes una estrecha vinculación con el espectador, provocada por las potentes figuras del alcalde de New York a cargo de Russell Crowe, su intrigante esposa compuesta por Catherine Zeta-Jones y un magnético protagonista, el detective privado que encarna Mark Wahlberg, quien aporta la figura de un perdedor que no se resigna a serlo y busca redimirse de un episodio del pasado. Luego del planteo argumental inicial, la narración de Hughes  va conformando una telaraña de situaciones en la que el Marshall y el detective privado se ven inmersos, cada uno buscando lograr su objetivo. Especulaciones de todo tipo y traiciones, los manejos electoralistas, la corrupción, hacen caer incluso a la esposa del Marshall, bajo sospechas de infidelidad.

El relato es atrapante y envuelve al espectador. Con una gran variedad de locaciones (además de New York, se filmó en Nueva Orleans), la oficina del alcalde se asemeja a la de Marlon Brando en ”El padrino”, sumándose la luminosidad de la gran ciudad en contraste con su vida nocturna, la marginalidad que vive en ella, captadas por una cámara inquieta y ágil.

La pareja protagónica es una dupla que lucha por el poder: Russell Crowe y Mark Walhberg se enfrentan visceralmente con una notable fortaleza y convicción en sus roles que le dan verosimilitud al relato. Sin duda, un policial muy bien realizado, que electriza a la platea.

Carlos Pierre

 

 

VILLEGAS

Dirección y guión de Gonzalo Tobal. Con Esteban Bigliardi (“Un mundo misterioso”, de Rodrigo Moreno), Esteban Lamothe (“El estudiante”, de Santiago Mitre), Mauricio Minetti, Paula Carruega, entre otros. Música de Nacho Rodríguez Baiguera. Duración: 98 minutos.

MUY BUENA. LA INFANCIA EN EL RECUERDO

Los inexorables cambios que el tiempo provocan en el cuerpo y el alma del hombre son los disparadores de esta ópera primera del joven realizador Gonzalo Tobal, quien elaboró un guión simple, lineal, para situar a dos primos. La muerte del abuelo en General Villegas los reúne en el viaje, donde surge un espacio para el recuerdo de esas vivencias de la infancia.

El camino de la maduración fue diferente, uno más formal, feliz; el otro, más perdido y desorientado. A los encontronazos entre ambos y en el regreso a los campos de Villegas, perciben el progreso ocurrido en el lugar, con tecnología y buen pasar económico. Mostrar las actividades del campo, detenerse en las tareas agrícolas y ganaderas que asombran a los primos, le restan bastante ritmo a la narración propuesta por Tobal.

El punto fuerte del guión reside en cómo dos personas que se criaron juntas, han ido diversificando sus objetivos, sus apetencias en la vida, al separarse en Buenos Aires. Cada personaje tiene una actitud diferente, a pesar del vínculo inicial, frente a lo que ven. Uno mantiene su coherencia formal. El otro intenta buscar algún otro camino a partir del reencuentro con el lugar.

La fotografía se detiene en los campos de General Villegas, retrata sus múltiples actividades, así como la vida de los familiares que aún viven en

el lugar, confiriéndole al relato una gran riqueza. Como apuntamos antes, por momentos también restan agilidad. “Villegas” es un promisorio inicio de Tobal, reconocido en Holanda y Francia, coproductores del film. Interesante comienzo. Finalmente, señalamos que es un film intimista, de seres que buscan su destino en los recuerdos, bien narrado, con los altibajos que señalamos.

Carlos Pierre

 

 

CIRQUE DU SOLEIL, MUNDOS LEJANOS, 3D

De Andrew Adamson. Elenco del Cirque Du soleil. Productor Ejecutivo: James Cameron. Música de Benoit Jutras. Duración: 91 minutos.

BUENA. ÉXTASIS VISUAL SIN HILACIÓN NARRATIVA

La idea de llevar al cine con la tecnología 3D no pudo ser mejor. Aquéllos que no pudieron disfrutar del show en vivo, tienen la posibilidad de acercarse a un mundo diferente, de grandes artistas, bailarines y acróbatas, que han hecho de la vida del circo un ejemplo de arte. Las coreografías, los efectos de mundos especiales, bajo tierra o bajo el mar, el vestuario colorido, permiten disfrutar de un show sin precedentes.

Hay una historia mínima central, por ahí se pierde en medio de las acrobacias, en la que Mía busca a su enamorado, un trapecista. La danza de amor en las alturas de los dos artistas es una de las secuencias más sublimes por la unión de música y belleza física y coreográfica. Notable. Sin embargo, por un momento, el espectador pierde de vista al enamorado, que fue capturado por los “malos”, y este hecho hace desaparecer la mínima hilación que, para quienes tenemos canas, nos remite a la maravillosa “Lilí” de hace 40 años.

Lejos de evitar el entorno técnico, muchas veces Adamson, el realizador, dejó que se entreviera el backstage, aunque sutilmente. Por lo que en secuencias donde una gigantesca tabla se eleva casi a 90 grados nos permite ver la destreza de sus bailarines, trenzados en la lucha de dos facciones de guerreros. Por momentos, la cámara se ubica a nivel de la tabla y la sensación es que transcurre así, es decir, a nivel del mar. Cuando otra cámara se aleja, observamos que se produce con la tabla inclinada. Si bien los artistas tienen arneses, la ductilidad para sostenerse en ese plano es sencillamente increíble. Pero real!

La música de Benoit Jutras tiene muchos matices buscados a través de diferentes instrumentos solistas, en especial, un violoncello. Es tocante, emotiva, profunda. Es un hallazgo del film. No hay parlamentos, apenas unos muy pocos, que ayudan a ubicar, especialmente sobre el final, a Mia en el camino hacia el amado. Mientras tanto, asistimos a un homenaje a Elvis Presley y un círculo de arena que se “traga” literalmente a los personajes para llevarlos a ellos y a nosotros a una laguna donde se vivirá otra experiencia visual y artística fascinante.

El espectáculo visual es potente aunque con hilación más que endeble. La riqueza visual es insuperable y allí se nota la mano de James Cameron (hay varios videos en Youtube que nos cuentan cómo se realizó). Es difícil calificar a un film que no es narrativo de manera convencional sino que su narración está dada por las secuencias de acrobacias, luchas y la generación de mundos virtuales plagados de medusas y trapecios. Por eso, invitamos a una función especial del Cirque du Soleil, donde hay varios argentinos trabajando, y a vivir un momento de éxtasis visual sin buscarle la quinta pata al gato, o sea, la hilación. Disfrute de los cuadros acrobáticos y no intente saber nada más!

Elsa Bragato

 

 

MAGIC-MIKE

De Steven Soderbergh. Con CHanning Tatum, Alex Pettyfer, Cody Horn, Matthew MacConaughey, entre otros. Duración: 110 minutos.

REGULAR.  STREAPPERS, EXCESOS, Y LA BÚSQUEDA DE UNA VIDA NORMAL

Pudo ser un film diferente, ahondando en la vida de los streappers y sus problemáticas existenciales. Fuera de las calientes noches donde muestran sus estupendos físicos frente a enloquecidas mujeres, tienen algo más: la vida familiar y la búsqueda de un trabajo que los ayude a vivir. Es el caso de Mike Lane, el Magic Mike del título, a cargo de Channing Tatum quien, hasta hace poco, trabajó como streapper o bien como bailarín nudista en un club. El encuentro con un amigo al que lleva al club y las reuniones plagadas de droga del dueño (Matthew McConanghey, un muy buen actor destinado a productos clase B, films romanticones en su mayoría, o éste, donde muestra la vileza humana). Pero se enamoró de Brooke (Cody Horn), una relación que tendrá idas y venidas. Hasta aquí algo del argumento. El film pudo ser mucho más, aprovechando la ex vida del protagonista.  Luego del auspicioso comienzo, queda en lo mismo. Se “retuerce” en los mismos hechos que van in crescendo, la droga, los dealers, el sexo fácil. No hay mayor profundidad. La cámara de Soderbergh se desliza desde el escenario donde los jóvenes se desnudan a sus fiestas diurnas y los excesos. No hay búsqueda de la psicología de los personajes sino un fugaz retrato de un estilo de vida a raíz de un trabajo poco común. La música es chillona y no colabora muchas veces en tratar de entender algo más. Tampoco parece haber sido la intención del afamado director. No nos convenció pero reconocemos que puede tener público joven y una razonable taquilla. Será un “Soderbergh” pero hay que decir que se quedó en la periferia de los personajes.

Elsa Bragato

ESTRENOS DEL JUEVES 21 DE FEBRERO DEL 2013

 

Hay seis estrenos. No comentamos la consabida película de terror de la semana, representada por “Terror en Silent Hill 2: La revelación” ni la nacional “Germania” de Maximiliano Schonfeld, sobre  una familia de alemanes del Volga que dejan misteriosamente Entre Ríos. Además se reestrena “Argo”, en vistas a los Oscar que se entregan el domingo 24.

 

“AMOUR”

De Michael Haneke. Con Jean Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Hupert, Alexandre Tharaud y William Shimell, entre otros. Música de Alexandre Tharaud. Duración: 127 minutos.

MUY BUENA. POTENTE RELATO SOBRE LA ANCIANIDAD

 

Michael Haneke es un realizador austríaco que viene conmoviendo con películas como “La pianista” y “La cinta blanca”. Es, además, un regisseur de ópera que acaba de ganar premios en España por sus puestas. Y es, esencialmente, un realizador de sensibilidad sutil, y, no por eso, deja de mostrar los lados menos amables de la vida.

“Amour” es un film duro pero real. Es verosímil la relación de la pareja de ancianos compuesta maravillosamente por Jean Louis Trintignant y Emmanuelle Riva (nominada al Oscar por esta perfomance, a sus 84 años), donde hay devoción de uno al otro pero no conmiseración, donde hay lucidez y el orgullo de ser dignos hasta el final.

Haneke indicó que se basó en el caso de una tía suya, de 93 años, quien sufría una enfermedad terminal. De allí esta “Anne” de Riva, personaje que supo ser concertista y profesora de piano y que ama las “bagatellas” (género musical). Hay que señalar que el cine francés se caracteriza por desarrollar historias relacionadas con la música y Haneke no es la excepción aunque sea austríaco. La música clásica tiene gran presencia en la educación europea.

Es maravillosa también la composición del “Georges” de Trintignant, uno de los actores fetiche de la “nouvelle vague” francesa (Anges Varda filmó “La felicidad” en 1965, siendo considerada la “abuela de la nueva ola” francesa, con Trintignant, film que revolucionó la época). Isabelle Huppert como “Eva” personifica a la hija de este matrimonio con buen pasar y se retrata en ella la incomprensión por la vida de los ancianos y el temor de éstos a ser enviados a un geriátrico.

En esta película de “tempo” sostenido, de morosidad en las acciones de los personajes acorde a la edad, se muestra una situación límite que vive “Anne” y en la que es acompañada devotamente por su esposo Georges. Se comprenden, se aman, se respetan y buscan, hasta el minuto final de sus vidas, ser dignos y respetados en sus decisiones, las que éstas fueren.

El film toca el corazón profundamente, es una historia muy dolorosa, y encara la ancianidad desde otro punto de vista, el que no tiene “Eva”, la hija del matrimonio: respeto y aceptación de quienes están en sus cabales aunque la sociedad vea en ellos solamente la decrepitud.

Haneke también lleva su cámara hacia una situación límite que, aún con el rechazo que nos pueda producir, está entre las variables que dos adultos pueden elegir. Nada es previsible, podemos pensar que algo sucederá, pero Haneke tiene mano firme para llevarnos hasta el final de manera acompasada, dolorosa a su vez, sin que podamos advertirlo. Notable realizador, preciosista en la narración elaborada con Darius Khondji, el mismo que colaboró en las dos últimas películas de Woody Allen.

Es una de esas películas que recomendamos para mayores de 30 años, que duelen, que nos remueven la conciencia y echan luz sobre la vida íntima de dos personas que transcurren la última parte de la vida. cinco nominaciones a los premios Oscar.

Elsa Bragato

 

 

LA EXTRAÑA VIDA DE TIMOTHY GREEN

De Peter Hedges. Con Jennifer Garner, Joel Edgerton, CJ Adams (Timothy), David Morse, M. Emmet Walsh, entre otros. Música de Geoff Zanelli. Duración: 105 minutos.

BUENA. CUENTO DE HADAS EDULCORADO PERO EFICAZ

SOBRE LA ADOPCIÓN

 

Estamos frente a una fábula que, más allá de varios clishés efectivos, nos deja un subtema muy interesante: la adopción. Para los pequeños, es una linda historia mágica. Para los adultos, si bien puede resultar un film chico, es movilizadora por el deseo de la pareja central de ser papás del corazón.

El tema de la familia no es ajeno a los intereses artísticos del director Peter Hedges. En el Sundance Festival del 2002-2003 presentó “Pieces of April”, con Katty Holmes, donde ponía el centro en una adolescente que se va del hogar y quiere reconquistar a sus padres, quienes la rechazan. Película que recomendamos ver.

En este film toma el caso de una joven pareja que no puede tener hijos a los que, en una noche de lluvia muy especial (y aquí surge la fábula), reciben el regalo de un niño en cuyas piernas nacen hojas, justificadas por su nacimiento.  De allí en más, la relación entre los padres y el pequeño Timothy está plagada de novedades, de alegrías y frustraciones. Es muy buena la actuación del pequeño CJ Adams, y siempre resultan verosímiles las presencias actorales de David Morse y M. Emmet Walsh.

No convence mucho la resolución de la historia y resulta también apresurado su desenlace y final. Hay “ponchazos” de la vida en familia más que linealidad y esto le quita méritos a un tema muy interesante. La calificamos como “buena” y no regular, porque técnicamente tiene fallas, por el mensaje, porque nos deja con una sonrisa agridulce. Para ver en familia.

Elsa Bragato

 

 

CARNE DE NEÓN

De Paco Cabezas. Con Darío Grandinetti, Angela Molina, Luciano Cáceres, Mario Casas, Vicente Romero, entre otros. Música de Julio de la Rosa y Oscar Araujo. Duración: 105 minutos. Coproducción España, Suecia, Argentina.

BUENA. COMEDIA POLICIAL VISTOSA Y BIZARRA

Comedia dramática donde se entrecruzan el hampa callejero y una historia medular de un niño de 12 años que fuese abandonado por su madre prostituta (llamada “Pura”) en la calle, a punto de salir de la cárcel. La historia se sitúa 10 años después del abandono.

“Carne de neón” alude a esos años vividos  por Ricky a la intemperie bajo la luz de neón en una ciudad donde pululan prostitutas, travestis y otros personajes marginales. “Ricky” (Mario Casas) decide abrir un club clandestino junto a sus amigos callejeros llamado “Hiroshima”, como regalo para su madre, a quien nombra “regente”. Ricky vivirá entonces otras noches de neón en medio de bailes del caño, compra de mujeres, entre otras “yerbas”, hasta que aparecen un tosco matón (Luciano Cáceres) y un capomafia (Darío Grandinetti).

El film transita la comedia en medio de tiros de toda índole y una marginalidad oscura bien retratada por Paco Cabezas. El elenco colabora con sus muy buenas actuaciones y bien podemos hablar de una sólida narración de principio a fin, plagada del argot delictivo español (Borges habría escrito un fabuloso informe sobre este “habla”). Desbocada película por momentos, transita por todos los planos de los sentimientos de estos seres sin esperanza a partir de sus acciones “non sanctas”. La urdimbre narrativa es vistosa y bizarra a la vez.

Carlos Pierre

 

 

HERMOSAS CRIATURAS

De Richard Lagravenese. Con Alden Ehrenreich, Alice Englert, Jeremy Irons, Emma Thompson, Viola Davis, entre otros.  Música de la banda Thenewno2. Duración:

BUENA. LANZAMIENTO DE OTRA SAGA ADOLESCENTE CON MAGIA Y HUMOR

Basada en los libros de Kami García y Margaret Storl, “Hermosas criaturas” es el comienzo de una saga que abrirá las puertas a la joven pareja protagónica, Alden Ehrenreich y Alice Englert. Tienen un gran elenco de soporte donde aparecen nombres como Jeremy Irons y Emma Thompson nada menos.

Dirigida por Richard Lagravenese, narra la historia de amor sobrenatural que une a un joven harto de una vida anodina en un pueblo de Carolina del Sur y una chica con poderes, perteneciente a una familia de poderosos brujos (Irons y Thompson). Ella es una “Caster”, condición de “casta de brujas” que podría perjudicar al joven.

A esta película se le han querido encontrar rasgos comunes con la saga “Crepúsculo” pero, en verdad, aquí el amor de los jóvenes tiene otra índole, nadie acepta convertirse en lo que es el otro, utilizándose elementos góticos y muchas veces escenarios oscuros que devienen en hechos mágicos como gran atractivo. Tienen en común el hecho de estar dirigido a los adolescentes a través de factores no habituales, aunque diferentes en ambas propuestas.

Emma Thompson encarna dos personajes: una mujer ultraconservadora, madre del mejor amigo del protagonista, y una bruja malévola con secretos de alcoba. Jeremy Irons es el tío de la joven protagonista.

Tanto Irons como Thompson mantienen un duelo actoral, que se desarrolla en el interior de una iglesia y en el que el personaje de la actriz revela su verdadera naturaleza. Cabe recordar que Emma Thompson formó parte de la saga Harry Potter e intervino en Men in Black 3. Y que ama los personajes raros y exigentes, así como el cine independiente.

Otra secuencia que destacamos es el cumpleaños número 16 de la joven, donde todo se torna incontrolable porque las fuerzas de la Luz y las de la Oscuridad se reúnen para reclamarla para uno u otro lugar. Y este festejo coincide con el más poderoso solsticio en 5000 años, por lo que la “Alice” recibirá una energía todopoderosa.

Personajes con cargas mágicas, buenos actores y novelas como base, confluyen para dar inicio a una saga destinada a los más jóvenes. Es una “precuela”, una introducción a la fascinante historia de los Casters, sofisticados brujos, y un joven que coincide en la vida con la bruja casadera de una familia. Entretiene, tal vez le falte un poco de fuerza, pero tendrá buena taquilla.

Carlos Pierre