Hay siete estrenos que incluyen
cuatro producciones nacionales y una coproducción de
Argentina con Chile y Uruguay. No comentamos los
documentales Chacu y Moacir.
LOS DESCENDIENTES
De Alexander Payne. Con George
Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause y
Patricia Hastle, entre otros.
BUENA. MELODRAMA FAMILIAR EN
HAWAII . SORPRENDENTE ACTUACIÓN DE LA JOVEN ACTRIZ SHAILENE
WOODLEY
A punto de presentarse en los
Oscars, Los descendientes viene de ganar varios premios
importantes, incluyendo el de mejor actor para George
Clooney, quien encarna a un rico padre d e familia cuya vida
se divide entre dos islas del archipiélago Hawaii.
“King”, tal su apellido, es
dueño junto con sus primos y hermanos de importantes tierras
que deben ser vendidas. Mientras analiza esta situación
comercial, se entera de que su esposa sufrió un severo
accidente en el mar y está en coma. Enfrentar la segura
muerte de su mujer, y hacerse cargo de dos hijas mujeres,
una pequeña y una adolescente, encarnada por Shailene
Woodley, quien es la gran revelación del film,
son los problemas de King a quien su fortuna personal nada
le aporta. De pronto, aparecerá un “tercero” en discordia,
insospechado, una revelación que cambiará la relación del
padre y las hijas con la mujer agonizante y que deberán
desentrañar estos “descendientes” para llegar a la verdad.
El film se basa en el primer
libro de Kaui Hart, escritora radicada en Hawaii y,
ciertamente, su versión cinematográfica colabora en el
conocimiento del archipiélago que es de una belleza
desbordante. Pero… no deja de ser un melodrama
familiar a pesar de tanta naturaleza maravillosa.
Encontramos momentos
muy logrados a nivel de actuación. Por ejemplo,
cuando Alexandra (la estupenda Woodley) es advertida por su
padre que su mamá será desconectada de terapia intensiva.
Está en medio de la piscina y es presa de una crisis
inevitable. Se hunde hasta el fondo retorciendo su rostro y
su cuerpo y es, sin duda, la mejor secuencia del
film porque conmueve, duele, transmite un tremendo
sufrimiento.
Destacamos la
estructura de la película. Se observa una precisión
en los temas que se debían filmar por secuencias, es decir,
hay un “story board” real o virtual que se mantuvo a
rajatabla y fue a favor de la narración. se logra la tensión
sin caer en detalles morbosos y hasta hay lugar para la
sonrisa por situaciones cotidianas entre padre e hijas y un
flamante noviecito de la mayor así como las que se generan
con la desmemoriada abuela materna.
George Clooney asombra por
momentos porque no aparecen sus gestos tan habituales de
galán ganador. La sonrisita seductora se borró en este film.
No obstante, no logra transmitir emoción,
su personaje aparece circunspecto, serio, adusto, sin
aparente desgarro interior y sí mucho conflicto. “King” es
torpe y esto sí lo actúa muy bien Clooney. La desesperación
la demuestra corriendo dos veces en forma enloquecida por
las sinuosas calles del barrio residencial donde vive. No
mucho más aunque hay una secuencia donde las lágrimas
aparecen pero, en cierta medida, para el espectador ya es
tarde.
También podemos considerar que,
como hombre de negocios, alejado de su familia por su
profesión, no sabe qué hacer ni con una esposa en coma ni
con dos hijas que le pasan factura. Y queda anonadado. Puede
ser. Pero el film exigía más pasión en su personaje.
“Los descendientes” nos habla
justamente de ellos, de los descendientes de una mujer que
muere y deja a su marido y sus dos hijas con conflictos
diversos. ¿Qué hacer frente a la muerte repentina de uno de
los padres, cómo enfrentar la educación de las hijas, cómo
resolver el absorbente trabajo sin descuidar nuevamente lo
que queda del hogar? Las preguntas tienen respuesta en la
película, que logra una excelente realización y una notable
actuación, como dijimos, de Shailene Woodley. El tema no nos
es desconocido pero está muy bien narrado. En cuanto a
George Clooney, sabemos que Hollywood le debe un Oscar, pero
no consideramos que sea ésta una gran actuación para ello,
aunque es la más madura de los últimos films del millonario
actor. Alexandre Payne tiene, como antecedentes, el film
“Entre copas”, una joya sobre la amistad, a medio camino de
road movie y ficción completa. Y su mano se nota en la
estructura de esta película, que hemos destacado
especialmente. Un buen melodrama.
Elsa Bragato
LA DAMA DE HIERRO
De Phyllida Lloyd. Con Meryl
Streep, Jim Broadbent, Olivia Colman, entre otros. Música de
Clint Mansell y Thomas Newman. Duración: 105 minutos.
BUENA. SEVERA ACUSACIÓN DE LOS
PECADOS POLÍTICOS Y PERSONALES DE LA THATCHER
Llevar al cine a la ex dama de
Hierro de Inglaterra, ex Reino Unido también,Margaret
Tatcher (87 años) ha sido una osadía porque, buscando
retratar a una mujer fuerte ( primer ministro de un ex reino
colonialista, que no tuvo piedad con la muerte de los
mineros de su país con justos reclamos ni con hundir el
Belgrano- buque argentino-, repletode conscriptos, en la
guerra de las Malvinas de 1982), se ha dejado de ella una
biografía parcial de una anciana con
Alzheimmer que vive de los recuerdos de su familia, un
marido fallecido y dos hijos gemelos (1953) a los que
prácticamente no ve.
El film de Phyllida Lloyd (Mamma
Mia) ahonda en la actualidad de Margaret Tatcher, quien es
perseguida por la memoria de su marido (Tatcher falleció en
el 2003 y está encarnado por el gran actor Jim Broadbent,
condenado al papel del “marido de” en varios films
ingleses), sus trajes a los que cepilla con parsimonia, la
presencia de su hija que es circunstancial, el recuerdo de
la familia que tuvo con los dos hijos a través de un sabio
ardid cinematográfico: un viejo film familiar, y el inicio
de su carrera política hasta llegar a ser Premier Británica,
con varios pecados por sus decisiones que se muestran en la
segunda parte del film, entre ellos, valorar la política por
sobre su hogar, tal como lo expresa.
Se nota un hilo
conductor sutil y es la perturbación espiritual
hasta llegar al Alzheimmer que tuvo una jovencita Margaret
durante la Segunda Guerra Mundial, cuando todavía afloraba
el miedo y donde seguramente acunó la coraza espiritual para
matar antes que morir por las atrocidades vividas. Este
sentimiento de hostilidad hacia el afuera pudo ser
expresado con amplitud durante su mandato como representante
del Conservadorismo de su país. La película no la
redime de sus pecados, los expone. Por lo cual, más que
rendirle homenaje la acusa con deliciosa malicia de sus
peores actos. La película se dedica, en forma especial, a
retratar la vejez de la ex premier, sin mayores pretensiones
cinematográficas, basándose en la actuación de Meryl Streep.
Para la gran mayoría de
los críticos, Mery Streep compone un gran papel. En este
sentido, dividimos nuestra opinión en dos partes: una, como
viejecita desmemoriada, sí es notable y nos recuerda a la
composición que hiciera Norma Aleandro en La señorita de
Tacna, con ese movimiento de hombros que le permitía
convertirse en anciana. Aquí sucede algo parecido: Streep
acompaña con su cuerpo la ancianidad de Thatcher. La
segunda parte de nuestra crítica es que, cuando Streep debe
componer a la Premier, hay más una imitación que una
interpretación, incluso por el acento inglés buscado. No es
la primera vez que notamos esto en la talentosa Meryl
Streep: lo mismo ocurrió en el film Julie & Julia que no
tuvo mayor repercusión. Cierto es que esta composición de
Margaret Thatcher de Streep la rescata en su nobleza como
actriz cuando compone a la anciana enferma. Pero está muy
lejos de la Meryl Streep de Los Puentes de Madison, Las
Horas, o Africa.
Como film en sí, no deja de ser
una buena película para la televisión, un telefilm que nos
muestra la decadencia humana y sus miserias, más que la
fulgurante carrera de la Thatcher, signada por la muerte de
cientos de personas. Estas muertes le permitieron mantenerse
en el poder al doblegar las huelgas de su país y ganar la
guerra de Malvinas.
Elsa Bragato – Carlos Pierre
SELKIRK, EL VERDADERO ROBINSON
CRUSOE
De Walter Tournier (Uruguay),
Alejandro Rojas Téllez (Chile) y Juan Andrés Fontan
(Uruguay). Música de Carlos Villavicencio. Duración 80
minutos.
BUENA. VERSIÓN ANIMADA DE
ROBINSON CRUSOE, HÉROE BAJO LA LUPA DE LA REVISIÓN LITERARIA
Un guión dinámico, prolijo,
creíble en la investigación histórica, aborda al personaje
gestado por el escritor y periodista inglés Daniel Defoe,
Alexander Selkirk, un marino escocés de la
postrimería del siglo XVII.
Si la novela original,
publicada en l7l9, trata sobre un naufragio que deviene en
un tesón de supervivencia, en este dibujo animado (realizado
conjuntamente por Uruguay, Chile y Argentina)hay una
original vuelta de tuerca. Aquí el marino escocés,
experimentado piloto del barco El Esperanza, que comanda el
capitán Bullock (la meta es robar el oro del barco español
El Manila), es abandonado en una isla en el extremo sur de
América siendo prácticamente arrojado a su suerte debido a
que había esquilmado en el juego a toda la tripulación,
inclusive al capitán.
Mediante la técnica de Stop
Motion (consiste en desplazar determinados objetos de forma
controlada mediante la captura de imágenes fijas sucesivas,
es decir fotos, generándose la sensación de movimiento)
queda inaugurado un nuevo emprendimiento de Uruguay, Chile y
Argentina en el dibujo animado.
Uruguay aportó la animación, es
decir los dibujos; Chile, los fondos 3D, de impactantes
escenas marinas en el Cabo de Hornos; Argentina, el
storyboard, las voces de los personajes, la música y el
diseño del sonido, la conversión a 35 milímetros, entre
otros tantos ítems de realización.
Haciendo gala de su instinto de
supervivencia, el “verdadero” Robinson Crusoe, según reza el
título del film, se alimenta de pequeños frutos silvestres y
huevos de tortuga, construye un refugio con piedras y ramas
y enciende el fuego. Dos personajes nativos del lugar, el
loro Lordy y el gato Duke, lo acompañan en su increíble
aventura. Para redondear el guión de la mejor manera, una
moraleja sobre los verdaderos valores de la vida sella el
destino de este naúfragp famoso, que inspiró a Daniel Defoe,
hace varios siglos, a publicar en forma epistolar la
historia. En sí, el gran héroe del film es un muñeco de no
más de 22 centímetros que está destinado a la platea menuda.
Para ver en familia.
Carlos Pierre
QUE LO PAGUE LA NOCHE
De Néstor Mazzini. Con Roberto
Lavezzari, Edgardo Ibáñez, Anabella Barujel, Felipe Pino,
entre otros. Música de Leandro de Loredo. Duración 67
minutos.
REGULAR. MUERTE EN LOS BARRIOS
EN UN THRILLER HERMÉTICO
Esta ópera prima de Néstor
Mazzini sufrió varios cambios desde su filmación en enero
del año 2002. Fue estrenada en video en 2004 y a partir del
año 2005 fue terminada en 35 mm.
Se trata de un thriller
construido en base a climas oníricos con un fuerte acento
documental acerca de la muerte de un hombre en Villa Lugano,
en un barrio de monoblocks. La historia es hermética y da
con cuentagotas pistas definitivas del casamiento luctuoso
del protagonista.
Dos módulos desencadenan esta
trama enrarecida: los recuerdos borrosos y alucinados que un
hombre tiene de su propia muerte y el entorno agobiante que
se dio en la crisis política de diciembre del 200l, en los
últimos momentos del gobierno de Fernando de la Rúa..
Filmada en Lugano I y II, con
la mayoría de actores no profesionales, esta película
presagia un buen tratamiento cinematográfico, muy elaborado
aunque, por lo visto, no con suficientes medios.
En sí, la narración está plena
de enigmas, con gran parte de las escenas sin diálogo.
Rayano en el documental, produce desasosiego en el
espectador y un gran esfuerzo cognoscitivo para
desentrañarlo.
Como en la mayoría de las
óperas primas se vislumbra un montón de ideas y convicciones
artísticas que, luego con las posteriores realizaciones, se
decantan y logran un mejor y más claro efecto en la platea.
Creemos que, por ahora, Néstor Mazzini está más cerca del
cine de culto que del comercial, aunque el contexto
narrativo sea popular.
Carlos Pierre
VIAJE 2. LA ISLA MISTERIOSA, 3D
De Brad Peyton. Con Joah
Hutcherson, Dwayne Johnson, Michael Caine, entre otros.
Música de Andre Lockington. Duración:
REGULAR. MEDIOCRE REALIZACIÓN
PARA UNA HISTORIA QUE SIEMPRE ATRAE
Vimos la película 1 y fue un
producto digno. En esta continuación de la saga basada en
historias de Richard Outeen, Brian y Mark Gunn, y las
novelas de Julio Verne, la utilización de ciertos efectos y
la creación de mundos imaginarios es, en cambio, mediocre.
El protagonista recibe una señal codificada desde una
misteriosa isla. Con la ayuda de su padrastro, al que
rechaza (Dwayner Johnson) en un principio, puede reconstruir
el mensaje para iniciar un viaje al Pacífico donde deberán
“desaparecer” en un tornado para llegar a salvar al abuelo.
No sin vivir intensas aventuras que resultan poco creíbles
porque no se sabe todavía de la existencia de elefantes en
el Pacífico y en zonas montañosas, por ejemplo, o abejas
cuyos ojos sean unos parches gigantescos de tela visibles
para cualquier mortal, que no mueven ni las patas para
indicar que son “vivas de ficción”. Siguiendo los postulados
de Verne de que todo lo grande se hace chico y viceversa en
estos mundos, los elefantes tienen el tamaño de perritos
falderos mientras que las abejas son gigantes como caballos
voladores. Se le suman el capitán Nemo, o lo que queda de
él, y también el Nautilus, que será otra de las grandes
aventuras de los chicos con el grandote de Johson y el
inefable actor Michel Caine para quien no hay papeles
chicos.
La espectacularidad del 3D se
disfruta con el vuelo de las abejas-caballos y con la
erupción del volcán y sus inmensas lenguas de fuego y de
lava.
La “costura” de los efectos se
la notamos. Pero somos concientes de que la película está
dirigida a toda la familia y que, más allá de cualquier
debilidad (hay muchas), es un válido entretenimiento
familiar sin mirar detalles, claro está.
Elsa Bragato
JUEVES
26 DE
ENERO DEL 2012
Hay CINCO estrenos
de cine en nuestra ciudad, incluyendo el DVD “El amor de
Tony”, de Alix Delaporte.
J. EDGAR
De Clint Eastwood. Con Leonardo
DiCaprio, Naomí Watts, Armie Hammer Judi Dench, entre otros.
Música de Clint Eastwood. Duración 125 minutos.
EXCELENTE. EASTWOOD Y DI CAPRIO,
UN NUEVO TANDEM DE EXCELENCIA
J.Edgar nos revela la vida de
quien fuera el creador del FBI, nacido en 1895 en
Washington. Estuvo al frente del FBI durante más de 40 años,
bajo 8 presidentes norteamericanos. El retrato que nos da
Eastwood es parsimonioso y puntilloso a la vez, basándose en
el guión de Dustin Lance Black. La película tiene narración
en “off” de Di Caprio quien ubica la biografía de su
personaje en primera persona y en 1919, cuando los
bolcheviques realizaron una serie de atentados programados
en 8 casas de magistrados y políticos norteamericanos a las
23 hs. Sin su padre, J.Edgar queda a cargo de su madre (una
notable Judi Dench) y consigue trabajo en la Biblioteca del
Congreso como mensajero ingresando a la Universidad de
Washington. Después llega al Departamento de Justicia donde
comenzará su ascendente carrera con una serie de
particularidades psicológicas que Eastwood retrata
con precisión sin caer en el morbo, desde la
homosexualidad hasta la tartamudez, desde su amor por su
patria hasta su devoción por Tolston, desde sus convicciones
patrióticas hasta su afición por una droga y la obsesión por
la fama.
La historia busca en el pasado
y el presente de Edgar, entre la década del 20 y de los 60
(falleció en 1972, poco después de la asunción de
Richard Nixon a la presidencia de USA, declarado enemigo de
Edgar y con armas más sucias que las del propio jefe del FBI,
tal como se muestra en el film). En este sentido,
el film pierde un poco el rumbo porque se
transforma en un puzzle que tiene un primer hilo
argumental: el caso del secuestro del hijo de
Lindbergh, el aviador de origen sueco, hitlerista y
antisemita (el hecho ocurrió en 1932 y aún hoy no se sabe
si quien fue acusado fue realmente el asesino del bebé). Y
un segundo caso en el de la comunista deportada
con armas “non sanctas” por Edgar Hoover.
Eastwood se mueve entre el buen
gusto, cierta parsimonia, y los detalles, a veces como
pinceladas, que retratan cabalmente el temperamento de
Edgar. Es decir, hay un desarrollo profundo del
personaje, a pesar de los vaivenes que apuntamos en
el guión (y que ya hemos notado en su anterior film)
y algunos detalles no muy prolijos en los
maquillajes. Las dudas sexuales de Edgar
están trabajadas con dos personajes: la
secretaria, encarnada por Naomí Watts, una Helen Gandy que
lo ayudará hasta el final de la vida. Y Clyde Tolson, el
universitario que Edgar transforma en su segundo, a cargo de
Armie Hammer, su pareja estable hasta el final de sus días.
Sin cargar las tintas, Eastwood clava la cámara en una
fuerte pelea entre los dos hombres donde aflora la pasión en
medio de una golpiza mutua, una de las secuencias
más notables.
Siendo elementales, podemos
resumir en cinco personajes y situaciones un film que se
torna apasionante: una madre opresiva, una novia
platónica, un amante fiel, y dos hechos que conmocionaron a
la opinión pública norteamericana.
En definitiva, estamos
frente a un retrato poderoso de quien lo fuera en
la vida real, con un sesgo del pensamiento actual
republicano al que Eastwood es afecto (ha sido
alcalde en California como representante de los
Republicanos), aún con parlamentos muy discriminadores pero
inteligentes. Y es un valioso testimonio de una época de
mentiras y poderes (habrá cambiado algo?), interesante,
vibrante, con una notable actuación de Leonardo Di Caprio a
quien se le viene negando desde The REvolutionary Road los
premios Golden Globe y Oscars. Nos atrapó. Film bien
estructurado y filmado, sin baches, con actuaciones
notables. Eastwood y Di Caprio, un nuevo tándem de
excelencia.
Elsa Bragato
AL BORDE DEL ABISMO
De Asger Leth. Con Sam
Worthington, Elizabeth Banks, Jamie Bell, Ed Harris, Génesis
Rodríguez, entre otros. Música de Henry Jackman. Duración:
102 minutos. Distribuye Alfa Films.
BUENA. POLICIAL ATRAPANTE EN
MANHATTAN
Filmado casi en su totalidad en
el neoyorkino hotel Roosevelt, en una cornisa a 70 metros
de altura, un policía (Sam Worthington – “Avatar”), fugitivo
de la cárcel por un delito que no cometió, se refugia en tan
inapropiado lugar para reclamar justicia. Esta alocada
actitud está relacionada con el dueño de ese hotel (Ed
Harris) quien lo involucró en una estafa (autorobo de un
famoso y costoso diamante).
Si el quid argumental fuese
esto solo, estaríamos en presencia de un policial más.
Justamente, esta película se caracteriza por una
vuelta de tuerca interesante para este género que
agrega situaciones no convencionales para que el
protagonista logre lo que busca. Entre estas situaciones
destacamos dos: el enredo que “Nick Cassidy” fabula con su
familia y la situación que se desencadena con la
“negociadora” de las fuerzas policiales, “Lydia”, a cargo de
la actriz Elizabeth Banks.
Hay otros elementos en este
policial que lo hacen muy atractivo y que vienen de
la mano del productor Lorenzo di Bonaventura (“Transformers”):
en principio, las locaciones, o sea el corazón de Manhattan
y la mítica prisión de Sing Sing, así como el Hotel
Rossevelt edificado en 1924, típico “art-decó” neoyorquino.
Este film es atrapante para el
público seguidor de policiales y también para el amante del
suspenso. Con el agregado de que la famosa Manhattan se ve
en todo su esplendor, con miles de habitantes agolpados
entre la 45 y Madison, un logro del debutante Asger Leth en
el largometraje.
Un dato curioso: la bella
trigueña Génesis Rodríguez, de 24 años, es una de las hijas
del venezolano José Luis El Puma Rodríguez, y cumple el rol
de la “novia del hermano de Nick”.
Añadimos que la cornisa del
hotel Rossevelt es la real y el equipo de filmación debió
trabajar sostenido por poleas y arneses, algo que le agrega
más suspenso todavía: tan real como la vida misma. Muy
interesante propuesta.
Carlos Pierre
INMORTALES 3D
De Tarsem Singh. Con Henry
Cavill, Freida Pinto, Michey Rourke, entre otros. Música de
Trevor Morris. Duración: 110 minutos. Distribuye Energía.
BUENA. ESPECTÁCULO VISUAL PARA
UN RELATO ÉPICO DE DIOSES, REYES Y HÉROES
Si vio “300”, tiene un
acercamiento total a esta propuesta de los productores de
aquel film, que inauguró el rodaje sin escenarios, agregados
luego por computación. En esta oportunidad, esta sumatoria
de efectos especiales notables fueron dirigidos por el hindú
Tarsem Singh.
La idea argumental es
mostrarnos la lucha de dioses, reyes y héroes. El argumento
nos relata los avatares del brutal rey Hiperión (Michey
Rourke) quien, con su ejército, arrasa con las ciudades
griegas A.C. y busca el arco Epiro, arma legendaria creada
por el dios Ares. Antes de continuar debemos señalar que
esta historia de Hiperión no es la que se cuenta en la
literatura y mitología griegas.
Este brutal Hiperión mata a la
madre de Teseo, protagonizado por el nuevo Superman, Henry
Cavill, y esto desata la venganza consabida. Este hecho
permite el desarrollo de secuencias de lucha sin cuartel,
muy brutales, exigiendo al máximo la
espectacularidad de los efectos especiales. Que de
eso se trata fundamentalmente esta película.
Sacerdotisas, héroes, luchas
cuerpo a cuerpo, sangre que salpica a la platea, son los
características fundamentales del film rodado en medio de
una escenografía computarizada de castillos y montañas
escarpadas.
En “300” teníamos a un grupo de
esforzados guerreros espartanos contra un ejército persa
infinitamente superior. Aquí tenemos a un puñado de hombres
encabezados por Teseo que lucha contra miles comandados por
Hiperión.
Se destacan los efectos
especiales por sobre las actuaciones dado que éstas están
sujetas a la tecnología más que la interpretación en sí. Y
la presencia de un gran actor como Rourke frente al
ascendente Henry Cavill, sucesor natural de su compatriota
Russell Crowe. No hay más, salvo descargar adrenalina a
través de estas feroces luchas. No está mal.
Carlos Pierre
PETER CAPUSOTTO Y SUS TRES
DIMENSIONES
De Pedro Saborido. Con Diego
Capusotto. Música de Jorge “Tata” Arias. Duración: 93
minutos. Distribuye Buena Vista Internacional.
BUENA. DE LA TV AL 3D NACIONAL
Peter Capusotto ha logrado gran
éxito con su ciclo de videos “rockeros” en televisión. Según
el mismo autor y actor, decidió llevar sus personajes
televisivos y otros nuevos al cine. El producto cabalga,
entonces, entre lo que ya le conocemos y lo nuevo que aporta
humor ácido especialmente para quienes son sus seguidores.
El objetivo argumental es desacralizar la “dictadura” del
entretenimiento, a la manera de Capusotto. Y para esto se
vale de una narradora involuntaria del film llamada
“Violencia Rivas”, casi casi el nombre de la reconocida
cantante Violeta Rivas.
Por lo demás, la película en
sí, al remitirnos tanto al ciclo televisivo, pierde un poco
de atractivo para quienes no son seguidores de Capusotto.
Destacamos, sí, el esfuerzo de la realización en el 3D “made
in Argentina”. Si le gusta Capussotto y su propósito
artístico en TV, también disfrutará de esta película. Si no,
absténgase.
Carlos Pierre
JUEVES
19 DE
ENERO DEL 2012.
Hay cuatro sólidos estrenos
de cine en fílmico.
SECRETOS DE ESTADO
De George Clooney. Con Ryan
Gosling, George Clooney, Paul Giamatti, Marisa Tomei,
Philips Seymour Hoffman, Eva Rachel Woods, entre otros.
Música de Alexandre Desplat. Duración 101 minutos.
Distribuye Distribution Company.
MUY BUENA. CLOONEY DA UNA
INTELIGENTE VUELTA DE TUERCA A LA POLÍTICA SUCIA
El título original en inglés
del film, The Ides of March, es el más apropiado para este
drama político porque, en Los Idus de Marzo, en la antigua
Roma (concretamente los l5 de marzo) eran de buen augurio,
aunque no lo fueron para Julio César, a quien asesinaron ese
día del año 44 A.C. En el caso de esta película de Clooney,
el eje de sus “idus” son las cruciales primarias
presidenciales en Ohio, cuando el joven secretario de prensa
(Ryan Gosling) de la campaña del gobernador (George Clooney)
se ve involucrado en un escándalo político que amenaza las
posibilidades de su candidatura de llegar a la Casa Blanca.
Es decir, está por asesinar la carrera política del
gobernador.
Con guión y dirección de George
Clooney, esta trama está basada en la obra Farragut North,
de Beau Willimon, y está sustentada por las actuaciones de
estos seis pilares: Ryan Gosling, George Clooney, Paul
Giamatti, Philips Seymour Hoffman, Eva Rachel Woods y Marisa
Tomei, realizan labores excepcionales. Precisamente, el
protagonista Ryan Gosling fue nominado a los Globos de Oro
como Mejor Actor, ganándolo George Clooney por Los
Descendientes.
La producción del mismo Clooney,
de la que participó también Leonardo Di Caprio, es de
esmerada excelencia y solidez, donde cada rubro se encumbra
al nivel más alto (fotografía, montaje, diseño de
Producción, dirección de Arte, y la música de Alexandre
Desplat) incluyendo la banda sonora porque fluye sin
estridencia, con inspiración y brillante ejecución
orquestal.
George Clooney logró, con
virtud, hacernos participar de una fuerte intriga política,
evitando cualquier torpe costura en la trama que podría
inscribirse en la política universal, aunque es
esencialmente norteamericana. Nos muestra secretos de estado
que ya conocemos pero desde su perspectiva, como hombre
ligado a los negocios de Hollywood que conoce las
zancadillas del poder. Recordemos su actuación en “Syriana”,
donde la propuesta fue desnudar los secretos de los
servicios de inteligencia. La falta de escrúpulos de los
políticos la conocemos. Y con una sabia vuelta de tuerca,
Clooney nos da su propia visión, inteligente y bien
realizada. Sabe dirigir.
Carlos Pierre
DOMINGO DE RAMOS
De José Glusman. Con Gabriel
Goity, Gigi Rua, Héctor Bidonde, Mauricio Dayub, Pompeyo
Audivert, entre otros. Música de Fernando Iguacel. Duración
84 minutos. Distribuye Primer Plano Film Group.
BUENA. THRILLER PUEBLERINO CON
UN EJERCICIO NARRATIVO INTELIGENTE
Recordamos el film “Memento”
donde la atención del espectador fue exigida al máximo y es
inevitable compararla con esta historia pueblerina que nos
ofrece José Glusman, salvando diferencias pero no
inteligencia.
Estamos frente a una estructura
narrativa no lineal, que José Glusman (Cien años de perdón,
del año 2000 y Solos, del año 2006) utiliza para construir
este thriller, su tercer largometraje, que sitúa en un
pueblo de los años 70, aunque podría haberlo ambientado en
un barrio cualquiera, periférico y cansino.
Glusman coescribió el guión con
Daniel López Martitegui, autor del cuento Airear las penas,
en el que se basa la película. Hay malabarismo para hacer,
de esta estructura narrativa interrumpida (que va y viene
entre varios días de la semana y un Domingo de Ramos, aunque
solo se destaca la misa por la llegada de Jesús a Jerusalém),
una historia atractiva.
Según el realizador, quiso
trastocar el tiempo narrativo para crear una atmósfera de
suspenso más que contar explícitamente los hechos que
terminan con la muerte de Doña Rosa (Gigi Rua), quien vive
junto a su esposo (Héctor Bidonde), un hombre inquieto y
poderoso, en una mansión del pueblo. No es el fin del
relato sino su comienzo.
El subcomisario (Gabriel Goity)
que interviene tuvo “algo” con la occisa transformándose en
el eje de este thriller filmado en Bella Vista. Por varios
motivos, el rodaje es un hallazgo: desde la mansión elegida
hasta el entorno tranquilo y pueblerino logrados.
Completa el sobresaliente
elenco Mauricio Dayub y Pompeyo Audivert, como los dos
personajes extraños que enredan aún más el argumento de idas
y vueltas trazado por Glusman.
Domingo de Ramos resultará de
laboriosa atención por parte del espectador para desentrañar
la misteriosa muerte de Doña Rosa, y es un buen tercer film
de Glusman que se asienta en una historia pequeña para
desarrollar un ejercicio cinematográfico inteligente.
Carlos Pierre
LA CHICA DEL DRAGÓN TATUADO
De David Fincher. Con Daniel
Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, entre otros. Música
de Trent Reznor y Atticus Ross. Duración: 158 minutos.
Distribuye Sony Pictures.
MUY BUENA. EL ROL DE LA MUJER
ACTUAL EN UNA REMAKE DE EXCELENCIA CON NARRACIÓN DETALLISTA
David Fincher es considerado el
director por excelencia de los “asesinos seriales”.
Recordamos el extenso e intenso film “Zodíaco”. Aunque su
capacidad lo llevó a realizar un film antológico como Red
Social, entre otros, que tanto dio que hablar el año pasado.
Y premios conquistó!
En este caso, toma el primer
libro de la saga Millennium de Stieg Larsson, que diera
origen a tres films consecutivos de los que solo se
ofrecieron dos en fílmico en nuestro país, siendo llevado el
tercero a DVD y su venta individual, buscando más el negocio
que el afán de los espectadores seguidores de la heroína,
Lisbeth Salander. Aquí la encarna Rooney Mara, un hallazgo
de los casting hollywoodenses, con características similares
a la “original” que fue Noomi Rapace, otra novedosa actriz,
con talento y muy siglo XXI.
El nudo argumental es la unión
del periodista Mikael Blomkvist, a cargo de Daniel Craig en
una excelente perfomance, con la hacker Lisbeth en busca de
los asesinos de la hija de un rico nórdico, que encarna
Christopher Plummer, desaparecida hace varias décadas. El
viene de fracasar y perder un juicio por lo que su
reputación es muy baja dentro de su comunidad y ella está
sorteando diferentes y brutales dificultades de la vida, de
las que se irá vengando con un particular estilo femenino en
el que hay armas e insensibilidad acorde con los tiempos,
algo para pensar.
Este aspecto personal del
personaje le permite a Fincher desgranar, tal como sucedió
en el film que rodó Niels Arden Oplev en el primero,
momentos personales de Lisbeth como la indecorosa relación a
la que es sometida por su tutor, quien la viola analmente,
una escena que obliga a retorcerse en la butaca pero que
Fincher realiza con toda la moderación que puede. El
encuentro con Mikael aportará luz a Lisbeth y una relación
sentimental confortable, sin que los dos abandonen su
investigación.
La película de Fincher, como su
original nórdica, nos deja siempre subtemas para pensar:
¿es posible someter aún hoy a las mujeres por su origen
pobre, por falta de familia, por lo que fuere? ¿Por qué se
pone en duda la capacidad intelectual del sexo femenino? Y
establece un nuevo rol de la mujer: su defensa con todas sus
armas, una propuesta de Larssen que aplaudimos.
Hay mucho suspenso policial y
un tratamiento noble de Fincher de esta historia ambientada
en sus lugares originales. Se crea un clima denso pero
respirable, sin grandes picos pero de constante tensión y,
para quienes leyeron los libros, el film se adecua a los
libros de Larssen sin dejar aspectos por tratar. Si bien
esto no es tan relevante porque se trata de dos formas
artísticas, una es literaria y la otra es el cine, es
una observación muy valiosa para los amantes de la saga. Y
además muy difícil de lograr. Nos entretuvo, nos mantuvo en
suspenso, y destacamos tanto la labor de Daniel Craig como
la de Rooney Mara, un hallazgo de los castineros. No se la
pierda.
Elsa Bragato
ROBO EN LAS ALTURAS
De Brett Ratner, con Ben
Stiller, Eddie Murphy, Casey Affleck, Alan Alda, Matthew
Broderich, Téa Leoni, entre otros. Música de Chrstophe Beck.
Duración: 99 minutos. Distribuye UIP.
BUENA. EL CAPITALISMO INNOBLE
EN UNA COMEDIA MODERADA
Y JUSTICIERA
Los casos de corrupción de Wall
Street tienen, en Robo en las Alturas, otra denuncia esta
vez en tono de comedia moderada pero no exenta de heroísmo y
de nobleza. La reunión de Ben Stiller y Eddie Murphy es
excelente aunque no desopilante, de allí nuestra
calificación de moderada.
Ben Stiller está a cargo de una
torre de Manhattan, que fue realizada mediante computación,
donde vive un excéntrico ricachón a cargo de Alan Alda. “Josh”,
o sea Ben Stiller, le entregó a “Arthur”, o sea Alan Alda,
los ahorros jubilatorios de todos los empleados a espaldas
de éstos y Arthur ha perdido en la bolsa por lo que un
centenar de personas estarán en la calle durante su vejez.
A partir de este nudo
argumental, se desarrolla la historia en la que Ben Stiller
se muestra más como actor dramático que cómico, sin
abandonar un rostro adusto. Como contrapartida está Eddie
Murphy, como un asesino a sueldo en bancarrota, y juntos
pergeñan cómo hacerle pagar a Arthur el robo de 20 millones
de dólares. Es, en buena parte, la historia de miles de
ahorristas norteamericanos que, a partir del 2008, están en
la calle o bien padecen la ausencia de un Estado que los
contenga.
Para algunos críticos
norteamericanos, el film se acerca peligrosamente al “populismo”,
un término que les resulta desagradable porque prefieren su
propio capitalismo salvaje, especialmente en Manhattan. Sin
embargo, los tiempos cambiaron y es lo que se muestra en
esta comedia placentera, cálida, con dos objetivos que
cumple: entretener y mostrarnos una nueva realidad.
Desde la comedia también se
puede hacer justicia social. Nos entretuvo, tiene momentos
muy cruciales que nos recordó a Misión Imposible IV, y logró
hacernos pasar un momento agradable, bien actuado, con
situaciones reideras dentro de un contexto semi dramático,
sin fisuras argumentales y con buenas intenciones. No es
poco. Para pasarla bien.
Elsa Bragato
JUEVES 12 DE
ENERO DEL 2012.
Hay seis
estrenos en fílmico, uno de ellos en DVD, El Extraño
Señor Horten.
SHERLOCK HOLMES,
JUEGO DE SOMBRAS
De Guy Ritchie.
Con Roberto Downey JR. Jude Law, Jared Harris, Naomí
Rapace, entre otros. Música de Hans Zimmer. Duración:
120 minutos. Distribuye Warner Bros.
BUENA. HOLMES
POCHOCLERO PARA ENTRETENERSE
Si vamos a
buscar la quinta esencia de un personaje, tendremos que
ir a los libros. El cine con efectos especiales tiene el
único objetivo de distraernos, de hacernos pasar un buen
momento. Es lo que consigue Guy Ritchie con esta segunda
entrega de Sherlock Holmes, “su Holmes”, tan alejada de
la figura que la literatura nos dejó y que aún hoy
subsiste en el centro de Londres en la “casa de Sherlock
Holmes”, cita obligada de los turistas. De aquel sagaz
inspector no quedó nada. Quedó un dúctil Robert Downey
JR que parece ser el actor perfecto para personajes que
andan con “mala pata” y que siempre saben cómo caer
bien.
Las aventuras de
Holmes, las que supimos conocer, tampoco están. Por
supuesto, estas consideraciones no significan que al
film, que tiene más de 100 copias, le vaya a ir mal
porque es absolutamente atractivo para distraerse en
verano. El disparador argumental tiene mucho que ver con
nuestros días: Holmes descubre a un ministro que es un
“vendepatrias” y la guerra se avecina. Suficiente para
desgranar secuencias insólitas.
Al encontrarnos
con un Holmes tan fuera de lo que debe ser un inspector
(al menos del que tenemos conocimiento en libros y
series de tV) y los malabares de su segundo para
salvarlo, a cargo de un excesivamente circunspecto Jude
Law, estamos expuestos a los efectos especiales y la
trascendencia que el director les dé. Y Ritchie les da
mucha. Utiliza los “rallenti” para preparar las escenas
de pugilato como si fuese la mente de Holmes que las
piensa para luego acertar con sus golpes, o bien acelera
el montaje en primeros planos para ubicarnos donde
quiere de manera poco ortodoxa pero, sin duda, efectiva
para la película que se propuso hacer.
En alguna
secuencia, Robert Downey Jr toma detalles de Joker tal
como lo interpretó el recordado Heath Ledger en The Dark
Night – Batman con el maquillaje desparramado por su
rostro. En otras secuencias, el delirio de Holmes llega
a ser ridículo. No obstante, todo está dentro de un
argumento donde se echó mano a lo insólito y no a la
historia de Sherlock Holmes. El casamiento de su amigo
Watson le imprime un carácter semiromántico aunque las
secuencias se parezcan más a la última película de
Natalia Oreiro.
Divertida, más
de lo mismo, no es un gran film y es menor respecto del
anterior. La acción cae en la ridiculización de Sherlock
Holmes sin que las historias que vive sean muy
atractivas. Muy bien filmada, con todos los recursos
posibles, incluye una estupenda banda sonora del maestro
Hans Zimmer que, como siempre, da “la nota”. Para
pasarla bien y nada más.
Elsa Bragato
LOS MUPPETS
De James Bobin. Con Peter Linz,
Jason Segel, Amy Adams, Chris Cooper, entre otros.
Música de Christophe Beck. Duración: 103 minutos.
MUY BUENA. EL MUSICAL ANIMADO MÁS
ESPERADO PARA EMOCIONARSE
Walter, el aficionado incondicional
de los Muppets, su hermano Gary y su amiga Mary deben
recaudar l0 millones de dólares para salvar el teatro
Muppet en poder del inescrupuloso empresario Tex Richman,
quien planea demolerlo para hacer una perforación en sus
cimientos en busca de petróleo. Entonces se pone en
marcha la tarea de volver a reunir a todos los Muppets
que están diseminados. La rana René, ahora con el nuevo
nombre de Kermit, está recluida en su mansión, rodeada
de los recuerdos de su carrera. Walter, el fanático de
los Muppets, el loro Gonzo, dueño de una fábrica de
sanitarios, miss Piggy, la cerdita editora de la revista
Vogue en París, los Viejitos siempre irónicos y
criticones, forman la vieja pandilla que se une para
recuperar el teatro y hacen lo que mejor saben: un show
musical.
Y he aquí lo mejor de estas
marionetas de paño y ojos de pelotas de ping-pong,
haciendo honor a su creador Jim Henson, al interpretar
las memorables canciones como The Muppets Show Theme,
Rainbow Connection y Mah Na Mah Na, que harán las
delicias de chicos y grandes. Hay cameos interesantes y
muy actuales a Selena Gómez, Mickey Rooney, James
Carville, entre muchos otros. Es uno de los rasgos
lúcidos de la película: aggiornar con un “quid”
argumental la historia de estos muñecotes haciéndola
atractiva, actual, divertida. Y un dato no menos
curioso, que no debería ser tal: estamos frente a una
animación “de las de antes” donde se pone el corazón y
uno siente que “ha vuelto a casa”, algo así.
Mucho se puede hablar sobre Los
Muppets y su ascendente en la cultura popular. Generaron
todo tipo de artículos, teleseries, y hasta aparecieron
en un show junto a Andrea Bocelli hace un año. Son una
marca registrada y la película, tras 12 años de
ausencia, es para disfrutar de esta inteligente
invención que algunos humanos hicieron para sacarnos
muchas sonrisas.
Carlos Pierre
LA ÚLTIMA NOCHE DE LA HUMANIDAD 3D
De Chris Gorak. Con Emilie Hirsch,
Rachel Taylor, entre otros. Música de Tyler Bates,
Duración: 83 minutos.
REGULAR. SUSTOS EN MOSCÚ CON
ALIENÍGENAS ELÉCTRICOS
Que un grupo de cinco jóvenes quede
atrapado en la plaza Roja de Moscú (de moda para los
productores de Hollywood) en julio del 2010 es curioso,
pero, a la vez, sintomático: se trata de jóvenes que no
hemos visto mucho en el cine que nos llega y eso ya
da para pensar que algo malo les pasará!
No están en mitad de un bosque ni a
la vera de un lago. Están en la Plaza Roja de Moscú que,
repentinamente, se cubre de bolas de fuego que empiezan
a caer del cielo. En realidad, son bolas de energía
eléctrica que se comen todo lo que aparece o encuentran.
Y sus rayos les sirven como las antenas de las
cucarachas para detectar dónde ir y buscar alimento,
humano en este caso. Nada diferente a las películas de
terror vistas, salvo en detalles que hacen a los efectos
técnicos: energía eléctrica fantasmal que hay que
destruir. Y cinco jóvenes que luchan cuerpo a cuerpo con
estos monstruos novedosos, especiales para el 3D.
Ni mala ni buena. Regularona porque
no se buscan actores conocidos que le darían más
carnadura a la historia. No obstante nuestra
calificación por la falta de imaginación, tendrá buena
taquilla porque va dirigida a los más jóvenes, que aman
los sustos. Y hay varios.
Elsa Bragato
HISTORIAS CRUZADAS (HELP)
De Tate Taylor. Con Emma Stone,
Viola Davis, Octavia Spencer, Bryce Dallas Howard, Sissy
Spacekm entre otros. Música de Thomas Newman. Duración:
146 minutos.
MUY BUENA. INTENSO RELATO SOBRE EL
RECLAMO SOCIAL DE LAS AFROAMERICANAS
Estamos frente a un drama social
sobre la lucha de las mujeres de raza negra, en este
caso, de las criadas que se alinearon en firme posición
para romper las rígidas y abusivas reglas impuestas por
el Mississippi de la década del ’60. Si bien mucho atrás
en el tiempo, es recordada El Color Púrpura, donde los
afroamericanos explotaban a sus congéneres, gran film
también.
En los 60, los afroamericanos
tenían prohibido compartir los medios de transporte con
los blancos. Se muestra en el film incluso esta veda
para las criadas de utilizar el baño de las señoras de
la casa. Y, aún cerca en el tiempo, como para que muchos
recordemos luchas sangrientas en las calles
norteamericanas.
Esta brutal segregación teñida de
injusticia y atropello comienza cuando Hilly, joven de
la sociedad sureña, deja la Universidad decidida a
convertirse en escritora, dando la espalda a sus mayores
y uniéndose a las dos criadas, Aibileen y Minny, para
escribir juntas un reclamo, un grito de auxilio, ese
Help que da el título en inglés a este film poderoso y
reparador.
El soberbio guión del mismo
director Tate Taylor está basado en el libro de Kathryn
Stockett titulado Criadas y Señoras, un best sellers
publicado en el New York Times. Es un verdadero
manifiesto de la raza de color se ganó justamente el
derecho de ser ciudadano americano junto a los blancos,
luchando por la consolidación democrática de los Estados
Unidos.
Hay actuaciones memorables como la
de Viola Davis, Octavia Spencer y Bryce Dallas Howard,
notables sustentos del logrado film de Tate Taylor, de
las mejores producciones que pudimos ver antes de
terminar el 2011.
Si quiere ver buen cine, éste es un
film para no perder basado en la idea de la liberación
femenina, aunque en este aspecto toque específicamente
el caso de las afromericanas. Tiene además el basamento
literario que siempre da más solidez a un guión. No lo
deje pasar.
Carlos Pierre
AGUA Y SAL
De Alejo H. Taube. Con Rafael
Spregelburd, Mía Maestro y Paloma Contreras, entre
otros. Música de Gabriel Chjownik. Duración 88 minutos.
Distribuye Primer Plano.
BUENA. PUZZLE SOBRE DOS VIDAS Y UN
DESTINO
Lo más parecido a un cuento
fantástico es este film dirigido y guionado por Alejo H.
Taube (Una de dos, 2004), donde prevalece el estrato
mágico sobre el estrato real y es lo que trasciende de
esta historia en la que Javier, con una esposa a la que
ama y un holgado pasar, está unido a Biguá, un
trabajador pesquero de Mar del Plata, por un hilo
invisible y misterioso. Casi un mismo hombre que vive
dos vidas junto a dos mujeres, su esposa con la que no
pueden tener un hijo y su joven novia que le dará ese
niño que tanto desea.
Filmada en las ciudades de Mar del
Plata y Buenos Aires, une a estos dos hombres una
similitud y una diferencia, y es dable suponer que de
allí proviene el título (Agua y Sal) como las dos caras
de una misma moneda, y diferencia que va creciendo a lo
largo de la narración.
Hay un tono irreal, hierático, en
los protagonistas que actúan como suspendidos en la
realidad aunque estén ubicados ya en el puerto
marplatense como en una oficina porteña.
La simbiosis de estos dos hombres
en un mismo destino ocurre casi mágicamente, aunque sus
caminos se separen, y requiere la participación atenta y
una interpretación certera del espectador para no
perder de vista ese hilo delgado que nos une a todos,
un hilo existencial, según reza este puzzle propuesto
por un guión con una pretensión movilizadora del alma
humana de trascender en otro ser, como si no bastara el
ser de cada uno.
El logro de este film es la idea
propuesta, sin embargo no se la ve materializada
cabalmente por ese tono distante de cada uno de los
protagonistas al afrontar los vericuetos del destino. Y
porque, en definitiva, no es fácil de plasmar en una
narración audiovisual. Usted elige si la ve o no.
Carlos Pierre
EL EXTRAÑO SEÑOR HORTEN
De Bent Hamer. Co Baard Owe, entre
otros. Música de John Erick Kaada. Duración: 90 minutos.
MUY BUENA. BELLA HISTORIA DE UN
JUBILADO NORUEGO
Llega al país el film noruego El
extraño señor Horten, del aclamado director nórdico Ben
HAmer. Lo protagoniza un no menos querido y respetado actor
como Baard Owe, elegido por Lars von Trier para su serie
“Riget” en Inglaterra.
La historia nos plantea la jubilación y
qué hacer. En el caso del film, Horten es un solitario y
metódico maquinista ferroviario que se jubila, reciba los
saludos de sus amigos y comienza a armarse una rutina
post-jubilación que le traerá felicidad y también algunos
disgustos, tratados con empatía y ternura por Ben HAmer.
El film data del 2007 y es realmente
una pena que recién nos llegue en medio de ráfagas de
efectos especiales que nos alejan de historias sencillas
como ésta, tan humanas, cordiales, y conmovedoras a partir
de la simplicidad.
Horten vive en Oslo y allí la nieve y
el frío impide que la gente camine por las calles en
invierno. Así que veremos una ciudad desolada, con este
caminante que, de a poco, se reintegra a la vida que quiere
hacer. Así se topa con personajes a los que ayuda, asiste a
un ex diplomático en una muerte piadosa y sin
extralimitaciones de parte del director, y adquiere por
estos avatares un compañero: un perro. Algo hermoso lo
espera al final del camino que ha comenzado, con amor hacia
los ancianos, con respeto, y con su pipa siempre a mano.
Se observa una fotografía precisa y
preciosa, desde la cabina de los modernos trenes noruegos
hasta los nevados paisajes de calles desoladas. Todo está
montado sin baches, sin caídas de guión y con exquisitez.
Por supuesto, no estamos ya muy acostumbrados a este cine,
que es el que nos debiera importar por los valores que
trasuntan. Tampoco es el film del año, pero en calidad no le
andará lejos a ningún tanque. El extraño señor Horten es una
pequeña joyita que no aspira a serlo y que sin embargo se
nos queda prendida en el corazón. Para los que amen el cine,
un film empático, emotivo y bien realizado.
Elsa Bragato
Estrenos del jueves
5 de enero del 2012
Hay seis estrenos en fílmico, y uno en
DVD.
MISIÓN IMPOSIBLE: PROTOCOLO FANTASMA
De Brad Bird. Con Tom Cruise, Jeremy
Renner, Paula Patton, Simon Pegg, Michelle Monaghan, Tom
Wilkinson, entre otros. Música de Michel Giacchino sobre
tema original de Lalo Schiffrin. Duración: 133 minutos.
Distribuye UIP.
MUY BUENA. SIN RESPIRO DE PRINCIPIO A
FIN
Pocas películas logran mantenernos en
vilo de principio a fin, con tiroteos, persecuciones de
diversa índole, extraños y diferentes paisajes, y
explosiones de todo calibre, sorprendiéndonos cada 5
minutos. Misión Imposible Protocolo Fantasma alcanza este
objetivo con creces. Esto no significa que sea una gran
película pero sí una excelente película de entretenimiento.
Tom Cruise es el productor de este
cuarto film de la saga Misión Imposible, basada en la
exitosa serie que comenzara en TV en 1967. Incluso, por su
decisión, se incluyó la banda sonora original escrita por el
argentino Lalo Schiffrin, y recreada por M. Giacchino en
esta oportunidad.
El film recorre varias ciudades
mostrándolas en su esplendor con el estilo que impuso Robert
Wise: Budapest, Moscú, Bombay y Dubai. Y se retoma el
clásico enfrentamiento Rusia-Estados Unidos como en la mejor
época de la guerra fría. Incluso se buscó un actor que se
pareciera el cuestionado líder ruso Putin.
Solo existe un delineamiento elemental
a nivel narración: Ethan Hunt (Tom Cruise) es separado del
FMI por un grave error y presuntamente la muerte de su
esposa. Se lo ve en las cárceles rusas donde, por fuera,
están sus amigos, también desafectados por pertenecer al
equipo suyo, del organismo, haciendo de las suyas con la
computadora por lo que logran abrir las puertas, generar
golpizas entre los reclusos y permitir que Hunt escape. Hunt
y sus aventuras, de eso se trata.
La famosa Plaza Roja será escenario de
la explosión del Kremlin y de una adecuación del equipo que
lidera Hunt, entre quienes está el personaje a cargo del
notable Jeremy Renner, el actor del galardonado film The
Hurt Locker.
Qué encuentra el espectador? Una
tecnología apabullante, un sinfín de emociones que no le
darán tregua y sí varios sustos. Desde las lentes de
contacto con impresiones que permiten su detección hasta con
satélites, hasta la identificación por huellas y el famoso
“este mensaje se destruirá en 30 segundos”, que fuese
la marca registrada de la serie televisiva.
Tom Cruise apeló a todos los elementos
que ya gustaron en otros films, por ejemplo, las
características del Hombre Araña, suplantado por unos
guantes que se van adhiriendo a un edificio de más de 130
pisos en Dubai, y una tormenta de arena que se cierne sobre
el protagonista como un monstruo. Por supuesto, hay alguno
que otro blooper, desde la repetición de una escena sin los
mismos detalles!, hasta hacernos creer que, bajo una
tormenta de arena, uno no cae desplomado por la falta de
oxígeno. De todo se salva Hunt.
No vamos a encontrar nada de filosofía
de vida sino la vida de un informante del FBI que hace su
propia búsqueda sin pausa, a puro tiro y con un equipo de
leales compañeros. No vamos a encontrar desarrollo de
personajes sino situaciones de riesgo, de gran pericia en la
filmación y un gran suspenso. Es para disfrutar en esta
época. Está muy bien realizada con un detalle al final que
lo hará pensar: la aparición de una actriz de notable
parecido con la esposa en la vida real de Tom Cruise.
Elsa Bragato
LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL
UNICORNIO
De Steven Spielberg. Con Jamie Bell,
Daniel Craig, Andy Sergis, entre otros. Música de John
Williams. Duración: 102 minutos. Distribuye Sony Pictures.
EXCELENTE. UN CLÁSICO DEL CÓMIC LLEGA
EN UNA
VERSIÓN ANIMADA DE NOTABLE FACTURA
Steven Spielberg y Peter Jackson se
unieron para realizar una serie de films basadas en Las
aventuras de Tintín, cómic escrito por el belga George Remi
(1907-1983), que firmó con el seudónimo de Hergé sus 24
libros, en blanco y negro y a color, editados primero en Le
Petit Vingtieme entre 1929 y 1976.
Más que hablar del argumento en sí, nos
detendremos en los detalles de este film que nos trae a
Spielberg en una gran realización, de tanto suspenso como
Misión Imposible Protocolo Fantasma y con una superación en
la utilización de la “captura de imagen” notable. Spielberg
contó con el apoyo en la producción del neozelandés Peter
Jackson, quien utilizó este sofisticado sistema en la
notable saga de El Señor de los Anillos. Ahora Jackson será
el director de la segunda película de Tintín.
En el film se unieron los argumentos de
El secreto del Unicornio, El Tesoro de Rackham el Rojo y
El cangrejo de las pinzas de oro, utilizando el titulo
del primer relato, en el que Tintín debe buscar tres naves a
vela que contienen, en sus réplicas, un mensaje dividido en
tres con la ubicación de un enorme tesoro que cargaba un
barco. Compra una de ellas por 30 francos y no sabe que le
esperan persecuciones de todo tipo y que su vida cambiará,
recorriendo desiertos, mares y cielos en una catarata de
aventuras.
Digamos que la captura de imagen se
realiza en un set sin decorado, en el que los actores se
ponen un traje lleno de sensores y sus movimientos son
capturados por las computadoras. Luego se “rellena” estas
líneas. El perrito, Milou o Milú en francés y castellano,
fue apenas un cartón en el set! En inglés es Snowy y es un
fox terrier que tiene algún poder “mágico” para domesticar a
un doberman gigante.
Hay una notable recreación de París en
las décadas del 20 y 40, y el artificio de la animación está
ampliamente superado. Es decir, no chocan los rasgos de los
personaje, son absolutamente naturales. Tal vez Milou debió
tener un mayor refinamiento tecnológico, pero lo
disculpamos. Ante la banda sonora de John Williams, de gran
orquestación moderna, y las aventuras por cielo, tierra y
mar tal como las concibió Spielberg, solo podemos decir “chapeau”.
Nos encantó porque nos entretuvo de pe a pá.
Elsa Bragato
50/50.
EE.UU. 2011, De Jonathan Levine, con
Joseph Gordon-Levitt, Seth Rogen y Anjelica Huston, entre
otros. Guión, Will Reiser. Música de Michael Giacchino.
Duración: 99 minutos. Distribuida por Distribution Company.
MUY BUENA. GRAN RELATO SOBRE LA LUCHA
INDIVIDUAL CONTRA EL CÁNCER
50/50 son las posibilidades que tiene
un joven enfermo de cáncer, 50 por ciento de vivir y 50 por
ciento de morir, porque ése es el diagnóstico médico del que
es informado el protagonista y que constituye el nódulo de
esta comedia dramática cuyo guión fue escrito por Will
Reiser basado en su propia experiencia con el cáncer.
Dirigida por Jonathan Levine y
protagonizada por Joseph Gordon-Levitt como el joven
enfermo, lo secundan Seth Rogen como su mejor amigo y
Anjelica Huston como la madre tremendista. Su amigo y su
terapeuta, que recién comienza sus prácticas, lo sostiene
también con fuerza y amor en un film que ostenta lo mejor
del cine norteamericano,: diálogos elaborados y
contundentes, magnífica y sólida dirección de fotografía e
inspirada música de Michael Giacchino. Además las
actuaciones son superlativas. Agregamos que viene precedida
de varias nominaciones de la crítica especializada,
incluyendo la nominación al Globo de Oro como Mejor
Película (Comedia) y Mejor Actor (Joseph Gordon-Levitt).
Estamos frente a un film que aborda el
tema del cáncer con una energía verdaderamente entusiasta
como rasgo distintivo, analizando una enfermedad tan cruel
desde otros aspectos como la amistad y el amor en calidad de
elementos coadyuvantes de la medicina. Gran película que no
cae en el morbo y demuestra cómo podemos ser nuestros
propios sanadores. No se la pierda.
Carlos Pierre
NORBERTO APENAS TARDE
(PRIMERA COPRODUCCIÓN ARGENTINA DEL
AÑO)
Coproducción de Uruguay y Argentina.
De Daniel Hendler. Con Fernando Amarral, Eugenia Guerty,
Roberto Súarez y César Troncoso, entre otros. Música de
Maximiliano Silveira. Duración: 89 minutos. Distribuye
Cordón Films.
BUENA. UN GRAN EMBUSTERO DE SÍ MISMO
QUE
LLEGA TARDE A LA VIDA
Daniel Hendler, reconocido actor
uruguayo, a quien vimos recientemente en Mi primera boda
junto a Natalia Oreiro, incursiona en la dirección
cinematográfica con esta pequeña historia sobre un gran
embustero de sí mismo, de su esposa desencantada y en su
trabajo de transacciones inmobiliarias. Vive ahogado por la
monotonía y llega tarde a la vida misma.
Autor de este guión premiado en el
Primer Festival Internacional de Cine de la Ciudad de
México, Hendler ha puesto toda su experiencia en esta ópera
prima y hace honor al cine uruguayo que se basa en pequeñas
historias muy bien elaboradas.
Norberto, interpretado por Fernando
Amarral, llega apenas tarde con su pareja Silvia (Eugenia
Guerty) porque siempre retrasa sus determinaciones
hogareñas, mientras que en el trabajo nunca llega a
concretar una venta inmobiliaria, y esquiva hasta su propia
identidad, a la que esquiva, a la que no quiere llegar.
Para encauzar su vida plagada de
mentira y de retraso, sigue el consejo de su jefe y se
inscribe en un taller de teatro a fin de vencer su timidez y
abandonar los disfraces de su irresoluto destino. Lo hace en
un teatro llamado La Gaviota que es donde Hendler estudió.
Norberto, a pesar de su negligencia, se
torna un personaje querible y hasta le perdonamos su dejar
para más tarde las obligaciones. En muchas escenas nos
conmueve y hasta nos hace reir.
Con una historia pequeña, pero bien
contada , Hendler ha salido airoso en su primer intento como
guionista y director cinematográfico. No hay pretensiones
más que contar algo y hacerlo bien.
Carlos Pierre
ALVIN Y LAS ARDILLAS 3
De Mike Mitchell. Con Jason Lee, David
Cross, Jeny Slate y las voces de las seis ardillas.
Canciones varias de Ali Dee y la creación de los animalitos
de Janice Karman. Duración: 84 minutos. Distribuye Fox.
REGULAR. LAS ARDILLAS CON LOCAS
AVENTURAS
EN UN CRUCERO
Alvin y las Ardillas tuvo una buena
repercusión en su primer film. Estamos frente al número 3
que presenta un altibajo notable en su guión y nos permite
dividirlo en 2 partes: el ingreso de Alvin y sus mascotas al
crucero donde se suceden antiguas y aburridísimas secuencias
sin ton ni son, y una segunda parte más atractiva luego del
naufragio y la caída en una isla muy bella.
Alvin, Simon y Theodore están
acompañados por las pequeñas damas ardillas y reaparece el
productor musical frustrado, que ha quedado en bancarrota al
perder el contrato de los animalitos cantores y ahora ha
jurado vengar a Alvin persiguiéndolo por todas partes.
La riqueza visual se logra sobre el
final del film que, aunque corto, da la sensación de durar
muchísimo tiempo, especialmente por la que hemos dado en
llamar “primera parte”. Los exteriores se filmaron en La
Florida, Hawaii, Vancouver y Nassau Bahamas. La fotografía
no es espectacular pero sí vistosa.
También aquí hay un tesoro descubierto
y algunos gags muy remanidos cuando el volcán isleño se
enciende, con troncos que unen montañas, personajes que se
van a caer al precipicio y no se caen y la voz chillona de
estas ardillas que, por momentos, molesta a los adultos. Es
una película para la latea más pequeña que no va a reparar
en un guión remanido ni en personajes demodée.
Elsa Bragato
UN MUNDO SEGURO
De Eduardo Spagnuolo. Con Carlos
Belloso, Antonio Birabent y Carla Crespo, entre otros.
Duración: 82 minutos. Distribuye Primer Plano Film Group.
MALA. IRRITANTE RELATO TEATRAL
PRIMERA PELÍCULA NACIONAL DEL 2012
El guión y la dirección del film Un
mundo seguro pertenecen a Eduardo Spagnuolo, que toma la
vida de Patricio Podestá, un hombre exitoso de televisión,
prepotente, abusador de su fama y de su poder. Para que eso
nos quede claro, el director abre el film con una secuencia
de sexo que, sin llegar a mayores, resulta desagradable.
Un buen día el protagonista es raptado
en una autopista y vejado. Y adquiere un búnker tecnológico
que ofrece la empresa Your Home Your World en la que algo
tiene que ver la amante sometida. Soledad entre paredes de
cemento, con decoración minimalista y toda la tecnología en
sus paredes, que permiten un rápido acceso a las claves para
cada actividad que se quiera realizar. Pero no será tan
sencillo para el maníaco protagonista.
He aquí una más que buena actuación de
Carlos Belloso, a quien se lo “encierra” literalmente en un
guión que es teatral. O, cuanto menos, no se buscó otros
elementos que lo hicieran cinematográfico. Las secuencias de
encierro, de desesperación, del protagonista corresponden a
un escenario teatral y no a un set cinematográfico.
Retratar la locura o la inseguridad
extrema es un objetivo difícil de cumplir airosamente cuando
de cine se trata. Hay elementos técnicos que se necesitan
para transformar un guión en un guión de cine y no quedarse
en lo que sí puede ser una excelente obra teatral.
Hay suspenso y claustrofobia para el
protagonista y para el espectador. Ni la gran actuación de
Belloso logra salvar a esta realización de una pobreza
conceptual y formal irritantes. No nos gustó.
Elsa Bragato
INTERCAMBIO DE ALMAS
En DVD. De Sophie Barthes Con Paul
Giamatti, EmilyWatson, entre otros. Duración: 101 minutos.
Distribuye IFA.
MUY BUENA. EL ALMA COMO OBJETO DE
ALQUILER Y CONTRABANDO
Este film nos encantó por la idea
original: el alma que nos mortifica y la posibilidad de que
la extraigan, la podamos guardar un tiempo o bien usar el
alma de otra persona a un precio módico.
Paul Giamatti encarna a “Paul Giamatti”,
un actor neoyorquino de nuestros días que se encuentra muy
perturbado por un personaje, al punto que no puede disociar
su trabajo de su vida cotidiana. Al leer una revista, se
topa con el aviso de la posibilidad de que le extraigan el
alma en un centro especializado; no duda en hacerlo si bien
se lo oculta a su esposa (Emily Watson) hasta que, llegado
un punto, no podrá negar más lo que le pasa.
Es que el alma es cosa seria! La falta
de una parte importante de ella nos puede sumir en una
insensibilidad sobre el mundo que nos rodea, nos puede
perjudicar en la percepción de la alegría y el dolor ajenos,
aunque tal vez nos sintamos menos presionados.
Siempre cabe la posibilidad, según el
film, de alquilar otra alma por un tiempo, y acercarnos a
otros sentimientos. O bien caer en la trampa de los
“traficantes de almas”, con asiento en Rusia, país que
aparece por segunda vez esta semana en un film como opuesto
a los Estados Unidos.
La parte filmada en Rusia tiene
pintoresquismo hasta cierto punto y es lo más burdo de este
relato que atrapa por su originalidad y que nos deja un
final abierto: ¿es posible recuperar el alma propia? ¿Uno se
limpia totalmente del alma propia o le quedan residuos?¿Es
posible “alquilar” almas? ¿Ya existe un contrabando de almas
con “mulas” que las transportan?
Es que el alma, según la sugerente
concepción de Sophie Barthés, puede tener el tamaño de un
pequeño poroto, algo que horroriza a Paul Giamatti
personaje, teniendo al Giamatti real como protagonista
notable de esta película diferente, con un mensaje de final
abierto. Nos encantó a pesar los altibajos no actorales sino
de realización, que hemos apuntado. Giamatti, soberbio.
Elsa Bragato
Estrenos del jueves
29 de diciembre del 2011
Hay solo
dos estrenos para este fin de año 2011.
UN ZOOLÓGICO EN CASA
De
Cameron Crowe. Film basado en el libro de Benjamín Mee. Con
Matt Damon, Scarlett Johansson, Thomas Haden Church, entre
otros. Música de Jon Thor Birgisson. Duración: 124 minutos.
MUY
BUENA. COMEDIA FAMILIAR SOBRE CÓMO
SUPERAR
LAS ADVERSIDADES
Es casi
una biopic, si bien se señala que no todas las situaciones
que vemos en esta película, Un zoo en casa, tienen que ver
con la vida real de Benjamín Mee, cuyo libro se tomó
de base para el guión. Un joven viudo, acechado por jóvenes
madres del colegio al que va su hijo, decide dejar su empleo
de periodista y comprar una casa para no tener recuerdos.
Tanto él como su hijo eligen una muy alejada del centro que
tiene una particularidad: un zoológico semi abandonado, que
dirige una eficiente mujer, Kelly Foster, a cargo de la
actriz Scarlett Johansson. Es de destacar que Scarlett se
prueba en un rol y en un film diferentes a todos los que le
hemos conocido: aquí está en la vereda del cine
comercial.
Hace unos
meses también se estrenó un film donde Matt Damon debía
afrontar la pérdida de la pareja si bien el contexto fue
totalmente diferente. En este caso, el zoo comprometido es
el Dartmor Zoological Park, del sudoeste de la zona
de Inglaterra (USA). Y es verídico el caso.
El film
transita por diferentes emociones: comienza como un drama,
el dolor de un joven hombre ante la pérdida de su esposa, y
el cuidado de su pequeño hijo. A partir del cambio de casa y
la aceptación de que convivirán con animales que necesitan
mucha ayuda, la película se transforma en una comedia
dramática para terminar siendo una comedia familiar.
El caso
del tigre viejo y enfermo, la necesidad de conseguir dinero
para el relanzamiento del zoo, la colaboración ad honorem de
quienes forman parte del equipo del zoo, van dándole forma a
un “larga duración” que emociona, divierte, y produce gran
empatía con el espectador.
Lograr
que un tema sencillo, sin 3D, nos emocione o bien nos haga
disfrutar de una historia no es poca cosa dentro del cine
comercial. Es un film adecuado para esta época del año en la
que todos necesitamos dar por terminada algunas rachas y
comenzar con bríos renovados el nuevo año. Si bien en el
film no se plantea la finalización de un año, sí está el
final de una etapa para un joven padre y su hijo quien,
aunque feliz, resistirá el amor que su papá toma por el
lugar y el tiempo que le dedica.
Alegría,
emoción, logros, son algunos de los sentimientos que
tendremos al disfrutar de un film que no tiene segundas
aspiraciones, que no pretende estrujarnos los sesos con
ninguna intelectualidad y que, sin embargo, nos plantea una
situación cotidiana: superar los obstáculos. Nos gustó
mucho.
Elsa
Bragato
LA CUEVA
DE LOS SUEÑOS OLVIDADOS
Documental en 3D dirigido por Werner Herzog. Francia,
Canadá, EE.UU., Reino Unido e Italia. Duración 90 minutos.
Distribuido por Zeta Films.
MUY
BUENA. UN ENCUENTRO CON EL ESPIRITU DEL HOMBRE DEL
PALEOLITICO.
Descubierta recientemente, en l994, la cueva de Chauvet,
ubicada en el sudeste de Francia, es una expresión del arte
rupestre, de marcado acento mágico, que data de 32.000 años
y que, como una cápsula del tiempo, permaneció cerrada a los
ojos del hombre durante 20.000 años porque un
desprendimiento del acantilado selló su entrada.
Agregamos que estas pinturas pertenecen al hombre de Cro-Magnon,
que vivieron en el Paleolítico Superior, su datación es de
40 mil a 10 mil años, y pertenecieron a la Cultura
Auriñaciense.
Werner
Herzog tuvo la fortuna y el permiso de las autoridades
francesas, quienes solamente le permitieron filmar durante
seis días de cuatro horas en cada jornada, porque la
acumulación de dióxido de carbono tóxico y las exhalaciones
podrían humedecer la caverna, algo que ya ocurrió en otros
sitios similares.
Una
sobrecogedora exposición de pinturas con las figuras en
movimiento de bisontes, caballos, leones, rinocerontes,
fueron plasmadas en las formas caprichosas de las paredes y
tal vez más que con arte puramente pictórico con un sentido
de representación figurativa, afín al alma humana moderna.
Este
hombre del paleolítico no se guareció allí, en esa gruta, ya
que en ella habitaban osos cavernarios, de los cuales quedan
en las paredes sus arañazos, y también las huellas de sus
patas y sus huesos diseminados por el suelo.
Narrada
en primera persona por el propio Herzog, este documental es,
hasta ahora, la única oportunidad de contemplar el
trazado del espíritu de aquel hombre de Cro-Magnon, de un
metro ochenta de estatura quien, con su mano alucinada y una
antorcha, dejó el testimonio más acabado de su categoría de
hombre.
Además de
la maestría documentalista y singular de Herzog, merece una
destacada atención la banda sonora de Ernst Reijseger
interpretada por un pequeño conjunto donde sobresalen un
violoncello y una flauta superlativos.
En 2011,
este documental recibió s premios al mejor documental del
New York Film Critics Circle Awards y del Whashington DC
Film Area Critics Association Awards. Nosotros debemos
premiarlo con nuestra presencia. Valioso documental.
Carlos
Pierre
Estrenos del jueves
22 de diciembre del 2011
Hay tres films, entre ellos, uno
argentino, La última mirada.
También está el primer lanzamiento de
un film directamente por internet: se trata de Stephanie,
que se estrena el jueves en el sitio Cuevana.tv. Ver
www.stephaniefilm.com
CANCIONES DE AMOR
De Christophe Honoré, con Louis Garrel,
Chiara Mastroianni, Clotilde Hesme, entre otros. Música de
Alex Beaupain. Duración: 95 minutos.
BUENA. DRAMA ROMÁNTICO PARA EL PÚBLICO
MUY JOVEN
Canciones de amor nos devuelve el cine
musical de los 60 con los tonos del siglo XXI. Hay una
serie de elementos que pueden gustar y mucho al público más
joven. Por otra parte, tiene un tributo implícito al cine de
la Nouvelle Vague que las nuevas generaciones no conocieron.
El triángulo amoroso, la confusión, la mortalidad, ese
existencialismo tan típico del pensamiento francés y tan
profundamente humano para cada uno de nosotros, son otros
conceptos que sobrevuelan esta historia. Entre canciones del
pop francés, escritas por Alex Beaupin (para la mayoría de
los argentinos, un autor desconocido), y triángulos amorosos
hetero y homosexuales, transcurre con cierta ligereza el
drama romántico propuesto, que le permite al protagonista,
Louis Garrel, recorrer calles parisinas no turísticas, bajo
la lluvia, con el frío y el cielo nublado tan característico
de París.
El film presenta tres capítulos, La
partida, La ausencia y El regreso, y también nos muestra
una sola cama donde el amor pasará por diferentes parejas
con un solo eje, que es el protagonista Garrel, con gran
parecido a Robin Pattinson. En ellos, se ve el amor del
personaje principal por una bella rubia, desacomodado por la
presencia de la compañera de trabajo. La muerte súbita, y
una noche compartida con las dos jóvenes, hacen trastabillar
a “Ismael”, de su pareja lo obligan a repensar la vida y
cualquier otra pareja. La muerte de la joven novia es un
hecho que le ocurrió al director.
Las canciones surgen como respuestas,
en un remedo (dicho esto sin doble intención) a la
antológica Los Paraguas de Cherburgo, con Catherine Deneuve,
mamá de Chiara Mastroianni, quien tiene un rol
destacado en esta película. Y tienen muy buena factura
musical al punto que su inclusión es natural, sin desbordes
de armonías o fortissimos.
El guión es un tanto alocado, una
búsqueda desesperada del amor como redención, como salvataje
de ese fin inexorable que nos espera y nos iguala: la
muerte..
Ha altibajos en laproducción: no se
avisó, al menos es lo que se infiere, a los comerciantes de
diferentes calles por donde pasaba el protagonista y una
cámara dado que salían corriendo de sus negocios para ver
quién filmaba. Detalle que no debió pasarse por alto.
Hay sí un subtema planteado en los
hechos: Ismael no supera la pérdida de su novia, y opta por
la homosexualidad. En el medio, hay charlas, sobremesas,
amores en una misma cama, y la muerte como compañera
insoslayable de la condición humana. Para los muy jóvenes.
NR: Este film se estrenó en el 2007.
Notable atraso. No obstante, el tema no perdió actualidad.
Elsa Bragato
TERROR A BORDO, SHARK NIGHT, EN 3D
De David R. Ellis. Con Sara Paxton,
Dustin Milligan y Alyssa Díaz, entre otros. Música, Graeme
Revell. Duración: 91 ‘. Distribuye Buena Vista.
REGULAR. DESVAÍDO FILM DE TERROR CON
TIBURONES DE PACOTILLA
El director David R. Ellis, quien nos
había deleitado con Destino Final, nos defrauda con estos
tiburones que no aterrorizan al espectador, aunque se supone
que sí lo hace con los siete visitantes de una casa
a orillas del lago en Louisiana.
Al contrario, un pobre guión nos pasea
por situaciones previsibles hasta ridículas e inverosímiles.
Por ejemplo, el caso de uno de los desafortunados personajes
a quien un tiburón le arranca un brazo, y a pesar de la
deficiente atención médica que recibe en el momento, se
levanta de la cama donde se recupera, toma una lanza y se
mete en las aguas para matar al tiburón que lo atacó. De
movida, tenemos la secuencia de la jovencita que es tragada
por uno de los animales, un hecho trágico que no hace mella
en ninguno de los personajes.
Este film, hay que reconocer, difiere
de otras versiones de tiburones asesinos porque aquí los
escualos están monitoreados por un trío de perversos jóvenes
conformado por el amante despechado , un borracho
empedernido y un alguacil corrupto, quienes han llevado
del mar abierto a una laguna a semejantes animales marinos
para vengar al amante de la protagonista quien había sido
herido en el rostro por su pareja. Un motivo de poca monta
para tamaño salvajismo pero es el “quid” argumental y el
único elemento distintivo.
Los tiburones encerrados y hambrientos
esperan el momento de atacar, accionados por estos tres
desquiciados. Los animales, que son obviamente mecánicos,
provocan terror en la ficción y algún sustito risueño en la
platea porque las situaciones son previsibles.
Las escenas en la laguna, con la ayuda
del 3D, las raudas embarcaciones, la exuberante naturaleza
de las orillas, agregado al parloteo de alguno de los
protagonistas acerca de la diversidad de casi 350 especies
de tiburones y sus diferentes comportamientos, no logran
aportar interés a este olvidable relato.
Cuando en un film aparece un grupo de
jóvenes o cerca de una laguna como en este caso o bien
perdidos en un bosque, estamos frente a un trillado film de
terror. Éste sobreviene según la sensibilidad del
espectador. En este caso, provocan risas porque ya se sabe
lo que pasará, así que el agua teñida de colorado es un
elemento risueño a pesar del dramatismo que debiera tener.
Para divertirse con terror burdo y en 3D. Pero, si puede, no
gaste su dinero en este film.
Carlos Pierre
LA ÚLTIMA MIRADA
Film nacional de Víctor Jorge Ruiz. Con
Arturo Bonin, Katja Alemann y Eugenio Roig. Duración: 109
minutos.
Nos cuenta la vida de un argentino que,
en la época del proceso, se radicó en España y regresa al
país para buscar sus raíces y vengar a su madre, muerta bajo
torturas en un campo de concentración de los militares. Se
enamora de la hija del verdugo y le plantea la duda de que
ella también sea una hija de NN. Se puede visitar el sitio
del film para mayores datos. No la comentamos.
Estrenos del jueves
16 de diciembre del 2011
CUATRO MUERTOS Y NINGÚN ENTIERRO
De Ian FitzGibbon. Con Dylan Moran,
Mark Doherty, entre otros. Música de Denis Woods. Duración:
89 minutos. Distribuye Impacto Cine.
BUENA. COMEDIA NEGRA CON ESTILO
“BRITISH”
Comedia negra irlandesa que se asocia y
se identifica con ese humor distintivo, siempre punzante y
elegante del cine inglés. Tanto el director Ian Fitz Gibbon,
que es también actor, como los dos protagonistas, Dylan
Moran y Mark Doherty, tienen una vasta y exitosa vigencia en
la televisión irlandesa y en el cine, como en el caso del
director del film, quien interpretó a un pícaro ladrón de
libros en la recordada Notting Hill, de 1999, protagonizada
por Julia Roberts y Hugh Grant.
El guión muestra el mundo del cine y el
mal momento que está pasando un esforzado actor, relegado al
anonimato. Se presenta a una entrevista por un pequeño papel
en una película y es rechazado.
El regreso a su departamento que
alquila está plagado de carencias y sinsabores, porque está
amenazado por su desencantada novia, a punto de abandonarlo,
y por su casero que le reclama el alquiler atrasado.
Solo cuenta con su mejor amigo, quien
lo alienta a no abandonar esa meta cinematográfica que se ha
trazado y lo acompaña a eludir los embates del desempleo, el
anonimato y la frustración amorosa.
Pero un día alguien muere a su
alrededor, luego otras muertes se suceden, accidentales y
colaterales, y como una paradoja de su negro destino, lo
lleva a plasmar en un guión cinematográfico todo lo que ha
acontecido a su alrededor, con la ahora buena fortuna que lo
hará salir del submundo de los actores sin trabajo.
Comedia negra al mejor estilo
británico, que no se aparta de esa vasta y fina tradición
teatral a través de los siglos, sustentada en este caso por
dos grandes actores en la escena televisiva y teatral de
Irlanda.
Para los amantes del cine británico, es
un film para ver por la ironía más penetrante y un humor
negro que, a pesar de los cadáveres, lo hará disfrutar.
Destacamos que esta film lo vimos hace
casi un año y estuvo no menos de 10 veces mencionado para
estreno siendo descartado hasta ahora.
Carlos Pierre
LA CAMPANA
De Fredy Torres, con Jorge Nolasco,
Rocío Pavón, Lito Cruz, María Fernanda Callejón, Mónica
Ayos, entre otros. Banda Sonora de Alejandro Kauderer.
Duración: 85 minutos. Distribuye 3C.
BUENA. FILM DE CIENCIA FICCIÓN CON
EXCELENTE FOTOGRAFÍA, BANDA SONORA Y ACTUACIONES
Esta ópera prima de Fredy Torres, autor
también del guión que oscila entre el realismo y la ciencia
ficción, está ambientada en el puerto pequero de Mar del
Plata, con un elemento fantástico en una zona en el mar
adentro llamada La Campana, sitio mítico donde el tiempo se
detiene para el que la aborda, pero no para los que
permanecen en tierra, a quienes les fluye cronológicamente
los años.
Es una historia de amor desencantado
entre Juan, interpretado por Jorge Nolasco, quien se interna
con su pequeño barco en el mar, y Laura, a cargo de Rocío
Pavón como la novia joven y Mónica Ayos en el rol adulto;
María Fernanda Callejón es la prostituta que se interpone
entre ellos, y sobresale Américo, un marino que ya está más
allá de los embates de la vida, encarnado por Lito Cruz,
siempre convincente.
Esta historia transcurre durante la
guerra de Malvinas, en l982, que amerita la comparación
utilizada por Fredy Torres: el mar “se traga” a los marinos
como ocurrió con los jóvenes combatientes que fueron a la
guerra.
Los naufragios forjaron una tradición
de mar adentro vinculada a lo fantástico, con gran similitud
con una teoría científica en boga: si se supera la
velocidad de la luz en un viaje espacial, el tiempo del
astronauta será mucho menor que el transcurrido en la
Tierra. En el legendario film El planeta de los simios
ocurre esto, el astronauta regresa con unos pocos más, pero
en la Tierra han pasado siglos. Y es el “quid” argumental de
este film.
Inmersos en la realidad de los
pescadores marplatenses para tener luego un giro fantástico,
esta pareja enamorada a destiemplo padece un desencuentro
inexorable.
El realizador Fredy Torres ha volcado
en esta ópera prima todas sus ideas y lecturas moldeándolas
en una narración que tiene sus altos y bajos aunque no deja
de ser atractiva. Hay muchos elementos reales y otros tantos
fantásticos que producen vaivenes narrativos, salvados, y
hay que decirlo, por la fotografía, por la banda sonora
profesional con 13 temas (algo más que inusual en el cine
nacional) y por las actuaciones.
Carlos pierre
JUDIOS POR ELECCION
De Matilde Michanie. Argentina, 2011.
Música de Fernando Manuel Diéguez. Duración: 85 minutos.
BUENA. LA RELIGIÓN JUDÍA Y SU RELACIÓN
CON QUIENES ADOPTAN ESTA FE
Estamos frente a un documental coral
dirigido por la documentalista Matilde Michanie, de vasta
experiencia en el género. Graduada en la Universidad de
Kassel, Alemania, recordamos su film Licencia Número Uno,
sobre la vida de la boxeadora argentina Tigresa Acuña.
Filmada en Argentina e Israel , esta
película plantea qué es ser judío, su milenaria tradición, y
el arduo camino de convertirse al judaísmo sin serlo.
Plantea ese desafío, esa prueba de resistencia que muchas
veces llevó a decir al célebre escritor Sholem Aleijem, con
cierto sarcasmo, “qué difícil es ser judío”.
Se muestran más de 20 experiencias con
agilidad y buen ritmo a lo largo de la hora y media de
duración, entre la Argentina y en Israel. Dos casos de
conversión al judaísmo acaecidos en nuestro país fueron el
de una familia católica y el de un empedernido buceador de
la fe, quien estuvo recluido en el convento de Los Toldos,
provincia de Buenos Aires.
Se infiere de este documental que
realmente abrazar el judaísmo es muy complejo, por sus
rígidos preceptos religiosos, no fáciles de comprender bajo
la mirada católica. Resulta muy interesante.
Carlos Pierre
EL JUEGO DE LA FORTUNA
De Bennet Miller. Con Brad Pitt, Jonan
Hill, Philip Seymour Hoffman, Stephen Bishop entre otros.
Música de Mychael Danna. Duración: 133 minutos. Distribuye
Sony Pictures.
BUENA. BASADA EN UN HECHO REAL,
SOBRESALE BRAD PITT, CAMINO AL OSCAR
Un film sobre béisbol no resulta muy
atractivo en estos lares. A favor, esta película El juego de
la Fortuna tiene una acertada y coherente narración sobre
los avatares de un club pobre, el Oakland A’s, que pertenece
a la liga profesional y no tiene dinero para reemplazar a
sus mejores jugadores. Para quien ama el deporte en general,
las reuniones directivas analizando la situación económica
del club, la desesperanza de cada integrante y la actitud
positiva de Billy Beane (Brad Pitt), manager, y su búsqueda
de soluciones, resulta apasionante. No así para todo el
público aunque se trate de un argumento sostenido a lo largo
de los 133 minutos, sin caídas argumentales, y se esté
frente a un hecho real. Aquí debemos señalar que está basado
en un libro de Michael Lewis.
Billy Beane contrató a un experto en
economía de la universidad de Yale, encarnado por Jonan
Hill,que se convierte en su mano derecha a pesar de las
caras largas del resto de la comisión directiva. Las
planillas de números con proyecciones sobre las inversiones
en los jugadores provocó un cambio radical en el deporte en
general a la hora de elegir quiénes integran un equipo de
béisbol en este caso.
La fotografía es muy buena pero a la
vez muy clásica. Y, si bien es prolija y atinada, no
deslumbra. Está al servicio del argumento (esto sí es un
logro). Es que, en verdad, el “quid” del film está en los
diálogos, inteligentes, lúcidos, y en las relaciones
humanas, sus mezquindades, o lo contrario. Brad Pitt realiza
una gran actuación al punto de que uno se olvida del
“baby-face” y se deja seducir por este personaje,
olvidándose de quién está componiéndolo. Gran logro en su
carrera.
La recomendamos para quienes amen el
deporte, así como para quienes tengan relación con clubes de
fútbol, por ejemplo. El film tarda en apasionar al
espectador no avezado en el tema y tiene una notable
extensión (running) que puede desalentar.
Elsa Bragato
Estrenos del jueves
8 de diciembre del 2011
JUEVES 8 DE DICIEMBRE
DEL 2011.-
Hay seis estrenos,
uno en DVD, Alamar. No comentaremos A quién Llamarías,
el estreno nacional de la semana.
LA
VIDA EN TIEMPOS DIFÍCILES
De Todd Solondz,
con Shirley Henderson, Allison Janney, Ally Sheedy,
Michael Kenneth Williams, Michael Lerner, Ciarán Hinds,
Chris Marquette, Charlotte Rampling, entre otros. Música
aleatoria. Duración: 98 minutos.
MUY BUENA. LUCES Y
SOMBRAS EN UN ARDUO RELATO SOBRE LA BÚSQUEDA DE LA
FELICIDAD
A TRAVÉS DEL PERDÓN
Todd Solondz, de 52
años, es el realizador de Felicidad, un film que tuvo
éxito en nuestro país, donde mostró a la familia que,
pasados los años, volvemos a ver en este film. Para
Solondz, los personajes tienen relación y no la tienen
porque ve en ellos progresión o crecimiento. Para
quienes no vieron Felicidad, el film se comprende
perfectamente si bien, aquellos que tienen el
conocimiento de la anterior, podrán encontrar
situaciones similares. Es que hay un mismo estilo,
personal y polémico en Solondz.
Las tres hermanas de
Felicidad, Joy-Trish y Helen, ahora son interpretadas
por Shirley Henderson, Allison Janney y Ally Sheedy. La
cantante melancólica Joy, casada con un afromericano que
compone Michael K. Williams; Trish que logró rearmar su
familia con sus hijos junto al personaje de Michael
Lerner, y Helen, la escritora que cortó con su familia
pero, de alguna manera, todas las hermanas volverán a
verse.
Los climas que crea
Solondz son muy interesantes si bien nos hace pasar de
una noche de sexo a las palmeras de La Florida, donde
vive una de las hermanas. Hay un pasado de hombres
pedófilos, de engaños, de jóvenes que han sido abusados
por sus mayores, de mentiras piadosas, que el director
resuelve enfrentando a los personajes durante un té, una
cena, un restorán coqueto, o el dormitorio de una
universidad, cuando no en un extraño bar prostibulario.
Noche y día se suceden sin piedad para el espectador.
Rescatamos varios
diálogos que son las “llaves” para comprender dónde
reside el perdón, qué hay que olvidar, y si es posible
renacer de la tragedia familiar, personal o del grupo, a
una nueva vida. Por ejemplo, uno de los primeros es el
de la actriz Allison Janney con su actual pareja de
ficción, Michael Lerner, profundo y conmovedor. Otra
secuencia nos muestra a una estupenda Charlotte Rampling
en una aparición especial junto a Ciarán Hinds y su
sórdido Bill, en una noche de despiadado sexo. O también
el diálogo entre hermanas, Ally Sheedy y Shirley
Anderson, fuerte, doloroso. O el de Bill (Hinds) con su
hijo Billy (Chris Marquette) y unas disculpas que llegan
tarde sobre hechos perversos de pasado, muy amargo y
profundo a la vez.
Joy, a su vez
(Shirley Anderson) vuelve como en una parábola, al
comienzo en otro diálogo tocante con su marido, Allen
(Michael K. Williams). En medio de estos encuentros
resueltos en charlas que no podían evitarse en el seno
de esta familia de ficción, está la felicidad a medias
de Trish por el bar mitzvah de su hijo menor.
Si bien Todd
Solondz ha querido escapar al convencionalismo, uno de
sus rasgos como realizador, la condición humana lo
trasciende aún a costa de sus intentos y busca que estos
personajes tan dañados por el pasado, incluso los más
jóvenes, tengan una luz para iniciar un camino
diferente, de paz o de resarcimiento.
La fotografía así
como las actuaciones son notables. La solidez de la
narración también, si bien tiene el estilo Solondz, con
los cambios de clima que indicamos: del dolor al canto
de una niña, del llanto a la mirada amorosa de Joy a su
marido.
Es una película
diferente, los seguidores de Solondz lo saben, especial
para cinéfilos, no marquetinera. Para ver historias de
vida profundas, desgarradas, sin piedad pero con
redención, que incluye la famosa foto del Che Guevara.
Elsa Bragato
GATO CON BOTAS
De Chris Miller.
Dibujo animado en 3D con las voces y actuaciones de
Antonio Banderas y Salma Hayek en los protagónicos con
Guillermo del Toro, y Zach Galifianakis, Billy Bob
Thornton , entre otros. Música de Henry Jackman.
Duración: 90 minutos. Distribuye UIP.
BUENA. UNA HISTORIA
SIMPÁTICA CON ALGUNA
DEBILIDAD EN EL GUIÓN
Se puede preguntar si
hay algo más para inventar en películas animadas en 3D.
Debe resultar difícil. Este “Puss in boots” surgió del
segundo film Shrek, era el malo que terminó del lado del
ogro verde.
Aquí es protagonista
absoluto y no solo Antonio Banderas puso la voz sino
también la actuación a través del sistema de “captura de
imagen” por lo que este gatito tiene mucho del actor
español.
Asistimos a su
nacimiento, al por qué de las botas, y a su cruce con
una bella gatita, tipo siamesa, Kitty, con la voz y
actuación de Salma Hayek. Una de las mejores secuencias
de este film animado se da cuando los dos gatos, en una
recíproca seducción, bailan flamenco.
La aparición del
huevo Humpty Dumpty que algo de torpeza ya sugiere en su
nombre en inglés, y las locas aventuras por un tesoro
especial que los puede llevar al “cielo” en las que
meterá al ambicioso Gato con Botas, ayudado por Kitty.
Es en estas aventuras donde no encontramos mucha
originalidad, las habas de oro, por ejemplo, porque la
resolución de las correrías son semejantes a las de un
policial de los que estamos hartos de ver en el cine
para adultos. Claro está, los más chicos van a
disfrutarla porque los personajes son queribles y
simpáticos a más no poder.
Para nosotros, muy
modestamente, el film tiene el encanto de sus personajes
y una narración que se debilita en persecusiones y
peligros muy trajinados. De todas formas, es un film
para apreciar en familia con una excelente técnica 3D.
NR: Recordemos que el
gato con botas es un cuento popular europeo que fue
recobido por primera vez en 1634 y alcanzó la fama al
formar parte de la colección Los cuentos de la Oca de
Charles Perrault en 1697.-
Elsa Bragato
AÑO
NUEVO
De Garry Marshall.
Con Robert De Niro, Eric Efron, Halle Berry, Sarah
Jessica Parker, Jon Bon Jovi, Hilary Swank, Jessica Biel,
Ashton Jutcher, Michelle Pfeiffer, Matthew Broderick,
Héctor Elizondo, el Alcalde de New York, entre otros.
Música de John Debney. Duración: 117 minutos.
BUENA. ELENCO CORAL
EN UNA SIMPLE Y EFICAZ COMEDIA
ROMÁNTICA
Muchos actores,
muchas historias. El tema que desarrolla Garry Marshall,
hacedor de éxitos románticos, es la noche de fin de año
en Times Square que no es tan solo la reunión de miles
de personas en el tradicional cruce de New york sino
también la realización de un show a cuadras de allí y la
preparación de la bola de colores que, al bajar, dará
las 0 hora del nuevo año 2012.
Hilary Swank encarna
a una nerviosa coproductora del evento musical y no ha
tenido mejor idea que traer a Jon Bon Jovi para rearmar
su pareja con el personaje de Katherine Heilg, llamada a
ser la nueva heroína romántica de Hollywood, falto de
parejas protagónicas carismáticas para historias de
amor. Y este reencuentro producirá las secuencias más
débiles y remanidas del film.
En todo caso, todo es
remanido nada más que hay algún momento de emoción, dado
por Robert De Niro, quien vive en New York, por lo que
nadie mejor que él para interpretar a este padre
moribundo, que se supone alguna vez tuvo familia, para
ver caer la famosa bola antes de partir de este mundo.
El secreto está en quién es su hija, generándose
una de las escenas más emotivas del film aunque ya
vistas.
Así pasaremos por una
avejentada Michelle Pfeiffer, una preocupada madre a
cargo de Sarah Jessica Parker, un Ashton Kutchner sin fe
en la vida (recientemente divorciado de Demi Moore y con
varios films de baja categoría, hoy protagonista de
famosa serie televisiva), una Halle Berry que nos
conecta, vía internet, con su marido, un soldado en
alguna guerra de Oriente. Son los temas que hacen
directamente a la sociedad norteamericana. Es decir, hay
un tufillo político que no tiene nada que ver con
nuestra sociedad y tal vez eso pueda molestar a algunos
espectadores.
En esta propuesta
coral, hay dos personajes que nos sirven de guía y que
hay que seguir desde el comienzo: el de Hilary Swank y
el de Zac Efron, que compone a un nuevo galán para una
mujer que necesita de ese beso joven y ansioso apenas
den las 0 hora. Agregamos que Matthew Broderick, en una
rápida aparición, es el marido de la exitosa Sarah
Jessika Parker en la vida real.
Demasiado extensa,
con momentos simpáticos, pero alejada del sentir de los
argentinos: es un film para pasar el tiempo y no pensar
que hay guerras en Oriente, ni que Bloomberg es mejor
que Macri. No. Es para ir a pasar el tiempo.
Elsa Bragato
LA
ÚLTIMA NOCHE
De Massy Tadjedin.
Con Keira Knightley, Sam Worthington, Eva Mendes, Anson
Mount, entre otros. Música de Clint Mansell. Duración:
90 minutos
BUENA. DESPOJADO
RELATO DE UN JOVEN MATRIMONIO
QUE INTENTA
SOBREVIVIR A LAS TENTACIONES
La última noche lleva
un título que parece indicar el final de todo y sin
embargo nos muestra solo una noche decisiva para una
pareja, la formada por la delgadísima Keira Knightley y
Sam Worthington, un hombre de negocios a quien una de
sus compañeras acosa, encarnada por la seductora Eva
Mendes.
Pero la joven esposa
tiene un encuentro con un ex, justo ese día en el que el
mundo parece venírsele encima. El final es abierto y
permite la reflexión sobre subtemas que están latentes:
puede una noche de locura terminar con un amor muy
grande? ¿Qué infidelidad se juzga peor? ¿La de la mujer
o la del hombre?
El film está
despojado de fiorituras. Diálogos entre un matrimonio
que se sospecha mutuamente, sin razón, pero sospechas
hay. La buena fotografía, la afiatada actuación de los
actores, hacen el resto para un guión que, de no ser por
ellos, no resultaría atractivo.
Aquí no hay
literatura para alegrarse ni para entristecerse. Es lisa
y llanamente una situación límite que puede transcurrir
en menos de tres días, pero hay una noche en especial en
la que la pareja se verá a prueba. Será la última noche
de las indecisiones? Nos parece interesante el planteo,
sin vueltas. Especialmente para las parejas jóvenes. Y,
como decíamos, con un final abierto que lo hace
sorpresivo. Mucho más no podemos contar del argumento.
Hay que verla, “sentirla” y reconocerse o no en las
situaciones de los protagonistas. No está mal.
Elsa Bragato
Estrenos del jueves
1 de diciembre del 2011
Hay
cinco estrenos, incluyendo dos films argentinos.
LA MALA VERDAD
De
Miguel Angel Rocca. Con Alberto de Mendoza, la pequeña
Ailén Guerrero, Analí Couceyro, Carlos Belloso, Malena
Solda, Norman Briski, Mario Alarcón, Ceciclia Rossetto,
entre otros. Música de Osvaldo Montes.
MUY
BUENA. NOTABLE DUELO ACTORAL ENTRE DE MENDOZA Y BRISKI
EN UN RELATO SÓLIDO Y ACTUAL
La
Mala Verdad se filmó en una escuela insigne de Buenos
Aires, el famoso Mariano Acosta, conmocionando a la
comunidad docente y estudiantil del lugar y del barrio.
La propuesta es muy interesante, plagada de sutilezas
que hacen bien al relato propuesto y con notables
actuaciones, de ésas que nos quedarán en el recuerdo,
como la de Alberto de Mendoza y Norman Briski, que
establecen un duelo actoral desde opuestos inolvidable.
En
los aspectos técnicos, el film de Rocca es muy sólido,
la fotografía tiene cuerpo tanto como los personajes. La
música de Osvaldo Montes, gran maestro, es otro de los
personajes, amable y fuerte a la vez.
Un
abuelo vive con su hija y su nieta. Aquí destacamos la
actuaciones de Analía Couceyro y de la pequeña Ailén
Guerrero, de gran futuro. El padre murió y la pequeña
busca en la librería familiar algún dibujo o retrato de
“alguien” que sea su padre y arranca esas contratapas o
recortes guardándolas celosamente en un arcón de
juguetes. Algo pasa en su conducta que llama la atención
de la psicopedagoga del colegio, a cargo de Malena Solda,
quien recurrirá a su superiora, encarnada por Cecilia
Rossetto, siempre solvente, justa, necesaria! La madre
trabaja, su novio (Carlos Belloso, en gran papel)
también, solo el abuelo Ernesto (De Mendoza, en su film
151) está a disposición de buscar la nietita al colegio,
de tener tiempo de estar con ella. La mala verdad será
descubrir que el abuelo no tiene intenciones sanas en la
relación con su nieta.
La
pregunta inmediata es cómo se resuelve en el film. Hay
mucha sutileza y la mejor secuencia y la más clara al
respecto es durante una cena cuando la madre, la pequeña
y el abuelo están sentados a la mesa, el abuelo termina
su cena y se va al cuarto dándole la orden a su nieta de
que le suba un vaso de agua. Es aquí donde las miradas
entre la pequeña y su madre hablan más que las palabras,
el vaso de agua que la pequeña no se anima a tomar, su
mirada llena de temor. Suficiente. Luego vienen las
consecuencias de su conducta en el colegio.
Es
donde surgen ciertas falencias en los diálogos y la
necesidad de que el espectador suponga. Si se supone, es
que algo falta. Malena Solda compone a la preocupada
psicopedagoga del colegio. Los diálogos que mantiene con
la pequeña son demasiado superficiales; el trato
cuidadoso con una niña no debe ser por eso falto de
consistencia. En el film lo es porque nunca se apunta al
problema que el relato plantea sino que se lo
“merodea”. Y no resulta verosímil.
Miguel Alarcón compone al director de la escuela, quien
no quiere problemas con los padres y no acepta las
inquietudes de la psicopedagoga.
Hay
otra secuencia donde los supuestos son inevitables: la
reacción de Rodolfo (Carlos Belloso) contra el abuelo
Ernesto. No es una reacción cualquiera sino que hay
violencia. Pero queda ahí. Y esta escena debió tener
resolución posterior al menos más clara, aunque
resultara previsible.
Destacamos las secuencias de Norman Briski en el papel
del tío abuelo Antonio, que vive cerca de las playas y
que tiene un carácter opuesto a su hermano Ernesto. Es
alegría, buen humor, cariño sincero por su sobrina
nieta. El duelo actoral entre De Mendoza y Briski es de
notable excelencia artística, así como la presencia
actoral de la pequeña Ailén Guerrero.
Analía Couceyro, que viene realizando una muy
interesante carrera, mantiene el perfil de la madre
sometida por las circunstancias, la viudez primero y la
necesidad de que el abuelo cuide de la niña mientras
ella trabaja. Compone con solvencia el papel de Laura,
sin agregarle dramatismo, haciéndolo creíble, real: una
madre que sabe lo que pasa pero que la vida le pesa más
que cualquier análisis de las situaciones. Las supone,
no las investiga.
Estamos frente a una muy buena película, de buena
factura además, con notables actuaciones de maestros
como De Mendoza y Briski, secundados por excelentes
actores. Los problemas de narración audiovisual
señalados no hacen mella en el producto final para los
espectadores, aunque las falencias marcadas aquí se
notan. Vayan a verla.
Elsa
Bragato
EL PRECIO DEL MAÑANA
De
Andrew Niccol. Con Justin Timberlake, Amanda Seyfriend,
entre otros. Música de Craig Armostrong.
BUENA. BUENA IDEA EN UN PREVISIBLE Y DÉBIL RELATO
El
tiempo es dinero. Los ricos viven más que los pobres.
Son los axiomas muy interesantes de esta película de
Andrew Niccol que, con enormes distancias conceptual y
formal, nos remite a Tiempos Modernos del genial Charles
Chaplin. Insistimos: con enormes distanciasconceptuales
y formales.
Los
personajes de la historia de ciencia ficción de Niccol
llevan un reloj en sus brazos, un reloj biológico que se
ve y que debe ser cargado cada equis horas para seguir
viviendo. Conseguir esas horas de vida no es fácil y los
pobres luchan por robarlos sin asesinar porque los
relojes dejan de funcionar, como es lógico. Se roba el
tiempo simplemente apoyando el antebrazo propio en el
del “robado”. El protagonista es Will Salas (Justin
TImberlake) quien vive con su madre, poseedora de otra
virtud de tener algo de tiempo: no envejecer. Sin
embargo, es un tema poco desarrollado en el film porque
no se le ve relación alguna con el tiempo de vida que
tienen los personajes.
El
nudo del argumento es obtener tiempo de vida. Los pobres
del barrio Dayton, donde vive Will Salas, caen muertos
ni bien se les terminan las horas de vida y no
consiguieron más. Will trabaja justamente en la empresa
que fabrica los cargadores de horas de vida hasta que
conoce a un supermillonario joven, de más de 100 años,
que tiene a su vez otros 100 años para vivir y se cansó
de la vida y quiere regalar este tiempo. El rico será
ahora Will, perseguido por las mafias de los minutos.
Y es
aquí cuando el film comienza a decaer. Se ven los ghetos
de siempre, los pobres viviendo en harapos o mal
vestidos, famélicos, sin posibilidades de una vida mejor
o de más tiempo, que es el “quid” de este relato.
La
relación amorosa que establece Will con Sylvia Weis, a
cargo de Amanda Seyfriend, lo lleva a vivir a un barrio
de ricos porque el padre de Weis es el supermillonario
en horas de vida y ha logrado hacerse de una fortuna
incalculable.
Y el
film ya no aporta mayores novedades sobre el tema. Se
agotó en el comienzo: conseguir horas de vida para
justamente vivir, a costa de robarle la vida a otros. Y,
por lo general, a los pobres, que no tienen cómo
defenderse de los ricos.
El
film tiene mensajes. Incluye una crítica explícita a la
sociedad de los ricos, o bien a las diferencias sociales
existentes y magnificadas en la película. Solo por eso
le damos la calificación de buena. Si no, sería regular
porque no deja de ser un policial con correrías,
persecusiones, y balaceras. La hace diferente el tema,
muy original. Timberlake vuelve a distinguirse como
actor, aunque de un producto masivo.
Elsa
Bragato
OPERACIÓN REGALO 3D
De
Sarah Smith y Barry Cook. Con las voces de James McAvoy,
Hugh Laurie, Bill Nighy, Jim Broadbent, Imelda Staunton
y Ashley Jensen. Musica de Harry Gregson.Williams.
Distribuye Sony Pictures.
EXCELENTE. LOS HEREDEROS DE SANTA CLAUS EN FAMILIA EN
UNA ANIMACIÓN A PURA CREATIVIDAD E INGENIO. PARA
DISFRUTAR A PLENO.
Sony
P. Animation y el sello inglés Aardman de animación se
unieron para regalarnos Arthur Christmas u Operación
Regalo donde hay una enorme creatividad, buenas ideas
puestas en una narración simpática y llena de acción.
Hay generaciones de Papá Noel o Santa Claus, lo cual da
una idea clara de “familia” y no el Santa Claus
solitario que solíamos ver y admirar de chicos y de
grandes también.
Está
el Gran Santa, que es el abuelo que ya dejó la profesión
hace tiempo pero guarda bajo llave a sus renos y a su
viejo trineo, su hijo Santa que pronto tendrá que dejar
su trabajo a sus hijos, el mayor es el CEO de una
empresa espacial, la encargada de distribuir los
juguetes “antes de que salga el sol” dejándose a su
padre el lugar honorífico de poner un regalito a alguien
y así no cansarse. Hay una cuadrilla de gnomos
encargados de hacer la distribución de los regalos al
mejor estilo “Misión Imposible”, sorteando dificultades
somo J. Bourne, ambos film y personajes que fueron
tenidos en cuenta por los hacedores de esta maravillosa
película animada.
El
nudo de la narración es que, a pesar de tamaña
tecnología, una niña ha quedado sin su juguete, vive en
el pueblo de Trelew en Inglaterra y pidió una bicicleta.
Y no puede despertarse sin ver su regalo. Aquí
comienzan las peripecias más simpáticas que en mucho
tiempo hayamos visto en un film de animación para
Navidad. Absolutamente novedosas, ingeniosas,
divididas entre el menor de los Claus, Arthur, que es
dejado de lado por su hermano mayor, el CEO del centro
“Claus” y muy tenido en cuenta por Mamá Claus que solo
aspira a que su marido tenga una cena en paz la noche de
Navidad y deje a los más jóvenes la tarea que vino
cumpliendo durante muchos años.
Es
positivo que no se hable de cientos de años y sí de una
familia normal con un trabajo absolutamente diferente a
realizar en una noche. Hay un buen mensaje, si se
busca esto, y hay una historia simpatiquísima con las
tribulaciones del pícaro abuelo Gran Santa y el pequeño
nieto Arthur quien tendrá su recompensa. Nos pareció
excelente por creatividad, por idea argumental y por
realización. No se la pierdan tampoco los adultos!
Elsa
Bragato
COMO LO HACE
I DON’T KNOW HOW SHE DOES IT
Dirigida por Doug McGrath e interpretada por Sarah
Jessica Parker, Pierce Brosnan, Greg Kinnear, entre
otros. Duración 89 minutos.
BUENA. SIMPÁTICA COMEDIA PASATISTA SOBRE LAS MUJERES
“MULTIFUNCIÓN”
Ella
no sabe cómo lo hace, pero lo logra: trabajar sin parar
en una firma de gestión financiera en Boston y atender
hasta los mínimos detalles de su hogar, con sus dos
hijitos y su esposo que acaba de perder su trabajo. Para
colmo de males, de súper ocupación, debe también viajar
para continuar su locura laboral a New York y a
Cleveland.
Más
delgada y demacrada, Sarah Jessica Parker, muy a tono
con sus ajetreos laborales y hogareños, con sus corridas
interminables, con su papel de madre todopoderosa, no
duerme y hace largas listas en el techo de su cuarto
invadido por el insomnio, donde anota todas sus
obligaciones y deberes domésticos de manera “virtual”.
Llena de sobresaltos, debe lidiar también con un
compañero que es un oportunista rival, con su compañera
subalterna que tiene fobia a los niños y a quedar
embarazada. Y para colmo de males, debe compartir en New
York el trabajo con el encantador Pierce Brosnan y hasta
padecer la inoportuna visita de piojos en su desaliñada
cabellera.
Solo
al comienzo, esta deliciosa comedia arranca un tanto
enmarañada de datos y gags, pero esto dura muy poco y
estamos en presencia de un buen guión, basado en la
novela de Allison Pearson que le da el título a esta
verdadera odisea laboral y doméstica de la delgadísima
Sarah Jessica Parker.
Con
un buen ritmo que no da tregua, con el pulso vibrante e
imponente de New York y el clásico señorío de Boston,
esta comedia entretiene haciendo participar al
espectador de situaciones risueñas y comunes a todos.
Una
amable comedia para pasar una hora y media de
entretenimiento: muchas mujeres se sentirán
identificadas, incluso los esposos que padecen las
largas jornadas de trabajo de sus cónyuges. ¿Roles
cambiados? Solo la realidad.
Carlos Pierre
TATA CEDRON, EL REGRESO DE JUANCITO
CAMINADOR
Documental dirigido por Fernando Pérez. Música, Tata
Cedrón. Argentina 2011. Duración 90 minutos
MUY
BUENO. DOCUMENTAL DE BUENA FACTURA, AMENO Y EMOTIVO
Relata el regreso de este singular músico y compositor
de tango, caracterizado por una férrea convicción
musical y política. Formó, a través de una vasta
trayectoria, un cuarteto integrado por su voz y
guitarra, una viola, un contrabajo y un bandoneón.
Juan
Tata Cedrón, un querible Juancito Caminador, debió
exiliarse en París a raíz de la persecución del régimen
militar argentino, y vivió allí 30 años teniendo mucha
integración con el público de Bélgica y Holanda.
El
Tata Cedrón volvió a la Argentina y, en este documental,
además de mostrarnos su actividad musical y política en
el Viejo Mundo nos lleva, con una cámara evocativa y
fuertemente emotiva, a su patria, a su Boca, a su Villa
Urquiza y a su Parque Patricios, en un relato no exento
de gracia natural y ameno.
Va en
busca de su casa natal en Villa Urquiza, del mítico
Taller de Garibaldi en La Boca, del Riachuelo, de las
calles y algunos bares y negocios aún vivos de
Olavarría, Suárez, Necochea.
Documental que se explaya en un regreso condicionado
solo por la reparación de su tejido tanguero y
sentimental, la reparación de lo que alguna vez perdió,
pero nunca olvidó.
Este
film fue presentado en el Festival Internacional de Cine
de Mar del Plata, en la Muestra Internacional de Cine
DocBuenos Aires, en Montreal World Film Festival y en
Santiago Internacional Film Festival, entre otros.
Regocijante película que nos devuelve a un verdadero
artista, embajador del tango y de las firmes
convicciones. Nos gustó mucho. Y se lo recomendamos.
Carlos Pierre
Estrenos del jueves
24 de noviembre del 2011
Hay cinco estrenos que incluyen dos
films nacionales. Lo Siniestro no tuvo privadas, por lo
tanto no comentaremos.
LAS ACACIAS
DE Pablo Giorgelli. Con Germán de
Silva, Hebe Duarte y Nayra Calle Mamani. Duración: 85
minutos.
MUY BUENA. SENTIMIENTOS QUE DESPIERTAN
A TRAVÉS DE UNA ROAD MOVIE INTIMISTA
Poco puede hacer mucho. Es el
caso de Pablo Giorgelli que llega a su primer largometraje
con una historia profunda, sin altisonancias. Tres
personajes a lo largo de un viaje de 1500 km desde Paraguay
a Buenos Aires. Un camionero, Rubén, encarnado por Germán De
Silva, transporta los troncos hasta nuestra ciudad. Son
acacias, un árbol duro y espinoso que termina siendo de gran
utilidad por su nobleza. Una simbiosis con quien lo
transporta, un hombre rudo pero que, en su corazón, aguarda
el momento de amar.
Por encargo de su patrón, Rubén debe
levantar a una mujer, Jacinta, a cargo de Hebe Duarte, y
traerla a Buenos Aires junto con su beba, aquí la esperan
sus familiares. Rubén es muy serio, poco locuaz. Incluso
está contrariado cuando la mujer aparece con la beba de 5
meses y varios bolsos. La road movie se inicia, muchas veces
no hay palabras. Y el viaje será largo. Pero he aquí un
factor que puede cambiarlo todo: la beba y su encanto, Anahí
(la pequeña Nayra Calle Mamani), empiezan a quebrar la
dureza del rostro y del corazón de Rubén.
Pablo Giorgelli explicó que en este
film volcó muchos sentimientos “rumiados” a lo largo de 5
años y decidió que la historia transcurriera en la cabina de
un camión, a veces real, otras veces en estudio, para captar
los mínimos gestos de cada personaje, los lentos cambios de
la caja de velocidad, las miradas a través de los espejos,
el silencio que habla más que mil palabras.
Poco a poco, algo de Anahí quiebra,
saca una a una las espinas de la “acacia adulta” que es
Rubén, un hombre que tiene un hijo al que no ve desde hace 8
años, que se ha educado en la soledad. Con un diálogo
austero y una muy cuidada edición, el film va entrando en el
alma del espectador. El largo viaje ha cruzado a tres almas
y se mete en la del espectador. La madre soltera, la beba y
el camionero. Sobre ellos hay una esperanza. Surgen, se
despiertan, los sentimientos más caros a cualquiera de
nosotros. Y éste es el gran valor del film que no
buscó complicaciones argumentales ni sofisticaciones
técnicas sino mostrar los cambios del alma con una cámara.
Nada fácil el objetivo de Giorgelli que lo logró y que
certifica los 17 premios ganados entre Cannes y Londres, y
un recorrido fructífero en los 44 festivales donde fue
presentada.
Es un film intimista, que nos deja una
sonrisa en el alma, y nos atrevemos a decir que es el género
que mejor le queda a nuestra cinematografía, un traje a
medida.
Carlos Pierre
FUERA DE LA LEY
De Roger Donaldson. Con Nicolás Cage,
January Jones, Guy Pearce, entre otros. Músicade J. Peter
Robinso. Duración: 108 minutos.
BUENA. POLICIAL INTENSO CON UN
EXCELENTE NICOLÁS CAGE
La desesperación no es buena
consejera. Es el caso del personaje de Nicolás Cage,
Will, un profesor secundario de literatura que trabaja en
una escuela de los suburbios de Nueva Orleans, y está casado
con una excelente violoncellista, quien sufre un brutal
ataque, con un sometimiento sexual que obliga a su
internación.
La desesperación se apodera del
protagonista, la necesidad de justicia inmediata, sin
esperar el proceso de la ley, surge de manera inesperada
para Will que ve las promesas de justicia en una
organización clandestina de vigilancia, algo así como una
fuerza parapolicial. Queda involucrado en una feroz
telaraña, una maquinaria de muerte que es un pacto con el
diablo.
El australiano Roger Donaldson contó
con la sugestiva y particular ciudad de Nueva Orleans para
desarrollar esta “Ilíada” ciudadana donde impera el crimen y
aún se sufre el lastre devastador del huracán Katrina. Para
el film se debieron reconstruir la estación de policía y el
hospital y se incorporó el histórico hotel Le PAvilion de
fuerte herencia europea con candeleros de cristales checos,
columnas italianas y verjas de mármol francés, dándole un
toque aristocrático en contraste con el crimen que asola las
calles.
El thriller no decae nunca. Nicolás
Cage y el contacto con la agrupación Simon, a cargo de Guy
Pearce, viven en un espiral frenético. Will trata de sortear
las acechanzas de la organización clandestina que le exige
mucha participación para vengarse de otros tantos hechos
delictivos. Puede pensarse que el fin es bueno, si no hay
justicia de ley, la justicia por mano propia puede ser la
salida. Pero en la narración de Donaldson se muestra
justamente lo inapropiado que es la venganza por mano
propia. Vértigo, fuertes escenas, atractivo film de
principio a fin con un Nicolás Cage que está en un gran
momento actoral, lejos de algunos personajes arquetípicos
que le hicieron flaco favor a su carrera.
Y una pregunta que nos queda casi
suelta: ¿qué hacer frente a la impotencia, al dolor? También
es una propuesta que surge como necesario subtema.
Carlos Pierre
LA MUJER SIN PIANO
De Javier Rebollo. Con Carmen Machi,
Jan Budar, entre otros. Duración: 95 minutos. Distribuye
Zeta Films.
BUENA. LACÓNICA HISTORIA DE UNA CASADA
QUE NO QUIERE SER INFIEL
Un título que puede llevarnos a
equivocarnos: es una mala metáfora de una mujer que no tiene
lo que quiere. El piano, a otra cosa. Aquí no va. Javier
Rebollo, el mismo de Lo que sé de Lola, se juega entero en
un film casi sin diálogos, un post-.mudo, con tomas fijas y
fuera de campo que logran impacientar al espectador, crítico
o no. Un ama de casa está más que aburrida de su hogar, de
la vida conyugal sin matices, de su rutina. Sin que lo
demuestre en su rostro, le fastidia un gran cuadro, una gran
reproducción, que hay en uno de los cuartos. Y lo saca, lo
esconde. Espera la noche y, cuando su marido se duerme, arma
una valija, se pone una peluca y sale a recorrer Madrid con
la intención de irse, de tomar un tren y desaparecer. No es
fácil su travesía. Nada de lo que ve o de lo que vive le es
cercano, hay violencia que desconoce, hay gente tan triste
como ella, salvo por el encuentro con el obrero checo con el
que vive una relación breve y tierna, más que nada un
acercamiento que, seguramente, le hace ver que, fuera de su
hogar, las cosas no son como ella piensa. La vida “loca” no
está.
El cuadro es el “quid”, el que nos
permite encontrar la respuesta que se busca a lo largo del
film. Y le pedimos especial atención en él porque el cambio
de lugar es la respuesta a tanta falta de diálogo y a la
inquietud existencial de la protagonista. Un plano
secuencia, casi como recurso “excesivo” en este lacónico
relato audiovisual de Rebollo, nos permite recorrer una
terminal donde la mayoría de los pasajeros duermen, o miran
el techo, tanto como la misma protagonista en su vida
diaria. ¿Regresar al hogar? ¿Habrá que cambiar algo o
aceptar lo rutinario como parte de la propia existencia sin
darle tanta vuelta a la cosa?
Es un film lento por momentos, con una
búsqueda visual que puede agradarle a los cinéfilos pero no
al público en general. En España el film no fue muy bien
recibido. Sin embargo, en estas latitudes, encontramos una
gran actuación de Carmen Machi y una propuesta útil para las
señoras de 50 años. La vida está donde uno quiere que esté.
Y es una deducción coherente.
Elsa Bragato
HAPPY FEET 2
De George Miller. Música de John
Powell. Duración: 100 minutos.
REGULAR. FALTA DE MAGIA EN UN FILM
DESTINADO PARA LOS MUY CHIQUITINES
Muy lejos de Happy Feet, la primera,
llega esta historia de Mumble y su hijo Erick, que no sabe
ni bailar ni cantar y es una vergüenza para semejantes
pingüinos cantantes, tal como se vio en la primera película.
Hasta aquí todos entendemos,
Luego sobreviene un gran desorden
narrativo: la rebeldía de Erick lo lleva a cometer
errores de los que depende su vida. Aparecen dos krills que,
con ojos saltones, quieren ser algo así como la ardilla de
La era del Hiego, pero no se entiende por qué están ni qué
aportan a una historia que empieza a confundir.
Luego sobrevienen más circunstancias
narrativas deshilvanadas: la rotura de un témpano de la
Antártida que, sin mucha explicación, deja encerrados a los
pingüinos emperadores. Las travesuras de Erick lo enfrentan
a un elefante marino (en el film, doblado, dicen “foca
elefante”) con Mumble y una amistad que luego servirá para
salvar a los pingüinos. Los dos Krill andan perdidos por el
océano y luego, sin explicar cómo pueden sobrevivir fuera
del agua, estarán en los bigotes de los elefantes marinos,
en la boca de un pingüino, es decir, vivirán circunstancias
dramáticas sin ton ni son. No hacen a la historia de Mumble
y su rebelde hijo Erick que ya tienen bastante con tanto
personaje que surge de la nada.
Hay utilización de fragmentos musicales
insólitos como “Nessun dorma”, con otra letra, que canta un
desaforado Erick en un paso de opereta sin razón. Con un
pequeño rap habría sido suficiente. Es decir, se apela a
personajes circunstanciales para llegar a un final con rap y
góspel que serán la salvación de los encerrados, y es el
quid de la historia, ensuciada con secuencias y personajes
que no aportan nada. Se rescata la tecnología empleada para
el f ilm así como su banda sonora, menor que en el primer
film.
Por cierto, el mensaje de que hay que
ser solidario y de que hay que cuidar el medio ambiente
está. Para ultra chiquitos que puedan disfrutar de las
imágenes y no pensar tanto en el argumento.
Elsa Bragato
Estrenos del jueves
17 de noviembre del 2011
Hay seis estrenos, uno en DVD titulado
“Poesía para el alma” de Corea del Sur. Entre los estrenos,
se incluyen tres films nacionales.
LA SAGA CREPÚSCULO, AMANECER, PARTE 1
De Bill Condon. Con Kristen Stewart,
Robert Pattinson, Taylor Lautner, Mía Maestro, entre otros.
Música de Carter Burwell. Duración: 117 minutos. Distribuye
Alfa Films.
BUENA. LA BODA DEL VAMPIRO Y LA BELLA
EN UN FILM MÁS ADULTO CON ALTIBAJOS
Al final de “Eclipse”, Bella y Edward (Kristen
y Robert) hablan de su inminente boda. Amancer Parte 1 se
trata esencialmente de eso: la boda. El film comienza con
las invitaciones al casamiento y se detiene
pormenorizadamente, con primeros planos, en detalles que
hacen a la novia, sus zapatos, la costosa y antigua joya que
la abuela le regala a Bella, su vestido. Hay nerviosismo en
la pareja que enfrenta un casamiento tradicional, con
despedida de soltero incluída. Y cierra varios aspectos que
los tres films anteriores dejaron abiertos: el lugar que
ocupará el enamorado Jacob, el licántropo que no quiere que
Bella sea una vampiro más, y sella el amor eterno que los
protagonistas sienten uno por el otro.
Hay detalles que la acercan a los
jóvenes y es la música, muy actual, para la fiesta de la
boda, y la realización fotográfica, deslumbrante. Desde este
punto de vista, la familia como eje de la sociedad está en
el centro de la atención de la narración.
No obstante, estamos frente a un film
adulto, no en vano la calificación indica que no es apta
para menores de 13 años y, cuando es así, se aconseja el
acompañamiento de un adulto. La luna de miel es en Río de
Janeiro y, específicamente, en una idílica isla, Esme. Hay
una mansión donde Edward ha preparado hasta el más pequeño
detalle para consumar su amor con Bella. Y la llega la
escena de sexo entre el flamante matrimonio, muy cuidada
teniendo en cuenta a la mayoría de sus seguidores.
Si bien hay luchas entre estos vampiros
y los licántropos que encabeza Jacob, son secuencias solo
para que la tensión no disminuya y no constituyen el eje del
film. Aquí la narración está centrada en la boda y sus
consecuencias inmediatas en Bella.
Hay una mezcla de film romántico con
“El bebé de Rosemary” de Polanski, que asombrará a la
audiencia. Bella queda embarazada pero, como es de
suponer, su bebé no es igual al de cualquier madre. He aquí
otro tema para desatar polémicas en la saga en sí y entre
los fans.
También entre los críticos. Por un
lado, tenemos la reafirmación del matrimonio como eje de la
sociedad. Por el otro, el debilitamiento del papel de la
esposa en manos de un ser sobrenatural, con un embarazo
difícil y con cambios que se avecinan para dar lugar a la
Parte II y, supuestamente, final de la saga.
Es un film muy diferente a los
anteriores (Crepúsculo del 2008; Luna Nueva del 2009;
Eclipse del 2010, que recaudaron dos mil millones de dólares
en todo el mundo), siempre basados en la novela Amanecer de
Stephenie Meyer. El hecho de destinar buena parte de la
narración audiovisual a los preparativos de la boda y a la
boda en sí es un elemento diferente. Los elementos a
tener en cuenta son, entonces, el casamiento, el embarazo de
Bella, y su parto.
Hay diálogos elementales, hay
situaciones previsibles, dentro del mundo de fantasía que
plantea la historia. Nada de esto hará mella en el fervor
de los fans. Pero debemos señalar qué elementos indican
algunos altibajos, como señalamos en el título, en la
película.
Si bien este film es adulto por su
planteo argumental, no deja de lado la fantasía que tiene la
saga en sí y es fiel a ella: los vampiros no se quedan
atrás, los licántropos tampoco. Sugerimos quedarse hasta que
terminen los créditos del final donde aparecen los Volturi,
el temible Consejo de Vampiros, indicando el destino de
Bella de aquí en más, argumento esencial para la Parte II.
Nada más podemos agregar. Un film bien realizado, poca
hondura en los personajes, una hermosa boda visualmente
atractiva, la primera escena de amor de los protagonistas,
el embarazo, el bebé… Y Los Volturi. Recuerden…
Carlos Pierre
LA HORA DEL CRIMEN
De Giuseppe Capotondi. Con Ksenia
Rappoport, Filippo Timi, Antonia Trupppo, Gaetano Bruno,
entre otros. Música de Pasquale Catalano. Duración: 95
minutos. Distribuye Impacto Cine.
MUY BUENA. ATRAPANTE POLICIAL ROMÁNTICO
CON NOTABLE REALIZACIÓN
Entre el thriller y el melodrama
psicológico, este film de Giuseppe Cappotondi es un difícil
ejercicio mental para el espectador que se sentirá atrapado
por el “puzzle” cinematográfico propuesto. La historia se
basa en el encuentro entre la camarera de un hotel, que
proviene de Lubiana (ex Yugoslavia) y un ex policía devenido
en guardia de seguridad. Se conocen en un centro de citas
rápidas. El es cliente regular y amigo de la “Madama”, ella
es la primera vez que asiste y se siente atraída por el
singular ex policía. Sonia y Guido se atraen, hay algo de
misterioso en ella, la bella Ksenia Rappoport, que nos lleva
a la Mónica Vitti de los films de Antonioni. Hay algo muy
atractivo en Guido, el actor Filippo Timi tan galardonado
por su Mussolini, que nos remite a Javier Bardem.
El film es un puzzle, un armado de
piezas constantes hasta pasada la mitad. Veamos qué pistas
nos van dando para armarlo porque Buenos Aires y
específicamente Puerto Madero tienen mucho que ver! La hemos
dividido en actos.
Primero, digamos que, en italiano, se
titula “la doppia ora”, y hay varias marcadas pero dos en
especial: 23,23 dice Guido mientras que ella observará en un
pasaje otra “doble hora”: 20,20. Para Guido es suerte. Sonia
deberá descubrirlo.
En el primer acto, entre las pistas de
este policial psicológico, se incluyen personajes y
situaciones perturbadoras para acrecentar el clima muy bien
logrado por una fotografía excelente, de altísimo nivel: Por
ejemplo, el suicidio de una turista en el hotel, que no
tendrá más explicación y sí un problemita de tiempos entre
su muerte y todo lo que acontece. Una falla narrativa. Luego
aparece un cura en un entierro en un cementerio al que Sonia
asiste o por las apariencias que debe mantener o porque no
sabe la verdad. Ese cura se cruzará en su camino otra vez.
Y una foto de Sonia en Puerto Madero donde nunca ha estado.
Por las dudas, Sonia estudia castellano en sus tiempos
libres.
Una salida con Guido termina en un
feroz asalto. Y aquí termina el primer acto donde las
situaciones parecen ser lo que son, coherentes, entendibles.
Ya en el segundo acto, para nosotros,
aparece la confusión adrede creada por Capotondi (debuta con
este film, luego de ser un laureado realizador de
videoclips, fotógrafo especializado de revistas y agencias
europeas): Sonia se enferma y los fantasmas la rodean,
Guido, el policía que la interroga, sus dudas, su pasado
policial en el que aparece su padre, su fragilidad y un
estado comatoso del que sale con dificultades. Pero sirve
a los efectos narrativos porque es allí donde todo se
muestra, y la confusión aturde al espectador.
El tercer acto se inicia cuando Sonia
descubre al “ladrón” que lideró el feroz asalto cuando
estaba con Guido y decide perseguirlo por las calles de
Roma.
Buenos Aires está presente y hasta
aparece el Puente de la Mujer. No se olvide de este detalle.
Sin duda, la película de Giuseppe
Capotondi es atrapante. No se puede dejar de verla, de
sentirse un personaje más dentro de la historia. Uno busca
la verdad en medio de un laberinto de espejos tanto como los
personajes. Y es el secreto de esta película: atraparnos en
un puzzle, en un rompecabezas que no nos deja aliento. Sin
necesidad de balaceras ni persecusiones. He aquí el detalle
de una gran narración aunque la previsibilidad sea la marca
en el orillo del argumento. Se puede dejar de lado ante
tanta cinematografía de excelencia.
Elsa Bragato
OTROS ESTRENOS
l).- Verdades Verdaderas, de
Nicolás Gil Saavedra, con Susú Pecoraro, Alejandro Awada
entre otros. La vida de Estela de Carlotto. 99 minutos.
2.- El invierno de lo raros,
film del Nuevo Cine Cordobés, de Rodrigo Guerrero, con Luis
Machín, Paula Lussi, entre otros. Seis personajes que se
entrecruzan en una pequeña ciudad cordobesa buscando
comunicación.110 minutos.
3.- El Polonio, de Daiana
Rosenfeld y Anibal Garisto. Documental sobre el balneario
uruguayo El Polonio. 76 minutos.
Estrenos del jueves
10 de noviembre del 2011
Hay ocho estrenos que incluyen cinco películas
nacionales. No comentaremos Crónicas de la gran
serpiente, documental de Darío Arcella, Hipólito,
film cordobés protagonizado por Luis Brandoni y Enrique
Liporace entre otros, del género histórico. Ni Un amor
que viene precedida de la buena realización de Paula
Hermández, autora de Herencia y Lluvia, que anduvieron muy
bien.
MÍA
De Javier Van De
Couter. Con Camila Sosa Villada, Rodrigo de la Serna, Maite
Lanata, entre otros. Música de Iván Wiszogrod. Duración: 105
minutos. Distribuye Primer Plano Film Group.
MUY BUENA. MÁGICA
HISTORIA DE UN TRAVESTI Y SU BÚSQUEDA DE FAMILIA
La comunidad travesti creó la llamada Aldea Rosa en 1995,
que luego fue destruida por orden judicial. De allí proviene
el personaje principal, Mía, a cargo de la cordobesa Camila
Sosa Villada, que ha construido un personaje querible y
creíble. El film de Javier Van de Couter tiene mucha magia,
mucha poesía, a pesar de la cruda realidad que nos muestra:
el cartoneo de Mía, y, como contrapartida, sus sueños de una
familia normal. Su búsqueda intensa de lo más poético de la
vida en oposición a la dureza de su vida de cirujeo. Un
diario íntimo tirado a la basura es el resorte que cambia su
vida. Lo encuentra de casualidad buscando cartones para
sobrevivir.
Con ese diario personal descubre la vida de una mujer, sus
inquietudes, y además practica lectura y escritura, la ayuda
a mejorarse en sus escasos conocimientos. También le abre un
mundo de ensueño. Tiene buen corazón y Mía intenta devolver
ese diario a quienes les pertenece. Lo deja en la casa de la
nena que suele mirarla cartonear y de donde seguramente
provino. Lo que no sabe Mía es que allí hay un drama
intenso, una mujer fallecida muy joven, un marido viudo (a
cargo de Rodrigo de la Serna) y una pequeña preadolescente
que interpreta la estupenda Maite Lanata, la misma pequeña
que nos asombró en El Elegido, Telefé. De a poco, Mía
intentará ayudar a esta niña, quebrando la resistencia del
padre porque sabe que es travesti y no quiere aceptar esa
compañía para su hija.
El film muestra cómo viven los “trans”, las penurias de
aquella Aldea Rosa, las casas estilo tapera mejoradas con
buen gusto como el caso de Mía, que supo buscar en sus
recorridas por las calles elementos lindos, desechados por
los vecinos de la ciudad. Su casa está llena de poesía
aunque, por fuera, sea pura chapa y esté en una villa. Hay
un acercamiento muy verosímil de Van De Couter a la vida de
los trans, a sus luchas, y se observa un fino espíritu en el
realizador para retratar un mundo que, en gran mayoría,
desconocemos.
Lejos de molestarnos, lejos de sentirnos incómodos, esta
película nos emocionó por el tratamiento del tema y porque
hay una protagonista increíble como Camila Sosa Villada, que
dotó de magia a un film de por sí poético con una muy buena
fotografía, una buena partitura musical de Wiszogrod. El
amor, la familia, la pérdida de seres queridos, son
circunstancias comunes a todos y la elección sexual es,
realmente, lo que menos importa. Es realmente una excelente
película nacional sobre un tema difícil, pero muy bien
resuelto. Los invitamos a que la vean. Van a salir
emocionados del cine.
Elsa Bragato
ORILLAS
De Pablo César. Con
Dalma Maradona, Javier Lombardo, Leonel Arancibia, Carlos
Herrera, Nicolás Condito, entre otros. Música de las
ceremonias Yoruba de la población de Saketé y de Ouidah de
Benín, además de Los Ñeris del Docke, de Argentina.
Duración: 96 minutos.
REGULAR. ENTRE
ÁFRICA Y EL RIO DE LA PLATA, SINCRONISMO DE HISTORIAS Y
COSTUMBRES
El trabajo de Pablo César en sus anteriores dos
largometrajes y en sus muchos cortos es innegable. Es un
profundo conocedor de las raíces afro que hay en esta parte
del mundo y que, por diferentes medios, se fueron quitando
de la cultura, especialmente en nuestro país. Recordamos a
una descendiente africana que conocimos hace 30 años en
Chascomús, la última representante entonces de los africanos
en el país. Hay raíces africanas en nuestros ritmos, en la
“y” que utilizamos, en las religiones no cristianas.
Pablo César hace un parangón que, en algún punto, es
confuso, pero no discutible, entre la vida de una madre y su
hijo enfermo del corazón en Benín, África, y el destino de
un joven en especial que vive en una villa urbana, ubicada
en la Isla Maciel donde se filmó. Al final, a través del
contrabando ilegal de órganos, estas personas tienen una
conexión de vida muy especial, que no es previsible. Y éste
es otro logro del film.
Donde encontramos confusión es en el parangón en sí, no en
las consecuencias explicadas en el párrafo anterior: las
vidas de los habitantes de Benín como las de los jóvenes de
esta villa parecen tener un patrón común y, cuanto menos,
es dable pensar que los hábitos cotidianos de la gente de la
villa son tribales. Es decir, no han evolucionado de
manera occidental. Y queremos decir con esto que no tienen
acceso ni a la medicina, ni a la educación, ni a la vida
digna de nuestras sociedades. Tan marginados en Africa como
en la Isla Maciel y, en ambos, con costumbres primitivas que
llevan a la muerte. Nadie se salva, con excepción de un
milagro, por matar una gallina y bailar a su alrededor.
Nadie se salva si sale a robar para consumir droga.
El film viaja a AFrica en forma continua y a la Isla Maciel.
Y estos pases fotográficos secuenciales están muy bien
logrados. Para nuestro gusto, lo filmado en Africa tiene
planos secuencias y tomas muy logradas, algo que no ocurre
en la filmación en Isla Maciel y aledaños, donde la cámara
fija hace obviamente una sola toma para una escena. Sin
movilidad y sin atractivo narrativo.
Los personajes argentinos están poco delineados. La
secuencia de la violación del personaje de Dalma Maradona no
está lograda, su actuación no es lucida. Tampoco el largo
diálogo entre Javier Lombardo, que no oculta ser portador de
Parkinson, y Condito: no hay matices en los parlamentos,
resulta una toma que aporta datos pero sin expresión
artística.
Por otra parte, hay secuencias muy extensas que, para el
espectador común, no tiene razón de ser (el pai de Isla
Maciel pasado de copas, por ejemplo) y, sin duda, deben
tenerla por razones de otra índole. Si no, no se explican.
Javier Lombardo, en el papel de un sanitarista que ayuda a
los más necesitados, tiene un interesante personaje pero
sale de la nada, es decir, no nos pareció que tuviera una
contención narrativa adecuada. Y si bien juega un rol
importante en el final, donde hay actores muy buenos a
contraluz a quienes no se los distingue (nos referimos a la
secuencia en el aeródromo donde se filmó), su personaje
debió tener una razón de ser mucho más importante dentro de
la historia general, más que aleatoria, como es lo que
notamos.
En síntesis, hay un parangón interesante entre Africa y el
Río de la Plata, hay una traslación de hábitos tribales, es
muy buena la narración audiovisual en Africa, no es buena la
narración audiovisual en la Argentina, los personajes
argentinos no están bien perfilados. En cambio, sí lo están
los africanos. Esta película nacional es ambiciosa, tiene
luces y sombras en su realización.
Elsa Bragato
LAS NUEVAS
AVENTURAS DE CAPERUCITA ROJA Y EL ESCUADRÓN DE LOS FINALES
FELICES
De Mike Disa.
Música de Murray Gold. En 3D. Duración: 86 minutos
MUY BUENA. UNA
CAPERUCITA DIFERENTE Y DIVERTIDA
Conocimos la anterior versión en 2D y la primera película
sobre la historia de Caperucita Roja, tan diferente que la
disfrutamos. Aquí el lobo es un débil, y la abuelita de
Caperuza Roja se las sabe todas. En 3D las nuevas aventuras
nos deleitan y la recomendamos, con chicos y solos. Se van a
divertir. Agregamos que, en este caso, la historia deviene
en aventuras policiales porque hay que salvar a Hansel y
Gretel. No se la pierdan!
Elsa Bragato
FLAMENCO,
FLAMENCO
De Carlos Saura.
Con Paco de Lucía y los grandes maestros del género.
MUY BUENA., ENORME
ESCENARIO PARA UN REGALO ARTÍSTICO DE GRAN ENVERGADURA
Este film de Carlos Saura sobresale del anterior Flamenco
(1995) por la calidad actual de la tecnología y porque hay
un sustento argumental superior: a través del flamenco se
recorre la vida del hombre y, al mismo tiempo, una diacronía
del flamenco, es decir, su devenir y su futuro. Pasan todos
los grandes del flamenco como Paco de Lucía, entre otros,
cantaores y músicos y le dan paso a los nuevos valores.
Hay una apreciación de este género musical inventado por
Carlos Saura de enorme calidad artística, merecedor de
numerosos premios por la altura alcanzada por el maestro
aragonés.
Es un film para disfrutar de un género musical, sus palmas,
sus guitarristas, su punteo, sus danzas.
Haciendo algo de historia, en 1955 Saura realizó su corto
“Flamenco”. Ya en la década del 80 se sintió atraído por una
versión musical de Bodas de Sangre que realizara otro
grande, Antonio Gades. Así inició la trilogía de obras de
sabor español musicalizadas para la pantalla grande: a Bodas
de Sangre, de 1981, le siguieron El amor brujo y Carmen. En
cuanto a ritmos llevados al cine están los films Flamenco de
1995 y Tango, de 1998, todas películas con innumerables
logros en festivales y muestras internacionales.
El Farruquito o Niña Pastori también forman parte de este
elenco artístico elegido por Carlos Saura, quien no deja de
rendirle homenaje, tributo, a uno de los ritmos populares
más estupendos del mundo: el flamenco, igual que el tango y
el jazz. Si les gusta la danza y la música flamenca, ésta es
la película.
Elsa Bragato
LA PRIMA COSA
BELLA
DE Paolo Virzí. Con
Valerio Mastandrea, Stefania Sandrelli, Micaela Ramazzotti,
Claudia Pandolfi, entre otros. Música de Carlo Virzí.
Duración: 111 minutos. Distribuye CDI Films
MUY BUENA.
MELODRAMA ITALIANO DE PURA CEPA, SAGA FAMILIAR MUY BIEN
NARRADA Y ACTUADA
Estamos frente al décime film del joven director Paolo Virzí,
de poco más de 45 años. Es una comedia “a la italiana” que
traba sobre la reconciliación familiar afectiva. De alguna
manera, es una autobiografía falsa del director porque ha
incluído algunos hechos de su infancia en Livorno, Toscana.
Salvo esos hechos que no están puntualizados, el resto es
ficción.
El protagonista es un profesor de literatura que regresa a
su ciudad natal, Livorno, a causa de la enfermedad de su
madre (a cargo de Stefanía Sandrelli), internada en un
geriátrico. Se produce un emotivo encuentro con su pasado,
que le permite un resarcimiento por aquella “vergüenza”
causada cuando su “mamma” fue coronada como la esposa más
bella, en 1971. Su padre era muy celoso y el entonces niño
también. Su hermana, en cambio, estaba feliz.
Hay tres momentos de la vida del protagonista,
niñez-adolescencia-adultez, que se entrecruzan a lo largo
del film donde se distingue a la madre como una mujer
siempre alegre, con un toque de frivolidad ingenua y muy
bella.
El título del film responde a una canción de Nicola Di Bari
(quien nos visitó hace unas semanas), que ganó el 2do premio
en el Festival de San Remo de 1970, y que cantan los dos
hermanos en los momentos de zozobra de la agitada infancia.
Virzí hace también un pequeño homenaje a Dino Risi en este
film cuando Anna, la protagonista, trabaja como extra en la
filmación de “La mujer del cura” con Sophia Loren y Marcello
Mastroianni. El famoso director Dino Risi es interpretado
por su hijo Marco Risi.
En líneas generales, estamos frente a una saga familiar que,
aunque tiene factura clásica, rebosa de actualidad por el
manejo de los tiempos del director. Las actuaciones son
brillantes, cálidas, y todo funciona con la perfección del
mecanismo de un reloj.
Ganadora de tres premios David di Donatello a la mejor
actriz, mejor actor y mejor guión, seleccionada por Italia
para los Oscars 2010, este film solo lo podía hacer un
italiano por la concepción familiar que nos es tan afín, por
el tono melodramático de muchas secuencias siempre tan
singular, emparentándose con el neorrealismo aunque alejado
de la crónica social y, en este caso, cercano a “le vicende”
de una familia con toques de humor. Bien “tana”. Una
película de raigambre clásica que nos deleitó.
