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Crítica On Line
Los estrenos de la semana
Por Elsa Bragato

BRAGATISSIMO
www.arinfo.com.ar

Sábados de 15 a 16

ELSA BRAGATO Y CARLOS PIERRE


 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

 Ver estrenos anteriores

 

Te invitamos a ver también nuestros Trailers destacados:

INQUEBRANTABLE, primer film de Angelina Jolie como directora y productora
http://youtu.be/EaS2tjsh7HM

DELIRIUM, con Ricardo Darín , estreno 2 de octubre
http://youtu.be/M2W4y2X2tF8

 

JUEVES 16 DE OCTUBRE DEL 2014.-

Hay ocho estrenos de los cuales tres son nacionales, entre ellas, “Rosa Fuerte”, de María Laura Dariomerlo, con Leticia Bredice y Pablo Rago nos cuenta la historia de una pareja joven en crisis y “Diamante”, de Emiliano Grieco es un documental sobre Ezequiel, adolescente que vive en el Delta del Paraná.

Entre las extranjeras tenemos la película infantil “El libro de la vida”, de Jorge Gutiérrez, con las voces de Diego Luna, Zoe Saldana y Channing Tatum, con la música del argentino Gustavo Santaolalla y “Casa grande”, de Felipe G. Barbosa, que nos narra los avatares de los jóvenes de clase alta en el Brasil.

EL AMOR Y OTRAS HISTORIAS

Coproducción argentino-española, escrita y dirigida por Alejo Flah. Con Ernesto Alterio, Luis Luque, Julieta Cardinali, Mónica Antonópulos, entre otros. Duración: 90 minutos.

BUENA. PERIPECIAS AMOROSAS ENTRE BAIRES Y MADRID

Esta ópera prima de Alejo Flah tiene mucho para gustar y algunas cosas para apuntar desde el modesto lugar del crítico y espectador. Ernesto Alterio encarna a un guionista que debe escribir una comedia romántica a filmar en España y no encuentra muchos recursos propios para hacerla dado que su propia vida personal es un desastre. Su ex, a cargo de Julieta Cardinale, lo abandonó, y su amigo (Luis Luque) solo tiene decepción y escasez de dinero. Hay un amor del pasado (Mónica Antonópulos) que puede ser la clave para abrir su oprimida inspiración.

La fotografía que Alejo Flah encara, a través de su buen equipo técnico, es atractiva, desarrollada en calles y paisajes tanto porteños como madrileños. El tema está en la difícil confluencia de ambas historias, es decir, la vida “real” del protagonista y la “vida de ficción” que debe escribir, y cuándo una se convierte en la otra. Un ardid ya conocido y transitado en el cine internacional y nacional pero siempre simpático, especialmente si su protagonista es un buen actor como Ernesto Alterio y tiene un gran elenco como sustento. Agradable comedia romántica.

Carlos Pierre



EL DADOR DE RECUERDOS

De Phillip Noyce. Con Jeff Bridges, Meryl Streep, Brenton Thwaites, Katie Holmes, Taylor Swift, entre otros. Música de Marco Beltrami. Duración: 97 minutos.

BUENA. MUNDO VIRTUAL PARA EL FUTURO

El realizador de la excelente “Juego de patriotas”, Phillip Noyce, regresa con esta película de ciencia ficción en la que se repite el esquema de un mundo futuro donde hay un “gran ojo” que maneja la vida de los seres humanos supuestamente “felices” porque carecen de recuerdos y de emociones, con una salvedad: hay un “dador” de recuerdos.

Meryl Streep encarna a la “dictadora” o manipuladora de este régimen totalitario al que es tan afecto el cine de Hollywood de los últimos tiempos, mientras que “El dador “ (The giver, en el título original en inglés) es un barbado y avejentado Jeff Bridges.

El recurso técnico bien empleado por Noyce está dado por el blanco y negro y el color: el primero acentúa la ausencia de emociones de los personajes, jóvenes controlados muy severamente, siendo uno solo el capacitado para “recibir los recuerdos”, personaje que encarna Brenton Thwaites. Un anciano es el que posee la memoria del pasado, papel que encara Jeff Bridges, afecto a estos personajes extraños aunque sin llegar al extremo de Johnny Depp. El color aparece cuando un joven elegido puede acceder a las emociones.

El guión está basado en la novela de Lois Lowry, escritora norteamericana de libros infantiles siendo los más afamados éste, “The giver”, y “Quién cuenta las estrellas” que recibieron el premio Newvery. Por ser de la década del 90 no podemos dejar de pensar que alguna influencia debió tener de “1984”, de George Orwell, creador del “Big brother”.

El film da para mucho más que la historia en sí permitiéndonos el planteo de un futuro donde las sociedades se tornan menos flexibles, están manejadas por pocos que ostentan poder y dinero, y las ciudades son verdaderas cárceles donde lo lindo y vistoso así como lo feo y desagradable están manejados “desde arriba”. Títeres llamados ciudadanos. Y, aunque surja de un éxito de librería, llama la atención que esta lectura esté dedicada a los niños y jóvenes.

Carlos Pierre



LA ESPOSA PROMETIDA

De Rama Burshtein. Con Hadas Yaron, Yiftach Klein, Irit Sheleg, Chaim Sharir, entre otros. Música de Yitzhak Azulay. Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. LA ORTODOXIA JUDÍA EN UNA FASCINANTE HISTORIA

La historia real de una joven prometida judía próxima a contraer enlace con el viudo de su hermana, fallecida al dar a luz, conmovió a Rama Burshtein y la llevó a realizar este primer largometraje que nos introduce en el judaísmo ortodoxo, específicamente en la comunidad Haredi en Tel Aviv. Las exigencias de la ortodoxia impiden filmar por lo que Burshtein, practicante religiosa, nos revela un mundo secreto, inaccesible y rico en emociones.

“Shira” es la hermana de una joven mujer que fallece, la encarna la bella actriz Hadas Yaron; presa de confusión y contradicciones, debe contraer enlace con el viudo, encarnado por el actor Yiftach Klein como “Yochay”. La narración es fluída y mantiene una tensión creciente que se corta por momentos cuando focaliza las danzas tradicionales judías o bien los cantos y saludos alrededor de la mesa familiar.

Es muy interesante además el manejo de la cámara de Burshtein y cómo indaga narrativamente en la psiquis de “Shira” y en el comportamiento de “Yochay”. El diálogo entre ambos, la sencillez y espontaneidad de “Shira”, forman parte de una realidad que empezamos a conocer: la esposa “prometida” no está obligada a casarse, puede elegir. Y he aquí el “quid” del relato, basado en esta disyuntiva cuyo eje es el amor como único motor de cualquier relación mostrándonos costumbres que asombran y conmueven a la vez.

Además hay una delicadeza en el tratamiento de los personajes que resulta emotiva, tocante. Burshtein descorre un velo blanco y vaporoso sobre una tradición rica, se detiene en el vestido de novia, en las manos entrelazadas y no oculta la timidez de la mujer virgen ante el joven experimentado. Deliciosas secuencias. Y ayuda a la historia de los protagonistas con personajes secundarios fantásticos como la tía sin brazos y la amiga “casadera”. Un retrato de familia y de costumbres riquísimo y una narración que denota maestría.

Elsa Bragato



EL JUSTICIERO

De Antoine Fuqua. Con Denzel Washington, Chloe Grace Moretz, Marton Csokas, Melissa Leo, Haley Bennett, entre otros. Música de Harry Gregson-Wiliams. Duración: 131 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL CON TODAS LAS DE LA LEY

Antoine Fuqua tiene en su curriculum la estupenda “Día de entrenamiento”, con Denzel Washington, uno de los actores afroamericanos más dúctiles de todos los tiempos. “El justiciero”, conocido en inglés como “The equalizer”, es una película que hace honor a su estilo directo, de planos medios, con elipsis que no dejan ninguna historia sin narrar aunque no estén contadas, y con la acción que lo caracteriza, entre el realismo de Tarantino y las primeras películas de John Turturro.

El film toma como base la serie televisiva del mismo nombre y se centra en la vida de un oficial de inteligencia retirado que dedica su tiempo a ayudar a los indefensos. El caso de la joven prostituta Teri (una dulce Chloé Moretz) lo enfrenta a la mafia rusa y allí surgen los efectos especiales que muestran la capacidad de matar de “Roberto McCall” (Denzel Washington).

No hay mucho descanso para el espectador, salvo secuencias muy bien llevadas de diálogos entre el oficial y la prostituta, que muestran la maestría narrativa de Fuqua para implantar esos remansos de paz en medio de un film de tremenda acción, adrenalínico y brutal.

Sin vueltas, este policial tiene todos los ingredientes del género con tratamientos de sonido en posproducción notables, remarcables, que imprimen una sobredosis de perturbación así como la banda sonora de Harry Gregson-Williams quien, por momentos, utiliza una sola nota con fuerte percusión para ir creciendo en una explosión orquestal donde hay desde coros hasta instrumentos electrónicos. Al mismo tiempo, Denzel Washington y Antoine Fuquá hacen de las suyas en la pantalla. No se la pierda.

Elsa Bragato

 

JUEVES 9 DE OCTUBRE DEL 2014.-

Hay 9 estrenos (4 nacionales) este jueves 9 de octubre. Entre los “tanques” surgen otras películas tales como “Las chicas del 3ro… un consorcio feliz”, de Maximiliano Pelosi, con Betiana Blum y Lucrecia Capello, dos hermanas (soltera y viuda respectivamente) que reviven la comedia simple y costumbrista, así como “Dos disparos”, de Martín Rejtman, nueva ficción del realizador de la exitosa “Los guantes mágicos”. El film fue presentado en diversos festivales, entre ellos, el de Locarno. También se incluye “Tropicalia”, de Marcelo Machado, un documental sobre el notable movimiento musical de fines de los 60 de Brasil con la presencia de grandes artistas, y “Uahat, el padre del río negado para sus hijos”, documental sobre comunidades indígenas de Argentina, Bolivia y Paraguay, ante la falta de peces en el río Pilcomayo. Hace unas semanas vimos otro documental sobre el mismo tema. Siempre resultan interesantes, completos y nos presentan realidades que, de no ser por los documentalistas, desconoceríamos. Finalmente, “Alexander y un día terrible, horrible, malo ¡muy malo!”de Miguel Arteta, basada en el libro de Judith Viorst de 1972, es una comedia para chicos con un gran elenco encabezado por Steve Carell, Jennifer Garner, Dylan Minnette, entre otros. Se inicia una nueva saga esta vez bajo el comando de Disney sobre la vida de un niño de 11 años que debe hacer frente a un sinfín de adversidades.

EL KARMA DE CARMEN

De Rodolfo Durán. Con Malena Solda, Sergio Surraco, Laura Azcurra, Manuel Callau, María Rosa Fugazot, Oski Guzmán, entre otros. Música de Gabriel Bajarlia. Duración: 92 minutos aproximadamente.



REGULAR. COMEDIA ROMÁNTICA A MEDIAS

Malena Solda es una más que eficiente actriz, probada en televisión y teatro y también en el cine. Con este protagónico absoluto muestra su capacidad para el unipersonal. Lo que no la ayuda en nada es el guión, los parlamentos. De no existir los teléfonos celulares uno se pregunta qué sería de la ficción nacional tanto en cine y en televisión, dicho esto como una generalidad porque siempre hay excepciones.

Una joven de 36 años tiene un karma con su soltería y, en verdad, con su mal temperamento, su desagradable manera de relacionarse con el entorno. Un viaje que gana en su barrio a Mar del Plata puede ser el comienzo de un despegue personal, así como la calidez de su padre y el afecto de su hermano.

El elenco es importante y secunda como debe a Malena Solda. Aún partiendo de una idea muy buena, el film decae rápidamente por la escuálida narración, remarcada por la utilización del celular. Suena a cine antiguo superado ampliamente por el cine internacional, aunque “de afuera” nos vengan historias pequeñas. Éstas se hacen grandes cuando tienen diálogos que van más allá de la mera explicación de lo que estamos viendo. Suplir acción y personajes con un celular es hacer una mala metáfora: el espectador se queda con una parte de lo que sucede tratando de entender qué puede suceder a partir de las respuestas de quien está hablando. No nos gustó nada.

Elsa Bragato



MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA

Guión y dirección de Woody Allen. Con Colin Firth, Emma Stone, Eileen Atkins, Marcia Gay Harden, Hamish Linklater, Simon Mcburney, Jacki Weaver, entre otros. Música del repertorio de jazz norteamericano. Duración: 97 minutos.

MUY BUENA. PEQUEÑA GRAN COMEDIA

Le sienta bien a Woody Allen haber superado su pánico a los aviones y producir films ambientados en Europa, nutriendo su imaginación siempre aguda y brillante con nuevos personajes y paisajes.

En “Magia a la luz de la luna”, W. Allen nos presenta la seducción de la magia, ambientada en la sofisticada Costa Azul, donde un mago inglés (un sólido Colin Firth) quiere desenmascarar a una joven norteamericana que dice ser “médium” (Emma Stone), la “chica de Kalamazoo”, por aquello de “I’ve got a gal in Kalamazoo”, hit de Glenn Miller. En Berlín, el mago demostró su capacidad como ilusionista haciendo desaparecer un elefante.

Sin restarle gracia ni méritos, la estructura propuesta por W.A. está casi al borde de los sketches teatrales con secuencias sucesivas que parecen montadas en un escenario. A esta estructura Allen la dota de un gran contenido, además de la fotografía, con cataratas de citas de Nietzche, Freud y Dickens, y su reconocible dialéctica, teniendo en Colin Firth a su “alter ego”.

Lejos de su amado Brooklyn neoyorquino, recorriendo tierras europeas de las que también se ha enamorado, W.Allen nos regala una comedia simpática y querible, en donde las ideas sobre la vida, el más allá, la filosofía y el jazz, además de la contraposición “magia- realidad”, entre tantos otros temas, nos sumergen en un mundo inteligente y agradable. Para disfrutar.

Carlos Pierre



EL JUEZ

De David Dobkin. Con Robert Duvall, Robert Downey Jr, Vera Farmiga, Billy Bob Thornton, entre otros. Música de Thomas Newman. Duración: 141 minutos.

EXCELENTE. NOTABLE DUELO ACTORAL EN THRILLER FAMILIAR

Robert Downey Jr es uno de los productores ejecutivos de “El juez”, film con el que debuta en el largometraje el realizador David Dobkin. El título se refiere al personaje de Robert Duvall, el juez Joseph Palmer quien, a pesar de una implacable carrera jurídica de 42 años, habría cometido un asesinato. Su hijo “del medio”, personaje que encarna Robert Downey Jr, abogado residente en New York, se hace cargo de su defensa, al regresar al hogar para el funeral de su madre, dejando un matrimonio quebrado y una pequeña hija.

Estas familias disfuncionales son clásicas en el cine de Hollywood y la gran audacia y éxito residen en la elección de los protagonistas. Duvall y Downey Jr., en un personaje a su medida por díscolo y contestatario, se sacan chispas en duelos actorales profundamente conmovedores. Alejado de “superhéroes”, Robert Downey Jr. deja aflorar toda la emoción y sensibilidad de la que es capaz, frente a ese padre dueño de la vida de los demás que sucumbe ante la muerte de su esposa, una tremenda enfermedad, y el cuidado de un hijo discapacitado.

Rescatamos secuencias inolvidables como la despedida del juez Palmer de los restos de su mujer (un Duvall inmenso) o la secuencia en el lago de los dos abogados, los diálogos picantes de padre e hijo, o ese “permitido” que se regala nada menos que en su debut el realizador David Dobkin: la larga secuencia en el sótano de la casa familiar donde Hank Palmer mira, entre lágrimas, los videos de su niñez. Solo un actor dúctil como Downey Jr y la capacidad narrativa de Dobkin transforman tantos minutos en un film de largo aliento en un momento inolvidable. O la más dura y tocante de las que hemos visto en cine: la escena donde el juez se descompone y es asistido por su hijo Hank.

Es un drama familiar transformado en un thriller apasionante, con actuaciones descomunales, que nos pega directo en el corazón.

Elsa Bragato



DRÁCULA, LA LEYENDA JAMÁS CONTADA

De Gary Shore. Con Luke Evans, Sarah Gadon, Samantha Barks, Dominic Cooper, Zach McGowan, Charles Dance, entre otros. Música de Rawin Djawadi, Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. PRECUELA DE UN CLÁSICO

Gary Shore, quien debuta como largometrajista, supo combinar historia con terror sobrenatural para este film que retoma uno de los “monstruos” más tradicionales de la literatura y del cine: el Conde Drácula, cuya historia fue escrita por Bram Stoker y reproducida hasta el cansancio en el cine y ficciones en general.

El film funciona como precuela porque nos lleva a la historia del verdadero Vlad III, o sea Vlad Drácula o El Empalador por su crueldad de “empalar” a poblaciones enteras, especialmente turcas, dado el expansionismo que caracterizó al imperio otomano, a mediados del 1400. Drácula, en rumano, significa “demonio” pero en el film, el personaje encarnado por el atlético Luke Evans indica que es “el dragón” que mata al demonio. Vlad tiene mujer e un hijo (cuya voz en “off” nos cuenta la historia familiar) y enfrenta a “Mehmed” de Turquía, su “hermano” por crianza “obligada”. Para salvar a su familia, Vlad recurre a los poderes oscuros que ha venido rechazando.

La propuesta de Shore es diferente. Tiene mucha tensión, y no cae en el vampirismo tradicional sino que le da una razón: “Dracul” será el “vampiro” que conocemos y tendrá una cohorte de seres como él para salvar a su familia y a su pueblo.

Precipicios, cuevas, cuerpos que se desintegran, y cielos que se cubren de nubes y relámpagos, hacen, de una historia conocida, una narración muy atractiva y, dentro de todo, diferente.

Elsa Bragato

 

JUEVES 2 DE OCTUBRE DEL 2014.-

Hay nueve estrenos de cine que renuevan la cartelera. “Aprendiendo a volar” de Boudewijn Koole, es un film holandés presentado a los Oscars, que nos sensibiliza sobre la situación de una familia disfuncional y un pequeño que debe enfrentar la vida con muchas dificultades. “Justicia propia”, de Sergo Mastroberti, nos cuenta la vida de un hombre de las fuerzas policiales que, al regresar a su hogar, se encuentra con un drama entrelazado con el submundo del narcotráfico y la prostitución. “Borrando a papá”, de Ginger Gentile y Sandra Fernández Ferreira es un documental sobre la situación de los padres a los que se les impide ver a sus hijos luego del divorcio. Finalmente, “Barbie y la puerta secreta”, de Karen Lloyd, nos trae la animación de la conocida muñequita que hiciera furor hace unos años, transformada en un hada. Hay reminiscencia de muchos cuentos tradicionales y es un producto para los más chicos, en especial para las nenas. Gran encanto visual.

“Necrofobia”, de Daniel de la Vega, en 3D es una de las escasas películas del género terror de nuestro cine. De la Vega viene de ganar en Mar del Plata hace dos años el mayor premio del festival por “Hermanos de sangre” y en este nuevo largo se ha rodeado de grandes figuras como Luis Machín, Gerardo Romano, entre otros. Para fans del género, un buen producto argentino. Y un gran director bien afianzado en un género no transitado por el cine nacional. Felicitaciones a Daniel de la Vega.



¿PUEDE UNA CANCIÓN DE AMOR SALVAR TU VIDA?

De John Carney. Con Keira Knightley, Mark Ruffalo, entre otros. Música de Gregg Alexander. Duración: 104 minutos.



REGULAR. MÚSICA Y ROMANTICISMO A LAS APURADAS

Mark Ruffalo sorprende por su capacidad de pasar de films comprometidos a películas de bajo presupuesto, las famosas “indies”. Y Keira Knightley, heroína de films de gran taquilla, anda en lo mismo. Ruffalo compone a un músico divorciado y alcohólico que busca reflotar su carrera y encuentra en “Gretta” (la superdelgada Keira) a la perfecta nueva cantante. Una urdimbre de enamoramiento y de música se gesta con un final que, si no es aleccionador, indica que hay amores que no se borran del alma por más pentagramas que se llenen. El relato es gentil, humano, sin sorpresas y con música de bandas nuevas y una Keira que se esfuerza por cantar lo mejor que puede.

Es un film pequeño de John Carney (la anterior fue “Once”), una comedia muy ligera que se disfruta, cuyos personajes no son novedosos (una productora que quiebra, un músico atormentado que debe tener “otro éxito”, sin ser Beethoven, etcétera), y todos los clishés de un film romántico hecho “a las apuradas”. No es posible abundar en el comentario porque se trata de esas películas que uno ve y no dejan huella en el alma, salvo una sensación de más de lo mismo, en este caso, sin daños colaterales para el espectador.

Elsa Bragato



DELIRIUM

De Carlos Kaimakamian Carrau. Con Ramiro Archain, Emiliano Carrazzone, Miguel Di Lemme y Ricardo Darín, además de las presencias especiales de periodistas de la televisión, Susana Giménez y Diego Torres. Música de Diego Monk, Duración: 84 minutos.

REGULAR. UN GUIÓN QUE SE QUEDÓ CORTO

El cine dentro del cine en la mano de tres novatos: buena idea que se apuntaló con la presencia fantástica de Ricardo Darín, llamado por un amigo para ayudar a los tres jóvenes que quieren salvarse. Es decir, filmar y hacerse ricos según sus cálculos. Ingenio y buenas actuaciones, un poco arquetípicas, acompañan a los jóvenes actores. Algo del Almodóvar de “Volver” revolotea. La narración es bastante fluida pero decae cuando deja en pantalla un largo reportaje de la periodista Catalina Dlugi a Ricardo Darín, o se pasea por los noticieros de la tele dándoles demasiado cabida a estas secuencias: bien pudo hacerse una especie de videoclip. Resulta también tediosa la cámara fija sobre la bandera argentina para anunciar una “cadena nacional” y el discurso que desgrana Susana Giménez como “presidenta” no aporta nada al nudo narrativo. Es decir, hay desniveles narrativos que atentan con la propuesta.

No obstante rescatamos el original comienzo del film así como descartamos la utilización de material de noticieros de momentos muy difíciles de nuestra sociedad. Faltó imaginación para sortear esta dificultad y hacernos ver que la “invasión norteamericana” es inminente por lo ocurrido (que no develamos).

Hay ingenio, hay solvencia para una buena narración. El aporte de Ricardo Darín es fundamental haciendo de sí mismo, y la aparición de Diego Torres como la de Susana Giménez también son recursos muy valorables. Sentimos que le faltó un cierre a la historia porque el guión quedó corto y se echó mano a noticieros y periodistas de tevé. No obstante, fue una grata sorpresa. Y augura un buen andar en el cine de Carrau. Pero falta todavía un poquito. Si decide verla, no la va a pasar mal.

Elsa Bragato



FERIADO

De Daniel Araujo. Con Juan Manuel Arregui y Diego Andrés Paredes, entre otros. Música de Daniele Luppi. Duración: 82 minutos.

REGULAR. INQUIETUDES ADOLESCENTES

Daniel Araujo irrumpe en el cine de Ecuador con un film muy bien fotografiado y una narración cas impecable. Luego de pasar por algunos festivales importantes, “Feriado” logra un buen background para presentarse en la cartelera oficial porteña. Nos relata la vida de Juampi, de 16 años, que visita la hacienda familiar para pasar los carnavales. Es un adolescente de clase media alta que se ve inmerso en un mundo humilde que tiene relación directa con los vericuetos de la vida. La iniciación a través de un “bullying” no es gratificante para Juampi ni para el espectador si bien su relación con Juano, un joven un poco mayor, de la zona, le permite disfrutar de paisajes, bailes, y hasta del despertar amoroso.

El joven actor Juan Manuel Arregui así como su compañero Diego Andrés Paredes tienen mucho futuro pero, en esta ópera prima de Daniel Araujo, sus personajes apenas fueron esbozados. En el caso de Juampi (Arregui), se nota la carencia de la dirección de actoral porque es más un testigo de los hechos que un “actuante”. Puede ser deliberado: el joven de buena posición se siente asombrado por las costumbres en plenos Andes, la familiaridad entre chicos y chicas, o la violenta iniciación en la amistad de sus primos. Y aún así no convence tanta pasividad tomada como “timidez”.

Hay algunas secuencias muy poéticas, como ver a los dos jóvenes recostados mirando al revés la ciudad, en un parangón con sus propios sentimientos. Y tiene como trasfondo, la situación socioeconómica ecuatoriana de 1999. Sin embargo, no se le encuentra nexo con la historia de los jóvenes. Un marco innecesario.

Bellos paisajes, una narración interesante, pero falta fuerza en el protagonista, fuerza que sí tiene el resto de los personajes. Y que tampoco ostenta la narración en general.

Elsa Bragato



PERDIDA

De David Fincher. Con Ben Affleck, Rosamund Pike, Tyler Perry, Neil Patrick Harris, entre otros. Música de Trent Reynor y Atticus Ross. Duración: 145 minutos.

BUENA. LOS “ROSES” DEL SIGLO XXI

David Fincher es un director de largo aliento y de climas densos, grises, magníficamente logrados. Recordemos “Zodíac”, “The case of Benjamin Button” o “The social network”. En el caso de “Gone girl” o “Perdida” donde dirige al actor y director ganador del Oscar Ben Affleck y a una ascendente y sólida Rosamund Pike, junto a un gran elenco, hace gala de estas características que son bienvenidas en el cine de acción e indagación.

El film se basa en el libro homónimo de Gillian Flynn, autor también del guión lo cual asegura coherencia narrativa. Un periodista que trabaja en New York se casa con una neoyorquina, escritora, de aparente exquisita personalidad. Por diversas circunstancias, deben volver al hogar de Nick, personaje de Affleck, en Missouri. En el quinto aniversario de bodas, la esposa desaparece.

Entramos en el juego del gato y el ratón. Un marido que no comprende lo sucedido, una serie de hechos que desconciertan incluso a la policía, y la sospecha del crimen. El film logra un clima perfecto, siempre en un medio tono, que atrapa al espectador. Es un policial pero también un thriller. Las conjeturas surgen hasta que empieza a desenrollarse una trama previsible pero bien facturada. He aquí donde el film tiene una caída narrativa que levanta cuando este juego perverso se hace más intenso y el esposo descubre las mil caras de su mujer. O su propia incapacidad para observar la realidad.

David Fincher va más allá y transforma el thriller-policial es una película ‘gore’ con una secuencia sangrienta muy fuerte. Tampoco resulta muy creíble pero es efectiva.

En este juego de quién “caza” a quién, el espectador siente atracción y una innegable curiosidad, dos sensaciones buscadas y logradas por David Fincher. Surgen preguntas, subtemas, quién es quién, si conocemos o no a la pareja que elegimos para toda la vida, si hay influencia del entorno, si los secretos que nos pesan en el alma son muchos, si no somos lo que parecemos, es decir, hay un cuestionamiento muy interesante a la identidad nuestra de cada día.

A manera de parábola, las escenas iniciales tienen mucho que ver con el desenlace si bien en este momento uno sabe a qué atenerse. Es un film atractivo, demasiado extenso, con previsibilidad pero muy bien actuado. Ben Affleck, un tanto más rechoncho, tiene pocos primeros planos, mientras que Rosamund Pike impacta por su belleza entre cínica e ingenua. Atrapante, incluyendo a la banda sonora que contribuye a generar el clima expectante, con sus más y sus menos.

Elsa Bragato
 

JUEVES 26 DE SETIEMBRE DEL 2014.-

Hay ocho estrenos en soporte fílmico. “Ricardo Bär”, de Gerardo Naumann y N, Wohlatz, es un documental sobre un joven descendiente de alemanes que vive en Misiones e intenta convertirse en pastor. La historia del personaje y de su entorno no logra empatía con el espectador por diversos motivos, entre ellos, la indulgencia para tratar el tema. Por su parte, “Los caballeros del zodíaco”, de Kei’ichi Sato, recupera a los personajes de la década del 90 del famoso “animé” japonés, éxito televisivo, e incluye las voces de los actores de entonces. Es solo para fans de este tipo de cómics y de historias.



EL CERRAJERO

De Natalia Smirnoff. Con Esteban Lamothe, Erica Rivas. Luis Ziembrowski, María Onetto, entre otros. Música de Alejandro Franov. Duración: 77 minutos.

BUENA. CERRADURAS QUE PROVOCAN PREMONICIONES

Natalia Smirnoff regresa al cine, luego de “Rompecabezas”, con un planteo original, “El cerrajero”, que fue presentado en el Sundance Festival con buena repercusión. Esteban Lamothe, uno de los actores del momento, compone a este singular cerrajero “de apuro”, a los que se llama a la medianoche y cobran pequeñas fortunas por su trabajo; frente a cada cerradura rota, siente una premonición sobre los vecinos que lo necesitan. Y las consecuencias no suelen ser fáciles.

Las actuaciones de Erica Rivas así como la de Esteban Lamothe, secundados por los más que eficientes Luis Ziembrowski y María Onetto, entre otros, le otorgan gran solidez a la narración que incluye una fotografía excelente, trabajada con mayoría de medios planos, que nos acerca aún más a cada historia.

Un aspecto del guión nos dejó muchas preguntas: la premonición fue un valioso recurso para enfrentarnos a un personaje diferente y atractivo. Sin embargo, no tiene una mayor resolución narrativa. Es decir, tiene consecuencias pero no las que se esperan y tampoco un cierre que conforme. ¿Es premonición porque sí, o sea una serie de cerraduras a componer como secuencias diacrónicas, o hace a la existencia del personaje, como parece ser? La sensación es que pudo ahondarse en este aspecto. La propuesta es interesante.

Elsa Bragato



EN EL TORNADO

De Steve Quale. Con Richard Armitage, Sarah Wayne, Callies, Matt Walsh, entre otros. Música de Brian Tyler. Duración: 89 minutos.

REGULAR. ENTRE EL DOCUMENTAL Y LA FICCIÓN SIN GARRA

“En el tornado” nos permite conocer estos fenómenos de la naturaleza desde adentro gracias a la tarea de los “cazatornados”. El tema ha sido visto en documentales hasta el hartazgo y, desde este punto de vista, el film es regular porque no tiene un aporte de ningún tipo para atraernos más allá del fenómeno en sí. La historia familiar que lo rodea es un mero relleno que encuentra soluciones más que previsibles.

La narración se inicia con estudiantes secundarios en Silverton, en Oklahoma. Uno de los dos hijos del matrimonio eje del film debe filmar todo lo que ocurre para que se traduzca en una suerte de “historia de vida” en 25 años. Con tornado o sin él, la cuestión es filmar aún en los momentos más peligrosos, una tarea que lo llevará a seguir con su actividad aún en plena tormenta que, en realidad, serán varias al mismo tiempo conformando un fenómeno de características inusuales.

Los temas “sensibles” están: la fiesta de graduación, los hijos del director, el cazatornado avezado y su fantástico “carro especial” llamado “Titus”, los expertos en otro coche con antenas y pantallas que capturan los más mínimos movimientos de los tornados, y la fuerza brutal de los mismos cuando tocan tierra. Los sustos son varios, el film es un documental que atrapa. Esto no se puede negar. Pero, si estamos en el cine, es dable esperar mucho más, tanto desde el punto de vista científico como el de la ficción.

Los efectos especiales son muy buenos. Digamos que el “plato está servido” para tener una hora y media de emociones fuertes y redescubrir la fuerza de la naturaleza que el hombre no puede dominar. No hay nada más, ni siquiera actuaciones que nos permitan distinguir a los actores de manera especial, sometidos como están a generadores de vientos infernales. Que entretiene, sí, es la cualidad del film.

Elsa Bragato



YO, MI MAMÁ Y YO

Guión y dirección de Guillaume Gallienne. Con Guillaume Gallienne, Diane Kruger, Andre Marcon, Francoise Fabián, entre otros. Música de Marle-Jeanne Serero. Duración: 85 minutos.

BUENA. “BIOPIC” ADULTA EN TONO DE COMEDIA

“Yo, mi mamá y yo” es un soliloquio del actor Guillaume Gallienne quien no solo mostró su drama disfrazado de comedia en una celebrada obra de teatro sino que traspasó los medios y llegó a este film, su ópera prima, con los buenos recursos visuales.

Con fuerte acento autobiográfico, Galliene –afamado actor de la Comedie Francaise- muestra con dolor y humor su personal investigación sobre la identidad sexual. En la película tiene una inclinación marcada por el sexo femenino, por ser una “niña grande”, como lo llamaba su madre, diferenciado de sus otros dos hermanos varones. De ahí el título original en francés cuya traducción es “Los chicos y Guillermo, a cenar!”.

El film es rico en su fotografía dados los viajes que realizó Gallienne gracias a la buena posición económica de su familia. Estas salidas de su país le permitieron probarse y definir su identidad sexual con resultados diversos, no siempre satisfactorios. Y si bien la fotografía se enriqueció, es cierto que la reiteración de situaciones hace más lenta la narración.

Una de las curiosidades del film es la composición de Guillaume Gallienne del papel de su madre, mostrando su capacidad histriónica. Es tan efectivo que no cae en la caricatura sino que resuelve la dificultad actoral con realismo y ternura.

El film despierta gran interés en el comienzo, si bien decae a partir de la mitad de la narración. Es una temática muy interesante, que no tiene clishés hollywoodenses, con buena dosis de humor aún cuando se reitera. Hay una interesante madurez en un tema que aún hoy, según las sociedades, suele discutirse.

Carlos Pierre



DOS VIDAS

De Georg Maas. Con Juliane Köhler, Sven Nordin, Ken Duken, Liv Ullman, entre otros. Música de Christoph Kaiser y Julian Maas. Duración: 97 minutos.

REGULAR. “CULEBRÓN” SOBRE ROBO DE IDENTIDADES

Tener a Liv Ullman en un elenco es un plus que debiera utilizarse no solo por el prestigio sino por la calidad de la propuesta. Es lo que no ocurre con este film de Georg Maas, titulado “Dos vidas”, que Alemania seleccionó para los últimos premios Oscars. La historia se situa en 1990 cuando se derriba el muro de Berlín y aún subsisten, y lo harán por un buen tiempo, los servicios de inteligencia rusos, infiltrados en los países que la Alemania Nazi ocupó durante la Segunda Guerra Mundial. De este intercambio forzado de personas, nacieron muchos chicos. Katrine, que hoy vive en Noruega, es “hija de la guerra”, y su madre es Liv Ulman, quien tuvo relaciones con un soldado alemán cuyo fruto fue una hija. Katrine…

Katrine tiene una hermosa familia e hija. Viaja a Alemania algunas tardes donde tiene contacto con personas aún ligadas a los servicios de inteligencia. ¿Es quien dice ser? Casi como una “Belle de Jour” devaluada en todos los aspectos, interpretativos y narrativos. Los crímenes de guerra siguen siendo investigados, hay juicios en muchos países de Europa por casos de violación, por identidades fraguadas. ¿Qué esconde Katrine?

El drama que se desarrolla es más que previsible. Se asiste a una “soapopera” con diálogos que podemos recitar antes de escucharlos. Explicar lo que ya estamos viendo es un grave error narrativo. A diferencia de “Ida” y de “Lore”, este film sobre las consecuencias de la conflagración mundial que terminó en 1945 es un culebrón que no vale la pena no por el tema, que debe estar presente siempre, sino por cómo la película fue encarada.

Elsa Bragato



COMANDO ESPECIAL 2

De Chris Miller y Phil Lord. Con Jonah Hill, Channing Tatum, entre otros. Música de Mark Mothersbaugh. Duración: 112 minutos.

MUY BUENA. DIVERSIÓN CON BUEN SUSTENTO

Frente a la pobreza de contenidos de esta semana, no hay duda alguna que “Comando Especial 2” es una muy buena comedia protagonizada por el siempre eficaz Jonah Hill y el más que ascendente Channing Tatum. La pareja de policías vuelve a enfrentar a narcotraficantes en otro divertido e inteligente planteo. No solo hay conflicto entre ambos, como debe ser, sino que se plantean otros con la policía misma, con compañeros de la universidad donde están infiltrados, y hasta con el nombre de la nueva droga cuyo dealer deben ubicar, “juayfai”, clara fonética de “wifi” con los problemas que tamaña similitud sonora puede traer.

A diferencia de otros films, no hay escatología y es algo para rescatar. Hay una referencia constante, con picardía y burla a la vez, al cine norteamericano de acción y a muchas celebridades. Las situaciones que viven son desopilantes, cuanto menos nos mueven a la sonrisa, y los efectos especiales son excelentes. Lo más novedoso está en el final, sobre los créditos, cuando Hill y Tatum en sus respectivos personajes son enviados a diferentes investigaciones transformados en infiltrados de las Fuerzas Navales, Aéreas, y en distintos lugares del planeta por lo que sus vestuarios y maquillajes resultan divertidísimos. Para pasarla bien en medio de ingenio y explosiones en esta segunda entrega que resulta atractiva.

Elsa Bragato



EL MANTO DE HIEL

Guion y dirección de Gustavo Corrado. Con William Prociuk, Margarita Molfino, entre otros. Duración: 91 minutos.

REGULAR. INVEROSÍMIL RELATO

Luego de “Garúa” y “El armario”, Gustavo Corrado regresa con “El manto de hiel”, un film de excelente fotografía virada al sepia (Corrado es fotógrafo) y una historia que no cierra. Un joven vestido de traje clásico negro se queda sin nafta en las sedientas tierras sanjuaninas. Ve unas casas apiñadas, a medio construir, pide combustible, un cuarto y algo de comer y beber. Las caras de los habitantes de ese lugar no son amigables. Muchos hombres, pocas mujeres, historias de amor del pasado, una joven que se confunde con el recién llegado, una niña, terremotos raros que ponen a la luz extraños objetos al estilo de los “zombies”, y la maleta del joven recién llegado, se unen en una narración que va fluyendo sin aportarnos nada.

Uno intenta que esos extraños habitantes terminen por atraparnos con algo, pero resulta imposible. El “loco” del piano es patético, el taxidermista solo da lugar a sustitos imaginarios, y los mecánicos del automóvil son previsibles. Tampoco el amor que estalla entre el pasado y el presente conmueve, es teatralidad inverosímil.

Hay una búsqueda de un “lejano oeste” que no resulta y no es la primera vez que se intenta en nuestro cine. Tampoco hay profundidad psicológica en los personajes y las actuaciones no son convincentes, no hay “pathos”, aunque presumiblemente se jugó con los opuestos, por ejemplo, el traje negro en medio de un ambiente casi rojizo por el polvo y las montañas. En esos opuestos hay una excesiva pulcritud, es decir, un escenario armado para el film, un “set”.

Como contrapartida, está la fotografía que es excelente. Pero resulta muy poco para construir una historia que cabalga entre lo onírico o la locura y la realidad sin una dirección actoral sólida. Evidentemente, no nos convenció.

Elsa Bragato

 

JUEVES 18 DE SETIEMBRE DEL 2014.-

Hay 8 estrenos entre films nacionales e internacionales que incluyen la “versión extendida” “Nuovo cinema paradiso”, de Giuseppe Tornatore, de 174 minutos y que no comentaremos.

“Las aspas de Molino”, de Daniel Espinoza García, es un documental sobre la confitería El Molino, coincidiendo con el proyecto de expropiación y puesta en valor de Liliana Mazure en el Congreso Nacional. Interesante.

“Tunteyh o el rumor de las piedras”, de Marisa Rubino, es un muy buen documental sobre la vida en Formosa de las comunidades Wichi, al menos una de las más rezagadas en cuanto a vivienda y condiciones mínimas. Viven de la caza y de la pesca, y esta última va mermando por el desvío del río Paraguay. Además el agua se va contaminando por la explotación minera en Bolivia. Tiene una fotografía muy lograda y el clima con planos medios y largos es excelente. Un documental didáctico especialmente para nuestros gobernantes.

“Malka-una chica de la Zwi Migdal”, de Walter Tejblum, tiene un noble propósito pero, aún con la historia de Malka Abraham, polaca judía traída y prostituída por la Zwi Migdal (banda destruida en 1930 por una polaca raptada) en principio, queda a mitad de camino porque se construye su historia a través de testimonios que no aportan mucho y, como eje de los mismos, está el propio director. Es decir, hay más búsqueda de testimonios que éstos. Malka fue prostituida por una red internacional que operaba en la Argentina, y su asesinato, ocurrido en 1958, quedó impune. Pocas fotografías, mucha charla telefónica para construir un documental que quedó a mitad de camino. Es decir, en la preproducción.



MAZE RUNNER, CORRER O MORIR

De Wes Ball. Con Dylan O’Brien, Ki Hong Lee, y juvenil elenco. Música de John Paesano. Duración: 113 minutos.

BUENA. FILM DISTÓPICO A LA MANERA DE “GRAN HERMANO”

Un film más sobre jóvenes obligados a sobrevivir. ¿Otro “gran hermano” sin tanta intriga ni novedad? En principio, digamos que sí. “Thomas” es capturado por científicos y enviado, en una jaula, a un lugar “the glade”, o sea un espacio verde a manera de oasis pero, en este caso, con gigantescas paredes de cemento que lo cercan, éstas se abren por la mañana y se cierran a determinada hora. Se mueven más allá de ellas formando laberintos que cambian. En el espacio verde conviven varios jóvenes, atrapados de la misma manera. Solo uno es capaz de salir y correr antes de que las moles de cemento se cierren y lo aplaste. “Thomas” demuestra su capacidad como corredor- runner y se suma a la búsqueda de una salida junto con su nuevo amigo “Minho”, a cargo de Ki Hong Lee.

Los monstruos están a la orden del día: afuera hay horribles y gigantescas arañas biomecánicas. Es decir, son arañas “verdaderas” a las que científicos ‘malditos’ les agregaron patas como agujas y un sistema de control remoto en sus entrañas. Cuando quedan atrapadas entre las moles de cemento y éstas se cierran dejan un desagradable pastiche de músculos, sangre y hierros.

La cuestión es correr, darse cuenta de los laberintos que van surgiendo, y enfrentar los celos del resto de los jóvenes, alterados por la llegada de “Teresa”, la única mujer. Todos padecen de lo mismo: no recuerdan nada de lo vivido y por qué están allí. Salvo el nombre. ¿Hay alguien que los pueda manejar, son un “experimento”?

La película no llega a atarnos a la butaca. Es previsible y floja en las secuencias de acción. Nos deja, en cambio, un montón de preguntas que, tal vez y más allá de la saga en la que está basada, escrita por James Dashner en el 2009, fueron motivo de interés literario en forma subliminal: ¿es un anuncio de sociedades hipervigiladas? ¿Actúa como una suerte de Edward Snowden, desnudando una práctica común de los países del primer mundo? ¿Es un anuncio de cómo viviremos dentro de unas décadas? Así como la obra de George Orwell, “1984” (originó el formato televisivo “Gran hermano”) es una novela “distópica” o “antiutopía”, donde se muestran sociedades indeseables, el film “Correr o morir” (Maze runner, o el corredor del laberinto) es una película distópica o antiutopía. La realización en sí es endeble, más de lo mismo como solemos decir. La idea no es novedosa. Y el elenco es prácticamente desconocido. Pero, por las dudas, estemos atentos… no sea cosa que ya vivamos en una distopía.

Elsa Bragato



LAS INSOLADAS

Guión y dirección de Gustavo Taretto. Con Carla Peterson, Luisana Lopilato, Marina Bellati, Elisa Carricajo, Maricel Alvarez y Violeta Urtizberea. Música de Gabriel Chwojnik. Duración: 100 minutos.

REGULAR. “ALLO SPIEDO” EN UNA TERRAZA PORTEÑA

Gustavo Taretto nos asombró con “Medianeras”, film atractivo. Llega con “Insoladas”, film que retrata una determinada situación de seis jóvenes mujeres tomando sol en la azotea del edificio, año 1995 con 40 grados. Taretto siente lo urbano, no caben dudas, desde las paredes de cemento hasta las terrazas. Nos podemos remontar a mediados de los 60 cuando se impuso la “terraza-beach”, una manera “cool” de tomar sol cuando no se tiene dinero y la sociedad ordena estar bronceada. Desde ese punto de vista socio-económico, la idea es buena.

Las seis actrices (Peterson, Lopilato, Bellati, Carricajo, Alvarez y Urtizberea) son bellas y cumplen sus roles con todo el oficio del que son capaces. La cuestión pasa por la propuesta que es estática y con mucha pretensión: indagar la psicología femenina. Es una obsesión de directores de teatro y de cine tratar de ver qué les pasa por la cabeza a las mujeres cuando deciden algo, desde estudiar salsa como las chicas de la terraza, hasta ponerse una bikini y dorarse “allo spiedo”. Tienen un sueño: viajar al Caribe. Cuentan con 15 días de vacaciones y un concurso de baile para tratar de cumplir con un “dorado” menos urbano.

Los parlamentos son extensos, aburren, la indagación psicológica se vuelve banal, trivial. Nada hay que nos conmueva en las charlas de estas seis jóvenes que hacen honor al título, “insoladas”. Las escenas son lánguidas y tienen una sorpresa que es la pelopincho que aparece. ¿Cómo llegó hasta allí? Elipsis narrativa? Hay situaciones que, aún sorpresivas, se vuelven inverosímiles.

La fotografía hace un gran aporte a la narración. Aunque el film se torna muy rutinario y de psicología femenina no hay nada salvo la curiosidad propia del varón, ésa que ejercita en los clubes o charlas de café. La idea no deja de ser original pero se queda sin desarrollo porque no se plantea un conflicto, solo un sueño a cumplir. Consideramos un pequeño hallazgo: en las terrazas porteñas hay vida y puede suceder de todo. Tuvimos mucha expectativa. Salimos del cine con decepción.

Carlos Pierre



UN MUNDO CONECTADO

De Terry Gilliam. Con Christopher Waltz, Matt Damon, Tilda Swinton, Melanie Thierry, entre otros. Música de George Fenton. Duración: 107 minutos.

REGULAR. AMPULOSO DESAFÍO A LA CIENCIA Y AL CINE

Terry Gilliam se caracteriza por su fabulosa imaginación y la ampulosidad y vehemencia de su narración audiovisual, desde “Doce monos” o “Monty Python” hasta este film titulado “The zero theorem”, o bien “Un mundo conectado”, donde volvemos a vivir una historia de sociedades distópicas, no deseables. “Qohen Leth”, a cargo del gran Christopher Waltz ganador de dos Oscars, es un genio de la tecnología que vive en un mundo conectado y controlado por una enigmática figura llamada “La dirección”. De él espera la respuesta que es el meollo argumental. Su vida no parece muy placentera, rodeado por un Cristo sin cabeza y ratas que buscan comida. Su cubículo cibernético y la publicidad que estalla en los alrededores han convertido al mundo en un lugar inhabitable.

Los temas que arroja Terry Gilliam son numerosos, desde fundamentos de la astrofísica hasta ontológicos como es la existencia en sí, el alma, y Dios, en medio de un caos de conectividad sujeto todo a una respuesta. Desde el “Big bang” hasta la solución del llamado “teorema zero”, que podría dilucidar el significado de la vida misma. Muchos ítems para desarrollar con un personaje principal que está atosigado por la realidad y la ciencia. Y así se siente el espectador: metido a presión en un mundo muy complejo con montones de problemas que Gilliam tira y deja sueltos. ¿Por qué nuestro personaje está en tamaña situación? Se desconoce. Y el “agujero negro”, que devora toda materia, es tema que sobrecoge poniendo una buena dosis de fatalismo. Ni siquiera complace visualmente la playa en la que el protagonista encuentra un pequeño solaz a su atribulada vida.

La ampulosidad y la creatividad de Terry Gilliam tienen su expresión máxima pero, al mismo tiempo, una complejidad irresuelta que transforma el film en un puzzle ingrato.

Carlos Pierre
 


LUCY

Guión y dirección de Luc Besson. Con Scarlett Johansson, Morgan Freeman, Min-sik Choi, entre otros. Música de Eric Serra. Duración: 89 minutos.

MUY BUENA. SCARLETT, LA HEROÍNA DE BESSON

Woody Allen la lanzó como una de sus “musas” hasta que Scarlett Johansson recayó en las manos del avezado francés Luc Besson en este film donde entramos en un thriller intenso y sangriento con nexos en la ciencia-ficción. Es la heroína digna de cualquier cómic famoso, con la aparatosidad de los efectos especiales que Besson utiliza “a piacere”.

Lucy (Scarlett Johansson) tiene vacaciones en Taipei, lugar exótico si los hay para unos pocos días de descanso, y sale con un joven que tiene relación con un mafioso coreano (Min-sik Choi). La obliga a llevarle una maleta por lo que la participación de Pilou Asbaek (el galán en cuestión) dura muy poco: lo matan a balazos. De aquí en más, Lucy pasará por duras pruebas y la transformarán en “mula” de una droga cuyos alcances en el cerebro humano son desconocidos: la CPH4, que las mujeres producen durante el embarazo.

Patadas por aquí y por allá hacen que reviente la bolsa de plástico que le insertaron a Lucy por lo que su cerebro tendrá un desarrollo superlativo, desconocido para la ciencia. Morgan Freeman compone al especialista en el tema y a quien recurre Lucy. Hasta el momento, solo se sabe que el ser humano utiliza el 10 por ciento del cerebro y el delfín, el 20%. ¿Qué le puede pasar a una persona que, por obra y gracia de una droga, alcanza a utilizar el ciento por ciento de su materia neuronal? Contado así, da la impresión de un film frío, sin gracias, o muy críptico, como el de Terry Gilliam. Luc Besson hace lo contrario de su colega: toma la idea y la transforma en un policial con todos sus clishés que incluyen persecuciones por un París siempre atractivo, así como el uso asombroso de las computadoras que hace Lucy quebrando la dureza del relato plagado de tiros y muertes.

La magia de Besson está en transformar a Lucy en una heroína, a pesar de que la pasee por toda la historia de la Humanidad, la acerque a un homo-primate, o la lance al comienzo del mundo en medio del Big Bang. Es lo menos afortunado del film que, sin embargo, divierte, entretiene, tiene humor sin hacernos transitar por una engorrosa historia, sino todo lo contario. No se la pierda.

Elsa Bragato



 

JUEVES 11 DE SETIEMBRE DEL 2014.-

Hay ochos estrenos de los cuales cinco son nacionales. Y le sumamos el reestreno de “Tango feroz”, de Marcelo Piñeiro.

Sin señal”, docu-ficción de ciencia ficción pertenece a Daniel Sofía y relata las peripecias paranormales que tuvo un grupo de filmación que se dirigió a la Isla El Faro Rojo. Se indica que está basada en hechos reales. Dentro del cine nacional, es una curiosidad y además atrapará al espectador interesado en una temática poco abordada en nuestro país. Destellos, rayas, abruptos cortes, ponen una buena cuota de suspenso. Interesante con una novedosa banda sonora de Luis Ariel Buchhalter.

Córtenla, una peli sobre call centers”, de Ale Cohen, es un documental de narración bastante sólida que investiga la precarización laboral a partir de los 90, la generación de los call-centers, la explotación laboral en todas sus dimensiones, el “descarte” humano por razones de salud, de edad, y ofrece algunas secuencias breves ficcionadas que son lo más flojo del producto. Sin embargo, el tema es interesante y aporta datos sobre mentiras y verdades a los jóvenes en busca de trabajo siendo un buen llamado de atención para autoridades y sindicatos.

Qué ves? Ecos de lo invisible”, de Sofía Vaccaro, nos habla de nuestros sentidos cuando falta la visión, y cuenta con el aporte de artistas plásticos, de artistas ciegos, y una muy interesante narración que hace muy atractiva a la propuesta. ¿Qué nos permite orientarnos para pintar, por ejemplo, sin tener visión o bien con apenas borrones de luces y sombras? El análisis del documental permite que nos acerquemos a una realidad poco conocida. Muy ilustrativa. Tendrá funciones especiales para personas con discapacidad auditiva y visual en el Gaumont una vez por semana debido al formato especial en el que fue realizado.

Historias breves 9”, presentada por el INCAA, es un largometraje colectivo que lanza al gran mercado cinematográfico a jóvenes realizadores nacionales. Tiene sus “más” y sus “menos” y siempre es una propuesta auspiciosa. Hay que esperar lo que vendrá…

Finalmente, arribamos a “Sin City 2, una mujer para matar o morir”, del imaginativo Robert Rodríguez y Frank Miller, con Josh Brolin y una notable Eva Green. En el 2005 se conoció la primera película “Sin City”, que tomó el formato del cómic en blanco y negro con detalles de color. Este tipo de fotografía resultó un hallazgo en 1983 cuando Francis Ford Coppola realizó “La ley de la calle” con un jovencísimo Mickey Rourke. Si bien se destaca Eva Green en su performance y resulta una película diferente, es cierto también que ingresa en el terreno del “culto” y es más para fans que para el público en general.

“TANGO FEROZ”

Reestreno del film de Marcelo Piñeyro, estrenado en 1993. Con Fernán Mirás, Cecilia Dopazo, Antonio Biranbent, Imanol Arias, Leonardo Sbaraglia y Hector Alterio. Música de Fernando Ballesteros. Duración: 122 minutos.

EXCELENTE. REGRESO DE UN FILM ANTOLÓGICO

Si bien no siempre es bueno mirar el pasado, cuando se rescatan films como “Tango feroz” se siente que se ha hecho algo útil porque se le está dando oportunidad a las nuevas generaciones de conocer un período de explosión cultural. Estrenada en 1993, “Tango feroz” nos relata la vida del cantante José Alberto Iglesias Correa, apodado Tanguito, que vivió entre 1945 y 1972. Justo es decir que no se pudieron utilizar muchos temas originales de “Tanguito”. “El amor es más fuerte”, leit-motiv, lo canta Ulises Butrón y Fernán Mirás, en la piel de “Tanguito”, lo interpreta mediante doblaje.

Antes del comentario crítico, hay que destacar el lanzamiento de Fernán Mirás y Cecilia Dopazo en roles protagónicos, y el debut de Antonio Birabent como actor, ayudado por su papá, reconocido músico, y encarnándolo. Así como la presencia de un más que juvenil Leonardo Sbaraglia, Fernando D’ Elía, y esta pertinaz elección de papeles policiales del gran Héctor Alterio, hecho que no deja de llamar la atención.

El impacto del film es muy emotivo. La recreación del ambiente de los 60 que hace Piñeyro es perfecta. Una clase media baja, muchas ilusiones, una bohemia que podía conducir a la drogadicción (tan en boga el LSD entonces), al virtuosismo o bien mezclar en extrañas dosis a ambas. No había ni lujos mobiliarios ni ropa de última tendencia. Y sí utopías que surgían o por el amor o porque la época era propicia para soñar en dosis altas.

La persecución policial fue otra constante. El pelo largo era señal de “vandalismo”. Se inventaban prontuarios, venía la cárcel, la vejación para los jóvenes más rebeldes que otros. La irrupción de comandos policiales en los boliches fue habitual. Redadas sin piedad. El delito era ser joven. En todas cayó “Tanguito”. Al rock se lo relacionaba con la subversión, sin atenuantes. Y la droga, que tenía un lugar ganado entre los tangueros y no se lo condenó nunca, fue el motivo de persecución de los roqueros. Prisión, períodos de electroshocks en el Borda, consumo de cocaína, dejaron a “Tanguito” fuera de la realidad. ¿Robaba, componía, se drogaba, amaba? Todo eso fue “Tanguito” y más también.

Un dato notable de la película son los diálogos. Tienen contenido, nos cuentan los sueños de esos jóvenes y, en especial, de “Tanguito”, enamorado de una joven bella y de clase alta. No están circunscriptos a la acción elemental. La secuencia tan conocida por fotografías del amor entre “Tanguito” y su enamorada y el tango que bailan desnudos son de una belleza y desenfado inusuales en nuestro cine por su lograda espontaneidad.

Estamos frente a una ficción. Mucho se dijo sobre la falta de apego a ciertos aspectos de la realidad de “Tanguito”, que supo estar hasta en “Sábados circulares” de Pipo Mancera y llegó a componer temas para un único Longplay “Tango”. Pero si empezamos por no tener las canciones que compuso con otros músicos para el film, mal se puede criticar el guión. Como ficción, el amor estuvo hasta el final, haya o no coincidido con la realidad y su triste final (en las vías del ferrocarril, luego de escapar del Borda). Generar un ídolo en el cine sobre la figura ya mítica de “Tanguito” fue y es el mérito de Marcelo Piñeyro.

Es una película diferente, con una fotografía excelente, sólida, con muy buenas actuaciones de un elenco muy jovencito, con un leit-motiv que se sigue cantando, con parlamentos verosímiles. Se redondea la historia de un joven artista que se fue muy pronto. Es también un retrato de época que, si enfervorizó a los jóvenes de los 90, provocará otro tanto en las nuevas generaciones. Por lo que es bueno pensar como el título de la canción, “El amor es más fuerte” porque, en definitiva, “Tanguito” provocó empatía, pasión. El amor por lo que generó fue más fuerte.

Elsa Bragato



ARREBATO

De Sandra Gugliotta. Con Pablo Echarri, Mónica Antonópulos, Leticia Bredice, Gustavo Garzón, Marcelo Melingo, Facundo Giménez, Lawrie, Claudio Tolcachir, entre otros. Música de Sebastián Escofet. Duración: 91 minutos.

BUENA. COMPLICADA NARRACIÓN EN FORMATO DE THRILLER

Las líneas de la vida y de la ficción se cruzan en este largometraje de la muy eficiente realizadora Sandra Gugliotta (recordar “La toma”, documental) donde un escritor es asediado por su imaginación y por la realidad. Casado, cela a su esposa (Mónica Antonópulos) con obcecada paranoia. Se establece una delgada línea entre la realidad y la ficción, teñida de sangre y de una incontenible pasión. El título del film, “Arrebato”, seguramente alude a estos sentimientos compulsivos de “Luis” (Echarri). Surgen entonces coordenadas que se pierden en el infinito: la propia historia y una novela del protagonista que van coincidiendo con hechos que él conoce: una viuda (Leticia Bredice) cuyo marido fue asesinado por celos.

De alguna manera, su propia vida está inmersa en la ficción que se imagina para su novela; ésta verá la luz dos años más tarde en calidad de “autobiográfica”. Hay un juez (Gustavo Garzón) que sospecha de la coincidencia entre el libro y la vida de “Luis”. Y surge así el thriller en el que se mezclan exageradamente la ficción con la realidad, obligando al espectador a una excesiva atención.

Sandra Gugliotta maneja con acierto la fotografía, el sonido y la dirección de arte, así como resulta interesante la banda sonora propuesta por Sebastián Escofet.

Pablo Echarri asume con vehemencia su rol, el que decae por las complicaciones del guión debido a que no logra desgranarse con claridad en la narración audiovisual. Mónica Antonópulos está a la altura del personaje de la esposa celada, mientras que Leticia Bredice no resulta del todo convincente. El film está en la línea de “Betibú”, un thriller bien realizado aunque con idas y venidas narrativas pero sin gran repercusión. Esperemos que, en este caso y aún frente al rompecabezas propuesto, la suerte sea diversa.

Carlos Pierre



WINTER EL DELFÍN 2

De Charles Martin Smith. Con Harry Connick Jr, Asley Judd, Nathan Gamble, Morgan Freeman, entre otros. Música de Mark Isham. Duración: 113 minutos.

BUENOS AIRES. AVENTURAS DE DELFINES EN FAMOSO ACUARIO

“Winter el delfín” nos llevó a conocer la actividad social y de recuperación de animales marinos del llamado Hospital Clear Water en La Florida a partir de Winter, el delfín sin cola que encontró el jovencito Sawyer Nelson (Nathan Gamble), quien logró pertenecer al staff del lugar. La historia continúa con Winter y su falta de cola, suplida por una mecánica que le realizó un reconocido ortopedista, papel que encarna Morgan Freeman. Es decir, el elenco se repite con nuevos integrantes en el acuario: otro delfín muere, y Winter entra en depresión. Se rescata un nuevo delfín pero es capaz de alimentarse solo por lo que es soltado nuevamente en el mar. Aparece una tortuga marina, es curada y soltada en las playas de Florida, mientras un pelicano hace de las suyas como amigo de los animalitos. Swayer ya es un jovencito y se le presenta la oportunidad de un curso con científicos de tres meses de duración en Boston, a bordo de un velero. Pero está Winter alicaída, que lo rechaza, y el peligro de cierre del acuario si no se consigue otro animal que habite la enorme piscina. El mar ayuda y aparece un bebé delfín que puede remediar la acuciante situación. En el cierre se muestran a los chicos con piernas ortopédicas que encuentran un ejemplo de vida en Winter y su cola mecánica. La narración es convencional pero con tensión, y, si bien todo es previsible, la emoción aflora en muchos momentos, o en las secuencias de los delfines acompañando a su joven protector en danzas acuáticas. Una verdadera lección de vida que merece verse con los chicos.

Elsa Bragato

 

EL HOMBRE MÁS BUSCADO

De Anton Corbjin. Con Philip Seymour Hoffman, Rachel McAdams, Robin Wirght, Willem Defoe, Daniel Brühl, entre otros. Duración: 121 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL DE GRAN FACTURA

El holandés Anton Corbjin llevó a la pantalla otro relato del exitoso novelista John Le Carré apelando a un gran elenco encabezado por Philip Symour Hoffman, tan tempranamente desaparecido. Se trata de uno de sus últimos trabajos y un exponente de su enorme capacidad interpretativa, que lo llevo a un Oscar por su genial “Capote”. Lo acompaña un elenco de grandes actrices y actores que logran, con la sabia dirección de Corbjin, uno de los policiales-thrillers más apasionantes de los últimos años, alejado de explosiones y efectos especiales. Es decir, se apela a un guión excelente y a la capacidad actoral del elenco. En síntesis, Cine, con mayúsculas. Y es para señalar porque se rescata de entre el cine pochoclero que inunca la cartelera porteña.

Ambientada en Hamburgo, uno de los puertos más importantes del mundo, apabullante escenario de comercio mundial y de multiplicidad étnica, comienza la inteligente trama cuando un inmigrante, mitad checheno y mitad ruso, reclama una herencia familiar al parecer ilícita. Torturado y con una pesada carga de desgracias sobre sí, su actitud llama la atención de los servicios secretos norteamericanos y, en especial, del jefe del equipo antiterrorista que protagoniza Philip Seymour Hoffman. Pertenece a la comunidad islámica, muy importante en esta ciudad alemana, que lo ayuda a ocultarse.

Con mucha fotografía nocturna y merodeando con la cámara los bares típicos de los puertos, sórdidos y oscuros, Anton Corbjin (consumado fotógrafo y director de arte, música y video de Mile Davis y Frank Sinatra, entre otros) logra mover su cámara de manera tal que surgen los perfiles psicológicos de los personajes a través de gestos y palabras con notable claridad y profundidad. Intriga, rivalidad y política contemporánea, son subtemas más que interesantes que hacen de este policial un drama profundo con una narración audiovisual plena de detalles atrapantes.

A esto le añadimos la coincidencia de ser estrenada este 11 de setiembre, 13º aniversario del ataque a las Torres Gemelas, desde un puerto donde se planificó el ataque a las mismas. Y frente al comienzo de otra guerra de los Estados Unidos contra sectores radicales ubicados en el norte de Irak. De todo esto, bien podemos decir que a la excelencia de Hoffman, cuya pérdida será siempre lamentada, el film nos ofrece una historia que nos sujeta a la butaca con el mejor suspenso. Añadimos que es una pena que se haya omitido la música de Johannes Brahms, hijo dilecto de Hamburgo, dramática e intensa como la historia propuesta por Anton Corbjin. Cine, en definitiva. No se la pierda.

Carlos Pierre



 

JUEVES 4 DE SETIEMBRE DEL 2014.-

Hay ocho estrenos fílmicos, de diversos géneros. “El ardor” es una coproducción de Argentina, México y Brasil, dirigida por Pablo Fendrik (argentino), que fue presentada en Cannes por su protagonista Gael García Bernal, y coproductor junto a Diego Luna a través de la empresa “Canana”. Es una buena película con altibajos narrativos sobre la deforestación, la lucha de los lugareños por sobrevivir ante la llegada de los mercenarios, con momentos de buena fotografía (selva misionera y parte del norte del Río Paraná). Recordemos que Diego Luna y Gael García Bernal surgieron hace unos 14 años aproximadamente como la nueva generación actoral de México.


“Hércules” de Brett Ratner, con Dwayne Johnson, es otra pochoclera para quienes gusten de los tanques cuyos efectos especiales son la esencia. Los “supercinemas” y la tecnología de punta valen más que el guión semihistórico.
“Locos por las nueces”, de Peter Lepermiotic, es un film de animación que renueva las apuestas para los chiquitos. Pueden gustarnos más o menos que otros films de animación pero, en definitiva, son los pequeños quienes le darán o no su apoyo.
“Mujer lobo”, de Tamar Garateguy ofrece un muestrario feroz de sexo y violencia que surge en la línea B de subterráneos capitalinos. Garateguy fue codirectora de una muy buena película “off”, por llamarla de alguna manera, titulada “Upa” (título abreviado), luego dirigió “Pompeya” y ahora nos muestras las “garras femeninas” en “Mujer lobo”, un producto de género filmado en blanco y negro que tiene logros por secuencias con climas bien logrados y hace agua en otros. Profusión de sexo que nos puede hacer pensar en un film XXX pueden incomodar al cinéfilo avezado, por ejemplo, en los films de Federico Fellini.
Y justamente “Qué extraño llamarse Federico”, de Ettore Scola, gran amigo de Federico Fellini es otro estreno. Nos cuenta anécdotas del director fallecido, incluye backstages no conocidos de Fellini, y es una documental estupendo, fantástico, para los amantes del cine y para quienes deseen conocer quién fue el realizador que innovó de los ’50 para adelante la manera de contar en el cine. No se lo pierda.
“Seré millones”, de Omar Neri, Fernando Krichman y Mónica Simoncini, entre otros, nos cuenta en un docu-ficción, el robo de los 10 millones de dólares al BANADE por parte de un grupo pequeño de guerrilleros en 1972. El film es atractivo en su realización, presentando las audiciones a los noveles actores para interpretar a los directores, quienes realizaron el asalto. Surgen planos del banco, recuerdos de militancia, las familias que los apoyaron, y el reencuentro de tres de ellos en el edificio del ex BANADE. Hay honestidad en el relato, es una buena realización, solo nos preguntamos si el contenido narrativo es adecuado a los tiempos violentos que se viven o, dicho de otra manera, si es políticamente correcto.


SI DECIDO QUEDARME
De R. J. Butler. Con Chloé Grace Moretz, Mirelle Enos, Stacy Keach, James Backley, entre otros. Música de Heitor Pereira. Duración: 106 minutos.


BUENA. REGRESO DEL SUPERROMANTICISMO
Es realmente curioso que un film superromántico, con todos los clishés del género, aún los lacrimógenos al extremo, recurra a una protagonista que ejecute el violoncello, que ame al gran violoncellista Yo Yo Ma y al compositor Beethoven y que espere el llamado de la famosa escuela de música Juilliard, de New York. Ingredientes novedosos que no deben atar al violoncello a la sensiblería sino a sus grandes instrumentistas de todos los tiempos.
Cholé Moretz tiene tan solo 17 años y ya es una pequeña gran actriz a quien vimos, por ejemplo, en “La invención de Hugo”, de Martin Scorsese, o bien en “carrie”, sumando unas 50 películas. Rostro agraciado, perfecto, y soltura en su actuación, presencia escénica y convicción frente a las cámaras, acentúan su muy buena performance en esta película que tiene sus “bemoles” pero que las adolescentes no deben dejar de ver porque hay muy pocos films dedicados a ese segmento de edad, con florecientes noviazgos, con rock y música clásica, con familias bien construidas y con hechos trágicos que nos desmoronan y nos enfrentan a la vida real, la que ocurre fuera del enorme cobijo que es el hogar paterno.
“Mia” está apasionada por el violoncello; su padre, un ex famoso roquero, apoya su decisión de ingresar a la prestigiosa Juilliard, mientras que su madre es la perfecta compinche y sostén de la familia. Papel especial tiene el pequeño Jacob Davies como hermano menor que ama el punk. En el secundario aparece “Adam” (Jamie Backley, joven actor británico), amado por las chicas, líder de una banda roquera, que solo tiene ojos para Mia. El despertar del amor con la timidez de la edad, la música, y un viaje con su familia transforman en un caos la vida de Mia con consecuencias que no contamos. He aquí la segunda parte del film donde se recurre a efectos ya vistos: brutal accidente que la deja en coma, Mia recorre los pasillos del hospital sin ser vista, asiste a su propia operación, y otros hechos que dejamos que descubra el espectador. Nos recuerda mucho al film “Ojalá fuera cierto” (tuvo diferentes títulos en castellano) que protagonizaron Mark Ruffalo y Reese Witherspoon.
Nos gustó a pesar de los clishés, es una película que nos remite al romanticismo de todos los tiempos, bastante ausente de las pantallas internacionales. Nos gustó porque pone en un buen lugar la pasión musical, tan sanadora para el espíritu, y porque además le da un valor esencial al núcleo social elemental que es la familia. Y el amor, presente en su más puro estado. Para las adolescentes.
Elsa Bragato


UN VIAJE DE DIEZ METROS
De Lasse Hallström. Con Helen Mirren, Om Pun, Manish Dayal, Charlotte Le Bon, entre otros. Música de A. R. Rahman. Duración: 122 minutos.


MUY BUENA. UNA DELICIA DE COMEDIA
Son varios los ingredientes que toma el gran realizador Lasse Hallstron nórdico (recordemos su romántica e inolvidable “Chocolate”, con Juliette Binoche, Judy Dench y Johnny Depp) para llevar a la pantalla la novela de Richard C. Morais. Juega a los opuestos, los personifica y los “gratifica” con una realización impecable, realzada por el maravilloso paisaje de la aldea Saint- Antonin-Noble-Val de la Francia meridional, pintoresco, con edificaciones de piedra, y la vida apacible y soñada que ofrece.
Dos culturas se contraponen y finalmente se potencian: la cocina hindú y la cocina francesa, los refinados condimentos orientales y el proverbial gusto galo. La familia hindú viene de perder su restorán en su país y se instala en el paradisíaco valle francés donde ya hay, a pocos metros de la vieja casa que restauran para recomenzar la actividad, un hotel con excelente cocina, dirigido por Helen Mirren, que ostenta una “estrella” en la exclusiva guía Michelin, nada menos.
Charlotte Le Bon, modelo y actriz canadiente, encarna a la asistente de Helen Mirren, en un papel – “Madame Mallory” - donde ésta puede desplegar su femineidad, su refinamiento muy “british”, sus cualidades para hablar francés a la perfección, y su notable capacidad actoral. Manish Dayal(norteamericano) compone al cocinero hindú mientras que su padre está a cargo del actor Om Pun.
Los cuatro protagonistas se destacan estupendamente, Hallstrom respeta la novela que da origen al guión y Steven Spielberg, como productor, junto a Oprah Winfrey (ex notable conductora de tv, hoy a cargo de su propio canal de televisión) da rienda suelta a su visión sólida sobre qué hace a un film atractivo. Hay derroche de secuencias fotográficas estupendas, hay un manejo de gustos y sabores de extracción oriental y europea que enganchan al espectador desde “su estómago”. Y, en definitiva, el film se transforma en un delicioso relato que no deja de lado el amor, ni las idas y vueltas que la vida suele dar. Los 10 metros del título aluden a la distancia entre un restorán y el otro. Para disfrutar a pleno!
Carlos Pierre
 

JUEVES 28 DE AGOSTO DEL 2014.-

Hay seis estrenos, de los cuales uno es nacional. Se trata de “Historias de Cronopios y de famas”, de Julio Ludueña, quien conoció a Julio Cortázar en 1972 en París. Rinde homenaje a los 100 años del escritor fallecido a través de la obra de 10 artistas, entre los que destacamos a Antonio Seguí, Carlos Alonso, Luis Felipe Noé. Entre los estrenos está “Dinosaurios”, una coproducción de Estados Unidos y Corea, animación dirigida a los más pequeños, que dirigieron Y.suck Choi y J. Kafka. Y también “El cazador”, de David Mechod, con Guy Pearce y Robert Pattinson, el ex “vampiro”, en un film agónico, denso, por momentos brutal. El desierto australiano y un auto robado como motivadores de luchas tremendas.



VIVA LA LIBERTAD

Guión y dirección de Roberto Andó. Con Toni Servillo, Valerio Maastandrea, Valeria Bruni Tedeschi, Michela Chescon, Ana Bonaiuto, Eric Nguyen, Judith Davis, entre otros. No hay música en los créditos. Duración: 94 minutos.

BUENA. COMEDIA POLÍTICA CON ENREDOS FAMILIARES

Es bien perceptible el sustrato literario del film de Roberto Andó: la novela “El trono vacío” del propio realizador, que tuvo una excelente aceptación entre los lectores italianos. Andó tiene un muy interesante “background”. Es escritor, director teatral, regisseur de óperas, y cineasta. Su raíz operística se nota en el comienzo cuando el protagonista Enrico Oliveri (Toni Servillo) ingresa a un meeting político con compases de una obertura de ópera. Recordamos a Toni Servillo por su trabajo en la fellinesca “La grande bellezza”.

En este film compone a un secretario del principal partido de la oposición, pierde apoyo y entra en crisis. Abandona todo y se refugia en Francia. Su ayudante intenta salir del lío político que se ha generado y lo sustituye por el hermano gemelo del secretario, un enfermo bipolar que acaba de salir de un psiquiátrico.

Aquí se observa la calidad interpretativa de Toni Servillo quien compone a “su hermano gemelo”, con una personalidad totalmente opuesta. El actor asume el riesgo y sale airoso.

En esto encontramos similitud con muchos otros films donde un gemelo sustituye al otro, por lo cual el recurso nos resulta limitado y poco novedoso. No obstante, hay subtemas interesantes, si bien no son profundizados y sí estereotipados: una crítica a la política italiana actual y, por extensión, a la política de la Unión Europea.

La comedia es, a pesar del recurso poco novedoso, inteligente, muy italiana, verborrágica, y atractiva si bien no va más allá de lo aquí expuesto.

Carlos Pierre



NUESTRO VIDEO PROHIBIDO

De Jake Kasdan. Con Cameron Diaz, Jason Segel, Jack Black, entre otros. Música de Michael Andrews. Duración: 90 minutos.



MALA. COMEDIETA INSUFRIBLE

Cameron Díaz se hizo otra cirugía facial y está fantástica aunque bastante diferente. Su cuerpo es maravilloso para los largos 40 años que tiene. Sin embargo, tanta belleza y su gran capacidad para la comedia ágil hacen agua en esta comedieta porque el guión es pobrísimo y la posibilidad de hacer un film con un tema vigente se pierde (videos eróticos privados).

La pasión sexual que la une a su novio y luego su marido (Jason Segel) se va perdiendo a medida que llegan los chicos, una nena y un varón. Entonces encuentran un libro sobre erotismo y deciden ponerlo en práctica y filmarlo en el Ipad última generación que ostentan. No se dan cuenta de que se “viraliza”. Y aquí empieza la tontería: tratar de destruir la “prueba” de la actividad sexual realizada. Jack Black, fantástico comediante, aparece en un rol muy menor, como dueño de la empresa que ha recibido el video. Las escaramuzas que se producen son realmente tontas, infantiles, y si no fuese porque se ve a los adultos en poses sexuales así como primeros planos de sus caras en pleno goce o bien incomodidad por la posición adoptada, bien podría decirse que el target de la película es para chicos.

Gags ya conocidos, recursos pueriles y una pérdida de tiempo para el espectador porque no arranca ni una sonrisa. No compre ni una entrada y espere que la den en el cable.

Elsa Bragato



LOS INDESTRUCTIBLES 3

De Patrick Hughes. Con Sylvester Stallone, Jason Statham, Antonio Banderas, Harrison Ford, Wesley Snipes, Dolph Lundgren, Randy Couture, Terry Crews, Jeg Li, Glen Powell, Kelsey GRamer, Kellan Lutz, Ronda Rousey, Víctor Ortiz, Mel Gibson, Arnold Schwarzenegger. Músico de Brian Tylor. Duración: 120 minutos.



MUY BUENA. POCHOCLO DEL BUENO

Hace más de 30 años Sylvester Stallone, Harrison Ford, Arnold Schwarzenegger y Mel Gibson, crearon personajes y sagas de acción que nos atraparon y tuvieron gran éxito de taquilla. En la última década, Sylvester Stallone se reinventó, entre otros film, con “Los indestructibles” y apareció Jason Statham –reconocido actor inglés de teatro- con su “Transportador”, realizado en Europa, que nos trajo otro héroe de carne y hueso en una nueva saga de tiros y escaramuzas al por mayor.

“Los indestructibles” comenzó su aventura cinematográfica en el 2009, contando entonces con Bruce Willis y apariciones pequeñas de Arnold Schwarzenegger. En esta tercera entrega, el “dream team” supera a las dos películas anteriores en acción y recursos, sumando a los “sucesores”, los jóvenes que son elegidos a lo largo y ancho de los Estados Unidos para ayudar a Barney Boss (personaje de Stallone, creador y guionista de la saga). Hay que destacar la acción que desarrolla la campeona de artes marciales mixtas Ronda Rousey y la participación del púgil Víctor Ortiz, entre otros, como Harrison Ford, experto en estas lides.

En principio, para abordar un comentario coherente de esta película, estamos frente al género de acción interpretada por los íconos de las “balaceras” del cine de Hollywood. La tecnología permite mucha más acción y peleas descomunales muy bien coreografiadas. Los enemigos de estos hombres que hacen “el trabajo sucio” de la CIA ahora cambiaron de lugar: Afganistán. Allí tiene su cuartel uno de ellos, personaje a cargo de Mel Gibson, donde trafica armas. Y es “el malo” a abatir que cuenta con “el ejército” de ese país. Por su parte, el compositor Brian Tyler conoce al dedillo los planteos narrativos de Sylvester Stallone por lo que su partitura surraya lo que debe. Y es atrapante.

Qué vamos a ver, en definitiva? Un film de superacción militar y paramilitar con un sustrato político tenue pero que está y no deja de ser llamativo en su contradicción o, tal vez, en su coherencia. Por ejemplo, el personaje de Gibson indica que “no hay que trabajar para el Estado”, por lo que se puede inferir que o bien se gana más dinero siendo un mercenario o bien las cosas salen mal cuando se trabaja en algún organismo estatal, dedicado a la lucha y exterminio de sus oponentes.

Ver tantas caras famosas en un equipo de lucha no deja de ser un hecho positivo para una narración convencional: cada cinco minutos, una balacera que nos hace saltar de las butacas, con un final apoteósico y un Stallone colgado de un helicóptero. No podemos pedir más. Buena acción y superfamosos que decidieron volver al set. Para pasarla más que bien.

Elsa Bragato



 

JUEVES 21 DE AGOSTO DEL 2014.-

Solo tres estrenos este jueves en Buenos Aires, teniendo el cuenta la buena performance de los supertanques de Hollywood en cartelera. Se calcula que 9 de cada 10 argentinos ve un film extranjero y no uno nacional. Esperemos que esta semana se revierta este fenómeno con el estreno de “Relatos salvajes”.

Junto a este nuevo film de Damián Szifrón se estrenan los documentales “Aprox.”, de Víctor Kesselman, que es un experimento cinematográfico basado en los estudios del lenguaje del cuerpo de Desmond Morris (recordemos que es un zoólogo inglés, de 86 años, que analizó la gestualidad de los animales y la comparó con la humana según el sexo) . El título del film alude a la proximidad de las personas y cómo nos influyen sus movimientos más mínimos, sus gestualidades. La idea de Kesselman es buena pero el tratamiento dado es muy elemental y es lisa y llanamente un experimento en el que se mixturan un relator presente con dibujos y con secuencias ficcionadas. En ellas encontramos actuaciones muy ficticias, poco elaboradas o muy amateurs.

En el caso de “Casas, la máquina de vivir”, de Marina Pessah, se analiza el tema de la vivienda, a partir de tres personajes y de una fotografía que se engolosina con tomas de casas en construcción o refacción.

RELATOS SALVAJES

De Damián Scifrón. Con Ricardo Darín, Rita Cortese, Leonardo Sbaraglia, Erica Rivas, Oscar Martínez, Osmar Núñez, Darío Grandinetti, María Onetto, Julieta Zilberberg, María Marull, entre otros. Música de Gustavo Santaolalla. Duración: 122 minutos.

BUENA. SEIS RELATOS CON GRAN ELENCO

Con “Relatos Salvajes”, Damián Szifrón regresa al cine luego de “Tiempo de Valientes”, de 2005, siento ésta su tercera película. No lo hace solo sino en compañía de “El deseo”, la productora de los hermanos Almodóvar que tienen mucho que ver con el planteo narrativo del realizador y su postura sobre casos de violencia cotidiana. Recordemos “Un día de furia”, con Michael Douglas, que aquí se ve, de alguna manera y con otras historias, reflejada en seis relatos cortos. La furia frente a hechos que nos sacan de quicio, desde un auto mal estacionado hasta venganzas espontáneas pero que no dejan de sobresaltar por la “negrura” con que están contadas. El primer episodio es “Pasternak”, breve, obvio pero reidero, previo a los títulos. Luego se suceden “Las ratas”, “El más fuerte”, “Bombita”, “La propuesta” y “Hasta que la muerte nos separe”.

Hay maduración en el tratamiento narrativo de Szifrón a quien por ahí se le escapa alguna referencia visual de su exitoso “Los simuladores” y está bien.

El elenco es inmejorable. Darín, Cortese, Grandinetti, Nuñez, Martínez, Sbaraglia, Rivas, por dar solo algunos nombres siendo injustos en esto, son estupendos, creíbles, fantásticos actores. Y cada episodio, con sus más y sus menos, atrapa al espectador.

En algunos momentos, falta espontaneidad y esto se debe a la dirección actoral; en otros, se alargan innecesariamente los parlamentos; también se les da alguna vuelta de tuerca a alguna de las historias que le saca tensión, vértigo y efectismo.

Veamos: el primer episodio es reidero aunque obvio. El segundo, Las Ratas, tiene una terminación impura, se nota la necesidad de esperar que la cámara termine de filmar para “cerrar”. En el tercero, protagonizado por Sbaraglia, encontramos el mejor relato desde todo punto de vista. El montaje, la escenografía natural, la historia tal como se plantea, resultan perfectas. No ocurre lo mismo con el episodio que encabeza Ricardo Darín , “Bombita”, porque su efectismo se diluye en la extensión y en la obviedad del final. “La propuesta” resulta el mejor en la narración audiovisual y en los diálogos. En “Hasta que la muerte nos separe” falta vértigo, tomas diferentes, aunque las hay muy buenas, y se produce un regodeo en la capacidad de Erica Rivas para largos parlamentos que le quitan ritmo a la historia. Incluso, se la une fácilmente a su exitoso personaje televisivo en “Casados con hijos”.

La venganza es el motor por excelencia de las actitudes menos gratas de los seres humanos. Basta con leer a Shakespeare. Y en este film tiene seis matices en seis relatos, con sus altibajos tal como indicamos, que resultan atractivos y sintetizan la intolerancia ancestral humana. Si bien los relatos se refieren a personas en situaciones casi límites, no podemos hablar de hechos vinculantes con una “crispación social” actual. En todo caso, los hechos violentos que se van sucediendo tienen que ver con la impunidad con que el ser humano se maneja desde que está sobre la Tierra.

La banda sonora de Gustavo Santaolalla es muy buena y, por primera vez, notamos que el músico ha sabido captar la “esencia almodovariana” además de recuperar sus propios sonidos. Y esto es plausible. Pero Szifrón fue más allá de Santaolalla y recurrió a una melodía que se hizo famosa en el cine: la del film “Juegos prohibidos”, de René Clement, compuesta por el maestro Narciso Yepes .

Damián Szifrón regresa con un buen producto, más allá de cualquier comentario crítico. Insistimos en que al cine nacional le hace falta vértigo, cámaras, montajes ágiles, más ritmo. Y, si bien no todos los relatos requieren el mismo tratamiento, más tomas o un montaje mucho más ágil transformaría a este film en algo perfecto. Será un éxito de taquilla y merecido.

Elsa Bragato

Informe crítico: Carlos Pierre

 

JUEVES 14 DE AGOSTO DEL 2014.-
 
Hay tres estrenos que varían en sus títulos según se tome en cuenta films que van a salas alternativas, no comerciales, o no.
Tortugas Ninja” es una película muy esperada por la platea pequeña, en 3D, que trae a estos reptiles a la pantalla, luego de la acertada creación de Kevin Eastman y Peter Laird en los 80. No es un film para comentar, es más de lo mismo como solemos decir, efectos especiales a troche y moche y una historia banal. Para comer pochoclo y no pensar, por lo que nos ahorramos la crítica.
 
GRACIAS POR COMPARTIR
Guión y dirección de Stuartblumberg. Con Mark Ruffalo, Gwylneth Paltrow, Tim Robbins, Pink, Josh Gard, Joely Richardson, Alecia Moore, entre otros. Música de Craig Wedren. Duración: 112 minutos.


BUENA. INTERESANTE COMEDIA SOBRE EL SEXO
“Gracias por compartir” de Stuart Blumberg (“La vecina de al lado”, “Más que amigos”) tiene dos claras vertientes: la romántica, que desarrolla la pareja protagónica formada por Mark Ruffalo y Gwylney Paltrow, y la adicción al sexo como tema central. Si repasamos la filmografía de Blumberg, es un tema recurrente bajo diferentes ópticas. La pareja en cuestión deberán sortear los obstáculos que surgen por la adicción de él y la desmesurada soberbia de ella.
Es una comedia dramática en un contexto adulto y de inteligente narración, enmarcado en la ciudad de New York y su fascinante Central Park.
Blumberg va más allá: no es una adicción al sexo casual o surgida naturalmente. Apunta a mostrarnos todo lo que nos rodea en la vida cotidiana y que nos impulsa a diferentes adicciones, desde la fast food hasta las cirugías estéticas y el sexo también.  La cura surge en un grupo anónimo que se reúne para desentrañar el origen de la adicción y se encuentran numerosos puntos en lo que nos rodea, desde las imágenes sexuales que surgen en los comerciales de la televisión hasta en las publicidades gráficas callejeras. La “adicción visual” es el disparador. Y a partir de esto Blumberg nos señala otras que pueden surgir por la polución visual: la bulimia, la droga, el alcohol. El entramado social está enfermo.
La película es dinámica, sumadas a la efervescencia neoyorquina, el ir y venir de sus habitantes, de los turistas, y la actitud de los adictos “a la fuerza”, podemos agregar, que encuentran los disparadores a la vuelta de la esquina o enfrente de sus ojos.
Hay secuencias muy simpáticas, reideras, matizadas con canciones y hasta con la alegre sinfonía italiana de Mendelssohn y la profunda partita de Bach.
La pareja Ruffalo-Laltrow es un hallazgo, los dos aportan apostura y credibilidad a la comedia dramática, y la solvencia características de los profesionales que transitan los sets. Destacamos los papeles secundarios de Josh Gard y el gigantesco Tim Robbins, con lo que se cierra un círculo áulico de actuaciones.
Es una película muy atractiva para el público joven pero adulto con un tinte aleccionador que está lejos de ser moralina: nos muestra el desmesurado crecimiento audiovisual al que estamos sometidos y sus consecuencias en diferentes adicciones que podemos contraer, según la debilidad de cada uno. Un retrato social y una buena comedia. Dos elementos muy atractivos.
Carlos Pierre
 
EL DÍA FUERA DEL TIEMPO
De Cristina Fasulino. Con Gonzalo Urtizberea, María Marull, Paula Marull, Jorge Booth, entre otros. Música de Marcelo Ferreyra. Duración: 89 minutos


REGULAR. MEZCLA RARA E INCONEXA
“El día fuera del tiempo” intenta conectar la cosmogonía maya con las atrocidades de la última dictadura militar y las consecuencias en dos hermanas, las actrices María y Paula Marull, dentro de un policial. El film se abre con una voz en off y las manos de una criatura que dibuja indicándonos que, según el calendario maya, de 18 meses con 20 días cada uno, en el mes de julio caen cinco días que no pudieron ser tenidos en cuenta y se consideran “aciagos”, malditos. Pasados éstos, el año nuevo se inicia.
En 1987, en una escuela franciscana, se produce la muerte de la profesora de catequesis, no querida por los alumnos ni compañeros, en la biblioteca. Aparece el detective, encarnado por Gonzalo Urtizberea, que inicia la pesquisa poniendo en jaque a los integrantes de la comunidad religiosa, la escolar y dependiendo del dibujo al azar que hizo la sobrina de la profesora de música. Su mamá está recluida luego de ser “chupada” por la dictadura militar y tener a la niña en un ocasional “touch and go” con un enfermero ahora devenido en sacerdote pero sin los hábitos franciscanos. Su hermana, la profesora, es quien la lleva al colegio.
El guión no tiene sentido. Salvo la parte estrictamente policial que encabeza Urtizberea, lo demás se cae por su inexistente peso, confuso, y sin goyete, para ser más claros.
La niña Ariadna está en la picota. Genaro, el portero, no se salva. Y el seudo sacerdote cobra una relevancia incoherente. Hay secuencias que así lo comprueban: una, es el encuentro amoroso, repentino, entre el seudosacerdote y una de las hermanas, la que va al colegio con su sobrina. Y la secuencia en la que ésta decide escaparse con él, se lo informa a su hermana (quien vive enclaustrada por lo sufrido, madre de Ariadna), tomando apenas un bolsito de mano para no volver más. Uno piensa que se marchó, que tomó el tren o el avión. Pero no… Aparece de la nada en una plaza cercana a la casa donde camina su amado, que quiere recuperar a la niña porque es el padre...
Es una pena que todo sea tan inconexo. Hay una buena dinámica o ritmo narrativo pero el guión no tiene asidero alguno. Algunas actuaciones son buenas o están acordes con sus papeles. Pero el resto hace agua. Todo se derrumba ante el apuro por cerrar historias que tampoco nos resultaron claras. Otras fueron muy mal coreografiadas como la pelea en la puerta del colegio, decir pueril es poco.
Lamentamos el tenor del comentario crítico. No nos gustó. Y quedamos sin comprender la relación con la cosmogonía maya.
Elsa Bragato
 

JUEVES 7 DE AGOSTO DEL 2014.-

Hay diez estrenos este jueves, que incluyen los documentales “Gabor”, de Sebastián Alfie, sobre un fotógrafo ciego en Bolivia, y “La cárcel del fin del mundo” de Lucía Vassallo, que nos remite a la cárcel de Ushuaia. Hay datos que los jóvenes realizadores desconocen: en esa cárcel- museo estuvieron presos muchos músicos paraguayos tales como el padre de la guarania, José Asunción Flores, y el buen pianista Francisco Alvarenga. Pero no se los recuerda o no hay conocimiento sobre el objetivo de la cárcel en sí: reprimir no solo a los criminales sino también a los artistas e intelectuales de la época por sus ideologías.

“Tierra de María” es un film católico de Juan Manuel Cotelo, surgido de la fundación Centro de Medjugorje, donde se produjo una aparición de la Virgen María. Miles de personas siguen el legado de Jesucristo y adoran a la Virgen, ¿engañados o no? Una investigación interesante y emotiva destinada al público esencialmente creyente.

Entre las “biopic” del año surge “Violette”, de Martin Provost, el mismo realizador de la estupenda “Seraphine”, dedicada a la artista Seraphine de Sentis, un film que deslumbró hace unos años. “Violette” está dedicada a la escritora Violette Leduc, en los tremendos tiempos de la postguerra, una mujer de rostro poco agraciado, con una elección sexual condenada en la época. Está dentro del género “autoficción”.

Como curiosidad, ya presentada en salas alternativas y festivales, está “La ballena va llena”, del círculo artístico Estrella de Oriente, de seis directores: Daniel Santoro, Juan Capurro, Pedro Roth, Tata Cedrón y Marcelo Céspedes. Es un documental ficcionado sobre un proyecto artístico muy interesante, que fuese presentado en el 2007 en Recoleta. Subsidios, becas, y sus sinuosos caminos para dar vida a un plan artístico de alto vuelo.

Viene con muy buenas críticas “Mauro”, opera prima del reconocido montajista Hernán Roselli, presentada en el BAFICI y con premios. El submundo de un pasador de dinero falso, la droga, y un universo que existe, con propias reglas, desconocido en el “downtown” porteño. Roselli ha sido muy distinguido por la solidez de su narración a partir de una historia pequeña. Tiene una estética muy personal.

Asimismo hay otra ficción nacional, estrenada en Mar del Plata, “Tiro de gracia”, de Nicolás Lidijover, sobre un asalto a un supermercado. En este caso, no nos convenció para nada la dirección actoral y, en consecuencia, las actuaciones nos resultaron poco convincentes. El esfuerzo de un policial nacional sí es valioso.

Finalmente tenemos otro documental, “Escuela de sordos”, que ya tuvo un preestreno hace un año o más, de Ada Frontini, producto cordobés auspicioso por la realización. Nos cuenta la vida de Alejandra Agüero que ha creado esta escuela para sordos en la zona de Bell Ville, Córdoba.



JUNTOS… PERO NO TANTO

De Rob Reiner. Con Michael Douglas, Diane Keaton, Sterling Jerina, entre otros. Música de Marc Shaiman. Duración: 94 minutos.

BUENA. COMEDIA SIN EXIGENCIAS

Rob Reiner, con el blasón de su recordada “Cuando Harry conoció a Sally”, encaró el guión de Mark Andrus con la vía libre que le dieron dos artistas del calibre de Michael Douglas y Diane Keaton, de por sí, un atractivo taquillero de esta comedia bien hollywoodense.

Entretenida, por momentos punzante y hasta con climas tiernos, estamos en presencia de un film que nos muestra ciertos rasgos discriminatorios de la sociedad norteamericana, entre ellos, la descalificación de los latinos. Hay una secuencia que nos cae mal: Michael Douglas, un recalcitrante hombre de pensamiento “tea party”, se refiere a su nieta de 9 años como parecida a “una guatemalteca”. La pequeña llega al abuelo cuando su hijo va a la cárcel por lo que el hombre y la pequeña son dos desconocidos entre sí. Una vecina amable, compuesta por Diane Keaton, lo ayudará.

Recordamos a Diane Keaton junto a Jack Nicholson, con “Cuando menos te lo esperas”, del 2003. Esta película de Rob Reiner nos remite a este tipo de protagonistas cuyos destinos cambian por algo que ni se imaginan. Keaton es la coestrella fundamental para hacer amable un film que, como el que nos ocupa, comienza de manera ácida para transformarse en una comedia amable. El personaje de Douglas tiene un inicio neurótico, que nos lleva al personaje de 1992 en “Un día de furia”, persiguiendo a un perro que le ensucia un terreno lindero a su casa.

La pequeña Sterling Jerina, de promisorio futuro, logra un reacomodamiento de su alterado abuelo, al que se suman el encanto de Diane Keaton, su grácil figura y su generosa sonrisa. A esta comedia no hay que exigirle nada más. Deja una buena sensación, nos relaja durante una hora y media, y, si bien es “más de lo mismo”, su realización es sólida, favorecida por exteriores e interiores de casas bellas y coloridas. Entre tanta violencia y “tanques” con monstruos, es reconfortante un film que no pretende nada más que entretener con una historia convencional y amable a la vez.

Carlos Pierre



LÍBRANOS DEL MAL

De Scott Derrickson. Con Eric Bana, Edgar Ramírez, Olivia Munn, Sean Harris, Joel McHake, entre otros. Música de Christopher Young. Duración: 118 minutos.


BUENA. BRUTAL BATALLA CONTRA EL MALIGNO

“Líbranos del mal” se basa en hechos que el sargento Ralph Sarchie, en la vida real, vivió en el barrio del Bronx. Escribió el libro que da base al film.

Scott Derrickson es el mismo realizador de “Sinister”, tiene una estética particular, muy densa, se maneja con enorme solidez en la fotografía y el montaje, y es un sabio conocedor del “tiro de cámara” ubicándola de manera tal que da la impresión al espectador de compartir los hechos con los protagonistas. Además, no se priva de ninguna toma por lo que veremos a New York desde el aire, de noche y de día, y recorreremos el Bronx paso a paso con Eric Bana, quien asume el papel del policía del barrio, casado, con una pequeña hija, y con enormes responsabilidades que van surgiendo, trastocando su vida.

No podemos pasar por alto un mensaje entrelíneas del film: tres marines, en plena guerra de Irak, son “poseídos” por el Maligno al ingresa a un túnel que termina con un paredón donde hay inscripciones diabólicas en latín. Estas escenas así como la narración posterior nos remiten inmediatamente a la “teoría de los dos demonios” del ex presidente George W. Bush, el demonio está en Irak y poseyó a tres marines. Es tan así como lo decimos.

De regreso a su país, estos marines serán las tres puntas a seguir por el sargento Sarchie, en noches muy lluviosas y oscuras, de calles barrosas, de New York junto a su compañero de móvil. Cada marine tiene su propia historia de posesión. Pero hay uno en especial, Santino, que se las trae y para Sarchie no es algo que pueda aceptar fácilmente dado que se ha transformado en un ateo, no cree en Dios. La aparición sin vueltas de un jesuita, el padre Mendoza (Edgar Ramírez, venezolano), será el punto de unión de estas historias donde se mezclan lo nítidamente policial con lo religioso y concretamente con la posesión demoníaca.

La solidez, como decíamos, de la narración, atrapa al espectador. Uno debe sostenerse en la butaca para no saltar por la angustia o el susto que muchas escenas producen gracias a un extraordinario manejo del sonido. Hay, en cambio, algunos puntos narrativos que confunden y, por momentos, también alivian provocando una sonrisa: los demonios buscan “la puerta” del alma para ingresar y no hubo mejor idea que recordar a “The door” con la voz de Jim Morrison.

No hay aspecto que el director no toque: el ingreso de Sarchie a tantos hechos oscuros y sangrientos conmueve los cimientos de su hogar con derivaciones que no resultan muy claras o bien pudieron tener otra resolución más verosímil.

Sobre el final se viven situaciones diversas: el exorcismo del padre Mendoza a Santino es espeluznante, sobrecogedor, estremecedor. Es la primera vez que, sin que a nadie le gire la cabeza en el cuello o escupa una repugnante saliva verde, un exorcismo tiene visos de realidad aún con detalles de ficción como el resquebrajamiento de la frente de Santino de manera estrepitosa marcándosele la corona de espinas de Jesús. El padre Mendoza utiliza, en un latín dudoso, la oración de San Benito, así como se muestra la medalla del fundador de los conventos contra el Maligno, detalles que evidencian el conocimiento de la religión católica de Derrickson. De hecho, es un egresado de la carrera de Teología.

El otro aspecto que diluye la enorme fuerza narrativa expuesta es la aceptación de Dios por parte de Serchie en una secuencia rápida e inocua, que contrasta brutalmente con la fuerza arrolladora del inicio. En síntesis, la película es atrapante y brutal, con escenas impresionantes de asesinatos, tiene varios puntos flacos en su guión, y algunos personajes poco resueltos. No obstante, los espectadores con espíritus fuertes pasarán casi dos horas de estremecimiento puro por lo que el objetivo primario está alcanzado. El “oculto” tiene que ver con los demonios que habitarían Irak (SIC)… Y ahí entramos en cuestiones políticas.

Elsa Bragato

 

JUEVES 31 DE JULIO DEL 2014.-

Hay siete estrenos que incluyen cuatro nacionales. El material es variado y no nos conformó plenamente. Hay que tener en cuenta el éxito de taquilla de “El planeta de los simios…”, “Bañeros 4” y “Transformers 4” que siguen ocupando salas por la afluencia de público. Esto indica que los estrenos son complementarios dentro de la cartelera. Además se estrenan en salas fuera del circuito comercial tradicional.

“Guardianes de la Galaxia” es otro film basado en un cómic de Marvel, de James Gunn, con Chris Pratt, Zoe Saldana, Bradley Cooper, Vin Diesel, Benicio del Toro y Glenn Close entre otros. La duración es de 121 minutos y promete más de lo mismo, con la inclusión de un “mapache” armado y mucha acción. Buena? Depende del gusto del espectador.

En el caso de “Al fin del mundo” y “Tótem”, ambos de Franca González, son documentales que siempre tienen su público y que aportan, por lo general, historias diferentes. Una extraña Navidad en la nieve y la realización de un tótem, respectivamente.

 “Making off sangriento- Masacre en un set de filmación” de los hermanos Gonzalo y Hernán Quintana, pertenece a la productora “El desquicio” y nos explica lo que veremos. Hay un asesino serial que se mete en un set de filmación, y hará de las suyas, o sea matará a cuanto actor o actriz pueda. Las escenas son fuertes, se hizo una exageración del “gore” norteamericano, con actuaciones endebles y profusión de líquido rojo. No nos convenció.

La otra rareza de esta semana es “Avanti popolo” del uruguayo Michael Wahrmann, realizado en Brasil. Con Carlos Reichebach, fallecido en el 2012, y André Gatti. Un padre que vive soñando que un hijo regrese (partió a Rusia), recibe en su modesta casa, donde vive acompañado por un perro, al otro hijo recién divorciado. Aquí se mezclan las vivencias políticas del director con los sucesos de los 70 a través del encuentro fortuito de viejas películas caseras de su hermano. Es un film claustrofóbico y depresivo, que tiene una muy buena idea y buena fotografía. Sin embargo, no es comercial más allá de su recorrida a través de diferentes festivales internacionales.

 

MAREA BAJA

De Paulo Pécora. Con Germán de Silva y Susana Varela, entre otros. Duración: 73 minutos.

BUENA. REALIZACIÓN CUIDADA

La historia que nos plantea Paulo Pécora es interesante y bien trabajaba aunque no resulte un film popular ni taquillero. Un ladrón se escapa al Tigre y quiebra la rutina de dos mujeres que viven solas, en medio de cañaverales. Se le da alojamiento, surge algún romance, y el clima creado por Pécora nos introduce en recorridos por los riachos internos con muchas curvas que impiden ver de qué manera continúa el camino acuático. Esto significa mucho: el personaje está encerrado en un problema del que le cuesta salir. O no sabe cómo. Su adicción a la droga es otro detalle que parece ineludible hoy en día en films nacionales y extranjeros y que no aporta nada. Hasta que llegan dos individuos y se entabla un thriller muy sangriento.

Las actuaciones de Germán de Silva y Susana Varela son buenas, convincentes. No ocurre lo mismo con los “dos malandras” que vienen a pedir su parte. Lamentablemente se cae en un relato convencional y sin fuerza que desmorona la primera parte, con logros fotográficos, de clima y actuaciones. La realización es cuidada, la fotografía es muy buena, y hay actuaciones meritorias. La historia y su tratamiento se encuadran en el cine-arte.

Elsa Bragato

 

 

LOS INSÓLITOS PECES.GATO

De Claudia Sainte-Luce. Con Ximena Ayala, Lisa Owen, Sonia Franco, Wendy Guillén, Andrea Baeza, Alejandro Ramírez Muñoz, entre otros. Duración: 89 minutos.

MUY BUENA. BIOPIC DE UNA ESPECIAL VIDA EN FAMILIA

La directora mexicana Claudia Sainte-Luce se animó a contar su propia vida cuando, luego de soledades y una operación, pudo integrarse a la vida familiar de una mujer, enferma terminal de SIDA, con cuatro hijos, tres mujeres y un varón. La solidaridad de una le permitió tener un hogar a quien no tenía nada. Claudia es encarnada por Ximena Ayala.

Lo curioso del film, y emotivo también, es que una de las hijas de ficción de la actriz Lisa Owen (Martha) es hija en la realidad de quien dio origen al film, su fallecida madre Martha.

De menor a mayor, la película va metiéndose en nuestros corazones, a veces con diálogos poco interesantes o sin vuelo, pero mostrándonos siempre la vida en familia de cuatro adolescentes que están atentos a la madre y la evolución de su enfermedad, que la llevan al hospital cuando tiene recaídas, pero que jamás pierden el sentido de la familia, ni la risa ni la espontaneidad, sumando ahora a Claudia. De la misma manera que el film crece en narración, también lo hace técnicamente, aportando más y mejores planos, enriqueciendo lo audiovisual en sí.

Es una agradable sorpresa que debe verse, una vida en familia sin traumas sociales pero sí traumas o problemas reales, con ausencia del padre pero la presencia de una vigorosa madre aún en su lucha final. Y la “añadida”, Claudia, que se deja ganar por esta familia y que es, nada menos, que la realizadora del film. Nos conmovió, nos sedujo, nos encantó. Además es la ópera prima de Sainte-Luce y le augura un fantástico camino como realizadora

¿Por qué “Los insólitos peces-gato”? Porque el varón de la familia, el hijo menor, puso un gato oriental de la suerte, de ésos que mueven un brazo, dentro de una pecera con agua, donde vive un pez chiquito de verdad, convirtiéndolo en el símbolo de su familia. Donde están todos, está la insólita pecera.

Elsa Bragato