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Crítica On Line
Los estrenos de la semana
Por Elsa Bragato

BRAGATISSIMO
www.arinfo.com.ar

Sábados de 15 a 16

ELSA BRAGATO Y CARLOS PIERRE


 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

 Ver estrenos anteriores

 

Te invitamos a ver también nuestros Trailers destacados:

INQUEBRANTABLE, primer film de Angelina Jolie como directora y productora
http://youtu.be/EaS2tjsh7HM

DELIRIUM, con Ricardo Darín , estreno 2 de octubre
http://youtu.be/MnvnAwkcx1U

 

 

JUEVES 24 DE JULIO DEL 2014.-

Hay tres estrenos extranjeros.

12 HORAS PARA SOBREVIVIR

De James Demonaco. Con Kiele Sánchez, Zach Gilford, Carmen Ejogo, Zoe Soul y Frank Grilla. Música de Nathan Whitehead. Duración: 103 minutos.

BUENA. “GORE” CON FUERTE SUSTRATO POLÍTICO

Hace un año largo se estrenó la primera película La purga, tal su título en inglés, donde una familia adinerada se atrincheraba en su mansión durante las 12 horas de matanza que el gobierno de los Estados Unidos otorgaba sin considerarlo delito en todo el país. Se podía matar a quien uno no quería o porque sí. En el caso de la actual “La purga, anarquía” o bien “12 horas para sobrevivir”, la cuestión es más compleja porque entra en el costado sociopolítico de una sociedad acostumbrada a generar guerras fuera de su territorio. Es el año 2023, la ciudad no está identificada pero se presume que es Los Ángeles, y hay cinco personas que quedan a merced de las matanzas generalizadas en las calles desiertas. Una pareja cuyo coche se detiene en la autopista, dos afroamericanas (madre e hija) junto a su padre que “se entrega” al festín sangriento de una familia rica, le pagan muy bien por dejarse masacrar a fin de que su hija y su nieta tengan un buen pasar, y un extraño hombre que viaja en un coche blindado y que se transforma en el héroe de los cuatro restantes enfrentando todo tipo de tiroteos y salvajismos horrendos. Frank Grillo compone a este “vengador” de una muerte que nos mantiene en vilo hasta el final.

Las películas “gore” con elencos prácticamente desconocidos son de muy bajo presupuesto y gran rendimiento de taquilla. Además tienen un público cautivo de todas las edades y dan dividendos tanto en el cine como en la televisión por cable.

El tema de la “venganza” es nuevo tal como se lo encara en el film así como la aparición de los “ricos” que necesitan estas 12 horas para “matar a los pobres” y tener una más generosa “distribución de la riqueza”. La gran fiesta de los pudientes es “cazar” en un gran parque a oscuras a los infortunados que sus “patovicas” han logrado capturar en la calle. En este caso, nuestros cinco protagonistas. Y observan desde un balcón cerrado con vidrios especiales la carnicería humana.

Por momentos, el film repugna; es indudable que James Demonaco tuvo un claro objetivo político: demostrar, incluyendo a la bandera de su país manchada de sangre, con dibujos cambiantes de granadas, machetes, pistolas y metralletas de todo calibre y color, que la distribución de la riqueza en el mundo es absolutamente injusta y, si bien estamos ante una ficción espantosa, por momentos, es lo que ocurre. No habrá “purga” de 12 horas pero sí guerras localizadas que son otra forma de “purgar”, de matar a miles de personas con el beneficio de menos sueldos, menos cuidados sociales, menos puestos de trabajo, etcétera. Nada es novedoso. Recordamos un artículo del británico “The Time” de 1975 donde se indicaba la “purga” en la India a fin de que Europa pudiese mantener su status.

Si bien hay que tener fuerza estomacal para algunas escenas, la película se salva por este mensaje que destacamos. Para fans del gore…

Elsa Bragato



TODO LO QUE NECESITAS ES AMOR

De Susanne Bier. Con Pierce Brosnan y Trine Dytholm. Música de Johan Soderquist. Duración: 116 minutos.

BUENA. COMEDIA ROMÁNTICA BIEN TRADICIONAL

Susanne Bier es una destacada cineasta danesa que, en sus comienzos, siguió el Dogma 95, y luego generó dos films estupendos como “Hermanos” y “Venganza”. Llama la atención que haya filmado una comedia romántica como “Todo lo que necesitas es amor”, siguiendo los cánones más tradicionales y convencionales del género. Sin embargo, la película es un bálsamo dentro de la cartelera plagada de asesinatos y tiros y efectos especiales. Pierce Brosnan encarna a un rico inglés que tiene negocios en Sorrento y Trine Dytholm a una nórdica que lucha contra el cáncer mientras su marido la engaña. La vida le ofrece una segunda oportunidad: su hija se casa con el hijo de Brosnan y en Italia, lo que permite disfrutar de generosos paisajes de esa parte de la costa italiana. Y del encuentro de los protagonistas, sin muchas vueltas narrativas.

Es un amor de adultos con sus problemáticas, sus soledades y sus miedos, sus ganas de recomenzar, de permitirse amar, de sentirse acompañados en la enfermedad y en la salud. El film es amable, grato, nadie descubre nada más que los hechos de la vida misma y genera empatía en el espectador.

Elsa Bragato



LORE

De Cate Shortland. Con Saskla Rosendahl, Kai Malina, entre otros. Música de Max Richter. Duración: 109 minutos.

MUY BUENA. UNA ROAD MOVIE INTENSA Y DOLOROSA

Recientemente vimos “Ida”, una road movie sobre las consecuencias en Polonia de la Segunda Guerra Mundial. En esta oportunidad, la australiana Cate Shortland (Sumersault), luego de 10 años de su primer film, vuelve sobre el tema apoyando la narración en cuatro niños de diferentes edades que inician un largo camino en busca de la casa de la abuela en Omi, Hamburgo. Lore está protagonizada por una notable joven actriz, Saskla Rosendahl, quien queda a cargo de sus hermanos, incluso un bebé, cuando sus padres escapan. El padre era oficial nazi y su madre decide entregarse a las tropas aliadas.

La narración del film nos va introduciendo en las tremendas penurias de estos chicos para caminar tantos kilómetros y lograr un nuevo hogar. “Lore” recibe las joyas de su madre antes de su partida y con ellas deberá procurar alimentos para sus hermanos y, en especial, para el bebé. Un joven judío se les suma de manera extraña en el largo camino, que le permite a la directora diversas tomas muy bellas de los bosques y caminos que van recorriendo, elipsis que cortan abruptamente la angustia que viven los chicos. Hay escenas muy fuertes porque las consecuencias de una guerra nunca son gratas. Desde cuerpos violados hasta otros masacrados. En medio, surge la figura de “Lore” y su creciente madurez para darse cuenta de que el mundo no es el que creyó y que hay argucias adultas para sobrevivir, algunas que jamás pensó.

El film duele. Es que muy pocas veces el cine piensa en los chicos de la guerra, sus sufrimientos y el vertiginoso crecimiento espiritual que tienen, mientras no todos los adultos comprenden que son niños apurados en su madurez (“Las tortugas también vuelan”). Vale la pena este film, aunque lastime.

Elsa Bragato

 

Estrenos JUEVES 17 DE JULIO DEL 2014.-

Hay seis estrenos, de los cuales tres son nacionales y uno es paraguayo. “Aviones 2, equipo de rescate”, es una animación en 3D, es otro film del popular avión de carreras Dusty, para los más chicos. “Socios por accidente”, de Fabián Forte y Nicanor Loreti nos trae como protagonistas de cine, nada menos, a José María Listorti y Pedro Alfonso, productos “Tinelli”. Listorti tuvo que ver también con la realización del film que es “superfamiliar” dentro del cine de gags y “blanco” que caracterizan a películas nacionales de mucha taquilla. Son “fenómenos” de popularidad por lo tanto quedan fuera del alcance de la crítica.

En este contexto surgen dos documentales: “La forma exacta de las islas”, de Daniel Casabé y Edgardo Dieleke, sobre una visita a las Islas Malvinas de una investigadora y dos ex combatientes. No está la Guerra de Malvinas pero atraviesa toda la historia. Lo que menos nos conformó fueron los discursos en off, muy panfletarios por momentos, máxime si tenemos en cuenta que la guerra del 82 la hizo una dictadura militar, aunque las Malvinas sean un sentimiento nacional. El otro documental nos parece muy interesante: “El color que cayó del cielo”, del periodista Sergio Wolf, realizador de “Yo no sé qué me habrán hecho tus ojos”, sobre la vida de Ada Falcón. En este caso, Wolf investigó desde hace años el llamado “Camino del cielo” de la provincia del Chaco, lugar de caída de meteoritos. Y buscó referencias tanto en la cultura mocoví como en el científico William Cassidy y el traficante Robert Haag. Un buen aporte al documental nacional basado en investigación y en reportajes.

 

7 CAJAS

De Juan C. Maneglia y Tana Schembori. Con Lali González y Nico Garcia, entre otros. Música de Fran Villalba. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL BIEN LATINOAMERICANO

Representar nuestras culturas, el estilo de vida de nuestros pueblos, se puede hacer de muchas maneras. Una de ellas es esta película paraguaya, 7 Cajas, que no en vano viene precedida de premios internacionales. La historia se centra en Asunción y la cámara se ubica en barrios de gran pobreza, especialmente en el Mercado, que tiene ocho cuadras de extensión, atiborrado de mercancías. Allí hay un mundo propio con reglas de convivencia y mucha desesperación por el vivir día a día. Es el caso de Víctor, carretillero de 17 años, a quien se le encarga el transporte de 7 cajas de diverso tamaño con el fin de no volver hasta ese puesto hasta que se le indique, y para eso se le presta un celular. En la otra punta de la historia, hay un padre desesperado por dinero para comprarle un remedio a su hijo y llega tarde al pedido de traslado de las cajas por lo que Víctor será su gran enemigo, sin saberlo.

Detrás de ellos, hay mafiosos y asesinos. Esas cajas tienen un gran valor, especialmente si desaparecen. En medio de persecuciones en el mercado, donde se ve la enorme pobreza y la angustia de Víctor por cobrar lo prometido (100 dólares), aparece la desesperación del que casi nada tiene y pelea con un semejante aún a riesgo de perder la vida solo por ese trabajo de acarreo y cobrar algo.

La película tiene una narración que engancha al espectador en forma inmediata, es ágil, tiene buenos ángulos y encuadres, variedad de tomas, y desnuda el valor de lo tecnológico y de la popularidad aún para quienes están marginados de toda actividad social de parámetros normales. Atrapa el rostro de Víctor, expresivo, con una mirada que habla más que sus palabras, atrapa la historia en sí, y duele profundamente la situación de millones de personas de nuestro continente. Duele esta América profunda, tan pobre, tan indefensa por falta de cultura elemental. Duele. “7 Cajas” es un film que debe verse porque, en principio, tiene todos los condimentos de un buen policial y, además, nos regala una serie de subtemas, de subhistorias para analizar. Aunque no se quiera, quedan prendidas en el alma. No deje de verla.

Elsa Bragato

 

 

EL PLANETA DE LOS SIMIOS: LA CONFRONTACIÓN

De Matt Reeves. Con Andy Serkis, Jason Clarke,Gary Oldman, entre otros. Música de Michael Giacchino. Duración : 130 minutos.

MUY BUENA. FILM MÁS CONCEPTUAL QUE VISUAL

Es extraño definir a la película “El planeta de los simios, la confrontación” como más conceptual que visual cuando está realizada en 3D  (y 2 D también) y se supone que los efectos especiales deben ser los que comanden la narración. En realidad, se puede ver sin 3D porque no hay objetos que se nos caigan encima ni luchas que nos hagan creer que “participamos”. Matt Reeves hace hincapié en valores tradicionales y elementales como la familia, los hijos, el amor conyugal, el amor filial, y la lucha por mantener ese status de vida. Luego de más de 10 años de que un virus simiesco que consumió a más del 90 por ciento de la humanidad (hay una síntesis inicial que muestra los estragos del virus), los simios se han reagrupado en un monte y viven hablando con algunos sonidos que son traducidos al inglés y al castellano para que el espectador comprenda. Hay mucha paz y esta secuencia es lo suficientemente extensa como para hacernos comprender que los simios han superado a los humanos en supervivencia. Alguna que otra lucha con un oso nos pone los pelos de punta, resulta desagradable pero forma parte de la vida en un bosque.

Remarcamos algunas secuencias notables como el salto de los simios entre los árboles existiendo una cámara que toma de abajo hacia arriba, por lo que se ven las altísimas copas de los árboles y la multitud de simios saltando entre ellas. Bella fotografía. Tanta paz la quiebra un grupo de hombres que intentan hacer una represa. Y se ve a una San Francisco destruida (recordemos el film anterior), donde sobrevive una minisociedad humana, con un malvado a cargo de Gary Oldman y un bueno que compone Jason Clarke como Malcom. El choque será inevitable entre las dos civilizaciones que han quedado porque si no no sería un film taquillero. Pero no es lo fundamental. La película apunta a desentrañar los sentimientos de los simios y de los humanos, a partir de las premisas de esta saga que lleva 46 años en el cine. No es un film brillante sino que es severo, un poco oscuro,  con muchos bosques, persecuciones y luchas, que demostrarán el valor de las balas y el coraje y la fiereza de los oponentes.

Un hallazgo del film es la realización mediante computación de los simios, ya no hay disfraces sino seres que parecen de verdad y que interactúan con los actores de carne y hueso de una manera no vista antes.

Es un film profundo, apunta a desentrañar sentimientos, a consolidarlos, a los valores de toda sociedad, en medio de los infaltables efectos especiales que harán las delicias de quienes buscan descargar adrenalina mientras que otros espectadores quedarán asombrados por la revelación de sentimientos en un film de simios y humanos. Diferente, interesante, profunda.

NdR: la saga tuvo cinco producciones entre 1968 y 1973. En el 2011 se estrenó “El planeta de los simios, la evolución”, que funcionó como precuela de todas las anteriores. La actual transcurre 10 años después de “Evolución”, es “la confrontación”.

Elsa Bragato


 

 

JUEVES 10 DE JULIO DEL 2014.-



LA MEJOR OFERTA

De Giuseppe Tornatore. Con Geoffrey Rush, Jim Sturgess, Sylvia Hocks, Donald Sutherland, entre otros. Música de Ennio Morricone. Duración: 131 minutos.

MUY BUENA. LA INALTERABILIDAD DEL AMOR

Giuseppe Tornatore nos ha regalado joyas cinematográficas. “La mejor oferta” no es la excepción sumándole la música de su amigo Ennio Morricone y la actuación protagónica de un actor australiano como George Rush, quien logra conmovernos profundamente en cada entrega (“El discurso del Rey”, “La ladrona de libros”, entre las últimas).

Un aplicadísimo y cotizado rematador de arte, “Virgil Oldman”, accede a valuar las obras de arte que hereda una joven agorafóbica, “Claire”, a quien no ve y solo se comunica a través de una puerta. Ella se preocupa por dejar las obras a su alcance a fin de que pueda evaluarlas. Entre llamados telefónicos, y estas visitas a ese “palazzo” lleno de arte, surge algo más entre el veterano hombre y la joven, hasta llegar al amor apasionado. Un desarrollo perseverante de la narración permite que los protagonistas vayan sucumbiendo a un mutuo magnetismo, a una enorme seducción que termina en un pacto al que el espectador debe estar atento porque no es el convencional. Virgil no está solo, amigos suyos se confabulan para que esa joven sea algo más que un amor enloquecedor.

Con mano firme, Tornatore nos mete en una historia con visos de policial, introduce personajes extraños al estilo Fellini como la “enana” que controla con pelos y señales desde una ventana, un personaje clave, y también reafirma la sustancia incólume del amor, su inalterabilidad. Cuando aparece, es difícil que se vaya o que no deje rastros.

Si bien la película es extensa, no produce cansancio en el espectador sino que provoca magnetismo, fascina a través de las vicisitudes de Virgil y Claire y de los personajes secundarios por esa mixtura sabia de policial y romance, por los pequeños desenlaces que nos aproximan a un final que no esperamos. Y ésta es la magia de los grandes narradores, como enseñara el ensayista Enrique Anderson Imbert: que el final no se note, que llegue. Estamos frente a una joyita del cine actual, donde todo tiene importancia porque todo tiene el mismo nivel: la realización en sí, las actuaciones, el guión. Algo de acartonamiento, es verdad, pero sobrevuela la magia de la narración de Tornatore.

Carlos Pierre



BAÑEROS 4 LOS ROMPEOLAS

De Rodolfo Ledo. Con Emilio Disi, Mariano Iúdica, Pablo Granados, Pachu Peña, Freddy Villarreal, Karina Jelinek, Nazareno Móttola, Luciana Salazar, Gladys Florimonte, Stefanía Xipolitakis, Daniel Aráoz, Paolo “el rockero”, Fátima Florez, entre otros. Música de Claudio Waisgluss. Duración: 85 minutos.



SUPERFAMILIAR. ANTIGUA, CON GAGS Y MEDIÁTICOS

A comienzos del año, luego de casi tres décadas de su estreno, se repuso en 3D la recordada “Los bañeros más locos del mundo” (1987), una fórmula que, en aquellos años, fue más que exitosa. Era la tercera película de “La Brigada explosiva”, dando inicio a la nueva saga. Le siguieron entonces “Los bañeros de la playa loca” (1989) y “Bañeros 3: todopoderosos” ya en el 2006.

En este caso, se trata de una fuerte apuesta de coproducción de Argentina Sono Film y Telefé con la distribución de Buena Vista Internacional (la empresa de Disney) en 250 salas de todo el país. La idea es continuar con la fórmula de la comedia playera y familiar.

Fue filmada en Mar del Plata recurriendo a un elenco famoso en la televisión actual. Un grupo de “mediáticos actores y actrices” comandados por el supereficiente y reconocido Emilio Disi, con la previsible intención de entretener a la familia y a los chicos en especial. Para ello también se echó mano de los animales que viven en el Aquarium de Mar del Plata, tales como delfines, lobos marinos, pingüinos y hasta papagayos.

Emilio Disi compone a un vago “perdido” que se propone salvar del robo de un balneario sin público por parte de un malvado empresario. Y, para eso, convoca a bañeros improvisados (Mariano Iúdica, Pachu Peña, Freddy Villarreal, Pablo Granados y Karina Jelinek) que lucharán para impedir que allí se construya un casino.

Con gags del cine en blanco y negro, golpes muy cercanos a los de Los Tres Chiflados, imitaciones a cargo de Fátima Florez (¿era necesaria?) y trampas a granel, sumado a la fugaz aparición de Luciana Salazar, estos bañeros divierten sin mayores pretensiones.

Comparar con el cine de autor o con cualquier film extranjero en cartelera sería cruel. El objetivo de este film nacional es divertir dentro de los cánones más convencionales del “cine familiar” nacional, cercano al de Adam Sandler sin su desagradable escatología. No obstante consideramos que transformar en actores a quienes son mediáticos es de una gran audacia así como rescatamos un nombre que es una marca registrada en la comedia argentina: Emilio Disi, carrera notable en el rubro.

Lo demás es para pasarla bien, sin pensar en profundidades sino en gags al mejor estilo televisión con muchos que no son actores pero se dan el gusto de “empezar una carrera” cinematográfica (SIC). Por eso la calificamos como “superfamliar” y el puntaje se lo dejamos al público. Nosotros nos sentimos incapaces de darle una clasificación sin “matarla”.

Carlos Pierre


 

JUEVES  3 DE JULIO DEL 2014.-

Hay ocho estrenos de diverso género y calidad. De éstos, cuatro son nacionales (incluye una coproducción con Canadá). El amor está presente en las producciones nacionales con diversos resultados, especialmente desde lo estético. Veamos: “Amar es bendito” es de Liliana Paolinelli con Mara Santucho y Claudia Cantero. Dos mujeres forman una pareja igualitaria hasta que una decida quebrar el dúo y mantener una relación hétero con un sujeto que no tiene los mejores antecedentes pacíficos. En los planos estéticos, destacamos una buena fotografía y realización cinematográfica en general. El tema pasa por los diálogos y, en algunas secuencias, por las actuaciones. “El tercero”, de Rodrigo Guerrero, con Carlos Echevarría y Emiliano Dionisi, plantea un encuentro casual de dos gays con la inclusión de un tercero y el descubrimiento de una nueva forma de amar. La estética del film no nos convenció. La austeridad visual no siempre es un logro. La pobreza de los diálogos es el recurrente mal del cine nacional. Tanto “Amar…” como “El tercero” apuntan a un determinado público, y en ambos films hay escenas que pueden resultar chocantes. Esto ocurre no porque nos neguemos a ver una escena de besos entre mujeres u hombres o de pronto seamos negadores de la realidad. Es mucho más simple: el cine comercial tiene ciertas reglas tácitas que contemplan el gusto del público en general y las escenas íntimas o casi íntimas, extensas más en un film que en otro, nos remiten más a un cine XXX que lo deseable. Apuntamos a la realización en ambas y, si bien en una nos gustó la fotografía, en la otra la minimalidad o austeridad jugó en contra. Productos regulares ambos.

En el caso de “Khumba, una cebrita muy especial”, estamos en presencia de una nueva animación sudafricana, realizada por Anthony Silverston. Una cebrita ha nacido con la mitad del cuerpo sin rayas y es protegida por su mundo salvaje. Con personajes que nos recuerdan a “Madagaskar” o bien a “El rey León”, se pasa una agradable larga hora con aventuras que, no por conocidas, dejan de hacer pasar un buen momento a chicos y grandes. Las voces en inglés son, entre otros, de Jake Austin y de Liam Neeson quien, cuando no anda a los tiros cinematográficos, hace estos “bolos” tan simpáticos.

“Oculus” es la película de terror semanal. De Mike Flanagan, los productores de “Actividad paranormal” insisten en el horror sobrenatural sin mayores pretensiones que la de asustarnos y bastante dentro de lineamientos generales. Aquí la cuestión es un espejo con poderes especiales. Cámaras, presente y pasado (poco más de 10 años entre ambos), se mezclan para investigar la  muerte de parientes (los padres). Nada hay que no hayamos visto pero justo es reconocer que el producto final cumple su objetivo. Es buena y para seguidores del género.

 

“Oldboy”, de Spike Lee, es la remake del film homónimo del surcoreano Park Chan-Wook (2003), nos hace olvidar al gran realizador de “Malcom X”, un “boom” en los 90, y nos acerca, con mucho esfuerzo, al más gore Quentin Tarantino. Desde hace tiempo no tenemos noticias abundantes del cine surcoreano, pero quedan en la memoria films tremendos, shockeantes y novedosos. No es el caso de la remake de “Oldboy” que toma a un gran actor, Josh Brolin (No country for old men, 2007) para un protagónico que cumple rigurosamente pero sin la ayuda de un contexto narrativo que es mecánico y previsible. El sadismo, la tortura, el sexo quasiexplícito, son secuencias que se suman para ahondar en una narración sin gracia y oscura. Demasiado. La crueldad oriental es bien diferente de la Hollywoodense: una encuentra bases en reglas de honor ancestrales. La occidental no reconoce fundamentos culturales más que los de la crueldad en sí (si bien, los espíritus sensibles no aceptamos a ninguna de las dos). Esto se nota y el film de Spike Lee no nos regala nada más que la oscuridad de la crueldad (el secuestro, la violencia, la venganza). Samuel L. Jackson tampoco se luce (no es la primera vez) y lo que le sucede es realmente desagradable. Está visto que no nos gustó nada.

Siempre hay revanchas. Una es “El inventor de juegos”, coproducción argentino-canadiense, de Juan Pablo Buscarini (El ratón Pérez). Con David Maznuz, Joseph Fiennes, Tom Cavanagh, Megan Charpenter y Ed Asner. Es la historia del pequeño Iván Drago quien un día, en un parque de diversiones, toma contacto con la llamada Compañía de Juegos Profundos. Es una historia ágil, que nos pone frente a valores como la perseverancia y el legado familiar. Está basada en un libro del argentino Pablo de Santis, quien participó del guión, y nos introduce en el realismo mágico de esta parte del mundo donde también reconocemos algo de “Harry Potter”, sin ninguna pretensión. Y éste es otro punto a favor del film. Excelentes actores internaciones filmando en la Argentina durante más de 50 días, un libro de chicos de autor nacional con un director probado que, sin la parafernalia de Hollywood, logró un atrapante y bello film para la familia. Nos encantó.

La otra posibilidad de ver una historia agradable es “Mi gran oportunidad” del inglés David Frenkel.  Basado en el caso de Paul Potts, el vendedor que se presentó al “British Got Talent” y ganó, lanzando un primer álbum titulado como este film en inglés, “One chance”. Su versión de “Nessun Dorma” cautivó al público y jurado. Ésta es su historia, con los vaivenes de la narración cinematográfica que, en este caso, enriquecen una historia de por sí llena de matices y de valores. Nos gustó, recordamos “Billy Elliot” y, si bien “Mi gran…” no tiene el entorno social de los 80 de Elliot (la huelga minera), nos enfrenta a valores de vida que siempre son apreciados como el tesón, la perseverancia, la familia, y los buenos temas musicales, tan ausentes en general de la cinematografía nacional (por no decir de toda ella). ¿Biopic? Sí pero, sobre todo, un film agradable e interesante.      

Pero la sorpresa de la semana, ésa que nos invita a explayarnos, es “Amor a la carta”…

 

AMOR A LA CARTA

De Ritesh Batra. Con Irrfan Khan y Nimrat Kaur. Duración: 104 minutos.

EXCELENTE. RELATO EXQUISITO

Pocas películas hindúes vemos en nuestra cartelera. Y siempre que se tuvo la posibilidad, fueron pequeñas joyas. “Amor a la carta” no es la excepción. El debutante Ritesh Batra toma como actor protagónico al afamado Irrfan Khan, aquel relator de “Pi, una aventura extraordinaria”, y a una bellísima actriz, Nimrat Kaur. Siguiendo la tradición de Bombai, las esposas preparan el almuerzo para sus maridos y un efectivo “correo de launcheras” se encarga de recogerlas, darlas y traerlas vacías al hogar. Sin embargo, la exquisita comida de ILA un buen día llega al escritorio del taciturno Saajan Fernandes, a punto de jubilarse. Las cartas van dentro de los potes, y, sin querer, ambos redescubren la posibilidad de volver a vivir. Ila, paciente y amorosa, tiene un marido que la ignora. Y Saajan es viudo y se considera muy viejo sin serlo.

Cuánto encanto en la narración debe haber para que la mayor parte del film transcurra en ese servicio de comidas y uno lea lo que cada protagonista le escribe al otro, sin más amor que el que va creciendo en la ficción y en el alma del espectador. La realización es impecable, plácida y rítmica y a la vez, siendo esa pareja atípica central la disparadora de temas interesantes como la vida socioeconómica de la ciudad, el ritual del trabajo del hombre común, las condiciones de bienestar tan alejadas de nuestro consumismo occidentalista.

Hay belleza aún cuando la cámara no tenga planos largos que muestren colinas multicolores. Hay belleza en los diálogos, en los gestos, en eso que no se escribe y que se “clima”, envolvente, en una fotografía magistral sin necesidad de otro efecto que no sea el buen encuadre.

Es una película deliciosa, tal vez más rica que la comida que prepara “Ila”. Es también un bálsamo entre tanta chatarra cinematográfica. Para los que amen el cine, éste es el film.

Elsa Bragato

 

JUEVES 26 DE JUNIO DEL 2014.-

Hay siete estrenos, que incluyen tres films nacionales. “Maxi Kosteki, constructor de caminos” es un documental sobre la figura de Kosteki y la masacre de Avellaneda a 11 años del hecho. La realización corresponde al Movimiento TV y el Barrio TV), y “El nexo”, de Sebastián Antico, realizado por el Grupo de Teatro de la Villa 21, con el protagónico del recordado Julio Arrieta, invasión extraterrestre y situaciones hilarantes. Merece nuestro apoyo. Entre las extranjeras está “La invocación” de Mac Carter, una casa embrujada en Sader Ridge que es visitada por la heredera y un grupo de amigos y ¡a salvarse! Hay un espíritu maligno (a resolver por el espectador) que genera una brutal maldad. Para fans del género.
 


TRANSCENDENCE, IDENTIDAD VIRTUAL

De Wally Pfister. Con Johnny Depp, Rebecca Hall, Morgan Freeman, Paul Bettany entre otros. Música de Mychael Danna. Duración: 120 minutos.



REGULAR. VIVIR EN LA “COMPU”

Wally Pfister es uno de los grandes fotógrafos de efectos especiales de Hollywood, ganador del Oscar, e integrante del staff de Christopher Nolan, gran innovador y realizador actual. Se lanza a su primer largometraje con un tema muy interesante: qué pasa con la mente que puede sobrevivir un poco más a un cuerpo que muere, qué papel puede jugar en la inmortalidad la tecnología actual, ¿es capaz de salvar una gran inteligencia transformándola en inteligencia artificial? Johnny Depp compone a un científico especializado en inteligencia artificial pero un hecho fortuito lo envía al “más allá”. Sus allegados logran casi mágicamente que el cerebro, y el rostro también, ingresen al mundo virtual de la computación, ¿a una “cloud”?

Las premisas de trabajo de Pfister, que tiene algo en común con “El origen” de Nolan, son apasionantes. La cuestión pasa por la narración y la dirección actoral. Un tema de por sí árido requiere de “pathos”, de pasión, de energía actoral. Y es lo que no sucede. Por otra parte, Johnny Depp está muy acostumbrado a actuar con personajes muy estrafalarios, que requieren vestuarios complicados. Y este tipo de actuaciones, detrás de rostros con maquillajes estrambóticos, le ha quitado frescura, gestualidad, a sus participaciones a cara limpia. Aquí está congelado y esto repercute en todo el film. No hay pasión, hay ficción pura, y se resienten las premisas inteligentes de Pfister. Es un film que no apasiona, que tiene momentos muy interesantes por la propuesta pero que queda ahí por la falta de un clima que supere la tecnología pura y que, además, nos explique algunos pasos que quedaron en el aire para el logro de esta hazaña científica. Recordemos que el film “Inteligencia artificial” fue un fracaso de taquilla en nuestro país.

Elsa Bragato

 



BAJO LA MISMA ESTRELLA

De Josh Boone, basado en la historia del mismo título de John Green. Con Shailene Woodyley, Ansel Elgart, Laura Dern, Willem Dafoe, entre otros. Música de Mike Mogis y Nate Walcott. Duración: 126 minutos.



MUY BUENA. LO QUE NO QUEREMOS VER

La historia de dos jóvenes condenados a morir por el cáncer puede resultar un “love story” cruento y, para algunos, cursi. Sin embargo, es la realidad que tratamos de no ver ni en los hospitales para chicos ni en los geriátricos, buscando los dos extremos de la vida. Esta película retrata con lenguaje sincero la vida de “Hazel Grace Lancaster” quien padece un cáncer de tiroides con metástasis, y su encuentro en un grupo de ayuda con “Augustus Waters”, apuesto joven con un cáncer óseo con metástasis. Mientras ella va a todos lados con la mochila de oxígeno, Augustus esconde su pierna ortopédica. Nada impedirá el amor de los jóvenes que superan sus miedos de una manera encantadora para el espectador y tocante. Un viaje a Europa para conocer a un lunático escritor, papel a cargo de Willem Dafoe, los une aún más. Los padres de los chicos son los soportes de la tragedia que es inminente. Pueden resultarnos “actitudes lejanas” o menos pasional que nuestra manera de ser pero no deja de ser una forma inteligente de afrontar pérdidas irremediables, incluyendo una preparación espiritual notable.

Asombra el lenguaje actual y la honestidad con que el guionista encaró los diálogos de los jóvenes entre sí y, en especial, entre “Hazel” y su madre. Por otra parte, la tragedia es la enfermedad pero el film no es trágico como objetivo a cumplir, lo cual aligera el drama que también comparte el espectador. Los jóvenes nos enseñan a vivir hasta el último instante, aún cuando se quiebran y ensayan sus funerales. Dicho así, resulta macabro pero el clima que Josh Boone le dio a esta película es el de una comedia dramática, que incluye viajes, un amor muy puro entre los jóvenes y diálogos que nos harán pensar. Lo triste está, inevitablemente.

Laura Dern, en el papel de la madre de Hazel, compone a una mujer transida por el dolor pero que se maneja con fortaleza no exenta de tremenda sensibilidad para apaciguar la rabia y el dolor de su hija. Una gran actuación. Willem Dafoe tiene un papel anecdótico que esconde también una tragedia. Un buen aporte.

A pesar del dolor o de la tristeza, la lágrima que se nos escape no será por chatarra sino por hechos de la vida misma. Un buen sacudón para el espíritu que no viene nada mal porque el dolor existe y vaya cómo.

Elsa Bragato

 



JERSEY BOYS, PERSIGUIENDO LA MÚSICA

De Clint Eastwood. Con John Lloyd Young, Vincent Piazza, Erich Bergen, Christopher Walken, Mike Doyle, entre otros, basado en el musical homónimo. Canciones: Bob Gaudio, letras- Bob Crewe. Duración: 134 minutos.



MUY BUENA. EASTWOOD HACE LO QUE QUIERE

Está muy bien que el maestro Clint Eastwood elija un exitoso musical de Broadway y lo lleve al cine, respetando las características de la narración audiovisual. Además de cineasta, Eastwood es músico, compositor, jazzista de toda la vida (uno de sus hijos es bajista profesional de jazz) y siente admiración por los grandes de este ritmo nacido en su país como Charlie Parker, a quien le dedicó el film “Bird” (Forest Whitaker). Con planos amplios y planos secuencia nos recordó por momentos a “El ciudadano”, en esta película sobre un famoso conjunto musical de los 50, The Four Seasons, que comenzó por la iniciativa de dos jóvenes de Nueva Jersey, Frankie Valli y Tommy De Vito, este último con malas influencias de la mafia italiana. Incluso, los auténticos cantantes y compositores estuvieron en la premier del film de Eastwood, algunos aún sin saludarse por las cosas turbias que se cuentan en el film.

La recreación de época, la vida de los jóvenes músicos populares, está retratada tal cual es, y en esto no solo está el musical de Broadway sino el conocimiento de Eastwood y su maestría para meterse en el alma de cada uno de ellos, con sus temores, sus fracasos, sus novias, sus familias, la pérdida de dinero y hasta de familiares por “perseguir la música” como indica el título del film. Con un narrador en vivo, mirando a la cámara, Eastwood logra complicidad inmediata con el espectador sin cortar la magia de la secuencia. Y este narrador no siempre será el mismo quien nos explique el por qué de ciertas situaciones. Pero siempre sabremos qué está pasando en la complicada vida de algunos de los integrantes de The Four Seasons, la cárcel y las deudas.

Puede ser un poco extensa, pero es una película valiosa rodada con perfección en sus planos, en sus tomas, con el conocimiento de que el cine no es teatro y que lo que allí vemos nos debe contar todo, sin tiempos muertos. Aplomo, virtuosismo para la narración, son las características de este Eastwood que puede no gustar a quienes no amen la música pero que demuestran que es músico ciento por ciento. El final es fantástico y hace honor al musical con todo el elenco, incluyendo al “mafioso”, pero “bueno”, Christopher Walken participando de esta suerte de “flashmob”. La sugerimos para quienes amen la música y no tengan a menos una película que nos habla de ella sin ser un musical. Nos encantó.

Elsa Bragato

 



ISMAEL

De Marcelo Piñeiro, con Belén Rueda, Larsson Do Amaral, Sergi Lopez, Ella Kweku, Juan Diego Botto, Mario Casas. Hispanoargentina.



REGULAR. UNA HISTORIA A MEDIO CONTAR

“Ismael” viene precedida por mucha prensa desde el año pasado. Se dio en diferentes muestras y finalmente llega este jueves a la cartelera porteña. Lejos de ser un viaje al interior de la vida de un niño de piel negra, es una suerte de roadmovie en búsqueda de su padre tomando un tren desde Atocha en Madrid hasta Barcelona y con una carta que su progenitor alguna vez le envió a su madre. Encuentra a su abuela y de allí se inicia la búsqueda del padre ayudados por un amigo.

Belén Rueda encarna a esta hermosa abuela de cincuenta años, quizás el personaje más conmovido por la llegada de un nieto de color, Ismael Tchou, en forma inesperada a su vida. Sergi López, como el amigo que tiene la casa en Gerona a orillas del mar, cumple su rol de amigo de “Félix”, padre del niño, como actor pero no está definida su situación: si se enamora o no de “Nora” (la abuela), si comprende la desesperación del pequeño, o si es una suerte de mediador familiar ocasional. Secuencias que nos alejan de lo medular.

La historia se diversifica y en ello encontramos este vaivén narrativo que no nos convenció: de bucear en el alma de este pequeño de 8 años se pasa a las relaciones entre los adultos, la madre que llega (Alika, encarnada por Ella Kweku) y su esposo. Miguel Casas, como el padre del niño, a quien acepta con asombro manteniendo aún serias diferencias con su ex pareja. No encontramos profundidad en la historia, es decir, en el alma de Ismael que se presenta solo en las primeras secuencias, auspiciando lo que no ocurrirá: un desarrollo de sus sentimientos. Tendrá berrinches, pero nada más. Se escapa, se esconde, pero su almita no surge. Sí se entiende que su objetivo está cumplido: verla la cara a su papá.

Es decir que estamos frente a un film que pudo ser mucho más interesante que lo que resultó por la buena premisa buscada por Marcelo Piñeyro. Sin embargo, queda dentro de un estilo narrativo actual que no aporta contenido a la idea planteada. Se va en vericuetos. No por eso deja de ser amable.

Elsa Bragato

 


JUEVES 19 DE JUNIO DEL 2014.-

Hay cuatro estrenos extranjeros esta semana, teniendo en cuenta el Mundial de Fútbol que castigó severamente las boleterías la semana pasada.

 



CÓMO ENTRENAR A TU DRAGÓN 2

De Dean Deblois. Con las voces de Jay Baruchel, Gerard Butler, Craig Ferguson, Cate Blanchett, entre otros. Música de John Powell. Duración: 102 minutos.



MUY BUENA. DRAGONES Y VIKINGOS EN HERMOSA ANIMACIÓN

De la misma manera que la primera “Cómo entrenar a tu dragón” nos encantó hace cuatro años, sucede ahora con esta continuación donde vikingos y dragones, especialmente el recuperado “Furia nocturna” por “Hipo”. Mientras dragones y vikingos conviven en paz luego de lo alcanzado en pos de la misma e n el primer film, se descubre una caverna donde anidan dragones salvajes. Y la lucha recomenzará. Destacamos que los guiones están basados en la serie escrita por Cressida Cowell.

La belleza visual alcanzada por la fotografía animada en 3D de Dean Deblois y los valores puestos en juego sobre la amistad, la relación con los padres y mentores, hacen de este film algo delicioso y cálido apto para el disfrute. Están muy logrados los personajes que, en versión sin doblaje, permiten escuchar al severo Gerard Butler como “Estoico”, líder de la tribu vikinga, o a Cate Blanchett como Valka, la madre de Hipo, de origen vikingo también. La saga en cuestión, “Como entrenar al dragón”, nos viene gustando desde el primer momento por los vuelos increíbles de dragones y vikingos en generosos planos secuencias, por la banda sonora de Powell, por el mensaje que nos deja. Hay que verla.

Elsa Bragato



BUENOS VECINOS

De Nicholas Stoller. Con Seth Rogen, Rose Byrne, Zac Efron, entre otros. Música de Michael Andrews. Duración: 97 minutos.



REGULAR. ENTRE DROGONES Y FAMILIA

Es extraña la combinación desparpajada que hace Nicholas Stoller para presentar a un matrimonio joven con una beba recién nacida y unos jóvenes vecinos ruidosos y escandalosos: no hay quién se salve de la droga consumida en dosis masivas ni del alcohol hasta quedar descompuesto. En todo caso, queda fuera la beba pero no sabemos hasta dónde con tanta fumata en sus cercanías.

Seth Rogen, prototipo del antigalán, consigue afianzar sus dotes de comediante en el papel del padre novato, acompañado por Kelly Byrne, actriz australiana. Mac y Kelly y la pequeña hija enfrentan a una “confraternidad” del secundario encabezada por un Zac Efron que, a sus 26 años, no da para el papel de adolescente rebelde. Pero allí está. No le faltan agallas como actor pero estos papeles sin duda lo deslucen al máximo. El resto del elenco son dignos desconocidos que cumplen con las fiestas, las drogas y los pequeños parlamentos que les asignaron.

El tema no es nuevo tampoco. Aquí se apeló a dos hombres de la nueva generación hollywoodense como Rogen y Efron y entre ellos es la partida. Las fiestas de los nuevos vecinos con luces y música enloquecen a Mac y Kelly que planifican una venganza involucrándose en las festicholas. La escatología tiene algún rol pero no todo, lo cual se agradece y mucho. No tanto el estado de embriaguez por la droga que muestran los jóvenes padres quienes no llegan a concretar un acto sexual de tan borrachos y drogados que están. Estará bien esto? Al menos, no nos gusta.

Hay secuencias logradas aún con cierto morbo como el momento en que el atribulado Mac intenta sacarle la leche de los pechos a Kelly y no sabe cómo “ordeñarla”. No ofende y es muy hilarante, así como algunas otras relacionadas con sus frustrados actos amorosos.

Decíamos que la combinación es desparpajada porque nos muestra a una familia joven que lucha por establecerse en un barrio y hacer feliz a su hijita mientras por el otro nos introduce en el mundo adolescente cargado de extremos poco aconsejables. El film se hace llevadero porque no cae en gruesas escatologías, como apuntamos, y logra salvarse del estigma “Sandler” que siempre es chabacano (salvo su último film, también intrascendente). El salvataje del hogar es el objetivo logrado de Nicholas Stoller y Seth Rogen deja bien sentado que es un buen comediante. Para solteros empedernidos, fans de los extremos y postadolescentes.

Elsa Bragato
 


CAE LA NOCHE EN BUCAREST

De Corneliu Porumboiu. Con Bodgan Dumitrache y Diana Avramut. Duración: 89 minutos.



BUENA. EL CINE VISTO DESDE EL BACKSTAGE

Corneliu Porumboiu nos asombró hace un par de años por Bucarest 12:08, un film tocante por el tema y por la realización. “Cae la noche…” es su tercer largometraje que fue presentado en el BAFICI con buena aceptación por parte de los cinéfilos, que a ellos va dirigido. Un director de cine inicia un viaje y nos invita a participar de esta “short road movie” donde ya se plantea que “Alina” es su musa-actriz. Romance, un film que lo desvela, y una serie de matices de su psicología que nos alejan de la convencional historia del “cine dentro del cine”, especialmente por los largos parlamentos. La cámara fija es un detalle importantísimo en esta película que nos enfrenta al “alter ego” de Porumboiu y su concepción del cine, con los pro y los contra del futuro del séptimo arte.

La realización nos enfrenta a ese backstage que se puede pensar armonioso, y, por lo general, no suele serlo en ninguna profesión. La relación hombre-mujer tiene altibajos que comprometen un film, una edición de tevé o gráfica, un producto. Y esta simbiosis laboral no suele cumplirse. Surgen envidias, celos, y una supremacía masculina que derriba cualquier ilusión femenina. El planteo de Porumboiu responde a la mentalidad europea que suele ser cerrada con visos de apertura absoluta. El film nos resultó interesante más que gustarnos. Los planteos del realizador nos recuerdan a muchos planteos literarios de fines del siglo XIX donde se aventuraba sobre la realización teatral y su futuro. Es decir, para cinéfilos con muchas ganas de ver a Porumboiu.

Elsa Bragato



PASÍÓN INOCENTE (BREATHE IN)

De Drake Doremus. Con Guy Pearce, Amy Rian, Felicity Jones y Mackenzie Davies. Música de Dustin O’ Halloran con solos de cello de María Kriesler, Duracíón: 97 minutos.

MUY BUENA. “RESPIRO” INDEBIDO

Los músicos suelen tener un atractivo especial para el público en general. Hay algo de misterioso entre esos señores que encantan con melodías y que conocen el secreto y difícil mundo de combinar los sonidos. Nada nuevo bajo el sol. En el caso de de “Pasión inocente” nos enfrentamos al clásico intercambio juvenil: una joven estudiante de música va al hogar de un violoncellista, su esposa y su hija a completar sus estudios. Los alrededores de New York lucen “soñados”. Hermosa casa, una escuela donde el jefe de familia (Guy Pearce) ejerce como profesor de música, su hija (Mackenzie Davies) y la nueva inquilina, “Sophie” a cargo de la desinhibida Felicity Jones, se apoyan en la organización familiar, junto con la amable pero nada tonta esposa de Keith-Pearce, la talentosa Amy Ryan.

La joven inquilina tiene ojos para todos y esto desencadena un thriller pasional que no llega a extremos pero que nos cuenta el trastorno familiar y el dolor de un matrimonio asentado cuando se provoca una confusión en el corazón de los adultos.

El film transita por climas cálidos, amables, románaticos, con sutilezas que nos muestran el interés de la joven estudiante y la pizca de maldad que su inocencia conlleva. Al parecer, el único ingenuo es el violoncellista…

Sin exageración, con una fotografía generosa en primeros planos, tomas fijas de gran belleza, singulares close-up que nos develan sentimientos más que las palabras, Drake Doremus construye una historia de amor prohibido que nos moviliza, le agrega algunos solos de cello, y no pasa del límite del buen gusto y del desarrollo perfecto de su propuesta. Un film sin aspavientos bien desarrollado y muy bien filmado. Agregamos que Guy Pearce es un sensible actor de quien no vemos muy seguido sus trabajos en esta parte del mundo.

Elsa Bragato

 

JUEVES 12 DE JUNIO DEL 2014.-

A pesar del inicio del Mundial de Fútbol y con las magras ganancias generadas por los estrenos del jueves pasado, esta semana tenemos el lanzamiento de siete films de diverso género que correrán diversa suerte a su vez. Hay dos films nacionales: “Boca de pozo”, de Simón Franco, sobre la vida de un empleado de los yacimientos petrolíferos patagónicos, teniendo como protagonista a un excelente actor como Pablo Cedrón. Destacamos su trabajo así como la fotografía y el diseño de producción del film, cuidados, esmerados. Un film con una historia que nos puede parecer pequeña pero bien realizado. Y “Los ojos abiertos de América Latina”, de Miguel Mirra, sobre la contaminación en el continente. Entre las extranjeras, están “El hombre duplicado”, de Denis Villeneuve, con Jake Gyllenhaal y Melanie Laurent, un profesor que encuentra en un DVD a un actor que es su “doble”. El tema ya fue tratado en otras películas, hermanos gemelos (no es el caso), confusión de esposas, y enfrentamientos. Está muy bien logrado el clima de suspenso y, a pesar de la reiteración temática, tiene secuencias atrapantes. Además vuelve el terror paranormal en “In-actividad paranormal” cuyo título en inglés nos dice mucho más (In haunted House 2) para asustarse un rato sin pretender mucho más; y “Un golpe de talento”, de Craig Gillespie, sobre un método utilizado en Oriente para el criquet que aplica al béisbol norteamericano.

EL PACTO

De Nicholas McCarthy, con Caity Lotz, Casper Van Dien, entre otros. Música de Ronen Landa. Duración: 89 minutos.

BUENA. ESPANTO DE BAJO PRESUPUESTO

Que los actores sean prácticamente novatos y que el presupuesto tenga calidad de “magro” no fueron obstáculos para que Nicholas McCarthy dibujara una historia de intensos climas paranormales, apelando más a la sutileza que a lo “gore” que tampoco falta. Hay que destacar que es el “detalle” y no el centro de la narración. Una joven, “Annie Barlow”, asiste al funeral de su madre y quiere reencontrarse con su hermana y su sobrina. De pronto, se encuentra sola en la casa materna donde vivió espantosas torturas de su progenitora. Dormir allí será una pesadilla dantesca cuanto menos. He aquí donde aparece el ingenio narrativo de McCarthy al proveer al film de efectos que, no por conocidos, no dejan de ser efectivos. Algunos planos secuencias hacia la puerta que será “la del terror” vivido, objetos que caen, otros que se mueven, las luces que titilan, van generando tensión y suplen generosamente cualquier ausencia presupuestaria. La aparición de una amiga de la infancia clarividente resulta sustancial, así como la de un detective que intenta ayudar a la joven a desentrañar el misterio de la casa, una compañera de ambas hermanas y la sobrinita. Pocos personajes para una trama bastante interesante que se mete en la secta de los “Judas”.

Lo “gore” aparece en el “misterio” a desentrañar así como las viejas fotografías familiares permiten elaborar una línea de investigación más o menos coherente. Nada de lo que vemos es nuevo. Sin embargo, McCarthy alcanza su objetivo de inquietar, perturbar al espectador, y sobresaltarlo en forma creciente. Ciertamente, un elenco desconocido no es el mejor gancho para atraer al público. Si tenemos en cuenta que el film supera en realización (diseño de producción y fotográfico) a muchos de su género, se deja ver. La banda sonora de Ronen Landa (compositor, cellista y guitarrista) es muy completa, cumpliendo su rol incidental con creces.

Elsa Bragato

 

 

IDA

De Pawel Pawlikowski. Con Agata Trzebuchowska, Agata Julesza, Dawid Ogrodnik, entre otros. Música de Kristian Eidnes Andersen. Duración: 82 minutos.

EXCELENTE. SECUELAS DE LA GUERRA EN GLORIOSO BLANCO Y NEGRO

La Vieja Europa vuelve sobre sus pasos, sus desaparecidos, sus muertos, los conventos que inventaron cristianos, la tragedia de una Polonia destrozada. Pawel Pawlikowski, en el regreso a su país luego de una estadía en Inglaterra, remueve los traumáticos sucesos padecidos por los polacos a través de sus propios dictadores, el nazismo y el comunismo, valiéndose tan solo de dos mujeres antagónicas en edad y formación y de un joven saxofonista.

La historia se sitúa en 1962 en un convento, donde “Anna” (Agata Trzebuchowska) aspira a tomar los hábitos en pocos días. La Madre Superiora la envía a pasar un tiempo con el único familiar que le queda, su tía “Wanda Grutz”. Así “Anna” se enterará de que “Wanda” fue jueza de los comunistas y mandó al patíbulo a los “no compatriotas”, y que ejerce la prostitución por placer, además de beber desmesuradamente. La historia tiene un arranque muy perturbador: “Anna” se entera de que es judía y nació como “Ida”. Y que, por los dichos de su tía Wanda, debe buscar los restos de sus padres, masacrados en los bosques polacos. Una es casi monja y es pura, la otra ha sido ejecutora de muerte, no cree en Dios y sí en el sexo carnal, tal como declara.

El film tiene enfoques mágicos, a través de los bosques que tanta muerte encierran, planos de rostros en silencio, pocos diálogos y un maravilloso blanco y negro para destacar luces y sombras a la manera de los grandes pintores del renacimiento. Hay dos secuencias notables y sugestivas: primero, el traslado de una enorme imagen del Sagrado Corazón de Jesús por las novicias a través de un patio interno del convento totalmente nevado, y segundo, cuando “Anna-Ida” se persigna con las manos sucias por la tierra del cementerio, dejando las huellas de la cruz sobre su ropa de novicia.

Esa búsqueda de sus padres, entre quienes está la hermana de “Wanda” y el encuentro con el saxofonista, marcan el derrotero de esta road movie que estremece porque hay belleza visual pero un tremendo dolor en su contenido. “Anna” descubre el mundo humano, “Wanda” intenta resistir el dolor del pasado. Cada mujer saldrá de este encuentro con el pasado de manera diversa. Con pocas palabras y una gestualidad mesurada, rigurosa pero suficiente.

El realizador encuentra en la vida de estas dos mujeres la manera de traer al presente el horror de las dictaduras de cualquier índole, poniendo énfasis en la crueldad contra los niños, obligados a desconocer sus orígenes. Lo menos logrado sería, a nuestro entender, la resolución que Pawlikowski le da al destino de cada una de ellas. Por un lado, es abrupto en un caso. Por otro, puede significar el desgarro interior insoportable para quienes vivieron tamañas masacres (exportadas desde el Hemisferio Norte a nuestras tierras). El miedo de los vecinos, la usurpación de las viviendas, los que no quieren recordar, los que recuerdan, los jóvenes que miran sin comprender lo pasado, las dictaduras que se deshilachan, la búsqueda de los NN, van de la mano de “Wanda” y “Anna” en el viejo coche blanco que las traslada de una localidad a la otra. El amor, el alcohol, el cigarrillo, la aventura, la fiesta del pueblo, son matices que suenan a un burlesque de la vida en tierras arrasadas por el espanto. La fotografía, estupenda, ahonda en la soledad y la crudeza de esos años al ubicar a las protagonistas como “fuera de cuadro”, sobre un lateral de pantalla, rodeadas de grandes espacios blancos y grises. El espanto de vivir lo que no se quiere a veces se logra imprimir en imágenes como en este caso. Gran película.

Elsa Bragato

 

 

UN GOLPE BRILLANTE (LOVE PUNCH)

De Joel Hopkins. Con Emma Thompson, Pierce Brosnan, Timothy Spall, Laurent Lafitte, entre otros. Música de Jean-Michel Bernard. Duración: 95 minutos.

BUENA. MÁS DE LO MISMO PERO AGRADABLE

Cinco años después de “Nunca es tarde para enamorarse”, Joel Hopkins vuelve a trabajar con la estupenda actriz Emma Thompson junto, esta vez, al carismático Pierce Brosnan. Aquí componen un matrimonio maduro, jubilados ambos, pero con un divorcio a resolver. La especulación en la empresa del marido deja a la pareja sin dinero para el futuro. Y es el arranque de esta comedia romántica con tinte policial. Thompson y Brosnan cargan sobre sus espaldas los personajes y emprenden una cruzada contra el sinvergüenza empresario francés que los despojó del futuro. Francia, la Costa Azul, el casamiento del magnate, obliga a estos dos jubilados a reencontrarse para vivir dignamente a través del robo. El film cae, entonces, en situaciones reideras pero muy convencionales, clishés unos tras otros, previsibles, sin mayor creatividad pero, hay que reconocer, con la efectividad de siempre. O sea nos resulta simpático pero ya sabemos de qué va la cuestión. Es innegable el carisma de la pareja protagónica, sustento de esta comedia que tiene todos los pecados de lo ya visto pero que nos ofrece paisajes bellos, vistas lujosas, y un entretenimiento placentero sin atisbos de realidad. Lo alocado a veces distrae.

Carlos Pierre

 

JUEVES 5 DE JUNIO DEL 2014.-

Hay seis estrenos, que incluyen dos films nacionales: “Lumpen” marca el debut cinematográfico de un gran actor, Luis Ziembrowski. El film fue presentado en el festival de Mar del Plata siendo muy bien recibido por la crítica. Nos habla de un individuo cobarde y cómo actúa con su entorno, es también un análisis del ser humano pequeño de espíritu. Como curiosidad, se presentan dos films italianos: “El árbitro”, en el glorioso blanco y negro, de Paolo Zucca, que narra el caso de un árbitro que protagonizó un escándalo de corrupción y fue derivado a la tercera división. Hay muy buenas actuaciones y la fotografía es estupenda. Finalmente, “Tutti i santi giorni”, una comedia romántica de Paolo Virzi, sobre una joven pareja que busca un hijo y a la que la vida le pondrá suficientes obstáculos como para que la narración sea entretenida. Es una comedia costumbrista.

El segundo estreno nacional es “Amapola”, del laureado con el Oscar Eugenio Zanetti, cordobés de renombre internacional. Reúne un gran elenco encabezado por Camila Belle, además de Francois Arnaud, la estupenda Geraldine Chaplin, Paz Vega, Elena Roger, Leonor Benedetto, Nicolás Pauls y Esmeralda Mitre. La música es de Emilio Kauderer. Es una mezcla de realismo mágico y musical, una comedia que incluye un viaje en el tiempo. Destacamos la puesta de Zanetti, impecable, con planos secuencias de notable belleza. Lo que no convence mucho son el guión y el delineamiento de los personajes.

 

A MILLION WAYS TO DIE IN THE WEST

De Seth Farlane. Con Seth MacFarlane, Charlize Theron, Amanda Seyfried, Liam Neeson, Neil Patrick Harris, entre otros. Música de Joel McNeely. Duración 116 minutos.

REGULAR. ESCATOLOGÍA Y CHISTES REMANIDOS

Seth MacFarlane es el creador de “Padre de familia”, uno de los muy buenos productos televisivos que se ven también en nuestro país, y de “Ted”, el oso que quiere ser “Mafalda” sin conseguirlo. Sinceramente, se esperaba mucho más por la muy buena combinación de planos secuencias que muestran el desierto de Arizona en toda su imponencia y la banda sonora, rememorando la música de los westerns clásicos. Estos dos factores técnicos son lo mejor de este largo film que decae muchísimo por momentos y muestra escatología en estado puro, desagradable. Seth Macfarlane sabe hacer humor pero tiene un “techo”: las ideas son hasta “ahí”. O, en todo caso, su humor va para la una pantalla chica como la televisión y no para la pantalla grande del cine.

En realidad, uno tiene la sensación de que, más allá de la  historia de amor inicial en la que tercia un duro Liam Neeson y la bella Charlize Theron enfrentados a una Amanda Seygried muy descolocada en su papel de ingenua a ultranza, el film es una sumatoria de secuencias bien estrictas donde se han planificado hasta el milímetro los diálogos. Falta espontaneidad, falta creatividad. No así Neeson y Theron, siempre verosímiles.

La coreografía planteada para la narración es muy buena, ya indicamos los dos aspectos técnicos que merecen subrayarse. El tema entonces pasa por el guión y por la actuación de Seth MacFarlane en su papel de timorato en pleno 1882, cuando todo se resolvía a los tiros. Le queda a MacFarlane los tics televisivos que nunca funcionan en el cine. Esa suerte de complicidad con el espectador no va. No podemos hablar de decepción absoluta, pero no es lo que esperábamos. A todo esto agregamos que Seth Mcfarlane suele ser un número puesto en la taquilla. Pero la crítica es ésta: demasiado poco para tanta publicidad.

Quédense un ratito más, si deciden ir a verla, porque aparece Jamie Foxx en su papel de “Dyango sin cadenas”, una escena brevísima que, por lo menos, arranca una sonrisa, casi casi lo mejor de este largo film.

Elsa Bragato

 

 

LUNA DE MIEL EN FAMILIA

De Frank Coraci. Con Adam Sandler, Drew Barrymore, Wndi McLendon –Covey, entre otros. Música. Rupert Gregoson Williams. Duración: 117 minutos.

REGULAR. SANDLER BUSCA REDIMIRSE

Adam Sandler ha ganado varias veces el premio Frambuesa al peor actor, que se otorga un día antes de los Oscar, así también como sus películas. Acostumbrado a un humor rugoso, escatológico, pobre, hay que decir que, en este film, asoma un Sandler maduro que se vale de la química que siempre tuvo con Drew Barrymore (recordar “Como si fuera la primera vez”). Aquí funciona a pesar de las familias casi disfuncionales que los dos llevan sobre sus espaldas: él es viudo con tres hijos y ella está divorciada con dos hijos.

Sin que medie mucha explicación, ambas familias, una sin madre y la otra sin padre, aparecen en Africa con sus hijos. No resulta un viaje de placer económico. Salvada la situación que no se explica, es en el gran continente donde los chicos estarán a sus anchas (aún molestando al reino animal en demasía) y sus respectivos padres se darán cuenta de que los une algo más que una simpatía. La cuestión seguirá en los Estados Unidos, y el amor se sellará con un beso, muy esperado.

Hay secuencias extensas, muy largas, más de lo mismo, donde el guión se da vuelta sobre sí mismo varias veces para extraerle todo el jugo posible y no se logra. Aburren. Con media hora menos, el film habría resultado redondito dentro del género de típica comedia norteamericana más para ver por cable que para comprar una entrada.

Adam Sandler viene cayendo en su carrera en la que uno encuentra pocos títulos sin escatología o humor barato. En este caso, rescatamos su regreso a una comedia que no tiene excesos en el humor pero tampoco exceso de creatividad. Sí llama la atención la fijación en África de muchos films como éste, hecho que se repite en los museos neoyorquinos. En esto, siempre hay que ver un sesgo político, siendo como es el “continente experimento” para muchos laboratorios químicos europeos (denunciado hasta en el cine). Aquí es el continente para el recreo de dos familias que encontrarán un camino nuevo en el amor. Un recreo carísimo para casi nada.

Elsa Bragato

 

JUEVES 29 DE MAYO DEL 2014.-

Hay cinco estrenos, de los cuales tres son nacionales. Entre ellos, “Im Mad”, de Baltazar Tokman, docu-ficción sobre el caso de Miguel Angel Dana, que lo protagoniza, un hombre que “volvió del sueño” y “Cuerpos de agua”, del poeta y cineasta Felipe Chorén sobre las inundaciones de 1985 en la ciudad de Bolívar.


 


MALÉFICA EN 3D

De Robert Stromberg. Con Angelina Jolie, Elle Fanning, Sharlto Copley, Sam Rikgy, Hannah New, entre otros. Música de James Newton Howard. Duración: 95 minutos.

MUY BUENA. LA “BRUJA” TIENE UN POR QUÉ…

Basada en “La bella durmiente” de Charles Perrault, Robert Stromberg realiza una versión diferente, aggiornada a través de esta fantasía de cuento de hadas. La realización técnica es desbordante, con efectos especiales que dan una corporeidad especial a los personajes y el entorno, ayudados además por el empleo del 3D. La banda incidental de James Newton Howard es una válida columna sonora.

Angelina Jolie compone a la bruja no tan malvada, que confió en el amor de los humanos y salió defraudada y mutilada en sus dos alas, elementos sustanciales de su embrujo. Aquí vale un reproche social a la maldad del ser humano, en general, tan diferente del Páramo, nombre de los territorios idílicos de Maléfica. Con el nacimiento de “Aurora”, la protagonista tendrá cómo encauzar su revancha condenándola a ser una “bella niña durmiente”.

La trama gira, entonces, entre la malvada y la niña que despertará con un beso a los 16 años, o no despertará. La aparición de otras hadas y del “diablo” (Sam Riley), el cuervo de Maléfica en forma humana, agregan la adrenalina necesaria entre el bien y el mal.

Recuperar el cuento de la Bella Durmiente es casi recurrente en el cine desde su original de 1959. En este caso, Angelina Jolie tomó datos de un video de Lady Gaga así como aceptó el rol “para que sus hijos” la recuerden como una mamá que interpretó un cuento infantil.

En este sentido, la diferencia con las demás películas es que Maléfica nos cuenta por qué la bruja se ha convertido en tal y cuál es su profundo dolor. Es decir, obra como “precuela” de la historia de los hermanos Perrault. No podemos dejar de encontrar comparación con “Blancanieves y el cazador”, de Doug Liman, 2012, presente esta semana con el film que protagoniza Tom Cruise.

El plato está servido para disfrutar de una muy buena realización, con excelentes actuaciones, con mucho suspenso y una lograda coreografía del espacio 3D, teniendo en cuenta la lucha entre el bien y el mal y por qué vale la pena hacer siempre el bien. Para disfrutar.

Carlos Pierre

 



AL FILO DEL MAÑANA, 3D

De Doug Liman. Con Tom Cruise, Emily Blunt, Bill Paxton, _Brendn Gleeson, entre otros. Música de Christopher Beck. Duración: 113 minutos.

BUENA. RETORNO A LOS TIROS DE TOM CRUISE

Las guerras y el futuro tienen enceguecidos a los productores de Hollywood y “algo” nos deben querer decir… Basada en el libro “Todo lo que necesitas es matar”, del japonés Hiroshi Sakurazaka, Doug Liman (el mismo de “El caso Bourne y de “Blancanieves y el cazador”) se ubica en un futuro impreciso donde los alienígenas están “cazando” literalmente a todos los humanos. La ambientación lograda de este futuro de hierros retorcidos, mares embravecidos por contener a los “mimos” o alienígenas, especie de pulpos gigantes, es excelente. Todo lo atinente a efectos especiales, a trajes robóticos para soldados comunes que incluyen desde metralletas hasta bombas de todo calibre contra el agresor, asombran.

Es ciertamente una industria para la guerra que en este hemisferio se desconoce la que puede generar este tipo de películas donde la cuestión es matar. El personaje de Tom Cruise, el sargento Cage, es enviado al frente, no quiere ir y se lo declara desertor en un pase de comedia que aligera en demasía las luchas posteriores y que aporta algo diferente aunque no nos convenció. La especialista en matar “mimos” es “Rita Krataski”, encarnada por Emily Blunt, quien tiene empatía con el personaje de Cruise. Pero hasta ahí, beso incluido bien de los ’50.

La casi dos horas transcurren con poco desarrollo de los personajes (¿de dónde vienen, quiénes son?) y tiros por doquier al punto tal que llegan a cansar la vista y el oído. Reconocemos desde el “Día D” de la Segunda Guerra Mundial, hasta las barracas que los films americanos nos mostraron para sus soldados en esa conflagración. Reconocemos el aciago “Día D” en el “desembarco inminente” en la playa, donde morirán miles. Los nazis suplantados por los “mimos” y, curiosamente, el mapa de Europa con casi la misma ocupación que hiciera Hitler. Nada más que aquí son alienígenas.

El clima del film es oriental: oscuro, dramático, denso, con diseño de videojuego. Está acompañado al comienzo por una estupenda banda sonora de Christopher Beck, con sonidos propios de un cataclismo que asustan. El film solo nos deja la sonrisa intacta de Tom Cruise y el destrozo del Pompidou de París. Con benevolencia podemos pensar que la recuperación del Sargento Cage (Cruise), que muere y revive en un pasado-futuro complicado (solo él y “Rita” lo entienden), puede asegurar cierta calma en el futuro: los seres humanos venceremos (SIC). El que quiera encontrarle reminiscencias de realizadores y films anteriores está en su derecho pero no deja de ser una película “más de lo mismo”. Pochoclera, para pasar el rato.

Elsa Bragato


 


MARAVILLA, LA PELÍCULA

Documental de Juan Pablo Cadaveira. Música de Ruy Folguera. Duración:



MUY BUENA. “MARAVILLA”, BOXEADOR DE PELÍCULA

Con un guión bien estructurado y efectivo, el realizador Juan Pablo Cadaveira nos acerca la historia del púgil Sergio “Maravilla” Martínez, cuya carrera pugilística la realizó en su mayor parte en Europa, especialmente en España e Inglaterra. Este boxeador argentino tuvo que luchar tanto en el ring como fuera de él al ser despojado del título de campeón. Tantas vicisitudes que recién en los últimos años los argentinos pudimos conocer están relatadas en el documental, un testimonio importante que rescata la vida de un connacional, leyenda en el exterior más que aquí. Todos recordamos que en Las Vegas logró recuperar su trono en el 2011.

Y así se ve esta mágica noche, teniendo como espectadores a Oscar de la Hoya y Mike Tyson, y a Julio César Chavez padre, cuyo hijo arrebatara el título a Martínez y tuvo que volver a entregarlo allí. De esta manera, todos nos enteramos (los que no somos expertos o conocedores del boxeo al menos) de la técnica de Maravilla Martínez y de sus casi 40 años entonces, cuyas consecuencias se hicieron sentir luego del combate.

El trono alcanzado por Maravilla Martínez fue laborioso dado que nadie le regaló nada y queda plasmado en el documental. Con temperamento fuerte y constante y siendo un hombre inteligente, Maravilla Martínez se muestra en sus infatigables caminatas, en su entrenamiento, y en las terapias que le permitieron reconquistar su título. Rigor, tenacidad, en un documental severo y de gran honestidad testimonial.

Carlos Pierre

 

JUEVES 22 DE MAYO DEL 2014.-

Ocho estrenos de cine que incluyen cinco films nacionales, uno peruano y otro de Arabia Saudita. Mucho cine independiente, valioso en esta oportunidad y para todos los gustos. “Viaje a Tombuctú” es de Rossana Díaz Casta, realizadora peruana que narra la vida de una pareja de adolescentes que quiere viajar a un país imaginario, el del título. “La bicicleta verde” es el film de Arabia Saudita, realizado por Haifra Al Mansour, una de las pioneras del cine en su región. La bicicleta del título es un símbolo de libertad y está relacionada con la forma de vivir de las mujeres árabes. A nivel nacional, se estrenan “Fango”, de José Celestino Campusano, realización fuerte e interesante sobre dos músicos del conurbano y su relación con el “tango trash”. “El cielo otra vez” es de Gustavo Alonso y es un muy didáctico documental sobre los cóndores y su conservación. Resulta curiosa cuanto menos el estreno de “Historia del miedo”, ópera prima de Benjamín Naishtat, de lograda presentación en el festival de Berlín, donde analiza los miedos, las fobias, de Barrio Norte y otras zonas de familias acaudaladas porteñas, cómo viven y su relación paranoica con el “afuera”. Variedad temática esta semana que debe convivir con un tanque y otros films nacionales de muy buena factura.

 

X-MEN: DÍAS DEL FUTURO PASADO

De Brian Singer. Con Hugh Jackman, Javes McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Halle Berry, Patrick Stewart, Ian McKellen, entre otros. Música de John Ottman. Duración: 133 minutos.

BUENA. GRAN ELENCO PARA ATRACTIVO “TANQUE”

Buscarle la vuelta a la historia de X-Men, como a cualquier otra saga, es meritorio, sobre todo en este caso cuando, quien vea por primera vez a estos seres con dones especiales, no se sentirá perdido porque es un momento especial en sus vidas no entrelazado con los films anteriores. A diferencia de las películas anteriores (mencionadas al pie de la crítica), tienen especial protagónico Mística (Jennifer Lawrence), apareciendo como generador del nudo dramático Magneto (Michael Fassbender), y, obviamente, Wolverine (Hugh Jackman).

El tema central está basado en dos números del cómic de Marvel que aparecieron en 1981, escritos por John Byrne y Chris Claremont.. Y se echó mano al realizador Brian Singer quien filmó las dos primeras películas de esta larga saga, criticado pero conocedor de los héroes de Marvel. Esto asegura una coherencia en los personajes que permite disfrutar del film aún siendo “novatos” en esta experiencia cinematográfica.

En este caso, se acusa a Magneto de haber dado muerte a un senador (se especuló también con el asesinato de John F. Kennedy, según algunos trailers de promoción), al redireccionar una de las balas que impactaron en su cuerpo. Para evitar la catástrofe que ya están viviendo, perseguidos por los “Centinelas”, se decide que Wolverine vuelva al pasado, exactamente a 1973, cuando todos recién se conocían y uno a otro se ayudaba para potenciar sus dones. Richard Nixon está en la presidencia, papel a cargo de Mark Camacho (la presidencia de Nixon fue entre 1969-1974, cuando renunció) y allí aparece un singular enano científico, papel que interpreta Peter Dinklage, quien ofrece la creación de similes de los Mutantes. La sangre de Mística será la clave para que este proyecto pueda realizarse.

El film tiene momentos épicos apabullantes, especialmente los 15 minutos iniciales, donde el mundo está devastado y la tragedia avanza sobre los mutantes, muchos de ellos extinguidos por los centinelas. En estas luchas ponen de manifiesto sus extraordinarios dones, como la creación de “espacios virtuales” que permiten aparecer o desaparecer de la acción. Los conocedores de la postproducción indican que hay 25 situaciones novedosas dentro de la tradición de los X-Men.

Viajar en el tiempo, gracias a la resistencia mental de Wolverine, será la clave para evitar que Magneto sea acusado y se produzca un asesinato que los devolverá al presente que viven: la extinción de los mutantes o bien viviendo en condiciones catastróficas. Voz en off, muy buena banda sonora de John Ottman, y una trama muy atractiva en gran parte de los 131 minutos de duración del film. Veremos a muchos de ellos en plena juventud, comenzando a rivalizar, y conoceremos algo más de la historia personal del profesor de todos, papel a cargo de Patrick Stewart.

A diferencia de los otros films, se destacan Mística, eje de buena parte de la historia, y Magneto, mientras la mente de Wolverine les permite remendar graves errores del pasado, y surgen algunos personajes nuevos que, lamentablemente, en este film no tienen mayor destaque. Se verá en los próximos films, ya pautados.

Ciertamente, hay momentos en que el guión cae (a diferencia de Godzilla donde la acción es de “pe a pa”), pero rápidamente se recupera en las acciones épicas de sus personajes quienes siempre tienen un as guardado en la manga. Historia real, ficción, poderes especiales, banda sonora acorde, suman para que este film sea atractivo, pochoclero, con clima intenso, a pesar de diálogos flojos y alguna que otra secuencia que nos hace perder un poquito, nada más, la intensidad que sentíamos desde el comienzo. No hay que buscar mucho más y sí destacar la vuelta de tuerca que se le encontró a una historia que venía bastante remanida. Como entretenimiento, más que potable.

Las películas de la saga hasta ahora: X-Men (2000), X-Men 2 (2003), X-Men The last stand (2006), X-Men: Orígenes (2009), X-Men: primera generación (2011), Wolverine (2013).

Elsa Bragato

 

 

AIRE LIBRE

Guión y dirección de Anahí Berneri. Con Leonardo Sbaraglia, Celeste Cid, Marilú Marini, Erica Rivas, Fabiana Cantilo, Máximo Silva, entre otros. Sin registro de banda sonora.

BUENA. EL ENTORNO COMO FACTOR DETERMINANTE

Una pareja, formada por Lucía y Manuel (Celeste Cid y Leonardo Sbaraglia) busca su espacio para vivir, donde recomponer el amor. Vendieron el departamento y están en una casa en ruinas, mientras desean una casa rodeada de verde y alejada de la ciudad. La demolición del lugar los aleja: Manuel irá a la casa de su madre (Marilú Marini) y Lucía alterna con la dirección de la construcción y la casa materna (Fabiana Cantilo).

El “aire libre” del título es el que comienzan a vivir cuando se separan. Manuel vivirá un amor con otra mujer, mientras que Lucía se sentirá como en su adolescencia al compartir el hogar “new age” de su madre. El pequeño hijo (presentación de Máximo Silva) sufrirá los tironeos conyugales de sus padres.

Anahí Berneri (“Por tu culpa”) maneja muy bien el espacio y la interrelación con los personajes, el hombre y su medioambiente están presentes en la concepción de la novel directora. Del espacio que destruye y reconstruye la pareja depende el reencuentro y la felicidad, así como la casa en ruinas los socava. El aire libre de un hogar renovado se transforma en el aire libre de vivir separados: el entorno como un factor determinante de la felicidad o desgracia.

El film tiene logradas actuaciones pero es justo decir también que las idas y venidas de las secuencias, se trate ya de la casa en ruinas como de las vidas independientes de los personajes, producen ocasional aburrimiento en el espectador, es un tiempo que se alarga en demasía, aunque tenga estrecho vínculo con la vida de la pareja protagónica. Sin embargo, el clima creado y las actuaciones merecen ser tenidos muy en cuenta.

Carlos Pierre

 

 

EL OBJETO DEL AMOR

Guión y dirección de Eloísa Tarruella y Gato Martínez Cantó. Música de Florenia Albarracín y Juan Matías Tarruella. Duración: 85 minutos.

MUY BUENO. RESCATE DEL AMOR CON INTERESANTE FACTURA

Que a esta altura de las circunstancias, en un mundo herido por el odio y la violencia, surja un documental ficcionado cuyo motivo es el “objeto del amor”, conmueve e impacta por la valentía de la propuesta.

Eloísa Tarruella, directora y protagonista de la película, emprende un viaje buscando historias de amor, las más conocidas y míticas como la de Romeo y Julieta y el famoso balcón de Verona, La Maga y Oliveira de la mano de Julio Cortázar, el Puente de las Artes con sus infinitos candados en París, o la tumba de los infortunados Abelardo y Heloísa (los amantes prohibidos).

Lo sustancial del film es la búsqueda de Tarruella que va más allá de las anécdotas conocidas y encuentra tres historias de amor actuales: el amor a la distancia entre una argentina y un libanés, el de dos viajeros donde él es el nómade relator de sus viajes por el mundo y ella es su lectora ocasional, y el de dos mujeres que forman una familia diferente, engendran trillizos y luchan por sus derechos.

Verona, París, Líbano, Argentina, son hitos de un relato ameno y emocionante, basado en un guión bien estructurado y eficaz: el amor supera siempre cualquier vallado. La premisa buscada y encontrada es el amor como un desafío ineludible, algo que comienza muy chiquito y se alimenta hasta llegar al amor sin límites. Un hallazgo de la pareja realizadora de este docu-ficción que nos sensibiliza y nos enfrenta a historias conmovedoras, bien narradas.

Carlos Pierre

 

JUEVES 15 DE MAYO DEL 2014.-

Hay cuatro estrenos (se vuelve a la normalidad) que incluyen dos films nacionales y uno mexicano. Hay que agregar “Ramón Ayala” que tendrá un circuito muy reducido y exclusivo, es la biopic de un enorme artista misionero, quien da título al film. “No se aceptan devoluciones” es de Eugenio Derbez, México, a quien una mujer le deja en la puerta de su casa un bebé, fruto de una relación fugaz. La paternidad “forzada” tendrá un par de vicisitudes que pondrán en jaque al protagonista. Culebrón cinematográfico de gran éxito en su país de origen. Se anunció a último momento el estreno de "Las puertas del cielo", sin determinación de salas hasta hoy jueves.

 

GODZILLA

De Gareth Edwards. Con Aaron Taylor Johnson, Juliette Binoche, Bryan CRanston, CJ Adams, Ken Watanabe, entre otros. Música de Alexandre Desplat. Duración: 123 minutos.

MUY BUENA. APOTEOSICO MUESTRARIO DE EFECTOS ESPECIALES

Gareth Edwards es un joven director inglés cuyo único antecedente en largometrajes es “Monster”, de 2010. Su tarea ha sido televisiva en gran parte y es una de las revelaciones inglesas de los cuatro últimos años. Prometió mantener la historia real de Godzilla, monstruo mítico japonés, nacido presuntamente del apareamiento de una ballena con un gorila. Funciona como el “antihéroe” ya que salvó a Tokyo de ser destruida.

En el film de Edwards se hace referencia a varios desastres tremendos para darle a Godzilla, transformado en Gojira (primera mutación de la historia original que Edwards no respetó provocando el enojo de los japoneses), el carácter de “catástrofe”: la tragedia nuclear de Fukushima, el ataque a las Torres Gemelas en New York, el tsunami de Sri Lanka (diciembre 2004), y el poderío militar norteamericano en el Pacífico (revancha por Pearl Harbor). Suponemos que por este motivo el único japonés que aparece actuando es Ken Watanabe. Y algunos rostros de “relleno”.

La premisa de la historia la tiene el personaje de Bryan Cranston, J. Brody, científico que ha estado midiendo durante años las pulsaciones del océano porque no cree que se haya producido ningún tsunami natural sino que es “algo” que viene “comiendo” la radioactividad terrestre y está en la profundidad de los océanos. Y bien podría tener relación con el 6 de agosto de 1945 cuando Estados Unidos arrojó la primera bomba nuclear sobre Hiroshima. Apenas unos 15 minutos dura la idílica y sesentosa relación familiar de Brody con su mujer (Binoche) y su pequeño hijo Ford Brody (CJ Adams) pues un “tsunami” arrasa con la planta nuclear y con su mujer, científica también. Quince años después, Brody está todavía en Japón investigando lo sucedido mientras su hijo Ford (Aaron Taylor Johnson) es militar destinado a reconocer y anular elementos explosivos, viviendo en San Francisco. Antes fue Vietnam, ahora son Irak y Afganistán.

De ahí en más, con mucha flojedad en el relato de la familia Brody, se inicia un film apoteósico en recursos técnicos y efectos especiales. Es el mayor logro del film porque mantiene en vilo las dos horas de duración. No hay respiro. La banda sonora creada por Alexandre Desplat es una protagonista más, también empleando todos los recursos sonoros y armónicos posibles, desde orquestas sinfónicas hasta coros, con alguna apoyatura tecnológica. Destacamos la secuencia de los paracaidistas sobre San Francisco, donde se viven minutos sobrecogedores a través de una trágica belleza visual. Impacta que uno de los monstruos choque con un edificio de San Francisco a la manera del ataque a las torres Gemelas en el 2001, así como la caída en paralelo al edificio de los paracaidistas recordándonos, con bastante mal gusto, a las decenas de víctimas que se arrojaron del World Trade Center al vacío.

Asistimos a la creación de los OTENI o sea objetos terrestres no identificados, suerte de cucarachas gigantescas que se traban en lucha con Gojira-Godzilla, un monstruo que cae, que es atacado y que renace para darnos la seguridad de que esto continuará. Cabe agregar que toda la acción se desarrolla en el Pacífico, como símbolo sin duda alguna de la Segunda Guerra Mundial y, por ahí, hay un “mea culpa” por el ataque nuclear a dos ciudades japonesas entonces (Hiroshima y Nagasaki). Tres localidades son el centro del derrotero de la narración: Japón (casi sin japoneses a la vista), Hawaii y San Francisco. ¿Godzilla-Gojira? No lo esperen de entrada, primero están los OTENI como “culpa corpórea” de las bombas atómicas, luego el poderío norteamericano en el Pacífico y, a las cansadas, Gojira-Godzilla. Lucha de monstruos a todo o nada. El film, como dijimos, nos pone los pelos de punta aún con su débil argumento familiar y hasta antiguo, pero tiene efectos especiales que, aún sin ton ni son, nos entretienen.

Elsa Bragato

 

 

REY MILO

Documental de Federico Bareiro sobre Milo Lockett. Duración: 90 minutos.

MUY BUENO. BUENA BIOPIC SOBRE MILO LOCKETT

Milo Lockett no es ni europeo ni norteamericano, es chaqueño y es un destacadísimo artista visual, multifacético con un dejo roquero y de avasallante creatividad. El realizador Federico Bareiro (además pintor, editor de video y camarógrafo) encaró este documental con rigor: dos años de preproducción. Esto le permitió resaltar todas las aristas de Milo, desde el pintor, hasta el hombre de negocios y su veta solidaria hacia los más necesitados.

Entre las actividades filantrópicas de Milo en su provincia, Chaco, está la localidad de Sauzalito (a 600 km de la capital, Resistencia), donde logró la pintada de adolescentes con síndrome de Down de la fachada de una escuela muy pobre, centro de estudios de las comunidades aborígenes Wichi, cercanas al Impenetrable. La actividad de Milo Lockett en su provincia es incansable: dada su visión cultural y comercial, montó la Bienal de Arte en la Municipalidad de Resistencia, encarando la construcción de una Casa Cuna al estilo del Garrahan porteño.

Ciclópeas obras de este artista son mostradas con fluidez y detalle por Federico Bareiro: desde su fama actual hasta su origen humilde y los oficios a los que tuvo que echar mano para poder comer. Milo tiene la enorme capacidad de gestar y crear al mismo tiempo, como lo hizo en su momento el gran Salvador Dalí.

Estamos frente a una catarata creativa que se extiende a Buenos Aires y es apoyada por la crítica y por notables artistas del mundo como Jennifer Aniston quien tiene dos obras de Milo, y su admirada Martha Minujin. Sin duda, es difícil trazar un perfil acabado de Milo Lockett dado que su actividad no se detiene. Milo nos deslumbra y nos enorgullece y este documental de Bareiro nos pone frente a un retrato de un argentino que merece ser conocido aún más.

Carlos Pierre

 

 

RAMÓN AYALA

Documental de Marcos López.

MUY BUENO. VALIOSO RETRATO SOCIO-MUSICAL DE RAMÓN AYALA

Marcos López, también artista, obliga a la reflexión sobre la cultura popular con este documental sobre un gran artista argentino: don Ramón Ayala, nacido en Misiones. Es un tributo en vida, como debe hacerse, a un artista que pintó y pinta en sus canciones y con su voz la cultura de su pueblo y las características de esa sociedad. “El mensú”, por ejemplo, famosísima canción, rinde homenaje al hombre que trabajaba en los montes del Alto Paraná bajo la feroz mirada del “capanga”, mientras que el “gualambao” es la pulsación que Ramón Ayala escuchó en las entrañas de su tierra y transformó en ritmo y canción misioneras.

López muestra una cámara ágil, inquieta, que no solo refleja la presencia de Ramón Ayala en un festival sino que recorre sus alrededores, el asombro del hombre común al ver los preparativos, la admiración de otros artistas reconocidos como Juan Falú, el Tata Cedrón, Liliana Herrero, entre varios más, por su magnífica trayectoria y su vigencia, los estudios de este hombre casi nonagenario con un maestro de canto del teatro Colón, vocalizaciones casi diarias para no perder sonido. Y hasta incluye un fragmento de “Las aguas bajan turbias” para explicarnos el por qué del Mensú y de esa vegetación tan bella, profusa y notable de Misiones. Posadas, las Cataratas de Iguazú, Buenos Aires, el vendedor ambulante de aquí y de allá, el colorido de telones improvisados y la venta de sus CD tanto como la ausencia de los mismos en las bateas. Se muestra a Ramón Ayala como marido enamorado durante los últimos 27 años de María Teresa, como cantor que ensaya con su voz, como virtuoso de su muy especial guitarra, en una entrevista telefónica, tomando un mate, una taza de café, en un sencillo hotel, caminando entre su gente, dándole oportunidad a los jóvenes artistas. Este documental es una pintura socio-musical de ésas que resultan invalorables para nuestra cultura. Se la puede ver en el Malba a precios módicos para jubilados y estudiantes. No deje de ir.

Elsa Bragato

 

 

MUERTE EN BUENOS AIRES

Guión y dirección de Natalia Meta. Con Demián Bichir, Chino Darín, Mónica Antonópulos, Carlos Casella, Hugo Arana, Emilio Disi, Luisa Kuliok, Gino Renni, Martín Wullich, entre otros. Música de Daniel Melero. Duración: 94 minutos.

BUENA. POLICIAL DE FLOJO GUIÓN Y BUENA FACTURA

La reunión auspiciosa de Natalia Meta en la dirección de su ópera prima, y de Verónica Cura, productora, logra un film para analizar, interesante, teniendo en cuenta los bagajes artísticos de cada una de ellas. Meta fue productora de “Un amor” y de la excelente “Las acacias”, mientras que Cura fue productora de “Las acacias” también y de “La mujer sin cabeza”. En el caso de “Muerte en Buenos Aires”, echaron mano a muy buenos recursos técnicos y artísticos logrando una mega producción aún con los altibajos que se notan en su narración.

El elenco que sostiene el guión es de gran valía: el mexicano Demián Bichir, nominados a los Oscar 2012 por “A better life” como mejor actor, además del debut del Chino Darín en un protagónico fuerte, junto a un elenco de renombradas figuras nacionales, indicadas en la ficha técnica.

El género policial que las dos realizadoras abordan desde el título de la película tiene una vasta tradición en el cine argentino de las décadas del 40 y 50 en forma especial. Un adinerado hombre de la clase alta porteña es asesinado (participación de Martín Wullich como el “muerto”), surgiendo varias pistas que se manejan y que confluyen en el inspector a cargo de Bichir y en el novato policía que compone Chino Darín. Las incógnitas son muchas y resultan de difícil resolución, incluso para el espectador, y es en este aspecto, sustancial, en el que el film pierde ritmo y calidad. No así en algunas secuencias como la estampida nocturna de caballos filmada en las diagonales porteñas. Magnífica y artística, cuidada y rigurosa.

Es decir que la construcción del guión, de la narración propuesta, no es el punto destacado de esta película nacional. Aunque sí lo es en lo formal, en los aspectos técnicos y artísticos. Se puede ver a pesar de muchas situaciones poco creíbles.

Carlos Pierre