Crítica On Line
Los estrenos de la semana

CORDERO DE DIOS

de Lucía Cedrón, con Leonora Balcarce, Mercedes Morán, J. Marrale, Malena Solda, entre otros.Música de Sebastián Escofet.

BUENA. SECUELAS DEL PASADO EN UNA FAMILIA ACTUAL

El proceso militar de los 70 sigue marcando, lamentablemente, a muchas familias argentinas en pleno siglo XXI. Es el tema que toca Lucía Cedrón, en esta opera prima, haciendo lucir su artístico apellido en la pantalla grande. Tal vez esperábamos algo más redondo, terminado. No obstante, no está mal esta aproximación a lo que le sucede a los hijos de ex militantes afincados en el exterior, un secuestro, algunos sucesos de la debacle del 2001-02, y otros momentos del proceso militar. Estos temas no son los que fluyen ágilmente en la narracion cinematográfica. Lo demás, la relación de la hija con su madre radicada en PArís, su noviazgo, la relación con el entorno familiar, esa típica familia argentina actual, un tanto estereotipada en el film, son subtemas interesantes para el análisis y la polémica. El tono del film es un poco monótono. No hay explosiones de clímax, hay soluciones a los problemas que se van presentando. Y esto atenta contra el resultado final que, como pusimos en el título, no es malo. Es una buena película, una óptica diferente de las secuelas del pasado, trágicas por cierto. Le faltó más pasión. Pero se deja ver.

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METEORO

de Andy y Larry Wachowsky. Con Emile Hirsch. Música de Michael Giacchino.

BUENO. OTRO CÓMIC EN PANTALLA SUPERGRANDE CON EXAGERACIÓN DE COLORES Y SONIDOS

El "animé" japonés llegó a la pantalla de los Estados Unidos con Meteoro y la febril imaginación de los hermanos Wachowsky, generadores de la serie "Matrix". La innovación en la forma de narrar con imágenes se luce en este film que no nos conmueve como, por ejemplo, Ironman, donde hay posibilidades de encontrar subtemas para la polémica. Si bien el personaje es de carne y hueso, así como sus padres y otros que hacen a la feroz contienda de motores de automóviles en las que Meteoro intervendrá, la ambientación, la escenografía, es similar a la de los Sympons y realmente no resulta agradable para un film de este tipo. O, si lo prefiere, a esos elementos extraños que utiliza Roberto Petinatto en su programa diario por canal 13. Casitas de colores como en los cuentos de muñecas y príncipes no van de la mano con la importante y psicodélica pista de carrera, con automóviles que tienen poderes increíbles.

Visualmente, tanta innovación nos aleja de la historia, por la cual Meteoro debe demostrar que los motores que fabrica su padre son mejores que los del maldito competidor, el villano. La "sinopsis" de la narración cinematográfica es una novedad: superponer perfiles de personajes y de algunas secuencias que van pasando frente al protagonista cuando habla, ejemplificando lo que dice, y frente a las narices del espectador. Es bueno en algunos momentos. Luego se traduce "en" la forma elegida por los Wachowsky para este film y cansa. Es más, impide que el espectador se meta de lleno en la trama, sea trapado por la celeridad de esos autos que tienen un sonido demasiado fuerte para soportar durante tantos pero tantos minutos. Como que la primera secuencia automovilística, desde el inicio, dura unos 30 minutos. Por momentos, el espectador siente que está sentado frente a un juego electrónico o playstation en su propia computadora o en una sala de juegos. Y se pierde la noción del argumento que, en algún momento, deberá surgir e hilvanarse.

Nadie duda de que estará entre las primeras películas de la semana más vistas. Sin embargo, sabemos que el espectador no saldrá del todo satisfecho. Nunca mejor dicho "mucho ruido, pocas nueces".

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LOS CRÍMENES DE OXFORD

de Alex de la Iglesia. Con Elijah Wood y John Hurt, entre otros.

BUENA. MUCHOS CÁLCULOS PARA DESCIFRAR CRÍMENES.

Si alguien nos hiciera ver el film en cuestión sin decirnos que su director es Alex de La Iglesia, diríamos el nombre de cualquier realizador inglés, seguramente no muy conocido. El gran director español se ha despersonalizado en esta película, aunque hay algunas señales que le son propias: el suspenso, cierta ironía en el personaje principal (John Hurt y su sonrisa maquiavélica), y algo de humor negro pero muy lavado. Un joven norteamericano tiene interés en que el gran profesor inglés Selmond dirija su tesis. Llega a Oxford, a la casa de una dama que, por esas cuestiones, será la primera asesinada. El entorno de la anciana no es muy prometedor: su hija no demuestra mucho amor hacia ella, es violoncellista de la orquesta de la zona (Oxford es una ciudad inglesa maravillosa, plena de orquestas)y está enojada aunque tiene ojos demasiado piadosos para el jovencito que tanto se parece a nuestro Joaquín Furriel (el "ojitos" lindos de la tele argentina).

Es una película que, de movida, nos recuerda a "Código Da Vinci". Mucha explicación simbólica y matemática. Por ejemplo, el profesor Selmond parte de la premisa de que la realidad es un caos y que ningún crimen es, por ejemplo, resuelto en verdad. Siempre hay algo que da la impresión de ser el motor del crimen y hasta surge el sospechoso, pero nunca será el verdadero asesino. Frente a esto, el alumno Martín (Wood) sostiene que en el sentido secreto de los números está el sentido secreto de la realidad. El azar reunirá a profesor y alumno en un crimen, y cada uno disputará por su propia teoría para resolverlo. Sin querer, suponemos, De la Iglesia nos deja muchas pistas, muchas "previsibilidades" en la película y, si no es uno, sabemos que el otro será el culpable. Hombre o mujer. Y no nos equivocamos aún con el doble final, desarrollado en los 10 minutos finales y solo a través de diàlogos. Hay suspenso, sí, pero no el que esperábamos. Hay mucho texto, mucha explicación académica y esto lo transforma en una película solemne. Alejada de aquel subyugante De La Iglesia de "800 balas", por ejemplo. Es más de lo mismo.

RETRATO DE AMOR

de Francois Girard. Con Michael Pitt, Keira Knightley, Alfred Molina, entre otros. Música de Sakamoto. Locaciones en Italia, Egipto, Japón.

La bellísima Keira en el papel de una esposa engañada.

MUY BUENA. BUCÓLICO RELATO DE UNA HISTORIA DE AMOR DEL SIGLO XIX ESCRITA EN EL SIGLO XX.

Este film tiene una realización estupenda. El director de El violín rojo asume una gran responsabilidad al trasponer el texto literario del italiano Alessandro Baricco, nacido en 1958 en Turín. Escribió esta obra en 1996 y puso en ella todo el romanticismo itálico que pudo sentir. La realización en sí de Francois Girard tiene una fotografía maravillosa, unos encuadres paradisíacos, y una música estupenda que se transforma en otro protagonista más (como debe ser). La muerte, a mediados del siglo XIX, de la cría de gusados de seda en Europa obliga a un joven, cuyo padre tiene negocios de telas de seda, a embarcarse en una peligrosa aventura yendo a Japón, en especial a un monte, donde están quienes venden, contrabandean, esos huevos de gusados de seda. En ese viaje, el joven conoce a la esposa de uno de los dueños de las crías y mantendrá con ella una relación amorosa, más sexual que emotiva, que trastocará su vida.

La clave del argumento y su desarrollo está en un mensaje que, en signos japoneses, le deja la joven geisha. Y a partir de allí, el drama personal de Herbé y de su bella mujer Helene. Alfred Molina, más british que nunca, compone a ese "alter ego" del padre que está también embarcado en el tema del contrabando de gusanos de seda. Las consecuencias de ese contrabando afectarán la vida del joven inglés. Y, como si fuese una novela escrita por los excelentes románticos argentinos, tendrá todos los aditamentos de un "lovestory", escrito casi sobre el siglo XXI pero de neto corte siglo XIX. El film tiene grandes actuaciones y una fotografía deslumbrante, maravillosa. Sin embargo, el clima bucólico que se mantiene aún en los momentos más trágicos atenta un poco con el producto final, tal como estamos acostumbrados aquí al vértigo y la acción. Falta ese suspenso que nos inquiete un poco en la butaca. No obstante, es una producción estupenda. Si tolera la quietud narrativa, no se la pierda.

ELSA BRAGATO

Estrenos de la semana anterior

IRONMAN

Estrenada el miércoles 30 de abril del 2008

de Jon Favreau, con Robert Downey Jr, Jeff Bridges, Gwylneth Paltrow, entre otros. Música de Ramin Djawadi.

MUY BUENA. UN FILM A TODA ACCIÓN Y TECNOLOGÍA QUE ENTRETIENE Y ASOMBRA

Robert Downey Jr ha tenido aquí la posibilidad de demostrar sus dotes como el alter ego de un cómic famoso. El film está coproducido por Marvel, la gran generadora de los cómics en USA y, por ende, en todo el mundo. El héroe fue creado por Stan Lee y Jack Kirby, básicamente, y el nudo argumental está enfocado en la guerra en Afganistán y las nuevas armas, en especial un misil devastador que ha sido armado paso a paso por el "gurú" de las armas, Tony Stark, heredero de una empresa fabulosa bélica, que vive en un peñasco soñado en Malibú, sobre el Pacífico norteamericano. Su padre ha fallecido, siendo reemplazado en la educación de Stark por su gran amigo, Obadiah Stane (Jeff Bridges, pelado, con barba, más malvado que nunca). Capturado por los afganos, Stark se las ingenia para zafar de la muerte. Ya en su país, apelará a la más alta tecnología para transformarse en IRonMan mientras va surgiendo un intenso romance con su asistente personal, la delicada Gwylneth Paltrow.

Este protágonico de Robert Downey Jr le permite jugar con todas sus posibilidad actorales, sin caer en el dramatismo. El film va desde lo visualmente horrible como es la guerra y sus efectos hasta la comedia, negra por ese deambular entre armas y consecuencias, y la comedia ligera, teñida de personajes non sanctos como su especie de tutor, este irreconocible Jeff Bridges.  Decimos que el personaje de Downey Jr no cae en el dramatismo porque es justamente el tono que Jon Favreau ha omitido voluntariamente, reemplazándolo por el suspenso y el terror de la guerra.

La película dura 126 minutos incluyendo los créditos. Sin embargo, es atrapante, convencional, sí, pero atrapante. Arranca sonrisas y mucho asombro por la tecnología virtual que maneja este billonario bélico llamado Tony Stark. Si así se ensamblan aviones y bombas en USA, si así se utiliza la tecnología, apurémosnos a tener aunque sea internet en todo el país!!!!!

Desde ese punto, el film impacta. Se hace increíble. Apenas cae en lo reiterativo cuando se enfrentan dos colosales monstruos, uno de ellos IronMan, el otro no lo decimos..., similar al encuentro de Transformers. No era necesario.

Eso sí, no nos olvidemos de que estamos viendo un film de entretenimiento con todo puesto para que uno lo disfrute. Muy bueno.

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LOS DUEÑOS DE LA NOCHE

de James Gray. Con Joaquín Phoenix, Eva Mendes, Robert Duvall, Mark Wahlberg, Tony Musante, entre otros. Música de Wojcieck Kilar.

BUEN POLICIAL. LA NOCHE DE MANHATTAN ENTRE POLICÍAS Y VILLANOS CON UN TOQUE DE PATRIOTISMO. UN FILM EFECTIVO.

Dos hermanos, dos destinos, así también podría llamarse este film, recordando el mítico homónimo que protagonizara Marcello Mastroianni, dentro de otro contexto social y hace más de 30 años. Dos básicos elementos se enfrentan: la droga y la policía. La droga está en un cabaret llamado Caribe que regentea el "hermano rebelde", a cargo de Joaquín Phoenix. Un cabaret que maneja la mafia rusa (ya vimos el film con Viggo Mortensen y la mafia en Londres, que le valiera una nominación a los Oscars a nuestro compatriota fanático de San Lorenzo), el hermano rebelde que oculta su relación familiar con la policía, por un lado. Por el otro, la familia Grusinsky, con un patriarca de la policía neoyorquina a cargo del muy eficaz Robert Duvall, y el otro hermano, el que ha seguido los pasos de su papá, papel a cargo de Mark Wahlberg.

Este film fue abucheado en Cannes. Después de todo, es convencional y previsible pero eso no le quita méritos como film policial de fuerte entretenimiento. No es un film para festival, de eso estamos muy seguros. Pero sí es una película para los circuitos comerciales de cualquier ciudad del mundo porque atrapa a la audiencia. Todos sabemos ya qué pasará con el hermano rebelde, qué le sucederá al temperamental padre, cómo evolucionará la relación entre el rebelde y su leal novia (Eva Mendes, que realizó su primera escena de sexo bajo presión de un "vodka" para no sentirse tan mal), y finalmente qué consecuencias tendrá todo este enredo entre mafia rusa, droga, hermanos y padre. A pesar de la previsibilidad, entretiene y por lo tanto consideramos que es un buen policial, prohibido para menores de 13 años por las escenas de sexo (no tan fuertes como las de Ang Lee y el estreno de esta semana) y las correrías policiales en una Nueva York con lluvia, detalle meteorológico que la hace muy especial. Por supuesto, ese toque patrioteril que surge en el final no es del gusto argentino, pero es el sello de Hollywood. Después de todo, es un film de USA que ha llegado a nuestro mercado. Lo tomamos o lo dejamos. Le aseguramos que, si busca un entretenimiento con suspenso y tiros y correrías, "Los dueños de la noche" no lo va a decepcionar. Eso sí, no me pida que, en los diàlogos, aparezca el existencialismo de Kierkegaard...

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LA FAMILIA SAVAGE

de Tamara Jenkins. Con Laura Linney, Philip Seymour Hoffman, Philip Bosco, entre otros. Música de Stephen Trask.

MUY BUENA. UN FILM SOBRE LA FAMILIA, LOS PADRES, EL FIN DE LA VIDA, CON NOTABLES ACTUACIONES Y EXCELENTES DIÁLOGOS

Los Savages, apellido de la familia que es el nudo argumental de este film de Tamara Jenkins, su segundo largometraje y el primero que vemos en el circuito comercial en la Argentina, es una película conmovedora, que remueve dolores y sentimientos positivos sobre todo a quienes han pasado por la traumática secuencia de la vida de tener que internar a un padre o madre en un geriátrico. Por supuesto, el geriátrico norteamericano no es el tétrico y desmantelado geriátrico que la clase media argentina puede tener. Sin embargo, las miserias humanas surgen, tanto de estos dos hermanos que componen Laura Linney (la acabamos de ver en El diario de una Niñera) y Philip Seymour Hoffman, notables en sus composiciones. Estas pequeñas cosas (las miserias) son inevitables entre dos hermanos que viven en ciudades diferentes aunque la literatura sea el elemento que los une. El varón quiere sacarse rápido de encima el tema del padre con avanzada senilidad y llevarlo a un geriátrico. La hermana tiene sentimientos encontrados. Por un lado, debe hacer su vida que no goza de tantos éxitos como los de su hermano en el mismo terreno literario, pero por otra parte siente culpa.

El film pudo ser dramático, hosco, plagado de lugares comunes, de no ser por la mano férrea de Tamara Jenkins a la hora de narrar con imágenes, como nos gusta decir, y de no ser por los portentosos dos actores (Linney estuvo nominada a los Oscars por este papel) que la interpretan. El papel del padre está a cargo de Philip Bosco. También excelente en el papel, desolador, desgarrador.

Sin embargo, estas sensaciones de tristeza profunda se producen en el espectador que ha vivido estas circunstancias y no surgen de la pantalla a través de secuencias que puedan golpear bajo, salvo una inicial que nos permite suponer que algo en serio vendrá: la senilidad del papá. Justamente el hallazgo de Tamara Jenkins está en hacernos sentir lo que no se ve a través de diàlogos inteligentes, irónicos, con pizcas de humor, tal vez con tinte negro, pero humor al fin, que surgen entre los dos hermanos. Ese escritor de Hoffman atrapado en sus libros, con una vida personal desordenada, y esa escritora sensible, que aún no ha definido qué quiere ser, estableciéndose entre ambos una competencia impensada, que no buscaron. Pero que estaba latente.

El papá y su situación límite será el elemento argumental aglutinador, el que los hará llevar una responsabilidad nueva, el que les permitirá desentrañar lo que les pasó, revisar la vida de cada uno, y, mientras esto ocurre en pantalla, otro tanto pasará en la platea. Es un film profundo, mirando este tema que es común en las sociedades actuales desde un lugar más misericordioso y más real también. Aquí están los hijos y sus reacciones. En el caso de "The Mourning Forest", que se estrenó la semana pasada en DVD, el argumento estaba en el mismo geriátrico y el dolor de las ausencias de los personajes allí internados. Esta mirada distinta, este ángulo de concepción diferente hace que Los Savage sea una excelente película. Diàlogos, actuaciones, una cámara versátil, y una sólida construcción narrativa.

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CRIMEN Y LUJURIA

de Ang Lee.  Con Tony Leung Chiu Wan, Wei Tang, Joan Chen, entre otros. Música de Alexandre Desplat.

BUENA. LA DRAMÁTICA RELACIÓN ENTRE UN COLABORACIONISTA NAZI Y UNA JOVEN REVOLUCIONARIA. BUENA NARRACIÓN, QUE INCLUYE UNA SECUENCIA DE SEXO EXPLÍCITO.

Ang Lee viene de ganar el Oscar como mejor director por "Secreto en la Montaña", y anteriormente por "El tigre y el dragón" como mejor película extranjera. Con esta película, Crimen y Lujuria, se hizo acreedor al León de Oro en la hermosa Venecia. La justificación para este premio, suponemos, debió estar en el detallismo y la minuciosidad con que Ang Lee preparó el escenario de la lujuria y del crimen, ubicando la historia en China, en 1938, bajo la ocupación japonesa. Una representación teatral a la que se suma una joven estudiante china abandonada por su padre se transforma en una realidad que sobrepasará todos los límites. Sus compañeros son revolucionarios, y este personaje de dama rica le es enseñado por el líder del grupo terrorista. Así se infiltra en la casa del poderoso chino Yee, torturador a favor de los nazis, que deja a su esposa en amables tertulias de dominó sin prestarle mayor atención. La jovencita, oculta tras la fachada de una rica esposa de un importador, está en esas reuniones y despertará su pasión. Y es lo que, al fin y al cabo, la célula revolucionaria está buscando para matarlo: conocer sus lados débiles. Esa mentira inicial de la joven revolucionaria irá cobrando fuerza como realidad con el transcurrir del tiempo. Y es allí donde la película de Ang Lee logra entidad porque ha dejado de lado tanto andamiaje detallista para llevarnos al nudo argumental. Este "andamiaje" le hace perder valor al film porque se dilata en escenas que no son fundamentales sino accesorias y alargan en mucho la duración del film. Si se impacienta al espectador, algo está pasando: la película dura 157 minutos, o sea dos horas y media. Mucho tiempo para mucha lentitud.

Recién a la 1.50 minutos del film estalla la contenida pasión revolucionaria y amorosa. La escena de sexo explícito entre el muy afamado actor chino Tony Leung Chiu Wand y la debutante Wei Tang demandó 11 días de trabajo en un lugar apartado del set de rodaje, con la asistencia del camarógrafo y el director. Es, como toda escena sexual oriental, completa, detallada, y, en algún momento, exasperante para la audiencia. Para dar una noción de la tremenda pasión, que es lujuria en este caso, entre la joven y el militar no era necesario deleitarse con tan extensa secuencia. Solo con mostrar los inicios de cada momento erótico habría bastado para enseñarnos que el militar Yee sentía una endemoniada pasión por la jovencita, en la que ponía en práctica la rudeza de su "quehacer" diario (las torturas a los revolucionarios), mientras su novia era convencida a la fuerza de que ése debía ser su hombre para siempre. La traición se huele en el aire. Pero Yee está más compenetrado en sus deseos físicos que en atender su intuición.

Hay solidez narrativa, excelente ambientación de época, hay actuaciones sobresalientes, y también un excesivo regodeo en una historia que, aunque interesante, tiene minuciosidades que pueden atraer más el público oriental que al occidental. Ang Lee trabajó a la manera oriental y, para nuestro gusto, ése fue su pecado narrativo. Pensamos, con todo respecto hacia el realizador afincado en USA, que debió ser más holístico y no tan parcial en esta genuina fruición por su propia historia.

CONSTRUCCIÓN DE UNA CIUDAD

de Néstor Frenkel. Música de Javier Ntaca.

BUENO, DOCUMENTAL SOBRE "FEDERACIÓN" Y LA SUERTE DE SUS HABITANTES LUEGO DE LA PÉRDIDA DE LA CIUDAD ORIGINAL

La memoria de los pobladores desarraigados de su lugar por obras como las de Salto Grande, en este caso, es una materia fantástica para un documental. Y los documentalistas argentinos son muy buenos, aunque a veces existan reiteraciones. En este caso, Néstor Frenkel apela a la memoria de los pobladores de la vieja Federación, anegada por las aguas de la representa de Salto Grande, hoy un lugar turístico de aguas termales, descubiertas hace 18 años. Cada uno de quienes moraron en la vieja ciudad rescató algo de su casa: el número, un pedazo de madera de la puerta, algo que les indica hoy que sus lugares natales están bajo las aguas de un proyecto que es una realidad moderna.

Frenkel busca y encuentra a varios ex pobladores de la vieja ciudad, cada uno cuenta su historia, muestra sus recuerdos, y esto se traduce en una auténtica emoción que surge del documental, de historias personales que intentan rescatar el origen, otras que no se permiten el olvido, y varias que deciden mirar hacia adelante sin recordar nada porque es imposible volver atrás.

Salto Grande es un ejemplo de lo que se puede hacer entre dos países (Argentina y Uruguay) a favor de las comunidades respectivas y también de lo que puede llegar a costar ese logro. El progreso suele ir en la vereda de enfrente del sentimiento, puede perturbar la identidad personal y familiar, así como también puede generar nuevas oportunidades en otro futuro no buscado. Es un documental interesante que obtuvo una Mención Especial de la Asociación de Cronistas de Cine de la Argentina.

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EVITA, OTRA MIRADA

de María Teresa Mazzorotolo. Locución: Mario Mazzone.

Este documental de Mazzorotolo retoma las imágenes que su padre tomó a Eva Perón siendo uno de los tres fotógrafos que la acompañaban en forma constante. Asimismo Alfredo Mazzorotolo fue el Supervisor General de Fotografía del diario Democracia. Este legado histórico fue dejado por el mencionado artista gráfico en una finca, su hija lo recuperó y armó este documental que no logra superar el material ya conocido pero sí permite, de manera cronológica, acercarse a otra mirada, como indica su título, sobre Eva Duarte de Perón. Interesante y diferente.

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OTROS ESTRENOS

VIERNES 2 DE MAYO

 " La orilla que se abisma", de Gustavo Fontán (realizador de "El árbol")

"La rabia", de Agustina Carri (realizadora de "los rubios")

Estas películas se ofrecieron durante el BAFICI en funciones dedicadas a los críticos.

Elsa Bragato

Estrenos de la semana anterior

CONVERSACIONES CON MI JARDINERO

de Jean Becker, con Daniel Auteuil y Jean Pierre Darroussin, entre otros. Film Francés con música clásica incidental.

MUY BUENA. DIÁLOGOS DE VIDA ESTUPENDOS DONDE EL SENTIDO COMÚN Y LA SOLIDARIDAD SE UNEN EN UNA AMISTAD CONMOVEDORA.

Realmente, acercarse a este film de Jean Becker merece hacerse con gran apertura espiritual: desde la pantalla se nos dará una lección de solidaridad, de sentido común, de sencillez, con la actuación de dos grandes actores actuales, Daniel Auteuil y Jean Pierre Darroussin, uno de los actores fetiches del cine francés de denuncia social. Es notable que dos actores como los mencionados hagan, de esta lección, algo tan natural cuando todos sabemos que están trabajando frente a cámaras. He aquí la excelencia de Auteuil y Darroussin: hacen posible que nos metamos en sus charlas cotidianas como uno más en la mesa de la cocina. Nos trasladan a ese jardín, a esos cultivos, a sus vericuetos espirituales expuestos de manera tan comprensible. Un espejo de muchos sentimientos de cada uno de nosotros.

El nudo argumental es sencillo: un hombre a punto de divorciarse decide volver a su casa de campo, la de su niñez, a continuar con sus pinturas (Auteuil) y contrata al jardinero del lugar (Darroussin) que, causalmente, fue compañero de clase en la escuela primaria. La confianza del pasado y la necesidad de trabajo del jardinero van ganando el corazón del artista que regresa a su lugar natal. Se van derribando barreras, los hombres van encontrando caminos nuevos para charlar, para confesar sus penas, mientras el jardinero siempre tendrá una palabra o pensamiento sensato, fruto del sentido común del hombre simple, del que está apegado a la realidad de la tierra, a sonreir cuando las lechugas brotan de la tierra o los tomates toman el color rojo maduro. Algo tan simple pero que olvidamos al vivir en la ciudad. Hay un secreto del jardinero que "Pincel", como lo llama a su amigo de la infancia, no conoce. Y que será el broche de oro para la confianza, la emoción, la solidaridad de la que hablábamos en el título.

Muchas veces las películas francesas se desmadran en los diálogos. No es éste el caso. Aquí, gracias a las actuaciones de Auteuil y Darroussin, esos parlamentos logran introducirnos en el alma de los personajes y más aún, nos atrevemos a decir en nuestra propia alma, buscando ese sentido común que suele faltar. La recomendamos especialmente para los mayores de 30 años, porque la experiencia de vida les permitirá reconocerse y apreciar la diferencia de las almas sencillas y nobles de las empaquetadas por las entelequias urbanas. Muy buena.

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REYES DE LA CALLE

de David Ayer, con Keanu Reeves, Forest Whitaker, Hugh Laurie, Chris Evans, entre otros. Basado en una historia original de James Ellroy, con coguión del autor. Música de Graemme Revell.

BUENA. LAS TRAMPAS MORTALES DE LAS CALLES DE LOS ANGELES EN UN TRHILLER SANGRIENTO Y FURIOSO

Keanu Reeves vuelve a la pantalla en la piel del detective Tom Ludlow, un hombre frío que pertenece al Departamento de Policía de LA, ciudad nativa del director David Ayer (el director también de la exitosa S.W.A.T.T.), cuya característica es no ser corrupto y combatir a sus colegas que sí lo son. Depende de un jefe astuto, encarnado por el siempre buen actor Forest Whitaker (ganador del Oscar por El Ultimo Rey de Escocia) con un rostro capaz de ser inconmovible cuando lo necesita hasta derrumbarse frente a situaciones límites. El afamado "Dr. House" de la televisión, ganador de premios por su trabajo en la mencionada serie, Hugh Laurie, cumple aquí con un breve y decisivo papel: es quien maneja las diferentes unidades policiales y está por sobre la autoridad de Whitaker.

Hay mucha acción en el film, mucho suspenso, mucha muerte, e imágenes que pueden hacerle daño a los espíritus sensibles: aquí el detective Ludlow cumple con una misión difícil y, como en tantas otras, sale airoso de las primeras luchas callejeras, teniendo mucha difusión a través de los medios de LA. De a poco, va metiéndose en una intriga policial densa, que involucra a propios y extraños, y que es el argumento que se va desarrollando. Hasta aquí podemos hablar. David Ayer ha logrado un buen policial, con todos los condimentos necesarios para que el suspenso y el horror de estas luchas en las calles de Los Angeles sean reales, fuertes, tremendas en imágenes. Y hábilmente, si bien va dejando alguna que otra pista, nos lleva a un triple final. Nada es lo que parece. Ese manejo argumental con imágenes hace, de este film, un buen policial. En el caso especial de Keanu Reeves, siempre nos cuesta bastante definirlo como actor. No encontramos matices en su rostro, salvo miradas que pueden indicar temores o ansiedades, para dar ejemplos, pero, en líneas generales, es un actor más para películas como Matrix que para aquèllas que deban generar emoción en el espectador. Salvando esto, cumple con su misión policial, de acuerdo al guión, muy bien. Por supuesto, ha tenido dobles porque hay escenas de gran riesgo para cualquier actor. El final es a todo o nada y, si hay alguna mínima sospecha en la audiencia sobre quién es el peor de todos, bueno, lo sabrá poco antes del "The End". Buena, para vibrar en medio de tiros en las calles de Los Angeles.

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PERSÉPOLIS

de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud, con las voces de Chiaria Mastroianni, Catherine Deneuve, Danielle Darrieux, entre otros. Música de Olivier Bernet. Está basada en una novela gráfica de Marjane Satrapi.

MUY BUENA. UN CUENTO ANIMADO SOBRE LA HISTORIA RECIENTE DE IRÁN, A TRAVÉS DE LOS OJOS DE UNA DIRECTORA IRANÍ. IMPERDIBLE

Persépolis es el nombre de la ciudad que fundara Darío I en el siglo VI A.C., y para la iraní Marjane Satrapi alude a la gran civilización a la que pertenece, opacada, ensangrentada, por los hombres, de uno y otro lado político. Es un dibujo animado que cuenta, en alguna medida, su propia vida, una iraní enviada a estudiar en París, una niña que desde los 9 años vio diferentes movimientos en su país y que cada uno de ellos causó muertes en sus familias. Primero por el Sha de PErsia, entonces, casado con Soraya, a quien repudió por no darle hijos, vuelto a casar y con hijos esta vez, huyendo de su país y quienes creyeron en él, fusilados. Los fundamentalistas y las promesas de paz, de igualdad, de una verdadera fe y seguimiento de la gran cultura, y otra vez la dictadura, la imposición del poder hacia la mayoría. La guerra con IRak, la persecusión de Saddam Hussein, la rebelión de sus mayores y el apoyo a los movimientos siguientes de liberación. Hasta que la misma jovencita de la historia, luego de vivir en París, de conocer el mundo occidental, decide regresar a su tierra, IRán, y ya no puede desembarazarse de los designios de sus mayores, debe luchar como todos, es lo que su sangre y su corazón le indican. En medio de estas luchas, dejando muchas muertes en el seno de cada familia, hay trazos poéticos de costumbres familiares que Marjane, como mujer, no ha dejado pasar por alto: por ejemplo, las charlas con su abuela y el observar que, de sus senos, caían pétalos de flores, puestos allí por esa mamá grande para perfumarlos. La nieve sobre Teherán, pintada en blanco y negro, y el mundo occidental, solo en algunos momentos con color.

La recomendamos. No solo está bien hecha como ficción animada sino que es atrapante. Es un documental ágil, inteligente, que nos muestra la vida en IRán en los últimos 40 años y cómo el hombre es esclavo del propio hombre con poder. Si trasladamos esta acción al mundo en general, es lo que todos vivimos en los países en formación o "emergentes". Promesas, ideales, traiciones, caídas, promesas. Muy buena.

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SIN RASTROS

de Gregory Hoblit. Con Diane Lane, Billy Burke, entre otros. Música de Christopher Young.

MUY BUENA. POLICIAL PROTAGONIZADO POR UNA MUJER, CON FUERTES IMÁGENES Y MUCHO SUSPENSO.

Si bien en materia de policiales hay un esquema a seguir, es un género, a veces hay elementos que pueden marcas las diferencias. En este caso, es la elección de una protagonista, Diane Lane, como la agente del departamento especial del FBI, creado hace unos 7 años más o menos, contra los crímenes por internet. Esta fabulosa manera de comunicarnos a través del mundo es, en manos de mentes depravadas y enfermas, un elemento de asesinato, de abusos de menores, de prostitución física y mental. Por eso hoy hay departamentos de investigación especiales dedicados a los "Hackers" o invasores del territorio virtual de cada computadora personal o estatal. La tecnología y sus avances y la tecnología y los malversadores de ella: así podríamos sintetizar el tema.

El film cuenta con una actuación más que eficiente de Diane Lane, una actriz muy conocida  y reconocida también en esta parte del mundo, y un grupo de sólidos actores manejados en una trama siniestra por momento, más que cruel y sádica en otros, por el director Hoblit. Esta trama es siniestra por las imágenes que muestra: por internet, un asesino serial muestra a sus víctimas. Los rastros de su IP, del número de su computadora, son casi imposibles de encontrar. Se mueve con rapidez, se hackea a sí mismo, por lo tanto es un dilema a resolver. Cuando alguien ingresa al sitio, ve una persona agonizando y cuanto más visitantes hay, más rápido será la muerte de su víctima, a las que obtiene mediante emails, con el engaño de una "visita íntima".

La vida personal de esta detective especial se verá afectada, tiene una hija de 8 años a la que cuida, se esmera, e irá sumando pistas, junto a sus compañeros, para poder terminar con el asesino serial. Mientras tanto, el telespectador vivirá una dramática trama con imágenes muy fuertes, que debemos consignar para que nadie esté desprevenido, algunas de ellas con un grado de sadismo que repugna.

Buen policial. Para estremecerse, para pensar en que el hombre sigue siendo su propia presa.

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EL NIDO VACÍO

de Daniel Burman. Con Oscar MArtínez, Cecilia Roth, Inés Efrón, Jean Pierre Noher, entre otros. Música de Nicolás Cota.

MUY BUENA. LA VIDA DESPUÉS DE LOS HIJOS, LA PAREJA Y SUS VAIVENES. BUEN CINE COSTUMBRISTA A LA MANERA DE... BURMAN

Esta es la sexta película de Daniel Burman. De las anteriores, nos gustó especialmente El abrazo partido, no así Derecho de Familia donde hubo cuestiones de guión que impidieron una resolución dramática sólida. Esta resolución la encontramos aquí, en El Nido Vacío, una frase que se utiliza para indicar ese momento especial que, por lo general, se le atribuye a las mujeres cuando sus hijos se casan. Y el "nido", el hogar, queda vacío. La mirada de Burman recae sobre el marido, el padre, en forma especial, para iniciar este análisis de sentimientos y reacciones que solo se conocen cuando se han vivido. En este sentido, Burman demuestra una mano muy hábil y mágica, por momentos, para hacernos sentir eso que los dos personajes principales sienten, con la inclusión de dos excelentes actores, la "flamante" Inés Efrón y el talentoso Jean Pierre Noher.

Una vez que los tres hijos de la pareja se fueron del hogar, la pareja, en la ficción y en la vida real, debe rearmarse, debe volver a mirarse a los ojos sin intermediarios, hay que reconstruir la individualidad en colaboración con el "otro", y he aquí cuando muchas veces los matrimonios fracasan. Descubren que ya no se toleran, que no tienen tiempo para repensarse "junto con" y sí "solos, libres". Sienten que hay que empezar la vida de nuevo y no siempre debe hacerse con la misma persona. En el caso del personaje de Cecilia Roth, una actriz de indudable magia y perfección, es la madre que decide reiniciar sus estudios, encontrando nuevos amigos, nuevos afectos, todos elementos perturbadores para la "flamante" pareja de adultos. El, en un encomiable trabajo de Oscar Martínez, tiene esa mirada pícara y con algo de perversión hacia las mujeres jóvenes. Ambos tienen tiempo libre y la cuestión es cómo seguir viviendo.

Se nota un trabajo fotográfico sólido, un desarrollo argumental a través de la narración también sólida, sin resquicios, además de las actuaciones. Locaciones bien buscadas, diàlogos interesantes. Y si bien aquí no está el actor "preferido" de Burman, Daniel Heller, el casting ha sido excelente, logrando un film conmovedor. Ciertamente, hay personajes perturbadores o no tan necesarios. Pero vamos a apostar a este buen cine sin mencionar lo que nos pareció un poco desacertado porque la industria nacional de la gran pantalla necesita de estos productos. Muy bien, véala. Habrá momentos que creerá que está frente a un espejo!!!

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CINE-ARTE

El SECRETO EN EL BOSQUE

de Naomí Kasawe. Con Machiko Ono y Shigeki Uda, entre otros. Japón.

MUY BUEN DVD. LA RESURRECCIÓN Y LA MUERTE, EL RESPETO Y EL AMOR AUSENTE EN UN FILM DIFERENTE, POÉTICAMENTE DOLOROSO

Naomí Kasawe tiene con El secreto del Bosque su debut cinematográfico en BUenos Aires, si bien es muy reconocida en los festivales internacionales donde siempre asoma por su "cine impresionista", es decir, como los pintores franceses, utiliza la cámara de manera tal que sea la naturaleza, al menos hasta ahora, la que nos vaya indicando el camino de la libertad espiritual y física. En este caso, un bosque, sus árboles, sus ramas, sus hojas, el misterio que hay dentro de la tierra.

Esto es cine arte por lo tanto queda en el lector elegir ver este film en cine o bien esperar que pronto salga en DVD. La belleza expuesta en las imágenes merecen que acerquemos un comentario porque el cine de Kasawe es diferente a otro cine oriental, más comercial. La ausencia es el tema que la preocupa a esta notable directora y aquí aparece: la ausencia desde hace 33 años de la esposa de Shigeki (los personajes mantienen el nombre original de sus actores), sabiendo que 33 años es el tiempo que necesita un alma para subir hasta el sitio de Buda y ya no reencarnarse más, y la ausencia del hijito de Machiko (Machiko Ono), muerto fatalmente cuando paseaba con ella, su mamá. La historia se centra en un geriátrico, en el diàlogo de los abuelos sobre la muerte, el temor a ella, o el no temor al paso al más allá, las enseñanzas de un maestro buda, el dolor profundo de Shigeki por la muerte de su mujer y el de su asistente social, Machiko, por la de su bebé. El bosque, en una tarde de fiesta para los abuelos hacia donde escapa Shigeki, será el testigo de la decisión de ambos de cuidarse, de encontrar el sitio donde está enterrada Mako, la mujer de Shigeki, hasta la escena cumbre de amor: luego de un temporal, empapados, Shigeki tiene mucho frío, enciende un fuego, pero tirita y Machiko lo reanima, le da té caliente que llevaba en una mochila y viendo que no reacciona, se desnuda y lo apoya contra su cuerpo para que el abuelo pueda revivir.

Hay muchos más secretos del bosque que hacen a la historia. Es realmente un argumento que provoca dolor, empatía, nos hace llorar, nos hace sonreir a través de las lágrimas porque, si miramos hacia arriba, como la cámara nos indica, entre las copas de los árboles, está el cielo, está el sol, está la vida. Uno suele saber cuándo es el momento del final.

Elsa Bragato
 

Hubieron cinco estrenos, además del BAFICI.

DE AMOR Y DESENCUENTRO

de Antoine de Caunes, con Charlotte Rampling, Jen Rocheford, entre otros.

MUY BUENA. ENCANTADORA COMEDIA CON EL GLAMOUR FRANCÉS DE DOS GRANDES COMEDIANTES. IMPERDIBLE

Antoine de Caunes apeló a una fórmula estupenda y poco transitada en los últimos tiempos: dos personas del medio artístico que se reencuentran en un escenario (algo así como la Tota Santillán y Fernanda Vives en "Bailando por un sueño", dicho esto con objetividad y respeto). Rochefort compone a un bohemio director francés que tuvo su mejor época cuando su actriz "musa" era el personaje a cargo de Charlotte Rampling, casada con un millonario inglés desde hace 30 años, luego de haber superado aquella etapa cinematográfica con el teatro británico. Un ardid del destino los reúne en un escenario. Ruinard y Alice, he aquí sus nombres. La comedia es esencialmente de amor, como que en francés se llama "desencuentro perfecto", traducido de manera diferente para darle un toque latinoamericano. En realidad, este encuentro es un desencuentro de consecuencias insospechadas. Ruinard, en la piel de Rocheford, tiene expresiones, gestos, actitudes que nos divierten desde el lugar más sano. Por su parte, esta inglesa criada en el sur de París que es Charlotte hace una Alice afecta al estilo inglés que le propone su esposo gay, que le brinda todo lo que ella necesita. Viven en un palacio, nada le falta a esta Alice que reina en el teatro de Londres. Charlotte Rampling dota a su personaje de ternura, de conmociones internas que su extrema sensibilidad actoral permite que se vean en su rostro. Y hay un secreto más que tardará en descubrir Ruinard, en la caída de su carrera, y que Alice ha ido ocultando por despecho dada la vida bohemia que su ex pareja tuvo. Andanzas, un pasado que no deja de perturbar a Ruinard, un presente que le puede asegurar la felicidad buscada. Y Alice, allí, pensando en cómo arruinarle la estada en Londres a su ex hasta que la vida se encargará de que empiece a mirar a su ex pareja de otra manera.

Hay emoción, hay diversión, hay excelentes actuaciones, hay ritmo. El film nos mete dentro de su historia y nos lleva acompasadamente hasta el final. No hay tiempos muertos, no hay nada que moleste o que se aletargue o que se apresure. Antes de terminar, vale aclarar que hay un cuidado desnudo total de Charlotte Rampling a sus 63 años, que deja ver un cuerpo cuidado, agradable, dándole a la mujer de edad una cuota de confianza: también vale la pena amarlas.

Una excelente comedia para disfrutar.

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EL DIARIO DE LA NIÑERA

de Shari Springer Berman y Robert Puicini. Con Scarlett Johansson, Laura Linney, Paul Giamatti y Nicolás Reese Art, y Chris Evans. Música de MArk Suozzo.

BUENA Y AGRADABLE COMEDIA DE ENREDOS ENTRE RICOS Y POBRES SOBRE LA QUINTA AVENIDA DE NEW YORK

No es la mejor comedia del año, pero sí es buena y agradable. Lineal, sin mayores complicaciones, "El diario de la niñera" está basada en el guión de sus directores y refleja, entrelíneas (en este caso son las importantes), una serie de detalles comunes de la vida de los norteamericanos. En primer lugar, la necesidad de trabajar en una tienda, o como "nanny" o niñera, en un bar, para ganarse unos pesos y poder superar la etapa postgraduación, como ocurre con el personaje a cargo de Scarlett Johansson. Esto demuestra una "open mind" admirable de una sociedad a la que no se le caen los anillos ni se fija en el que dirán a la hora de trabajar. Se ve en New York, en California, en Miami, donde usted vaya.

Por otro lado, también nos muestra la actitud de la clase superalta que es común en todos los países. Las niñeras que quedan a cargo de los chicos con exigencias que van más allá de sus tareas, horas extras (sin ir más lejos, en la televisión local tenemos una muestra en "Don Juan y su bella dama" (Telefé) con el personaje de Romina Gaetani como acompañante de una dama de edad) y el riesgo siempre presente de escuchar las peleas maritales, de participar de situaciones que no busca, mientras la criatura a su cargo le va tomando más cariño, sin por eso dejar de querer a sus padres. Pero quien está allí para acompañarlo a los bailes de disfraces, para darle la merienda, la cena, lo que fuera, es la "nanny" y no la mamá, ocupada con sus clases de yoga, con perseguir a su marido, con la peluquería y la intensa vida social. La Nanny pasa a ser una mucama maltratada. La señora "paqueta" está a cargo de Laura Linney, una belleza de mujer y una gran actriz. El esposo lo encarna Paul Giamatti, un gran actor aquí en un papel poco amable para quienes lo recordamos en "Entre copas" y otros memorables filmes de su excelente carrera.

La vida privada de las nannies molesta a las amas de casa millonarias, ellas no son felices, tampoco quieren que lo sean sus niñeras. Y siempre se da la ocasión de que, yendo y viniendo en el ascensor, aparezca un joven que vive en un piso más arriba que descubre en la nanny a alquien muy especial que merece ser conocida. Esta es otra cualidad de la sociedad norteamericana, en su gran mayoría: apreciar cualidades sin fijarse mucho en la clase social. Esto viene por añadidura o, en todo caso, se escala hacia ella o se ayuda a escalar ese escalón a la persona amada.

En realidad, es una comedia dramática que, por ahí, se diluye un poco, o se alarga en algunos momentos. Sin embargo, resulta entretenida, se descubre el lujo de las clases del Upper Side de Manhattan, y la lucha de la clase media por conseguir un título y luego trabajar para poder vivir. Es para ver, para pensar y para disfrutar. Scarlett hace estragos en los corazones masculinos argentinos, aunque aquí está con cabello oscuro y no deja ver mucho de su bien torneado cuerpo. Véala, se disfruta.

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21- BLACKJACK

de Robert Luketic, con Jim Sturgess, Kevin Spacey, Kate Bosworth, Laurence Fishburne, entre otros. Música de David Sardy.

ENTRETENIDA. ESTUDIANTES QUE HACEN DE LAS SUYAS EN LAS VEGAS PARA GANAR MILLONES DE DÓLARES

Es inevitable recordar "Ocean's Eleven" al ver este film que presenta Columbia T. Pictures, que tiene como centro hacer "saltar" la banca de los casinos de Las Vegas. A diferencia de "Ocean's..." aquí se trata de estudiantes del MIT, reunidos por un profesor experto en matemáticas, que encarna muy bien Kevin Spacey. Los adoctrina para que sepan contar rápidamente las cartas del juego Black Jack y así poder ganar fácilmente millones de dólares. Un alumno se destaca por sobre los demás y es el que encarna Jim Sturgess, inteligente, rápido, va dejando su propia vida familiar embarcado en este grupo de delincuentes a base de inteligencia y no de robos a la caja fuerte (Ocean's Eleven). Los fines de semana son viajes secretos a Las Vegas con el grupo, formado en total por 6 estudiantes. El tiene otra meta y es tener una aventura de vida subyugante, la que le exigen, para ingresar a Harvard, y no tiene recursos por lo que necesita una beca. Su profesor (Spacey) le hace una mala jugada y el joven estudiante se vengará, liderando ahora el grupo con su profesor como un integrante más.

Las idas y vueltas del equipo de superdotados no tiene mucha pasión ni ofrece intriga. Es demasiado "matemática" la cuestión y la llegada a los diferentes casinos tampoco ofrece "magia" o persecusiones que eran de esperar. Algunas hay pero sobre el final de dos largas horas. Falta pasión, intriga. No la hay. Los alumnos son brillantes. Cuando las autoridades de los casinos se dan cuenta, ya es tarde.

Solo le confiere cierta audacia y suspenso el robo de los ahorros que Spacey le hace a su alumno preferido, lo que desencadenará otra reunión de los seis y otro viaje a Las Vegas sin mucha acción. De todas maneras, la película va atrapando porque uno espera que en estos viajes algo se destape, que no todo sea tan positivo, al menos los jóvenes está robando. Las cámaras de seguridad siguen atentamente las mesas, se descubre quién cuenta los puntajes que va obteniendo y calcula la carta por salir. Y no mucho más. Sin embargo, casi por la magia del cine, entretiene.

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LA PERRERA

de Manolo Nieto. Film del Uruguay, recibió el Tiger Award en el Festival de Rotterdam. Con Pablo Riera, Martín Adjemian, Sergio Gorfain, entre otros.

BUENA. DIGNA DE VERSE. UNA FILM COSTUMBRISTA QUE DEJA UN MENSAJE A LOS JÓVENES

"La perrera" se vio hace dos años en el BAFICI de la ciudad de Buenos Aires en la Sección Oficial. Está filmada en el balneario La Pedrera, famoso en la costa uruguaya, y en realidad su título alude a la modesta construcción de una casa a la que el papá del protagonista, Pablo Riera, lo obliga. Si no estudia, trabaja. El entorno no lo favorece, sus amigos lo ayudan a construir como pueden esa "perrera", o lugar de reunión donde se toma vino, donde hay droga, donde la vida transcurre sin objetivos. Digamos que se "pierde la vida" sin conciencia. Sin embargo, el personaje a cargo de Riera desea terminar sus estudios. Debe plantearse el cómo, debe volver a la casa paterna que está a metros de ese lugar que será su casa.

Hay datos curiosos sobre esta película que, sin ser una superproducción, conmueve, nos moviliza, produce empatía con los personajes y los lugares. Incluso se sabe que el director, en esta su opera prima, necesitó a los habitantes del pueblo y éstos trabajaron gustosos. Todo resulta genuino, cercano a los afectos, a lo cotidiano, el mate, el mantel de hule, la sencillez del habitante del interior del Uruguay, y la vida de estos chicos que, si entienden el mensaje de tener el techo propio, es posible que logren mejorar un destino que, por el momento, solo les trae pasatiempos peligrosos. Nos parece buena, digna de verse.

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    IMÁGENES DEL MÁS ALLÁ (SHUTTER)

de Masayuki Ochiai, con Joshua Jackson, Rachael Hudson, Megumi Okina, entre otros.

UNA PESADILLA DE "MIEL". REMAKE DE UN FILM DONDE LOS FANTASMAS ESTÁN A SUS ANCHAS.

En el 2004 se realizó la película original, de Tailandia, donde consiguió un enorme éxito de taquilla.A los dos años se la estreno aquí y en el mundo y el éxito fue más que discreto, seguramente, porque la ambientación del film oriental estaba muy alejado de nuestra vida cotidiana. Aquí los productores son los mismos de The Grudge y de otros éxitos del estilo de terror. Esta película tiene a favor no ser sangrienta, y sí ser de terror. Pero veamos dónde y por qué. Los personajes centrales son una pareja de recién casados que, por el trabajo de él (fotógrafo profesional) deben viajar a Tokyo y allí vivirán una pesadilla de miel. Ni Jackson ni Hudson nos logran transmitir susto o emoción. Este es un primer problema. Y la aparición de la sucesión fantasmal, por darle algún nombre, no ocurre en tiempo y forma. Se producen baches, tiempos muertos para este tipo de género, donde el personaje de Joshua Jackson se dedica a sacar fotos a bellísimas mujeres. Y el tiempo que les dedica es harto extenso para este tipo de trama, insistimos. Hay un secreto y el fantasma no se lo perdona. Allí veremos un par de escenas más que fuertes, pero sobre el final. Si bien el film no es largo, poco más de 80 minutos, parece que durara dos horas. Y esto tiene que ver con el tratamiento dado a esta versión occidental. Aclaremos que el tema de los fantasmas viene desde 1860 al menos con registros de diferentes cámaras. Incluso existe en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York el "The perfect medium: photography and the occult" como exhibición de fotografías con fantasmas, tema que ha dado a mucho "truchaje" y a otras dudas, aunque dicen que existen fotografías auténticas.

Siempre decimos que este género está dedicado especialmente a los adolescentes. Insistimos en que aquí no se asustarán mucho, falta tensión, falta suspenso denso. Serán sustitos y previsibilidad. Algo es algo.

Elsa Bragato