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Crítica On Line
Los estrenos de la semana
Por Elsa Bragato

BRAGATISSIMO
www.arinfo.com.ar

Sábados de 15 a 16

ELSA BRAGATO Y CARLOS PIERRE


 

*Colaboración del crítico y productor Carlos Pierre

http://www.elsabragato.blogspot.com  El site de Elsa Bragato

 Ver estrenos anteriores

 

Entrevista a VIRGINIA LAGO
 
Entrevista al MTRO JORGE CALANDRELLI

 

JUEVES 11 DE DICIEMBRE DEL 2014.-

Este jueves hay 11 estrenos para todos los gustos. “Grandes héroes” es la animación de la semana sobre un robot inflable y gordo que recuerda a las figuras notables del gran Fernando Botero. Reafirma la unión de Disney con Pixar y Marvel. Simpática e ingeniosa. “Un pasado imborrable” reúne en pocas semanas a la pareja protagónica formada por Colin Firth y Nicole Kidman (el film anterior fue “Antes de despertar), en este caso sobre la vida de Eric Lomax, capturado en la segunda guerra por los japoneses. Es un buen film con flasbacks, nos habla de las cicatrices de la guerra. “Una buena mentira” nos trae a Reese Witherspoon intentando recuperar a los llamados “niños de Sudán”, ya grandecitos, y una supuesta reinserción en la sociedad norteamericana. Tiene más características de telefilm que de film. “Rambleras” es uno de los dos films uruguayos que se estrenan esta semana (el otro es “Zanahoria”) de Daniela Speranza, una ficción sencilla y agradable sobre tres mujeres de diferentes edades y estados civiles. Trabajan Adriana Aizenberg y Nicolás Pauls. Es una buena comedia.

Los estrenos de esta semana tienen novedades poco comunes y que suelen darse hacia fin de año solamente: inclusión de films latinoamericanos como los uruguayos que mencionamos así como el brasileño “El blanco afuera, el negro adentro”, que acaba de ganar la Competencia Latinoamericana del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, un docu-ficción sobre las condiciones de dos jóvenes, uno en silla de ruedas y el otro con una pierna ortopédica, la vida fuera de la “ciudad de los blancos” con la radio clandestina y cierta ciencia-ficción que aporta interés. Buena. Así como el film cubano “Juan de los muertos”, que comentaremos en detalle.

Se incluyen los documentales “UNASUR en Haití, Reflejos de la Argentina solidaria”, una visión nacional sobre las condiciones de Haití, país olvidado por el mundo donde, luego del brutal terremoto de enero del 2010, la indigencia es el rasgo más común en su población, y “Reconstruyendo a Cyrano”, de Eduardo de la Serna, que nos muestra el backstage de la puesta en escena de la obra “Cyrano” y los esfuerzos que se hacen en el teatro independiente nacional para llevar a cabo una puesta en escena. Ambos documentales son muy interesantes, aún con la diversidad de sus contenidos.

 



CALVARIO

De John Michael McDonagh. Con Brendan Gleeson, Kelly Reilly, Elaine Cassidy, David McSavage, M. Emmet Walsh, entre otros. Música de Patrick Cassidy. Duración: 102 minutos. Destacamos la participación de la productora argentina, Flora Fernández Marengo, a través de Reprisal Films.

MUY BUENA. DURO CUESTIONAMIENTO A LA PEDOFILIA EN LA IGLESIA

La dosis de ficción que el irlandés John Michael McDonagh logra en su guión ayuda a sobrellevar el duro enfoque de la pedofilia en la iglesia católica irlandesa, encarnada por un “cura bueno” que protagoniza un monumental Brendan Gleeson. El tema es muy actual en Irlanda donde no tuvo objeción de los eclesiásticos y además se ajusta a la política actual del Papa Francisco de denunciar y acorralar, si cabe la expresión a los pedófilos que ensucian el sacerdocio.

El padre “James Lavelle” es el eje de este film que recurre a un montaje muy ágil y a un limitado elenco para contarnos la historia de un crimen relacionada con los “curas malos”, los pedófilos. Desde el inicio, la narración nos muestra al padre Lavelle en un confesionario, un largo primer plano donde el diálogo con un feligrés anuncia lo por venir, duro, directo, lenguaje sin vueltas. El thriller acompaña entonces la vida de este sacerdote que se preocupa por una sociedad, aún siendo pequeña, aquejada por vicios y enfrentamientos para los que no tiene muchas respuestas. Es sencillamente un ser humano que lleva consuelo y que asume su incapacidad por no tener la solución de los problemas sino tan solo ser la guía para que cada uno encuentre su camino por sí mismo.

Hay cuatro momentos muy especiales en la vida del padre Lavelle: su “condena a muerte” en el comienzo porque “matar a un cura bueno un domingo” es sublimar el pecado de los pedófilos, el reencuentro con su hija (Lavelle enviudó y tomó los hábitos, una similitud no buscada con la vida del escritor Lope de Vega), el incendio de la iglesia y el asesinato de su perro. Lavelle es un pecador también, fue alcohólico, y no oculta sus debilidades humanas sino que las transmuta en piedad hacia el prójimo enfrentando el destino que en una semana tendrá: su muerte a manos de un oculto feligrés. Se destaca la amistad con un escritor de la zona, interpretado magistralmente por M. Emmet Walsh, uno de los personajes positivos que dan “aire” al thriller.

Brendan Gleeson, que ha sido aclamado por este trabajo, nos regala todos los matices posibles en una actuación memorable: sus conflictos como padre, su imposibilidad de solucionar la enfermedad espiritual de la comunidad, su dolor, su furia, y su entereza. Es la segunda performance en largometraje que realiza para McDonagh (la anterior fue en “The Guard”). Hay una frase que rescatamos: “Se habla mucho de los pecados y muy poco de las virtudes”, que incluyen el perdón, una de las bases del pensamiento cristiano.

Es decir, desde la óptica de un sacerdote, McDonagh aborda una temática existencialista por excelencia. Es el hombre frente a sí mismo, su finitud, sus tormentos, su capacidad de lucha, sus pecados, sus logros, su piedad hacia sí mismo y hacia el prójimo.

John Michael McDonagh es un potente realizador independiente de origen irlandés y tiene un actor fetiche, Brendan Gleeson. Este film, polémico, es un pasaporte directo al gran público por temática y por realización. No es necesario tener un supermillonario presupuesto y un elenco multitudinario para llegar al corazón y al pensamiento de la audiencia haciendo lo que se llama lisa y llanamente “cine”.

Elsa Bragato

CHARLA CON LA PRODUCTORA FLORA FERNÁNDEZ MARENGO



Flora Fernández Marengo vive en Londres y viaja asiduamente a Buenos Aires. Es productora de cine independiente y publicista, habiendo ganado numerosos premios por su actividad. Fundó en el país la productora “Labhouse” y “Reprisal Films” en Gran Bretaña, productora de cine independiente junto al director John Michael McDonagh y el productor Chris Clark. La película “The Guard” es fruto de esta unión profesional, y logró en la Berlinale 2011 una mención especial en la categoría Panorama. En una charla luego de la exhibición del film para los cronistas, nos contó que el tema de la pedofilia y el repudio de la comunidad católica son muy fuertes en Irlanda, al punto que muchos feligreses han dejado de serlo. “La iglesia de Irlanda no tuvo ninguna objeción sobre el film”, indicó, y ya fue presentado en el Sundance Festival, entre otros, con buena aceptación. El lanzamiento es paulatino, todavía faltan España e Italia, países con fuerte raigambre católica. Subrayó que John McDonagh concibió el guión en pocos días, si bien era un tema que tenía “in mente” hacía más de una década y que siempre se pensó en Brendan Gleeson como protagonista. Ya en el rodaje, se necesitaron seis semanas para realizarlo, para luego pasar a la postproducción. En cuanto a la recuperación de la inversión, se ha logrado en buena parte gracias a la repercusión internacional. La crítica irlandesa apoyó abiertamente el nuevo film de John Michael McDonagh.

 



HASTA QUE LA MUERTE LOS JUNTÓ

De Shawn Levy. Con Jane Fonda, Jason Bateman, Tina Fey, Adam Driver, Rose Byrne, Kathryn Han, entre otros. Música de Michael Giacchino. Duración: 103 minutos.

BUENA. UNA FAMILIA EN APUROS

La muerte del patriarca familiar obliga a la reunión de los cuatro hijos con la madre, a cargo de Jane Fonda. Toma de sorpresa que “Hillary” insista en que los hijos (cuatro con mayoría de varones) cumplan con una celebración judía dado que el fallecido era un católico ateo mientras que la ella era judía no practicante y jamás habían tenido en cuenta ninguna de las dos religiones. Jane Fonda compone a una madre escritora preocupada por su apariencia, por lo que se hace alusión continuamente a su nueva cirugía mamaria y a qué amante “le podrían corresponder ahora”. En esta celebración familiar empiezan a ocurrir situaciones no esperadas, desde el encuentro de cuñados y cuñadas que deciden hacerse el amor salvajemente hasta el reencuentro de “Judd” (Jason Bateman), eje del guión, con una novia de otros años. Separados, casados por conveniencia, los hijos de “Hillary” muestran toda la gama posible de logros y fracasos personales que, por cierto, estallarán en algún momento. Esa reunión familiar no solo servirá para cumplir, en parte, el deseo del padre fallecido sino para la solución de viejos problemas conyugales de los cuatro hermanos. La que da la nota es “Hillary” quien tiene nuevos “hábitos amatorios”, sorprendiendo a sus ya grandecitos hijos.

La comedia tiene ritmo, es ágil, tiene una veta un tanto diferente por el motivo de la reunión familiar que excede el hecho del último adiós al progenitor, y muestra la integración judeocristiana en los últimos 50 años así como un apego a las celebraciones religiosas más a la fuerza que por propias convicciones. La apertura sexual del Tercer Milenio irrumpe con fuerza en una familia que intenta ser tradicional pero que se ve avasallada por la realidad. La hipocresía ya no vale. Para pasar un grato momento y hacerse algunos replanteos.

Elsa Bragato

 



ZANAHORIA

De Enrique Buchichio. Con César Troncoso, Martín Rodríguez, Abel Tripaldi, entre otros. Música de Mario Buchichio. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA. CONSECUENCIAS DE LAS DICTADURAS RIOPLANTESES

Enrique Buchichio es un joven realizador uruguayo, crítico de cine además, que logró con “Zanahoria” el premio Colón de Oro del 40 Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, el premio Manuel Barba por la Asociación de la Prensa de Huelva al mejor guión y el premio Radio Excelcior de España. Encara, basándose en hechos reales y en crónicas periodísticas del 2004, habiendo cambiado algunos nombres por obvias razones. Se filmó en Montevideo y en locaciones de Canelones en el 2013, nueve años después de conocidos los hechos reales.

Es un thriller político que aborda la llamada “Operación Zanahoria”, que supuestamente el ejército uruguayo había ideado para exhumar los cuerpos de los detenidos ilegalmente y hacer desaparecer todo tipo de evidencias sobre torturas y “NN”. La historia se centra en dos periodistas de un diario de izquierda, “Alfredo”(Abel Tripaldi) es el experimentado incluso en política mientras que su asistente es el joven “Jorge”(Martín Rodríguez). Deciden investigar este operativo a raíz de un artículo periodístico y conocen a un misterioso sujeto, “Walter” (César Troncoso), ex integrante de fuerzas de represión, quien les promete documentos para que realicen la gran nota. Esto obliga a los personajes a una serie de encuentros nocturnos, persecuciones y búsqueda de material de alto riesgo para sus vidas y las de sus familiares. Es interesante que se haga referencia a la realidad, en ese momento, las elecciones democráticas con el Frente Amplio como ganador. Esto le da una gran verosimilitud al relato.

El film cuenta con una narración atractiva, sencilla, con muy buenas tomas, y genera interés en el espectador. Lejos estamos en esta parte del mundo de suculentas inversiones para hacer una película por lo que la realización de Buchichio es una demostración de cine sin artificios, basándose en una buena dirección actoral, en un guión atrapante y diferente, en diálogos interesantes y en el clima de suspenso logrado. Por otra parte, el tema forma parte de la idiosincrasia de nuestros pueblos y una película “Zanahoria”, con elenco desconocido para nosotros, tiene un beneficio adicional que no podemos desconocer: mantener viva la memoria sobre lo que no puede suceder nunca más.

Elsa Bragato

 



JUAN DE LOS MUERTOS

De Alejandro Brugués. Con Alexis Díaz de Villegas, Jorge Molina, Andrós Perugorría, Andrea Duro, Jazz Vilá, entre otros. Música de Julio de la Rosa. Duración: 91 minutos. Ganadora del Goya a la mejor película extranjera en la última edición. Coproducción con España.

MUY BUENA. ZOMBIES PARA UNA SÁTIRA POLÍTICA

Pocos films cubanos llegan al país, poca información al respecto también. “Juan de los muertos”, de Alejandro Brugués, ganadora del Goya al mejor film extranjero en la última edición de estos galardones, es una sabia sátira política sobre la situación en la isla caribeña. Juan y su gran amigo tienen, cada uno, un hijo. Juan es padre de Camila (Andrea Duro) que vive con su madre en España, y su compañero, Lázaro (Jorge Molina), de Vladi California (Andros Perugorría). De pronto, la colonial La Habana tiene una paz que llama la atención mientras por televisión se anuncia que el “imperio” está provocando “incidentes” llamando a toda la población a reunirse en la gran plaza. Será la oportunidad para que los que ya son zombies, y nadie se ha dado cuenta de ello, se hagan un festín. Juan decide salir de la pobreza, habiendo comprobado que hay formas de matarlos, y organiza con sus amigos una empresa llamada “Juan de los Muertos, matamos a sus seres queridos”, por lo que recibe numerosos pedidos de ayuda y se lanza a las calles provocando matanzas al mejor estilo Quentin Tarantino. En esta cruzada está acompañado por

La alusión a la situación política está presente, especialmente entendible para quienes vivimos en esta parte del mundo: luchar en la isla, salvarla de los “zombies”(los políticos? =y hasta flamear una bandera norteamericana para alejar a estos seres poseídos. Se suceden muchas situaciones entre graciosas y mordaces, sangrientas a la vez, como la vecina octogenaria y su marido zombie, o los policías sobrevivientes y sus antiguos métodos (obligan al grupo que comanda Juan a desnudarse en la vía pública). El caso es que la salvación está a mano, un buen automóvil equipado con flotadores, y Miami cerca. También es “especial” una de las secuencias del final, cuando los zombies cantan “A mi manera”, o cuando se encuentran con un “gringo” que habla en inglés.

El film es un muy buen producto y, por sobre todo, es una sátira que tiene un doble sentido fantástico. Se podrá estar o no de acuerdo con la postura de Brugués que nunca mancha el nombre ni de Cuba ni de su gobierno. Y aquí está el secreto del film: nadie sale herido (bueno, los zombies sí, quedan masacrados). Y se muestra el obstinado amor de los cubanos por su tierra. Realmente, una joyita que va a entusiasmar a los amantes del género y también a aquéllos que deseen ver una película diferente con un muy buen contenido que trasciende lo que se ve para dejar el mejor mensaje: la libertad pero también el respeto por terruño y sus habitantes.

Elsa Bragato

 

JUEVES 4 DE DICIEMBRE DEL 2014.-

Hay 10 estrenos de los más variados, terror, épica, casamientos, animaciones, e historias de vida.

“Habitares” de Marina Zeising es un documental sobre la vida de Herta Scheurle conocida como Sonia Staber, actriz argentina que trabajó especialmente en Alemania, llegando a conocer a Rainer Fassbinder, dedicando su vida a la enseñanza del alemán, además del firme propósito de volver a actuar. Es una historia pequeña, intimista, donde la directora se da el permiso de aparecer en cámara como entrevistadora. Interesante para estudiantes de cine.

En el caso de “Un pasado infernal”, de Vincenzo Natali, tenemos el terror fantasmagórico con lejano parecido a “Los otros”, muy lejos por cierto de “El conjuro” y de su spin-off “Annabelle”, de bajo presupuesto pero de altísima efectividad. Es una sucesión de clishés sobre un asesino serial, una suerte de “limbo” entre el cielo y la tierra, conformando un producto que solo pueden atraer a los fanáticos del género. Más de lo mismo.

“Paddington” está basado en la serie de cuentos sobre este oso especial que inventó Michael Bond en 1958 (año de la fecha del primer libro). Mezcla actores de carne y hueso con este oso cuya figura es bastante rudimentaria, dados los efectos técnicos actuales. Simpática, atrae a los chicos de mediana edad con el recorrido por Londres, lugar que elige el oso que decide dejar Perú para ir a una ciudad “de sus sueños”. El film cuenta con las actuaciones de Nicole Kidman (no es la primera vez que es protagonista de una historia para chicos), Ben Whisawy y Hugh Bonneville, entre otros. Simpática. Buena.

“El hijo buscado” de Daniel Gagliano es la ópera prima de este realizador con el protagónico de Rafael Ferro junto a Sofía Brito, María Ucedoy, Lali González (trabajó en “7 cajas”, excelente film paraguayo que recomendamos). Gagliano nos sumerge en la búsqueda que inicia un hombre por tener un hijo viajando hasta Misiones, especialmente las Tres Fronteras (estuvieron en la mira del mismísimo Bush hijo durante su presidencia en USA); sus deseos de paternidad encontrarán no pocos obstáculos y seres poco amigables y mafiosos. La fotografía es excelente, hay un gran trabajo de sonido, buena música de Carlos Páez y buenas actuaciones (varias actrices misioneras). Es un tema de actualidad bien realizado. Buena.

El documental “Años de calle” de Alejandra Grinschpun resume en 73’ la vida de un grupo de jóvenes que viven en situación de calle, la relación que establecen con la realizadora y el equipo que la acompaña, el paso del tiempo, y los rumbos que cada uno van tomando. Es un trabajo muy interesante que resume 10 años de investigación, mostrando una realidad dolorosa para la que todavía se esperan respuestas.

Una agradable sorpresa es el documental uruguayo “El casamiento” de Aldo Garay quien, al ser invitado a la boda de Julia, de 66 años, ex travesti, y de Ignacio, de 76, obrero de la construcción, decidió contar la historia de la que ya había registrado algo en el 2003. Entonces, Julia e Ignacio se habían conocido un 24 de diciembre en una famosa plaza de Montevideo y no se separaron jamás. Pasaron los años, operación mediante (hoy Julia es transexual y no travesti), y la pareja continuó hasta casarse. El trabajo de Garay es muy interesante y atrapa desde la emoción y ternura al espectador, intercalando las filmaciones de hace 11 años con el casamiento actual. El cine uruguayo tiene poca producción anual pero siempre da sorpresas: recordamos “Whiskey”, “El perro”, “El baño del Papa” y le sumamos este documental de Garay que va al rescate de los sentimientos y de la compleja simplicidad de la vida común. Muy bueno.

“La hermana de Mozart” es un film francés, del 2010, sobre el gran músico austríaco y su hermana menor. Del realizador René Féret, a lo largo de 120 minutos nos hace un fiel retrato, entendemos, de la época. “Nannerl” fue la hermana menor del genial compositor y una niña prodigio. “Nannerl” era una eximia violinista y acompañaba a su hermano en las giras familiares que el patriarca Leopold les organizaba por las cortes europeas: esta vida se cortó cuando el padre viajó solo con Wolfgang a Italia, por lo que Nannerl no pudo ocupar el lugar que merecía. Se ajusta bastante a la biografía de W.A.Mozart, aunque hay licencias pequeñas sobre la vida de la jovencita. Es un film apasionante para los amantes de la música y en especial del genio de los Mozart. Muy buena, con bellos pasajes musicales.

“Osvaldo Bayer: la livertá”, del rionegrino Gustabo Gzain, que ya fuese presentado hasta en Berlín, cuenta con el protagonismo y la voz en off del mismo Bayer, escritor y pensador de 87 años a quien recordamos por muchas obras pero especialmente por “La Patagonia rebelde”. Su pensamiento, su relación con la vida misma, su respeto por la naturaleza y “el otro”, están narrados, expuestos con especial esmero fotográfico. Es un muy buen documental que merece ser visto por todos.



CHEF: LA RECETA DE LA FELICIDAD

Escrita, dirigida y producida por Jon Favreau. Con Sofía Vergara, Scarlett Johansson, Dustin Hoffman, John Leguizamo, entre otros. Música de Nicola Piovani. Duración: 115 minutos.

BUENA. “ROAD MOVIE” DE “FAST FOOD”

Energía es lo que surge en forma inmediata de este film de Jon Favreau que va desde la mesa de cocina de un afamado restaurante hasta el camión-quiosco que vemos en las esquinas de New York. El protagonista es el mismo realizador y compone a un chef chispeante y entusiasta que se niega a repetir el menú en un local a cargo de un obstinado Dustin Hoffman, aferrado al éxito conseguido en muchos años por los mismos platos.

El chef se siente desairado, se da por despedido y emprende una suerte de “road movie de comida rápida”. Separado de su esposa (la bella Sofía Vergara), con quien mantiene buenos lazos por el hijo de ambos, acompañado por su mejor amigo (John Leguizamo) y muy lejos de la relacionista del restaurante (Scarlett Johansson), nuestro chef inicia una patriada por Miami, Austin y New Orleans, ofreciendo comida chatarra que está preparada con esmero, lo que marca la diferencia.

El guión es muy ágil y tiene a su favor los paisajes de las amplias y extensas carreteras norteamericanas, diferentes y generosos, y costumbres de cada ciudad y pueblo. Es contagiosa la vitalidad de este chef por su férrea voluntad. Es realmente un canto al placer de la comida, desde la ofrecida en lujosos restaurantes hasta la que se come de pie en un carrito neoyorquino. Un film muy agradable y simpático, sin más pretensiones. Para pasarla bien.

Elsa Bragato



ÉXODO: DIOSES Y REYES

De Riddley Scott. Con Christian Bale, Joel Edgerton, Sigourney Weaver, John Turturro, Ben Kingsley, María Valverde, entre otros. Música de Alberto Iglesias. Duración: 150 minutos.

REGULAR. FLACO RETORNO A LA ÉPICA

Los films épicos siempre tienen su público. Y nos remontan a los inicios del Cinemascope con “El manto sagrado” y una seguidilla de películas históricas que conmovieron a los espectadores de hace 60 años. En este caso, Riddley Scott, quien dedica el film a su hermano Tony, nos redescubre la figura de Moisés, su crianza en la corte egipcia de hace 1300 años A.C., y la relación con su padrastro (John Turturro) y su hermanastro (Joel Edgerton), quienes deberán defenderse mutuamente como si fuesen hermanos de sangre. La primera gran batalla es contra los Hititas y comienza la acción, las luchas cuerpo a cuerpo, hasta medir la verdadera hermandad entre el futuro Ramsés II (el faraón de los monumentos egipcios, que vivió hasta los 90 años, y que se enfrentó a Moisés). Moisés se exilia por defender a los hebreos, esclavos de los egipcios, se casa, y solo regresa para advertir a su medio hermano sobre las calamidades que se acercan por no dar libertad a los oprimidos. Y es quien lleva a su pueblo al Exodo, que tardará muchas décadas, hacia la Tierra Prometida.

Riddley Scott se basa en el relato bíblico contenido en el Antiguo Testamento, que forma el Pentateuco y constituye la Tora de los judíos. No va más allá ni siquiera en su narración por lo que se vuelve muy esquemática, desaprovecha a los actores que tiene (Sigourney Weaver ni se reconoce, Ben Kinsgley es casi “un suspiro” en pantalla), y le quita “pathos” a los personajes. Christian Bale compone a Moisés como si fuese Batman, con un dejo de melancolía casi constante. Su casamiento en un poblado en medio del desierto ocurre entre una secuencia y otra, no media ni una aproximación al romance, tan solo unas miradas de los dos protagonistas. Esto significa que muchas de las escenas planteadas son abruptas, hay que estar atentos a las elipsis del guión, y luego a las elipsis cinematográficas, constantes en el film. Así pasamos de un protagonista en su madurez a uno anciano, desconociendo qué pasó con su mujer y con su hijo, al menos en la ficción presentada.

Lo mejor de este film épico son los efectos especiales que reproducen las plagas con las que la ira de Dios castigó a Egipto: desde las aguas repletas de sangre y la muerte de los peces, hasta la invasión de ranas, de piojos, de langostas, de granizo, la muerte del ganado, la llegada de las tinieblas y la más tremenda que fue la muerte de los niños egipcios. La división de las aguas nos remitió a los tsunami que la vida real y el cine mismo nos han mostrado. Fue el menos logrado de los efectos especiales.

Muy minimalista a pesar de panorámicas (parecen maquetas), esquemática en su narración, Riddley Scott está muy lejos de “Gladiador” y más cerca de la soporífera “1492, la conquista del Paraíso”. Su destacable característica de “arrollar” al espectador con todo tipo de sensaciones se observa en los efectos especiales de las plagas, no así en la dirección general de los actores, deslucidos y sin pasión, ni siquiera en el tratamiento de la historia bíblica. A pesar de todo, es uno de los pocos films épicos que nos llega y, con sus más y sus menos, tiene su público.

Elsa Bragato

 

JUEVES 27 DE NOVIEMBRE DEL 2014.-

Hay nueve estrenos de cine que renuevan parcialmente la cartelera porteña. Destacamos la animación española “El último mago o Bilembambudin”, de Diego Rodríguez, basado en un libro de la escritora argentina Elsa Bornemann, fallecida el año pasado a los 61 años y la única connacional reconocida con el premio internacional para literatura infantil H. Andersen. Es la historia de Aldana, una niña que decide seguir a un viejo mago quien la lleva al mundo de Bilembambudin. Le sigue una buena producción americana sobre el periodismo freelance nocturno denominado “Primicia mortal”(Nightcrawler), de Dan Gilroy, con el notable actor Jake Gyllenhaal acompañado por una supermaquillada Rene Russo, narrando las peripecias de un hombre sin escrúpulos que descubre el mundo del periodismo nocturno en Los Angeles en busca de noticias, desde crímenes hasta abusos de todo tipo. Apunta principalmente a desnudar las lacras sociales incrustadas en el periodismo y cómo, a partir de seres inescrupulosos como el protagonista, se nutren los imperios periodísticos, el amarillismo y las inmundicias humanas revestidas de “headlines” o titulares del día. Muy interesante, cercana en la temática al morbo que exhibe la televisión porteña. “Tango de una noche de verano” es un documental de Viviane Blumenschein, documentalista radicada en Berlín. Finlandia considera que el tango nació allí y hasta ese frío país, donde no sobran las palabras y el ambiente es apacible y ordenado, van dos músicos argentinos (El “Chino” Laborde y Pablo Greco) a quien se les une “Dipi “ Kvitko. Nuestra música ciudadana tiene notable raíces en Finlandia y se analizan desde el tango bailado hasta el cantado en finlandés a través de nuestros compatriotas. “El examen”, de Stuart HAzeldine es del 2009 y tuvo repercusión en Edimburgo. Reaparece en las salas comerciales luego de pasar por DVDs y copias truchas, un remedo mal encarado de la muy buena “El método” (2005) de Marcelo Piñeyro con Pablo Echarri en el protagónico (las comparaciones son odiosas pero, en este caso, permiten resaltar las bondades del film de Piñeyro que, en su momento, se consideró algo tedioso).



QUIERO MATAR A MI JEFE 2

De Sean Anders. Con Jason Bateman, Charlie Day, Jason Sudeikis, Jennifer Aniston, Jamie Foxx, Kevin Spacey, Christoph Waltz, entre otros. Música de Christopher Lennertz. Duración: 98 minutos.

REGULAR. TEDIOSA Y REITERATIVA “VENGANZA”

Si la primera parte de “Quiero matar a mi jefe” nos resultó una película divertida, con gags muy bien logrados, alocada, y reidera, no ocurre lo mismo con esta segunda parte donde la acción se centra en los tres empleados decididos a ser dueños de sus destinos y a concretar diversas venganzas (Waltz es el feroz empresario, da una “mano” pero los tres protagonistas se las verán en figurillas para sortear obstáculos). Sin entorno familiar visible, el film queda reducido a diferentes opciones de los tres protagonistas para superar el destino de ser empleados, metiéndose en líos varios. La repetición de situaciones es altamente tediosa, muy pocas veces produce alguna que otra risa, y uno siente un “dejá vu” constante, aún con las presencias de Kevin Spacey y Christoph Waltz. En definitiva, produce más bostezos que sonrisas por la pobreza de su guión y este querer vendernos un humor transitado hasta el hartazgo. Las actuaciones siempre son muy buenas, ajustadas a los roles, sin mella alguna. Entre escapes automovilísticos y alguna que otra mención a las pacientes esposas, los simpáticos protagonistas hacen lo que pueden con sus roles. Muy poco para pagar una entrada tan cara hoy en día.

Elsa Bragato

 



LÍNEA DE FUEGO

De Gary Fledor, con guión de Silvester Stallone además de uno de sus productores. Coon Jason Statham, James Franco, Winona Ryder, Frank Grillo y la pequeña Isabela Vidovi, entre otros. Música de Mark Isham. Duración: 100 minutos. Basada en la novela de Chuck Logan.

BUENA. ACCIÓN Y SUSPENSO SIN PRETENSIÓN

Tener a Jason Statham (actor inglés de destacada trayectoria en el teatro de Londres) significan acción y trompadas por doquier. Silvester Stallone, hábil guionista de más de 50 films (un dato en el que no siempre se repara), mezcla hábilmente dosis de acción, explosiones y bucólicas secuencias familiares. Se centra en la vida del ex agente de la Dea Broker, viudo, padre de una pequeña que a su corta edad ya sabe noquear como su progenitor (la dulce Isabela Vidovic) quien, dos años antes, destruyó una banda de narcotraficantes. Se radica en otra ciudad pero será su pequeña hija quien dé inicio a una acción que el cansado y triste agente no quiere ya emprender. El villano, encarnado por James Franco, no le dará tregua acicateado por su pareja. Los ingredientes del género están: acción y thriller policial de principio a fin además de una excelente fotografía que es un plus nada despreciable, incluso con cámaras zenitales. Interesante. No pretendamos ver el policial del tercer milenio pero sí una película que cumple con su propósito de entretener de principio a fin sin pretender dejarnos ni moralejas ni ninguna subhistoria que movilice nuestra conciencia. Agregamos que Chuck Logan, autor de la novela en la que se basa el guión, es un veterano de Vietnam y un reconocido autor de libros policiales.

Elsa Bragato

 



PATRICK

De Mark Harthley. Con Sharni Vinson, Rachel Griffiths, Charles Dance, Jackson Gallagher, entre otros. Música de Pino Donaggio. Duración: 110 minutos.

BUENA. REMAKE DE FUERTE IMPACTO

En 1978 se estrenó el film homónimo de origen australiano dirigido por Richard Franklin, siguiendo el incipiente fanatismo producido por la telequinesis, introducida en 1976 por Brian de Palma en el film “Carrie”. Mark Harthley toma los momentos sustanciales del film y del director, a quien admiró profundamente, con un toque setentista de los films de Alfred Hitchcock, es decir, sustos sucesivos de importancia que alertan al espectador de lo que está por venir. No exenta de tremendas escenas de electroshocks y otras muy “gore”, “Patrick” transita cómodamente por el thriller, a través del enfermo comatoso “Patrick”, sometido a verdaderas torturas por el médico de la clínica en la que es contratada la ingenua enfermera “Kathy Jacquard” (un excelente trabajo de Sharni Vinson). “Patrick” muy pronto mostrará que, aún postrado, tiene un notable poder de encender computadoras y de movilizar objetos y hasta de matar con su mente, hechos que van in crescendo hasta un final a toda orquesta, es decir, a todo horror.

La concepción de la película es clásica, nos recuerda justamente a los autores que admira Mark Harthley, y tiene actuaciones importantes en la protagonista y Rachel Griffiths, que compone a una especie de “enfermera gobernanta” del lugar. Una atmósfera opresiva, siniestra, es otro d elos logros de este film de bajo presupuesto de Mark Harthley que llega a la cartelera porteña luego de seis meses o más de espera en la gatera. Cumple su objetivo y está destinado a los fanáticos del género.

Elsa Bragato

 



WELCOME TO NEW YORK

De Abel Ferrara. Con Gerard Depardieu, Jacqueline Bisset, Ronald Gutman, Eddy Challita, entre otros. Duración: 124 minutos.

MUY BUENA. SOBERBIA ACTUACIÓN DE DEPARDIEU

Este plato fuerte de Abel Ferrara, de quien se presentó “Pasolini” en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, no ahorra escenas escabrosas y somete a su protagonista, el soberbio Gerard Depardieu, a la presión de demostrar todas las bajezas sexuales de la que es posible un hombre. El caso está directamente inspirado en el ex director del FMI, Dominique Strauss-Kahn, quien abusó de una empleada doméstica de un reconocido hotel neoyorquino. El personaje de Gerard Depardieu es “el señor Deveraux”, con un hambre de sexo incontenible, sentado en el poder del mundo y manejando la vida de hombres y mujeres a su arbitrio, situación que produce tanto desagrado como las tremendas secuencias de sexo oral brutal de Depardieu-Deveraux y algunas de las hermosas mujeres elegidas como “plato diario” para tales menesteres.

Los hechos ocurrieron el 14 de mayo del 2011 y le costó al execrable director del FMI la prisión, la pérdida de su generoso puesto en el FMI y su carrera presidencial, si bien llegó a un acuerdo monetario para librarse de una detención mucho mayor. Depardieu no le hace asco a la perversión del “dueño del mundo” entonces y se mete en el papel con una conciencia actoral que remueve las tripas del más centrado espectador. Por un lado, es asombrosa su actuación y, por otro, resulta revulsiva… aunque notable, hay que remarcarlo.

La primera parte nos muestra al señor Deveraux ingresando a su cuarto número 1806 de un famoso hotel al que no se le toma el nombre pero es el mismo al que concurría Strauss-Kahn, teniendo una habitación de número similar, la 2806, donde abusó de una afroamericana obligándola a tener sexo oral, sin entrar en detalles realmente escabrosos. En ese cuarto a Deveraux lo esperan varias prostitutas (son ofrecidas como “postre” para los empresarios que lo visitan) acompañadas por jóvenes que hacen de “corte de aduladores”. No tiene preferencias. Cualquier mujer le cae bien para someterla a un brutal sexo oral. El caso de la doméstica que sufre su avasallamiento lo lleva a la prisión cuando regresaba a París para encontrarse con su fuerte esposa, Simone Deveraux a cargo de una gran Jacqueline Bisset. En la prisión estalla otra actuación memorable de Gerard Depardieu, un hombre que en su vida personal ha transitado por todos los caminos sinuosos de la vida (hace poco reveló que fue violado en su juventud): desnudo, con una panza kilométrica, se somete a la revisación de la policía neoyorquina, mostrando sus genitales sin titubeo, agachándose, de frente, de perfil. Ya en lo que podemos llamar la segunda parte, cuando logra ser liberado y enviado a París, se establece un duelo actoral con Jacqueline Bisset de alto voltaje, diálogos de honestidad brutal, dejando al descubierto una Simone Deveraux que guía los destinos comerciales y políticos de su marido pero que ya no puede hacer mucho ante la vergüenza pública desatada por la incontrolable adicción al sexo de Deveraux.

EL poder conlleva miserias. Una de ellas es la utilización del sexo como medio de presión y sojuzgamiento del otro, hombre o mujer, y en el film está claro que el orgiástico señor Deveraux manejó el mundo desde sus genitales por lo que mal pudo pensar en el real sufrimiento de tantos pueblos por sus incoherentes y malignas recetas económicas.

Destacamos algunas tomas muy especiales sobre el rostro de Gerard Depardieu cepillándose los dientes, gestos de depravación que conmueven a la platea más que la brutalidad sexual del personaje. No es para cualquier público. Las escenas no tienen miramientos. Y es, sin duda, una actuación memorable de Gerard Depardieu que se muestra tal como vino al mundo con un desparpajo que, aunque choque, demuestra quién es al pisar un set.

Elsa Bragato

 



JAUJA

De Lisandro Alonso. Guión de Fabián Casas y Lisandro Alonso. Con Viggo Mortensen, Villbjork Malling Agger, Ghita Norby, Adrián Fondari, Esteban Bigliardi, Diego Roman, Mariano Arce, Misel Saavedra, entre otros. Música original de Viggo Mortensen. Duración: 108 minutos.

MUY BUENA. CAMINO EXISTENCIAL BAJO EL CIELO PATAGÓNICO

Esta quinta entrega de Lisandro Alonso (La libertad, Los muertos, Fantasma y Liverpool), está más lejos de las anteriores de la pátina experimental que las caracterizó. En este caso, Jauja, apuesta a lo narrativo y se materializa en un western mitológico cuyo espacio físico e histórico es la Conquista del Desierto (1882), en la Patagonia. El fotógrafo finlandés Timo Salminen ha logrado una fotografía estupenda de nuestro sur, describiendo cada paisaje con una minuciosidad provocativa por la lentitud, en contraposición a la acción de los personajes. Viggo Mortensen, notable “celebrity” que enaltece nuestro cine y este país donde se crió hasta sus 11 años (nació en New York en 1958 de padre danés y madre norteamericana, se especializó en actuación, música, fotografía, pintura y literatura, teniendo una editorial para poetas noveles), protagoniza “Jauja” que se presenta en el comienzo del film con un cartel donde se explica la leyenda del considerado paraíso terrenal y mitológico que muchos buscaron desde tiempos inmemorables. La historia se centra en un militar danés (Mortensen) quien no está a gusto en las lánguidas mesetas patagónicas, anhelando la civilización de su Dinamarca natal. Pero su hija de 15 años UVillbjork Malling Agger) se enamora y se escapa con un soldado criollo, por lo que inicia una búsqueda de la jovencita a lo largo de todo el film.

Muchos elementos condimentan la historia, desde torturas hasta secuestros, encuentros místicos, que jalonan el recorrido del militar danés. Por un lado lo agobia la realidad y por otro hay un clima ficcional opresivo en el que también vive.

La contemplación de la naturaleza es una de las apuestas del film con la lectura que le da el protagonista: el disfrute de lo que ve y lo que ese cielo tachonado de estrellas dibuja en su alma y en su mente. En una secuencia de este tenor se escucha una melodía creada por Viggo Mortensen quien, a la manera de Clint Eastwood, despunta en este film de Alonso otra de sus cualidades artísticas. Thriller con fuertes matices espirituales y extrasensoriales, la propuesta de Alonso y de Mortensen es un atrapante trayecto existencial, entre el agobio de la realidad y la presión del alma. Muy interesante propuesta.

Carlos Pierre

 

JUEVES 20 DE NOVIEMBRE DEL 2014.-

Hay seis estrenos y la reposición remasterizada de “Volver al futuro”, en esta nueva etapa del cine de recurrir a los grandes éxitos de hace décadas y difundirlos a las nuevas generaciones. Salvo “Los juegos del hambre, Sinsajo parte 1” y otra animación, la mayoría de las películas han pasado por festivales nacionales y llegan con muy escasa difusión al gran público. Es la época del año en la que, lamentablemente, no se le da importancia a títulos producidos en este continente que surgen mezclados con “tanques” que los aplastarán. Hay desmanejo en las agendas de estrenos de los jueves del que venimos dando cuenta preocupados por el bolsillo del distribuidor más que por los intereses de los espectadores: “sacarse de encima” títulos, películas, que debieron adquirir por alguna razón comercial.

CINE LATINOAMERICANO

Llegan dos películas sin difusión apropiada. El cine de nuestro continente debería tener una sala asignada y ofrecer estrenos semanalmente. Los films vistos por muy pocos elegidos en muestras internacionales no es la mejor vara para medir la presencia de estas producciones en las salas argentinas, así llegan y se van, sin pena ni gloria.

SOY MUCHO MEJOR QUE VOS

De “Che” Sandoval. Con Sebastián Brahm y Antonella Costa. Duración: 85 minutos.

BUENA. COMEDIA URBANA SOBRE UN NETO PERDEDOR

Fuera del slang chileno que, a falta de costumbre, no entendemos mucho, el segundo film de “Che” Sandoval muestra su inquieta búsqueda por la comedia urbana, es decir, personajes que deben encontrar su razón de vivir en ciudades no siempre amables. Es el caso de Cristóbal, encerrado en su pequeña Pyme, que intenta superar el fracaso de su matrimonio, busca alternativas amorosas, y realiza una suerte de road movie ciudadana. A Santoval se lo ha comparado con Richard Linklater por la agudeza de sus diálogos que, en definitiva, sustentan el film. Algo de eso hay. El film fue visto en el BAFICI.

Si nos remitimos al cine chileno de hace 8 años o más, hay una narrativa naciente que apenas conocemos, diferente a “La sagrada familia”, del 2005, por ejemplo. Intimista, urbano, “Che” Sandoval va ganando terreno en el cine de nuestro continente. Lo bueno sería conocer mejor a sus artistas y corrientes cinematográficas para hacer un comentario coherente. Sí festejamos que “Che” Sandoval siga en carrera y llegue a la cartelera porteña.

Elsa Bragato



DESPUÉS DE LA LLUVIA

De Claudio Marques y Marilia Hughes. Duración: 95 minutos.

BUENA. LA CRISIS DE LA ADOLESCENCIA

El tema de la adolescencia es recurrente y tiene diferentes ópticas según la cinematografía que la encare. En este caso, llega un film que se presenta en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata de este año y que ya se presentó en el último Festival de las Tres Fronteras, realizado en Iguazú, Misiones, también este año. Se trata de la vida de Caio, de 14 años, quien se enfrenta a la autoridad paterna y tiene todos los matices propios de esa edad en donde las carencias surgen y se busca un camino propio no sin sinsabores. Está bien realizada, la narración es atractiva, pero no es un aporte a la temática aunque tenga redondez en la narración y buenos aspectos técnicos. En todos estos casos, el desconocimiento del elenco siempre es un factor en contra para atraer al espectador por lo que se requiere de una difusión fuerte que el film no tuvo.

Elsa Bragato



CINE NACIONAL

LA PAZ EN BUENOS AIRES

De Marcelo Charras. Duración: 73 minutos.

MUY BUENA. DESCUBRIMIENTO DE UN LUCHADOR BOLIVIANO

Este segundo film de Marcelo Charras es un documental sobre la vida de Erasmo Chambi, famoso luchador al estilo Kadaragián en La Paz, Bolivia, que en los 70 y 80 tuvo gran fama en su país y un merchandising notable, álbumes de figuritas y todo lo que entonces constituía promoción de una figura famosa de la lucha libre. Al inmigrar a nuestro país, se refugió en la zona de Liniers y desde allí promociona el deporte con un ring que él mismo va armando en los lugares donde lo contratan. Charras lo conoció a través de un diario barrial y se conmovió con la vida del inmigrante que debe renunciar a toda su gloria para sobrevivir en un país extraño (la comunidad boliviana es muy importante en la Argentina especialmente en los últimos 30 años, que coinciden con la llegada de Chambi al país). Charras ubicó la cámara de manera inteligente mostrándonos cómo el luchador boliviano organiza sus shows, cómo le enseña a su hijo su deporte, cómo vive muy lejos del gran reconocimiento. En definitiva, cómo sobrevive. Nos parece un muy buen retrato de un personaje de la comunidad boliviana, un documental diferente. A muchos los acercará a los tiempos de “Titanes en el ring” que tuvo sus émulos en nuestro continente. La mejor prueba es Erasmo Chambi, “El ciclón” de La Paz. Disfrutable.

Elsa Bragato



EL BLOCKBUSTER DE ESTE JUEVES

SINSAJO PARTE 1 (LOS JUEGOS DEL HAMBRE)

De Francis Lawrence. Basada en Sinsajo, de Suzanne Collins. Con Jennifer Lawrence, José Hutcherson, Julianne Moore, Donald Sutherland, Philip Symour Hoffman, Stanley Tucci, Liam Hemsworth, entre otros. Música de James Newton Howard. Duración: 124 minutos.

BUENA. SOMBRÍO PREANUNCIO DE UN GRAN FINAL

Este tercer largometraje de la trilogía de la escritora Suzanne Collins es la primera parte de “Sinsajo”, un solo libro que ha sido dividido en dos films por razones comerciales reconocibles: la gran expectativa que la saga concita a nivel mundial (ocurrió con el último film de Harry Potter y con la saga “Crepúsculo”).

Destacamos tres características de esta nueva entrega: el realizador Francis Lawrence es el mismo que se encargó de la entrega anterior, “En llamas”. Asimismo, falleció el gran actor Philip Seymour Hoffman en febrero pasado pero había logrado filmar todas sus escenas previstas hasta ese momento. Su personaje vuelve a aparecer en el futuro por lo que se recurrirá a la “digitalización” de su imagen para “Sinsajo 2ra parte”. Y se produjo la incorporación de la gran actriz Julianne Moore encarnando a la presidente del misterioso distrito 13, donde se acuna la rebelión. Aporte valioso al multiestelar elenco.

La protagonista, Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence), después de haber salido con vida del vasallaje de los 25 distritos por la tiranía del Capitolio, es llevada al distrito 13 como “El Sinsajo” o símbolo principal de la rebelión. Y los rebeldes montaron con cámara en mano una publicidad sobre diversos sitios, algunos arrasados, para difundir sus principios y poner en pie de guerra a los demás oprimidos. A Katniss la vemos luchar por la causa, mientras su corazón quiere liberar a Peeta (Josh Hutcherson), el amor de su vida, retenido en el Capitolio y forzado a entrevistas televisivas donde manifiesta que los distritos deben abstenerse de la acción armada. En este sentido, vale recordar que la escritora Collins se dirige al público adulto joven cuando trata la línea amorosa de su relato, aunque no se olvide de la acción que tanto atrae a sus fans.

Esta primera parte de “Sinsajo” nos resultó un tanto sombría y triste, si bien refleja el tiránico vasallaje que impone el Capitolio y la separación forzada de los amantes Katniss y Peeta. Hay escenas oscuras y abrumadoras, motivadas por la desolación que sobrevino luego de la lucha entre el Capitolio y los Rebeldes, que tienen una contrapartida en secuencias luminosas como una escena en el bosque donde Katniss, acompañada por su amigo Gale (Liam Hemsworth), tiene permiso para cazar pero hay tiempos ecológicos y desiste de matar a un ciervo. Destacamos también la secuencia panorámica y refrescante, dado el planteo sombrío de la narración, de Katniss cuando ve un “sinsajo”, escucha su canto y entona su canción.

Esta película, Sinsajo parte 1, es un valioso pedestal para el esperado desenlace de la saga, sugestiva, diferente, fuerte, con un final abrupto que dejará boquiabiertos a los seguidores de Suzanne Collins y la puerta abierta para la trepidante segunda parte final. La historia es fuerte, lo ha sido desde el comienzo de la saga, y tiene una mezcla de las tradiciones anglosajonas con la historia greco-romana, además de este nuevo concepto de “vasallaje” y de “ojos omniscientes” surgidos desde la obra “1984” de George Orwell.

(Nota de Redacción: “Sinsajo” es un pájaro inexistente. Surge de la unión de un “Chartajo”, creado por el “Capitolio” de la ficción, y es el macho que vigila los Distritos, y la hembra “sinsonte” que conocemos vulgarmente como “calandria”. De allí su hermoso canto).

Carlos Pierre



ANTES DEL FRÍO INVIERNO

De Philippe Claudel. Con Kristin Scott Thomas, Daniel Auteuil, entre otros. Música de André Dziezuk. Duración: 102 minutos.

BUENA. LO QUE ESCONDEMOS

Philippe Claudel pasó por Buenos Aires y dialogó sobre los alcances de este film que considera autobiográfico y sus últimos libros, dado que es literato reconocido. En “Antes del frío invierno”, Claudel hace un existencial repaso de la vida de un neurocirujano, su alicaído matrimonio, y una tercera en discordia, circunstancias que lo obligan a un balance. El frío invierno que se acerca es esa edad adulta en la que o todo está resuelto o está quebrado y solo queda la desesperanza hasta el día final.

El discurso melancólico y lento es una característica del cine francés que ‘rallenta’ muchas veces la acción, a diferencia de la cinematografía hollywoodense. Excelente fotografía, paisajes bucólicos que contrastan con el drama personal del protagonista, y ese glamour de la cultura francesa presente en su clase media alta -referente excluyente de numerosos films-, conforman un producto bien realizado, así como bien planteado el notable duelo actoral de Kristin Scott Thomas y el gran Daniel Auteuil. Apunta al público adulto, para quien el cine no suele pensar mucho. Un drama existencial que nos toca en algunos aspectos a todos: el detrás de los logros.

Elsa Bragato



MINÚSCULOS: EL VALLE DE LAS HORMIGAS

De Thomás Szabo y Helene Giraud. Animación francesa.

BUENA. GUERRA ENTRE HORMIGAS

La animación francesa llega al cine luego de pasar por la televisión (Minúsculos, la vida privada de los insectos). Thomás Szabo y Helene Giraud trabajaron sobre diferentes aspectos de la naturaleza, en especial sus pequeños grandes seres, en una serie de microprogramas muy interesante y pegaron el gran salto a la pantalla grande con las hormigas, cuya organización social todavía asombra a los científicos. Hollywood tiene mucho que ver en la concepción bélica de esta animación que enfrenta a dos bandos de hormigas: algo de “300” y trucos muy “humanos” aparecen para estas batallas entre seres minúsculos.

Todo comienza cuando una hormiga negra ve los restos de un picnic “humano”, en especial una gran canasta. Cientos de obstáculos tendrá que superar para hacerse de tan preciado botín sin contar con la aparición de las “malvadas”, otro grupo de hormigas que iniciará una guerra sin atenuantes.

El film resulta atractivo para los más chicos aunque siempre ponemos entre comillas los elementos de la violencia que llegan a la platea menuda a través de figuras queribles. Por algo el film animado está catalogado como “animación bélica infantil”. No deja de ser un buen gancho y tiene visos de realidad dado que sus realizadores son expertos en la materia.

Elsa Bragato

 

JUEVES 13 DE NOVIEMBRE DEL 2014.-

Hay 12 estrenos este jueves, algunos de los cuales fueron anunciados el jueves pasado. Hay otros que prácticamente no tuvieron difusión entre los cronistas de cines. Levantar películas sin aviso, ubicar otras sin la debida promoción, son las “novedades” a apuntar en la desordenada cartelera de los jueves porteños. Seis de estos estrenos (uno de ellos “ya estrenado”, “Bienvenido León de Francia”, famoso radioteatro que da origen a esta película rosarina, que mencionamos el jueves pasado) son nacionales o bien tienen participación argentina en el elenco y la producción. Agregamos la reposición de “La naranja mecánica”, de Stanley Kubrick, ícono de los 70.

Se estrenan ”El otro (no todo es lo que ves)” de Daniel de Felippe, con Guillermo Pfenning, Alejandro Awada y Víctor Laplace, policial sobre “Marcos” y un “otro” que le ofrece una segunda oportunidad; ”El muerto y ser feliz”, de Javier Rebollo, coproducción con España, con José Sacristán; “El bumbún”, film riojano de Fernando Bermúdez, con Daniel Valenzuela, Luis Ziembrowski, historia de los hacheros de la zona, fue rodada en diferentes localidades riojanas. “Helena”, de Milka López, con Ivo Cutzarida, Camila Perissé, Edda Bustamante, sobre la vida una joven pianista a quien la muerte de su abuelo y un secreto le cambian la vida; “La gente del río”, de Martín Benchimol y Pablo Aparo, es un documental realizado en el pueblo Ernestina, provincia de Buenos Aires, que habla sobre la seguridad implementada por los vecinos. Entre las extranjeras, están “Tonto y retonto 2” que llega 20 años después en calidad de secuela, de los hermanos Farrelly, con Jim Carrey y Jeff Daniels, reformulación del primer film, sin mayores novedades y “Madres perfectas”, de Anne Fontaine (“Coco antes de Chanel), film inglés con Naomí Watts y Robin Wright, dos madres amigas desde la niñez que tendrán un vuelco en sus vidas cuando una se enamore del hijo de la otra.



FORCE MAJEURE (La traición del instinto)

De Ruben Óstlund (director y guionista). Con Johannes Bah Kuhnke, Lisa L. Kongsli, Kristofer Hivju, los niños Clara y Vincent Wettergren, entre otros. Música de Antonio Vivaldi. Duración: 118 minutos. Coproducción de Suecia, Noruega, Dinamarca y Francia.

MUY BUENA. EL IMPULSO DE SOBREVIVIR

El realizador Ruben Óstlund demuestra su ojo clínico y explorador de conductas sobre las reacciones más profundas que ocurren en el seno de un hogar, formado por el matrimonio y dos hijos, una familia tipo, ante un hecho inesperado y de fuerza mayor. Alude a las situaciones repentinas, catastróficas, que impulsan al ser humano a sobrevivir en un acto de inmediatez absoluta, realizado sin pensar, que tiene consecuencias definitivas en su entorno.

El eje es una familia sueca que viaja a los Alpes franceses para disfrutar junto a sus dos hijos de unos días de esquí y, al mismo tiempo, es una compensación del jefe de familia por el tiempo que pasa fuera de su hogar trabajando. El relato de Ostlund propone cinco días de descanso. Y en el segundo ocurre el “quid” de la trama: un aluvión de nieve llega de manera dramática hasta los pies de la familia. El pánico se apodera de todos y el padre (Johannes Bah Juhnke), en un acto reflejo, toma sus guantes y su cámara fotográfica y escapa. La familia vuelve a reunirse poco después pero algo ha cambiado. Los lazos maritales son diferentes y la actitud de los mayores repercute en los hijos que detectan la ruptura sentimental de sus padres a punto de divorciarse.

Ruben Óstlund es un hábil esquiador y utiliza su cámara para fotografiar una zona que conoce muy bien con una riquísima fotografía, apoyatura fundamental del drama que surge en el matrimonio sueco. La banda sonora le pertenece al compositor Antonio Vivaldi; de él, Ostlund tomó el concierto “El verano”, un contrasentido si pensamos que se está en pleno invierno. No obstante, la fuerza de ese concierto concuerda con la “fuerza mayor” de la naturaleza y la consiguiente reacción instintiva del padre de familia. Óstlund sigue la más auténtica línea de la cinematografía sueca siendo posible encontrar un dejo del gran Ingmar Bergman en esta búsqueda de las reacciones de los integrantes de la familia. El film se vuelve visceralmente emotivo, conmovedor, trasciende ampliamente la catástrofe natural para adentrarse en el alma de los personajes y analiza con una cámara inquieta y sólida a la vez las consecuencias de un hecho natural sobre la conducta humana.

En el Festival de Cannes la película obtuvo el Premio del Jurado en la sección Un Certain Regard logrando ser la representante de Suecia en la próxima ceremonia de los Oscars. Es, sin duda, uno de los grandes films del año que llega a la cartelera porteña.

Carlos Pierre



ANTES DE DESPERTAR

Guión y dirección de Rowan Joffe. Con Nicole Kidman, Colin Firth, Mark Strong, Anne-Marie Duff, Adam Levy, entre otros. Música de Edd Shearmur. Duración: 92 minutos.

REGULAR. SUSPENSO CON EFECTIVO DUELO ACTORAL

En su segundo film, Rowan Joffe apunta al thriller psicológico, con giros en el guión que muchas veces desorientan pero cumplen la función del suspenso. Nicole Kidman compone a Christine, una mujer que, supuestamente por un accidente, cada día se levanta sin recordar su pasado. Su esposo, el notable Clin Firth, y un médico (Mark Strong) intentan que ella retenga su presente y que éste no se diluya cuando se va a dormir. En este sentido, queda explicado el titulo como beneficio para el espectador.

A lo largo de la hora y media, el guión gira sobre esta condición inesperada de la protagonista, quien no comprende el mundo que la rodea o bien es víctima de una conspiración de su marido. La fotografía de Rowan Joffe realza trágicamente este entorno oscuro, de difícil resolución en cada secuencia. Se establece un notable duelo actoral, que queremos resaltar este comentario, entre Kidman y Firth. El alma de una mujer queda al desnudo, en otro rasgo distintivo de Joffe, un alma huérfana de memoria, sin un ancla salvadora que la fije en pasado que así “saltar” de ese “no-ser” en el que vive.

El film se basa en la primera novela del inglés S.J. Watson del 2011, best seller internacional, siguiendo una tradición muy inglesa dentro del thriller psicológico. La identidad es el centro del guión, cómo se pierde o cómo se puede ser llevado a esa trágica situación personal en la que no se reconoce el entorno como tal y se lo trastoca porque el terror a “no ser”, y lo que se pueda hacer con uno, es la constante. La envoltura narrativa colabora, sustenta, el clima de suspenso intenso, otro logro de Rowan Joffe.

Carlos Pierre



ASI EN LA TIERRA COMO EN EL INFIERNO

De John Erick Dowdle. Con Perdita Weeks, Ben Feldman, Edwin Hodge, entre otros. Música de Mac Richter. Duración: 93 minutos.

REGULAR. HISTÉRICO RECORRIDO POR LOS SUBSUELOS PARISINOS

Elenco desconocido para una idea bastante transitada: cámara en mano filmando las catacumbas parisinas y el “más allá” de las mismas con previsibles resultados. Una joven arqueóloga y estudiante de alquimia, además de conocer cuatro idiomas y dos lenguas muertas, está obsesionada por conseguir la “piedra filosofal”, la misma que alguna vez buscó Harry Potter y que, ciertamente, con enorme envergadura, se planteaba en la filosofía griega, encontrar el “origen de todo”. Esta piedra tiene la facultad, según la alquimia, de transformar los metales en oro y hasta de proporcionarnos la vida eterna.

Mucho título, poco resultado: “Scarlett” quiere hallarla y embarca a un ex novio que conoce el Arameo en la traducción y búsqueda de guías para visitar las catacumbas parisinas, que encierran 6 millones de calaveras, artísticamente colocadas. Surgieron cuando en el siglo XVIII los vecinos de París empezaron a enfermarse: los olores nauseabundos de los cementerios y la cantidad de cadáveres acopiados indebidamente obligaron a su traslado a las viejas minas de caliza que usaban los romanos.

“Scarlett” es intrépida, la cámara en mano del inicio se la pasa a un amigo africano y así se inicia una suerte de “docu-ficción” al estilo de “Actividad paranormal” o de la iniciática “The Blair Witch Project”. La llamada “cámara subjetiva” es entonces la real vedette del film y la que nos va guiando por túneles, cuartos subterráneos con velas encendidas, piedras antiguas similares a la egipcia Piedra de Rosetta, de poco más de 100 antes de Cristo (actualmente en el British Museum de Londres), y el encuentro de una piedra incrustrada que podría ser la “filosofal”. Pero, para el grupo de jóvenes que se ha embarcado en la aventura, esta búsqueda es un paso al infierno personal.

He aquí uno de los temas que surgen como análisis: ir más allá de lo que debemos nos suele enfrentar a nuestros propios fantasmas, o pecados o hechos que no terminamos de aceptar y que conviven en nuestra conciencia como traumas.

Claustrofóbica, con sustos que no pasan a mayores, el thriller se acrecienta cuando algo demoníaco surge inesperadamente y hace de las suyas. No tienen mayor sentido estos “Boo!!!” de seres fantasmales.

Lo más interesante del film es el comienzo porque allí se mezcla la ficción con la realidad. La explicación de las catacumbas, los hechos históricos que obligaron al traslado de cadáveres a ese sitio, aportan datos interesantes que luego se diluyen en túneles y oscuridades narrativas basadas en un guión inexistente.

El microcosmos con el macrocomos, lo que es arriba es abajo, son temas de alta complejidad filosófica que aquí fueron tirados por la borda para quedar resumidos en un histérico recorrido entre huesos humanos y estrechos espacios. No dudamos de que la película hará buena taquilla, pero esto dista mucho de que se la pueda considerar un film hecho y derecho que nivele o supere lo ya visto en el género.

Elsa Bragato



CAMINANDO ENTRE TUMBAS

De Scott Frank. Con Liam Neeson, D. Stevens, David Harbour, entre otros. Música de Carlos Rafael Rivera. Duración: 114 minutos.

BUENA. POLICIAL CON FUERTE DOSIS “GORE”

El director Scott Frank ( lúcido guionista de “Minority Report”) apunta a un policial con ribetes de sadismo propio de films surcoreanos y acorde a la violencia social actual. No ahorra ningún elemento “gore” apoyado en la notable presencia actoral de Liam Neeson quien, en los últimos seis años, interpreta a ex agentes policiales con diversos problemas personales. En París, en Estambul corriendo por sus techos, y ahora en New York, donde el escritor Lawrence Block sitúa una de sus dos grandes sagas. En este caso, la del ex agente y ex alcohólico Matthew Scudder, personaje que alguna vez interpretó Jeff Bridges, a cargo de Neeson.

“Scudder”- Neeson debe resolver difíciles casos de asesinatos de bellas mujeres, tiene un ayudante que es un joven sin hogar, y recorre New York, en lugar de correr por sus calles, con paso viril, mirando de reojo y perseguido por asesinos. Una “glam” 5ta Avenida, un tétrico cementerio cercano, y mujeres descuartizadas, más sugerido que visual, con grabaciones de espantosos gritos cuando están a punto de ser violadas y asesinadas, marcan el quiebre del “estilo noir” a favor del género “gore”.

Los personajes se suceden, con mayor o menor suerte en sus apariciones porque no todos están bien resueltos, y los casos de asesinatos se suman hasta llegar a un tremendo baño de sangre. Sin embargo, resurge una y otra vez la figura imponente de Liam Neeson, con autoridad escénica, marcado por un profundo dolor en su rostro que tiene generosos primeros planos. Bien puede decirse que es un unipersonal de este notable actor a quien la vida no le ahorró tristezas (su esposa murió trágicamente) y que este tipo de roles le permiten transmutar su propio dolor. El elenco, poco conocido para nuestro público, colabora para que Liam Neeson sea nuestro guía en este camino tétrico y sangriento que lo lleva a resolver casos estremecedores.

No hay mucho más en este film, narrado en forma paulatina, que va creciendo en intensidad sangrienta a medida que transcurre la narración, un tanto extensa. Para espíritus fuertes.

Elsa Bragato

 

JUEVES 6 DE NOVIEMBRE DEL 2014.-

Hay 12 estrenos contando algunos que se realizan en salas fuera del circuito comercial. Entre ellas, están “Planta madre”, segundo film de Gianfranco Quattrini, coproducción de Argentina, Perú e Italia, sobre un rockero argentino que viaja al Perú cumpliendo el sueño de un pariente fallecido y se prepara para la ceremonia del Ayahuasca; “Ulises, un alma desbordada”, de Eduardo Calcagno, es un documental-homenaje del director a Ulises Dumont, fallecido en el 2008, a quien dirigió en sus únicos cuatro protagónicos (“Yepeto”, entre ellos); “Bienvenido León de Francia”, de Néstor Zapata, es un film rosarino con Luis Machín y Darío Grandinetti sobre el radioteatro en los 50, su apogeo y su caída tras el bombardeo a Buenos Aires en 1955; “El estado de las cosas”, de Joaquín Maito y Tatiana Mazú, documental; “El tramo”, de Juan Hendel, documental; “Tres D”, de Rosendo Ruiz, ficción que pertenece al Nuevo Cine Cordobés, y “Castanha”, de Davi Pretto, un docu-ficcion brasileño sobre la vida del transformista sexual Joao Carlos de Castanha.



INTERESTELLAR

De Christopher Nolan. Con Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Casey Affleck, Michael Caine, John Lithgow, entre otros. Música de Hans Zimmer. Duración: 165 minutos.

BUENA. COMPLEJO MELODRAMA ENTRE EL COSMOS Y LA TIERRA

Christopher Nolan y su hermano Jonathan coescribieron un complicado guión sobre las teorías cósmicas del astrofísico Kip Thorne, reconocido mundialmente por sus estudios sobre los Agujeros Negros, los Agujeros de Gusano, los Viajes en el Tiempo, las Pruebas Experimentales de las Teorías Relativistas de la Gravedad, entre otros tópicos sobre los que el espectador debe estar meramente informado para comprender los diálogos. En el film, muy extenso y por momentos atrapante, se mezclan la vida en la Tierra, donde la peste de la Roya ha transformado todo en polvo y es necesario encontrar otro planeta para la subsistencia del ser humano, y el viaje intergaláctico que inicia el personaje de Matthew McConaughey, viudo y astronauta, con dos hijos: una niña que percibe experiencias de “quinta dimensión” y un varón. Se impone un nuevo viaje por el Cosmos y deja sus hijos al cuidado de su suegro (el siempre gran John Lithgow).

El jefe del grupo técnico interespacial terrestre está encarnado por Michael Caine. La desesperación de los sobrevivientes es el terrible polvo que ha invadido la tierra y la destrucción de la agricultura por lo que sobrevivir es casi imposible.

El film tiene momentos de gran inspiración. Por ejemplo, las secuencias del despegue de la nave que transporta a tres astronautas hacia el espacio, con el despliegue que Christopher Nolan (acuciado por el tiempo y por los momentos de la vida, por el pasado y el presente en sus filmes como Memento y El origen y la relación del tiempo virtual con el tiempo humano o real) utiliza en su estupenda fotografía. La llegada a otros mundos, previstos por diferentes teorías de astrofísicos, también es impactante como un tremendo mar en un planeta remoto cuyas olas son gigantescas y producen terror, o la aparición de otro astronauta que se creía fallecido. En todos estos casos, queda muy deslucido el rol de Anne Hathaway, compañera de aventuras de McConaughey, resultando poco feliz su actuación, reducida a casi un “bolo”.

La película es muy ambiciosa y no solo viaja por el espacio sino por varios géneros (épico, apocalíptico, ciencia-ficción, drama, thriller), incurriendo en diálogos de difícil comprensión cuando se detallan aspectos de la “gravedad” y su incidencia en el “tiempo y espacio”, o bien cuando se mencionan científicos y presuntos planetas descubiertos “en el más allá de los agujeros de gusano” y “agujeros negros”. Aunque esto no le resta imponencia al viaje de la nave a través de un “agujero de gusano”: es visualmente impactante y uno de los momentos más atrapantes del film.

La música de Hans Zimmer subraya en forma constante la narración de Nolan y sustituye en varios tramos los diálogos. La inclusión de un órgano en la orquestación asemeja el “score” de Zimmer a la Sinfonía nro 3 con órgano de Saint-Säenz, fuerte y potente.

Entre el drama familiar y el drama espacial, Nolan cae en el melodrama, especialmente cuando el astronauta intenta regresar y comunicarse con su hija, ya adulta, desde un espacio extraño, suspendido en el aire, y observando las reacciones de la mujer en su hogar quien no ha perdido la capacidad de intuir otras dimensiones. Resulta cuanto menos extraño este pasaje. Y es tocante el encuentro entre un padre joven, porque su vida transcurrió en el cosmos, y su hija anciana a punto de fallecer.

Indiscutible la capacidad de Christopher Nolan para encarar temas tan complejos y darles una solución cinematográfica que no es sencilla pero que hace un aporte al cine de ciencia-ficcion. Diferentes géneros, excesos “cósmicos”, roles poco aprovechados pero, en definitiva, un film diferente e inteligente, aunque menor dentro de las propuestas de este realizador.

(Nota de Redacción: un científico argentino acaba de descubrir que los agujeros negros generan estrellas, no solo absorben. Lo cual podría dejar fuera de toda consideración astrofísica la teoría en la que se basa el film de Nolan)

Elsa Bragato



ELSA Y FRED

De Michael Radford. Con Shirley MacLaine, Christopher Plummer, Marcia Gay Harden, Chris Noth, George Segal, entre otros. Música de Luis Bacalov. Duración: 104 minutos.

BUENA. DIGNA REMAKE CON PROTAGÓNICOS EXCELENTES

“Elsa y Fred” es la remake norteamericana de la nacional que filmó Marcos Carnevale con los protagónicos de China Zorrilla y Manuel Alexandre y música de Lito Vitale. Ahora el turno es de Michael Radford, el mismo realizador de “El mercader de Venecia” y “El cartero”, dos grandes películas en todos sus rubros, con la banda sonora del argentino Luis Bacalov.

Es la historia amorosa, el encuentro a avanzada edad, de dos ancianos: la locura constructiva de Elsa y la transformación positiva de Fred luego de la pérdida de su esposa. Poco hay que decir salvo destacar la solidez de las actuaciones de Shirley MacLaine y Christopher Plummer. Y remarcar secuencias muy bellas como la de la Fontana di Trevi, escena legendaria de “La dolce vita” de Federico Fellini con Anita Exberg y Marcello Mastroianni. En el caso del film de Radford, se alternan el blanco y negro con el color.

Agregamos que el film nacional ha sido dignamente versionado en Hollywood alcanzando un nuevo nivel internacional en otro idioma pero reafirmando la calidad de la película de Carnevale. Es un film para disfrutar.

Carlos Pierre



TORRENTE 5: OPERACIÓN EUROVEGAS

Dirección, guión y producción de Santiago Segura. Con Alec Baldwin, Julián López, Jesulín de Ubrique, Ricardo Darín, entre otros. Música de Roque Baños, Mónica Naranjo en el tema principal y Joaquín Sabina en la canción de los créditos del final. Duración: 105 minutos.

BUENA. DARÍN EN LA BIZARRA SAGA ESPAÑOLA

Es la quinta entrega de la saga “Torrente” que produce y protagoniza Santiago Segura. La primera se tituló “Torrente, el brazo tonto del rey”. Y es el propio Segura quien interpreta a “Torrente”, saliendo de la cárcel en el 2018. España se encuentra viviendo momentos apocalípticos, la peseta regresó ahora con los rostros de los nuevos reyes (Felipe y Letizia), por lo que decide no aceptar esa realidad y quedarse al margen de la ley. La contrafigura la compone Alec Baldwin, quien se ocupó de la seguridad del casino hotel de Eurovegas (un casino superlujoso al estilo Las Vegas pero en Europa). El golpe del siglo está en marcha, Torrente organiza una banda muy especial entre sus antiguos y andrajosos camaradas.

El humor de Santiago Segura (estuvo presente en la avant premiere en Buenos Aires) tiene su público. En España obtuvo un Goya en 1998 por la primera película, y hasta el momento logró recaudar unos 70 millones de euros gracias a 15 millones de espectadores.

Uno de los atractivos del film está en las figuras famosas que van poblando la narración: el ya mencionado Alec Baldwin, Imanol Arias, Ricardo Darín, Joaquín Sabina, y muchos otros artistas reconocidos especialmente en España. En líneas generales, el film da un pantallazo sociopolítico al estilo del realizador que no opaca en nada el humor, su objetivo principal. Así como aparecen las bromas pesadas y escatológicas que tienen sus adeptos. Hay para todos los gustos y no supera a la primera “Torrente…”. En realidad, el humor de Santiago Segura es el hilo conductor de una serie de acciones bizarras como sus personajes, que sirven de contención a la seguidilla de chistes, con sus más y sus menos, apuntando que no siempre hay buen gusto.

Carlos Pierre



LOS BOXTROLLS

De los creadores de “Caroline”, dirigida por Anthony Stacchi y Graham Annable. Con las voces de Ben Kingsley, Jared Harris, Elle Fannig, Nick Frost, entre otros. Música de Darío Marianelli. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA. ACCIÓN EN ANIMACIÓN DE ALTA CALIDAD

Basada en la historia “Here be monsters!”, del ilustrador y escritor inglés Alan Snow, llega esta animación en 3D que tiene una realización estupenda, con ambientación medieval. Los “trolls” son los duendes y, en este caso, “boxtrolls” significa “duendes-cajas” porque se visten con cajas de cartón. Viven debajo de una ciudad donde han armado con la basura otra ciudad y duermen metidos en sus cajas como si fuesen caracoles. El señor de la ciudad solo tiene interés en producir quesos que degusta con amigos y su pequeña hija es quien descubre que, entre los “boxtrolls” a los que su padre quiere exterminar con la ayuda de un malvado, hay un niño. El malvado aspira a conseguir “la galera blanca” que lo habilita a degustar quesos y esto lo conseguirá si mata, extermina a los “duendes-cajas”.

Los “boxtrolls” tienen fama de ser muy pero muy malos y de comerse “crudos a los chicos y degustar sus huesitos como mondadientes”. Nada más aterrador para la comunidad que vive encerrada. Tienen gustos poco agradables tales como comer cuanto bicho vuelo o camina. Y en la animación aparecen muy grandes, gordos, y “apetecibles” para estos monstruos.

La acción no se hace esperar: el malvado se hace pasar por una señora que entretiene en un teatro callejero cuando sus intenciones es matar a los boxtrolls. La hija del señor de la ciudad tendrá mucho que ver en la resolución de este caso que esconde una gran mentira sobre los duendes subterráneos.

Es uno de los films animados más diferentes que hemos visto con mucha acción, un thriller para chicos no muy pequeños porque pueden asustarse. Y las intenciones del malvado son tremebundas. La música del maestro Darío Marianelli pone la cuota de humor y de suspenso necesarias. Hay que quedarse hasta el final de los títulos para ver detalles de la animación, las ciudades en maquetas y una somera explicación de cómo ha surgido la animación. Muy entretenida.

Elsa Bragato

 

JUEVES 30 DE OCTUBRE DE 2014.-


Hay 13 estrenos este jueves 30 que incluyen 8 filmes argentinos. “Pelo malo” es un film venezolano de Mariana Rondón, que obtuvo el premio mayor en el festival de San Sebastián 2013. Gira en torno a un niño, Junior, que quiere ser cantante y tener su pelo liso. “El triángulo rosa y la cura nazi para la homosexualidad” es un documental de Estaban Jasper y Nacho Steinberg sobre los espeluznantes tratamientos del nazi Carl Vaernet en homosexuales detenidos en un campo de concentración. ”Rec 4: Apocalipsis”, de Jaume Balaguero, culmina tras más de 8 años la saga de terror española. “Atlántida” es un film de la cineasta cordobesa Inés Barrionuevo sobre el despertar sexual de dos adolescentes. “2/11 Día de los muertos”, de Ezio Massa, es otro film nacional de terror, género que tiene hasta su propio festival, Buenos Aires Rojo Sangre, a iniciarse su 15 edición este jueves en el cine Monumental, CABA. “Tenemos un problema, Ernesto”, de Diego Recalde, es una comedia sobre un hombre que no tiene pene.


ENSAYO DE UNA NACIÓN
De Alexis Roitman. Música Original: Carlos Gianni y Silvina Reinaudi. Documental.


EXCELENTE. UNA LECCIÓN DE MÚSICA MEMORABLE
Recordamos el film francés, documental, “La clase” del 2008 que nos conmovió profundamente. “Ensayo…” se une a las mismas maravillosas condiciones narrativas de la película francesa en este caso sobre la formación de un coro de niños para los festejos del Bicentenario nacional, del 2010. Se enfoca en la tarea de Diego y Muriel quienes lograron reunir 1800 voces de chicos de diferentes escuelas, condiciones sociales y religiones, en una bellísima canción que fue uno de los momentos destacados de la gran celebración nacional.
La calidad narrativa del documental de Roitman produce una empatía inmediata con el espectador, aún cuando nos detalla los prolegómenos del gran acto final, el coro de miles de voces. Maestros, cantantes, músicos, van formando las voces de los chicos de manera tal que logran un coro que nos toca el alma.
Es un documental estupendo, que va trabajando la emoción del espectador, lo introduce en un mundo de calidad docente y de esperanzas. La música, dicen, derriba fronteras. No hay más que ver este documental de Alexis Roitman para comprobarlo: las naciones, de cualquier credo y situación social, tienen sus bases en los chicos y, si la música es el “médium”, el logro es superlativo. Gran trabajo del realizador, excelentes narración y fotografía y una canción inolvidable en las voces de nuestros chicos. Emotivo, profundo, una gran enseñanza.
Elsa Bragato


FORAJIDOS DE LA PATAGONIA
De Damián Leibovich. Con Juan Manuel Rodil, Carla Pandolfi, Adrián Garavano, entre otros. Música de Gregoire Lourme.


REGULAR. DISPARATADO FILM SOBRE BUTCH CASSIDY
El forajido Butch Cassidy (Robert LeRoy Parker) viajó a la Argentina en el buque inglés “Herminius” en 1901 y se radicó en Cholila, Chubut, viviendo allí hasta 1905, aunque con incursiones de malandra durante ese período. Damián Leibovich toma el seudónimo de “Santiago Ryan”, que Cassidy utlizó en nuestro país, para iniciar la búsqueda de un tesoro que el abuelo de Pancho, un cineasta independiente que necesita dinero, quiere obtener para beneficio de ambos. Por supuesto, el “tesoro de Cassidy” no es solo un botín que ansíe el abuelo de Pancho.
La idea es buena. Pero la narración se queda en un relato elemental, más que previsible por lo que la aventura en el Sur termina siendo, y lamentamos decirlo, una suerte de estudiantina con efectos narrativos que son tan solo un juego de adultos. El espectador ve una historia amena pero sin condimentos que la transformen en atractiva.
Elsa Bragato


BOY HOOD, MOMENTOS DE UNA VIDA
De Richard Linklater. Con Ellar Coltrane, Ethan Hawke, Patricia Arquette, Lorelei Linklater, entre otros. Música de Colplay, Barkley,  Cat Power, Bob Dylan, Paul McCartney, entre otros. Duración: 165 minutos.


EXCELENTE. EL DEVENIR DE LA VIDA EN UN FILM ÉPICO, LINKLATER SUPERLATIVO
Richard Linklater nos ha regalado films antológicos con diálogos insuperables, “Antes de la medianoche”, “Antes del atardecer” y “Antes del amanecer” conforman una trilogía inolvidable sobre una pareja y su devenir en el tiempo. En el caso de “Boyhood”, estamos frente a un film épico, memorable, filmado entre 2002 y 2013, con los mismos actores por lo que vemos la transformación física de Ellar Coltrane, desde sus 6 años hasta 12 años después.
Linklater filmó a Coltrane,  sus padres y su hermana en la ficción (que es la hija del realizador, Lorelei), durante una semana cada año de los 12 que tardó en reunir este precioso material. Las canas de Arquette y Hawke no son maquillaje, como tampoco es un aplique de goma algunos kilitos demás de los actores. Ni la barba incipiente de Ellar Coltrane.
Más allá de los detalles técnicos, está el contenido el film que nos muestra esos “momentos de vida” a los que alude el título, la relación de un niño con sus padres separados, y los dos matrimonios sucesivos de su madre con padrastros golpeadores. Así como la relación entre adultos que han decidido tomar caminos distintos pero tienen en claro que hay un hijo producto del amor.
Y aún más allá, si se quiere en un plano metafísico (el “metá ta physiká de Aristóteles), están los diálogos, nutridos de verdades irrefutables, espontáneos pero trabajados, sin una coma que altere el sentido existencial que tienen.
Resulta un film notable, conmovedor, tocante, fuera de lo común por sus características, pero tan cerca de cada uno de nosotros que maravilla, sorprende. Las actuaciones no tienen parangón. Ethan Hawke es el actor “fetiche” de Linklater porque es evidente que conoce lo que este gran director quiere y lo ha demostrado en su reconocida trilogía (filmada al mismo tiempo que esta película). Patricia Arquette se deja seducir por su personaje y nos regala una “madre” de verdad, mientras que Ellar Coltrane deja el retrato vivo de los avatares del ir creciendo, transparente, sin artificios.
Un párrafo especial merece la banda de sonido armada por el propio director en base a “soundtracks” y artistas que marcaron su propia vida como “Yellow” de Colplay, “Crazy” de Barkley, “Could we” de Cat Power, “Band on the run” de Paul McCartney, entre otros.
Film épico sobre la vida misma. Un trabajo superlativo de Richard Linklater. Es imperativo ver esta película, que quedará como uno de los grandes hitos de la historia del cine.
Elsa Bragato


LOS ELEGIDOS
De Rodolfo Mortola. Con Pablo Heredia, Florencia Otero, Rodrigo Ogsende, Daniel Tedeschi, Norma Argentina, Gonzalo Javier Alvarez. Música de Luis María Serra y Sebastián Coll. Duración: 76 minutos.


REGULAR. RAMPLONA HISTORIA DE AMOR
La iglesia, el párroco, el comedor popular, son elementos más que frecuentes en el cine argentino de todos los tiempos. Y, a estas alturas, resultan muy poco atractivos. En “Los elegidos”, Rodolfo Mortola aborda un tema poco frecuente: dos jóvenes del interior que vienen a la capital para estudiar canto lírico. Una buena idea, diferente. Sin embargo, muy pronto cae en el folletín burdo, sin gracia, que no puede ser salvado ni siquiera por una fotografía correcta ni con la cara bonachona del cura bonachón y eruditoi.
La historia de los hermanos Martín y Román que se enamoran de Estela, una chica que canta en boliches de mala reputación, uno bueno y el otro malo, nos remite a los bíblicos Caín y Abel y luego a cualquier historia de amor elemental. El sinfín de estructuras es absolutamente lineal: la pobreza, las ilusiones, la chica que se enamora de uno pero coquetea con los dos, la locura del “malo”, la muerte, la cárcel. Y la presencia del cura bueno que ayuda al hermano mayor como guía espiritual.
La cuestión, en todo caso, no es lo que se cuenta sino más bien desde qué lugar se plantea la historia. Y el planteo es, en este caso, precario. No se ahonda en los personajes, se los “sobrevuela”, y no se apuntala la dirección actoral por lo que, además de los clishés enumerados, hay bajones interpretativos muy notorios.
Hoy en día las historias de amor requieren mucho más. Carisma, enfoques menos rutinarios, diálogos menos comunes, aunque la historia de amor entre un hombre y una mujer tenga, en definitiva, los mismos elementos constitutivos. No nos convenció para nada. Como tampoco la banda sonora. Faltó “pathos” y “la razón de ser” de una trilogía que daba para mucho.
Elsa Bragato


¿SOLO AMIGOS?
De Mike Dowse. Con Daniel Radcliffe, Zoe Kazan, Rafe Spall, Adam Driver, entre otros. Duración: 102 minutos.


BUENA. ROMANCE EN UNA COMEDIA LIVIANA
En contraposición a “Los elegidos”, surge la comedia romántica “Solo amigos?”, entre Wallace (Radcliffe) y Chantry (Kazan), dos amigovios que no dan el brazo a torcer para concretar sus sentimientos. Hay gran química entre los protagonistas que lucen bien, son atractivos desde todo punto de vista, aunque la historia no les permita avanzar rápido en el amor: ella tiene un noviazgo formalizado. Pero “Cupido” se las ingenia y, luego de un encuentro casual en una fiesta, de poesías sujetas con imanes en una heladera, de la fascinación por la comida preferida de Elvis Presley (pickles, manteca de maní y un enorme pan), hay un paulatino acercamiento entre los jóvenes.
El film tiene varios atractivos para el público joven: los diálogos son ingeniosos, brillantes, actuales. Los acompaña una ciudad luminosa: Toronto. Y estas idas y venidas de un amor que no se decide a ser pero que está. Daniel Radcliffe deja su conocida magia de “Harry Potter” para encarar otra más humana: la magia del amor. Zoe Kazan aporta simpatía y belleza, más allá de cierta inexpresividad.
Amistad y romanticismo dentro de un buen marco. Sin otro objetivo que el de agradar durante un rato.
Carlos Pierre


REFUGIADO
Guión y dirección de Diego Lerman. Con Julieta Díaz, Sebastián Molinaro, Marta Lubos, entre otros (coproducción entre Argentina, Francia, Polonia, Colombia y Alemania). Música de José Villalobos. Duración: 95 minutos.


MUY BUENA. INTENSO THRILLER SOBRE VIOLENCIA DE GÉNERO
Diego Lerman acude a su experta mano de realizador para encarar la violencia de género, crudamente, centrando la historia en una mujer golpeada y su pequeño hijo (Julieta Díaz y Sebastián Molinaro respectivamente) que huyen del marido golpeador. Es una huida desesperada que los lleva desde el monoblock de Lugano hasta el Tigre, pasando por refugios comunitarios y hoteles, en búsqueda de la vida, de la salvación. Un detalle bien utilizado para el clima del film es la ausencia del golpeador, está, se huye de él, pero no se lo ve.
Y Lerman mete su cámara en la psiquis de esta mujer golpeada y tal vez embarazada, mostrando un conmovedor y profundo registro del miedo que generan el abuso físico y psicológico.
El guión no tiene fisuras aunque en algún momento decaiga la tensión (especialmente cuando los protagonistas llegan al Tigre). Y las actuaciones son estupendas, algo que no extraña en Julieta Díaz.
Es un thriller psicológico pleno de suspenso y de angustia, sustentado en una fotografía esmerada y hasta deslumbrante por momentos, aunque el universo d elos personajes esté devastado. Un muy buen film nacional.
Carlos Pierre


CANTINFLAS
De Sebastián del Amo. Con Óscar Jaenada, Michael Imperioli, Ilse Salas, Luis Gerardo Méndez, entre otros. Música de Roque Baños. Duración: 102 minutos.


MUY BUENA. MERITORIO TRIBUTO AL GRAN “CANTINFLAS”
La vida del gran Mario Moreno, “Cantinflas”, era más que esperada. Icono mexicano del humor, su vida personal y artística merecía este reconocimiento. No olvidemos que sus films fueron éxitos en los cines argentinos y latinoamericanos, alcanzado la fama mundial en 1956 con “La vuelta al mundo en 80 días”, que logró cinco Oscars en rubros técnicos, y eje de esta película.
Sebastián del Amo tomó dos pivots: los prolegómenos de la realización de “La vuelta al mundo…”, y los comienzos de “Cantinflas” hasta llegar al cine, con diferentes oficios, filmados en blanco y negro. Mientras que la realización del film, con Michael Todd encarnado por Michael Imperioli, como productor (esposo entonces de Elizabeth Taylor) está realizada en color. El pasado y ese presente de Mario Moreno van yuxtapuestos de manera coherente, resultando un logro de síntesis dado que la extensa y rica vida de Moreno habría sido imposible de compilar en poco más de una hora y media.
Entre tantos aspectos, se toma su compromiso social con los desvalidos, así como su encomiable participación en la Asociación de Actores, donde sustituyó al célebre Jorge Negrete como líder sindical, y también su tarea en La Casa del Actor que fundó.
Destacamos al actor catalán Oscar Jaenada, quien ganó el casting para interpretar a Cantinflas con sobradas razones: desde su parecido físico incluyendo las inflexiones de voz y su enorme admiración por Mario Moreno. El personaje lo obligó a estudiar los modismos tan peculiares de Cantinflas.
Vale recordar que Mario Moreno había rechazado en principio su participación porque la propuesta de Michael Todd no lo había convencido. Cuando la mejoró, en calidad de protagonista junto a David Niven, Shirley McLaine y más de 40 estrellas de cine, entonces dio su “sí”. Si bien “Cantinflas” no ganó el Oscar como mejor ganor, obtuvo el Globo de Oro en ese rubro y comenzó una carrera internacional fantástica. Elogiado, amado, admirado, Mario Moreno fue calificado por Charles Chaplin nada menos como “el mejor comediante del mundo”. Este film lo refleja y vale la pena de pe a pa.
Carlos Pierre

 

JUEVES 23 DE OCTUBRE DEL 2014.-

Hay seis estrenos de los cuales dos son nacionales. Entre éstos, “Barroco”, de Estanislao Buisel, que se estrena en una sala alternativa, fuera del circuito comercial. Entre las cuatro extranjeras, está “Max en Dinoterra”, animación de Jerry Ching, creador de la saga del león Max.

El hecho notable es el relanzamiento, a 40 años de su estreno, de “La Mary”, film antológico de Daniel Tinayre, con Susana Giménez y Carlos Monzón, que dio origen a una de las parejas más tormentosas de la farándula en la vida real.



POLVO DE ESTRELLAS

De David Cronenberg. Guión de Bruce Wagner. Con Julianne Moore, Mía Wasikowska, Robert Pattinson, John Cusack, Sarah Gadon, Olivia Williams, entre otros. Música de Howard Shore. Duración: 111 minutos.

BUENA. EL “PATIO DE ATRÁS” DE HOLLYWOOD

La obsesión por la fama en la meca del cine es el eje argumental de este nuevo film del gran David Cronenberg (“Una historia violenta”) en el que surge un ácido entretejido de humor negro, sarcasmo, y profundamente corrosivo dentro de una familia de Hollywood.

Film coral, Cronenberg desnuda la trastienda de la “ciudad del cine” con personajes “out of order”, locos o enloquecidos, como el terapeuta de moda que compone John Cusack, quien escribe best-sellers de autoayuda, mientras atiende a una actriz venida a menos, a cargo de Julianne Moore (obtuvo el premio a la mejor actriz en el festival de Cannes). O el chofer de limusina, encarnado por Robert Pattinson, alejado de los vampiros, que aspira a ser escritor. Su relación con la hija de una familia de esquiva fama y acuciada por los fantasmas de los recuerdos, recién salida del psiquiátrico, agrega una cuota de perturbación en la gama de personajes surgidos de Cronenberg y Wagner.

El drama estrictamente familiar se trasciende a sí mismo con la incorporación de esta galería de pequeños monstruos humanos, llenos de carencias, mediocres y acuciados por ser lo que no son y como sea, obligando a muy buenos cruces actorales, especialmente de Julianne Moore. Cronenberg resulta siempre inquietante, fuerte, y sin cortapisas. Si bien no es el mejor de sus títulos, es un film que atrapa.

Carlos Pierre



UN AMOR EN TIEMPOS DE SELFIES

Guiòn y dirección de Emilio Tamer. Codirección de Federico Finkielstain. Con Martín Bossi, Carlos Balá, Graciela Borges, María Zamarbide, Manuel Wirtz, Roberto Carnaghi, Luis Rubio, entre otros. Música de Mauel Wirzt.

BUENA. DEBUT ROMÁNTICO PARA MARTÍN BOSSI

El éxito más que merecido de Martín Bossi en el teatro bajo la dirección de Emilio Tamer llevó a cierto apresuramiento para lanzarlo en el cine con un protagónico en un film cuyo guión tiene ciertos “colaterales” que no convencen.

Si bien ya había compuesto un interesante papel en “Viudas”, de Marcos Carnevale, junto a Graciela Borges, Bossi encara su primer papel y, junto a él, lo hace la sugestiva y promisoria María Zamarbide, dueña de un rostro especial. Lo secundan sus compañeros de teatro Manuel Wirzt y “Carna” (impresionante en la composición de Javier Portales en la obra teatral).

Es una comedia romántica, basada en un actor del “under” que dicta clases y una alumna, representante de un medio de comunicación masiva; el amor entra en crisis y llega a las redes sociales, tema que Bossi aborda en “Big Bang Show”. Y surge la cuestión que no convence: se echa mano a personajes mediáticos para redondear este hecho, desde Marcelo Polino a los productores de Showmatch, con lo cual la premisa inicial pierde fuerza y entra en declive narrativo.

A nivel técnico, nada hay que reprochar. San Telmo es el marco de esta historia de amor y se lo aprecia a través de una cuidada fotografía. Hay una buena dirección actoral de la que hacen gala quienes son realmente actores, pero este nivel decae cuando se incluyen los personajes mediáticos que están acostumbrados a moverse frente a cámaras de tevé y no de cine. Disfrutable.

Carlos Pierre



ANNABELLE

De John Leonetti. Con Annabelle Wellis, Ward Borton, Alfre Woodard, entre otros. Música de Joseph Bishara. Duración: 98 minutos.

BUENA. PRECUELA DE LA “MUÑECA MALDITA”

En el 2013 se vio la excelente “El conjuro” de James Wan, donde nos contó la historia de la muñeca “Annabelle”, poseída, que obligó, en 1970 y de acuerdo a algunos hechos reales, a que Ed y Lorraine Warren, reconocidos parapsicólogos, tomaran el caso y hoy la mantengan encerrada en una vitrina del Museo del Ocultismo, en Connectitud, USA.

El realizador Leonetti, director de fotografía de “El conjuro” (James Chan es productor de esta precuela), trabajó la idea de alguien comprara la muñeca maldita “Annabelle” antes de que llegara al hogar que dio origen a “El conjuro”. En este caso, el matrimonio compuesto por Mía y John espera el primer hijo y el marido desea complacer a su esposa, adoradora de las muñecas, regalándole la conocida “Raggedy Ran” llamada Annabelle (como curiosidad, es el nombre real de la actriz que encarna a “Mía”). Obviamente, las consecuencias serán tremendas, sangrientas, entre “El exorcismo” y un toque de “El bebé de Rosemarie”. La narración es sostenida, mantiene en vilo al espectador, y el final, aunque previsible, es un alivio deseado para tanta adrenalina acumulada desde la butaca.

Hay varios elementos interesantes dentro de un film bien estructurado y de bajo presupuesto: la fotografía, la música que subraya los momentos de tensión, el trabajo del sonido, los efectos especiales. Recordemos también que John Leonetti fue el fotógrafo de “Chucky, el muñeco maldito” de 1991 y tiene, entre otros títulos propios, “El efecto mariposa”. Una auténtica “spin-off” para disfrutar del terror… aunque sea la hermanita menor de “El conjuro”.

NdeR: “Raggedy Ran” es una marca de muñecas de trapo que surgió en 1915 de la mano de un ilustrador, para luego ser fabricada en escala, con gran éxito de ventas en los Estados Unidos.

Elsa Bragato



EL ÚLTIMO AMOR

De Sandra Nettelbeck. Con Michael Caine, Clemence Poesy, Justin Kirk, Michele Goddet, entre otros. Música de Hans Zimmer. Duración: 116 minutos.

BUENA. SOBERBIO MICHAEL CAINE EN MEDIOCRE CLISHÉ

Michael Caine está a sus anchas en este film cuyo eje es un hombre de su edad, ochentoso, digno, a quien la vida pone en el camino a una joven, Pauline (Clemence Poesy), con quien de a poco se permite soñar con una segunda oportunidad, tras su repentina viudez. Pero tiene hijos codiciosos que regresan cargados de reproches. Una vuelta de tuerca de la vida y del guión enfrenta a padre e hijo en una situación inesperada y será allí donde todos los clishés asomen y, a pesar de ellos, uno siga disfrutando de este notable actor, entrañable y enorme.

París, con su magia mítica, y este gran actor inglés nos subyugan desde el comienzo. Sus gestos, sus modulaciones, su dolor y su alegría, manejados con flemática argucia, nos llevan casi de las narices a través de un personaje que trasciende la mediocridad del guión, o al menos su previsibilidad.

Nada hace mella en Michael Caine quien se ajusta a un personaje pero lo transmuta en una lección de actuación, “comiéndose” literalmente la película. Solo por Caine vale la pena ir al cine.

Elsa Bragato

 

JUEVES 16 DE OCTUBRE DEL 2014.-

Hay ocho estrenos de los cuales tres son nacionales, entre ellas, “Rosa Fuerte”, de María Laura Dariomerlo, con Leticia Bredice y Pablo Rago nos cuenta la historia de una pareja joven en crisis y “Diamante”, de Emiliano Grieco es un documental sobre Ezequiel, adolescente que vive en el Delta del Paraná.

Entre las extranjeras tenemos la película infantil “El libro de la vida”, de Jorge Gutiérrez, con las voces de Diego Luna, Zoe Saldana y Channing Tatum, con la música del argentino Gustavo Santaolalla y “Casa grande”, de Felipe G. Barbosa, que nos narra los avatares de los jóvenes de clase alta en el Brasil.

EL AMOR Y OTRAS HISTORIAS

Coproducción argentino-española, escrita y dirigida por Alejo Flah. Con Ernesto Alterio, Luis Luque, Julieta Cardinali, Mónica Antonópulos, entre otros. Duración: 90 minutos.

BUENA. PERIPECIAS AMOROSAS ENTRE BAIRES Y MADRID

Esta ópera prima de Alejo Flah tiene mucho para gustar y algunas cosas para apuntar desde el modesto lugar del crítico y espectador. Ernesto Alterio encarna a un guionista que debe escribir una comedia romántica a filmar en España y no encuentra muchos recursos propios para hacerla dado que su propia vida personal es un desastre. Su ex, a cargo de Julieta Cardinale, lo abandonó, y su amigo (Luis Luque) solo tiene decepción y escasez de dinero. Hay un amor del pasado (Mónica Antonópulos) que puede ser la clave para abrir su oprimida inspiración.

La fotografía que Alejo Flah encara, a través de su buen equipo técnico, es atractiva, desarrollada en calles y paisajes tanto porteños como madrileños. El tema está en la difícil confluencia de ambas historias, es decir, la vida “real” del protagonista y la “vida de ficción” que debe escribir, y cuándo una se convierte en la otra. Un ardid ya conocido y transitado en el cine internacional y nacional pero siempre simpático, especialmente si su protagonista es un buen actor como Ernesto Alterio y tiene un gran elenco como sustento. Agradable comedia romántica.

Carlos Pierre



EL DADOR DE RECUERDOS

De Phillip Noyce. Con Jeff Bridges, Meryl Streep, Brenton Thwaites, Katie Holmes, Taylor Swift, entre otros. Música de Marco Beltrami. Duración: 97 minutos.

BUENA. MUNDO VIRTUAL PARA EL FUTURO

El realizador de la excelente “Juego de patriotas”, Phillip Noyce, regresa con esta película de ciencia ficción en la que se repite el esquema de un mundo futuro donde hay un “gran ojo” que maneja la vida de los seres humanos supuestamente “felices” porque carecen de recuerdos y de emociones, con una salvedad: hay un “dador” de recuerdos.

Meryl Streep encarna a la “dictadora” o manipuladora de este régimen totalitario al que es tan afecto el cine de Hollywood de los últimos tiempos, mientras que “El dador “ (The giver, en el título original en inglés) es un barbado y avejentado Jeff Bridges.

El recurso técnico bien empleado por Noyce está dado por el blanco y negro y el color: el primero acentúa la ausencia de emociones de los personajes, jóvenes controlados muy severamente, siendo uno solo el capacitado para “recibir los recuerdos”, personaje que encarna Brenton Thwaites. Un anciano es el que posee la memoria del pasado, papel que encara Jeff Bridges, afecto a estos personajes extraños aunque sin llegar al extremo de Johnny Depp. El color aparece cuando un joven elegido puede acceder a las emociones.

El guión está basado en la novela de Lois Lowry, escritora norteamericana de libros infantiles siendo los más afamados éste, “The giver”, y “Quién cuenta las estrellas” que recibieron el premio Newvery. Por ser de la década del 90 no podemos dejar de pensar que alguna influencia debió tener de “1984”, de George Orwell, creador del “Big brother”.

El film da para mucho más que la historia en sí permitiéndonos el planteo de un futuro donde las sociedades se tornan menos flexibles, están manejadas por pocos que ostentan poder y dinero, y las ciudades son verdaderas cárceles donde lo lindo y vistoso así como lo feo y desagradable están manejados “desde arriba”. Títeres llamados ciudadanos. Y, aunque surja de un éxito de librería, llama la atención que esta lectura esté dedicada a los niños y jóvenes.

Carlos Pierre



LA ESPOSA PROMETIDA

De Rama Burshtein. Con Hadas Yaron, Yiftach Klein, Irit Sheleg, Chaim Sharir, entre otros. Música de Yitzhak Azulay. Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. LA ORTODOXIA JUDÍA EN UNA FASCINANTE HISTORIA

La historia real de una joven prometida judía próxima a contraer enlace con el viudo de su hermana, fallecida al dar a luz, conmovió a Rama Burshtein y la llevó a realizar este primer largometraje que nos introduce en el judaísmo ortodoxo, específicamente en la comunidad Haredi en Tel Aviv. Las exigencias de la ortodoxia impiden filmar por lo que Burshtein, practicante religiosa, nos revela un mundo secreto, inaccesible y rico en emociones.

“Shira” es la hermana de una joven mujer que fallece, la encarna la bella actriz Hadas Yaron; presa de confusión y contradicciones, debe contraer enlace con el viudo, encarnado por el actor Yiftach Klein como “Yochay”. La narración es fluída y mantiene una tensión creciente que se corta por momentos cuando focaliza las danzas tradicionales judías o bien los cantos y saludos alrededor de la mesa familiar.

Es muy interesante además el manejo de la cámara de Burshtein y cómo indaga narrativamente en la psiquis de “Shira” y en el comportamiento de “Yochay”. El diálogo entre ambos, la sencillez y espontaneidad de “Shira”, forman parte de una realidad que empezamos a conocer: la esposa “prometida” no está obligada a casarse, puede elegir. Y he aquí el “quid” del relato, basado en esta disyuntiva cuyo eje es el amor como único motor de cualquier relación mostrándonos costumbres que asombran y conmueven a la vez.

Además hay una delicadeza en el tratamiento de los personajes que resulta emotiva, tocante. Burshtein descorre un velo blanco y vaporoso sobre una tradición rica, se detiene en el vestido de novia, en las manos entrelazadas y no oculta la timidez de la mujer virgen ante el joven experimentado. Deliciosas secuencias. Y ayuda a la historia de los protagonistas con personajes secundarios fantásticos como la tía sin brazos y la amiga “casadera”. Un retrato de familia y de costumbres riquísimo y una narración que denota maestría.

Elsa Bragato



EL JUSTICIERO

De Antoine Fuqua. Con Denzel Washington, Chloe Grace Moretz, Marton Csokas, Melissa Leo, Haley Bennett, entre otros. Música de Harry Gregson-Wiliams. Duración: 131 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL CON TODAS LAS DE LA LEY

Antoine Fuqua tiene en su curriculum la estupenda “Día de entrenamiento”, con Denzel Washington, uno de los actores afroamericanos más dúctiles de todos los tiempos. “El justiciero”, conocido en inglés como “The equalizer”, es una película que hace honor a su estilo directo, de planos medios, con elipsis que no dejan ninguna historia sin narrar aunque no estén contadas, y con la acción que lo caracteriza, entre el realismo de Tarantino y las primeras películas de John Turturro.

El film toma como base la serie televisiva del mismo nombre y se centra en la vida de un oficial de inteligencia retirado que dedica su tiempo a ayudar a los indefensos. El caso de la joven prostituta Teri (una dulce Chloé Moretz) lo enfrenta a la mafia rusa y allí surgen los efectos especiales que muestran la capacidad de matar de “Roberto McCall” (Denzel Washington).

No hay mucho descanso para el espectador, salvo secuencias muy bien llevadas de diálogos entre el oficial y la prostituta, que muestran la maestría narrativa de Fuqua para implantar esos remansos de paz en medio de un film de tremenda acción, adrenalínico y brutal.

Sin vueltas, este policial tiene todos los ingredientes del género con tratamientos de sonido en posproducción notables, remarcables, que imprimen una sobredosis de perturbación así como la banda sonora de Harry Gregson-Williams quien, por momentos, utiliza una sola nota con fuerte percusión para ir creciendo en una explosión orquestal donde hay desde coros hasta instrumentos electrónicos. Al mismo tiempo, Denzel Washington y Antoine Fuquá hacen de las suyas en la pantalla. No se la pierda.

Elsa Bragato