Crítica On Line
Los estrenos de la semana
Por Elsa Bragato

Hay seis estrenos, cuatro en soporte fílmico y dos en soporte digital o DVD.

No comentaremos el documental Cuento Chino, Clasista y Combativo.

AGENTE SALT

De Phillip Noyce. Con Angelina Jolie y Chiwetel Ejiotor, entre otros. Música de James Newton Howard. Duración: 100 minutos.

BUENA. UN TOUCH DE GLAMOUR ENTRE ESPÍAS

El regreso a un tema archiconocido y ya convencional como el espionaje entre rusos y norteamericanos es más de lo mismo y tiene un olorcito a algo muy añejo. Sin embargo, esta vez Angelina Jolie dota a su personaje, la Agente Salt, de tanta potencia que el film es entretenido en medio de balaceras y correrías interminables que hasta cansan al espectador que se mete en la trama y se cree, por algunos minutos, un “símil” de Jolie. La reaparición del “malo” contraespía que pone a andar la máquina fatal de los cohetes hacia los Estados Unidos está muy visto. No obstante, insistimos, los méritos de Angelina Jolie y su destreza física, amén de los dobles de riesgo, hacen de esta película algo muy potable para entretenerse.

Porque estamos en el film de mero entretenimiento. El argumento es tan débil que no merece ningún comentario. Ya lo vimos mil veces. No hay una maduración de los personajes ni ninguna mirada interior. Eso lo dejamos para otro género de films. Pero sí hay acción y de la buena, siempre inverosímil, y, en definitiva, entretenida de pe a pa.

Lo más débil del film, fuera del guión en sí, está en el comienzo cuando se ve a la Agente Salt semi torturada por los “malos” del Este, en este caso son de North Corea. Es una secuencia donde se nota la pegatina de barro en el cuerpo de Jolie y solo tiene explicación y cabida para mostrar el esquelético y bien tornado cuerpo de la actriz. Un touch de glamour en el espionaje…

No hay mayores comentarios. Es para entretenerse y saltar en la butaca en medio de balaceras. Intentar un acercamiento intelectual es imposible.

Elsa Bragato

EL HOMBRE SOLITARIO

De Brian Koppelman y David Levien, con Michael Douglas, Susan Sarandom, Mary Louise Parker, Danny Devito, entre otros. Música de Michael Penn. Duración: 90 minutos.

BUENA. EL ALTER EGO DE MICHAEL DOUGLAS CON GRAN ACTUACIÓN

Michael Douglas regresa a la pantalla grande con una magistral interpretación de un sesentón que siente una debilidad extrema por las mujeres jóvenes. Su alter ego si tenemos en cuenta el paso del actor por centros de rehabilitación dada su adicción al sexo. En principio, el film tiene la impronta de los 80, sin ningún efecto grandilocuente, por lo que la trama se desenvuelve en un tono clásico.

La idea es mostrar el quiebre de un hombre de 60 años ante el paso del tiempo. El argumento entonces desarrolla la historia de este sesentón venido a menos, ex dueño de una empresa de automotores, que está separado de su primera esposa (una notable Susan Sarandom) y que sobrelleva un problema cardíaco desde hace 6 años, sin prestar mayor atención a las recomendaciones médicas.

Una serie de situaciones con su segunda pareja, con la hija de ésta y con su fama de hombre de mil contactos, marcan el declive emocional y social de “Ben” de una manera brutal y patética. Llega su ruina en todos los aspectos. Sin embargo, el film no ingresa en ninguna zona límite ni cae en excesos de dramatismo ni de penurias, más que loable reacción de los realizadores Koppelman y Levien.

En este camino al descenso Ben se reencuentra con un amigo de toda la vida, el personaje de Danny DeVito, quien le da alojamiento y trabajo. Y lo aconseja con recomendaciones muy al estilo de Sancho Panza, plantadas en la realidad.

Un aspecto destacable del film es el proceso de la caída espiritual de Ben hasta el extremo de manifestar que se ha convertido en “un hombre invisible” para la sociedad, para la familia, para las mujeres, para su pareja. Y aquí tiene un punto de encuentro con un reclamo de la tercera edad en casi todas las sociedades del mundo: el olvido de quienes ya no tienen 20.

Es también remarcable la elaboración de los diálogos, certeros, creíbles, que producen empatía con el espectador. Las escenas están bien resueltas, bien fotografiadas, bien elaboradas, no hay cabos sueltos. O sea, se ha seguido un diseño de producción de principio a fin. Es, entonces, un buen film que tiene cierta agonía en el final por lo que no podemos “ascenderlo” a muy bueno.

Les va a encantar la actuación de Michael Douglas. Nuestra recomendación es para personas de más de 40 años. El tema no le va a interesar a los más jóvenes.

Carlos Pierre

HANSEL Y GRETEL

De Yim Phil-sung. Film coreano, fábula macabra del director. En DVD.

MUY BUENA. LO SINIESTRO UNIDO AL DESAMOR

A doscientos años de la publicación del cuento de los hermanos Grimm, el director coreano Yim Phil-Sung ofrece esta inquietante versión de Hansel y Gretel.

El género fantástico impera en la narración que toma como punto de partida la historia de los Grimm transformándola en una fábula macabra. Poco a poco, también la película irá hacia una moraleja relacionada con el mundo infantil, claro que desde un punto de vista aleccionador muy perturbador.

Un accidente en una solitaria carretera es el disparador de este cuento renovado y audaz, donde el protagonista es llevado por una niña a una casa iluminada en lo más oscuro e intrincado del bosque. Esa casa se llama, paradójicamente, “La casa de los niños felices”, pero allí suceden hechos sorprendentes que tienen a tres niños como protagonistas, niños abandonados por sus padres. Buscan con silenciosa desesperación a sustitutos, reclaman afecto y protección. Es tal la soledad de estas criaturas que intentan retener al visitante accidentado, un joven aturdido que iba a buscar a su madre enferma mientras mantenía comunicación con su novia, de quien espera un hijo.

La casa es el centro de la narración audiovisual porque, a pesar de la magia de los chicos y su presunto candor, el realizador Phil-Sung maneja una paleta de contrastes entre lo fantástico y el terror, inundando la casa con infinidad de juguetes que, sin embargo, darán paso a la incontenible furia de los pequeños que no pueden distinguir entre el bien y el mal. El subtema es la importancia psicológica de la guía parental en los niños, la aplicación de los límites de manera sana y convincente.

Esta fábula y la idea de trastocarla en un cuento de terror le permitieron al realizador coreano la utilización de colores y luces en una amplia gama, que contrasta con el sepia que emplea para los atroces recuerdos.

Comentario aparte merece la música de Lee Byeongwoo, porque emplea un coro infantil como música incidental, especialmente cuando la narración se centra en la actividad de los niños, y además matiza los diferentes ambientes de la casa con tutti de cuerdas que se mezclan hábilmente, por un certero trabajo de los técnicos de sonido, con el ruido de juguetes.

El film está dirigido al público adulto. Y saldrá de la sala, se lo aseguramos, con el ánimo de tratar mejor a los niños y de amarlos profundamente porque aquí lo siniestro tiene relación con el desamor.

Carlos Pierre

LUZ SILENCIOSA

De Carlos Reygadas. Con Cornelio Wall y María Pankratz. Entre otros. Duración: 142 minutos. En DVD.

MUY BUENA. POESÍA VISUAL EN UNA TRILOGÍA AMOROSA

Carlos Reygadas propone una mirada muy especial sobre la infidelidad y las consecuencias en una pareja con varios hijos. Pero no es cualquier pareja sino que pertenece a una comunidad menonita, de férrea disciplina religiosa, ubicada en Chihuahua, México. A manera de parábola, su cámara se planta en el anochecer y así cerrará el film, con las mismas tomas, tomándose sus tiempos y otorgándole a la poesía visual un lugar preponderante. Estos tiempos no son los adecuados para un circuito comercial pero sí para el cine-arte y es la propuesta de Reynadas.

El realizador ha seguido un esquema estricto de secuencias: el comienzo con la ubicación de la familia, el desayuno, el trabajo en el campo, el encuentro con la amante, el largo viaje de los esposos, la muerte, el reencuentro de los amantes.

En medio de ellas, la vida casi silenciosa de los niños con sus padres, los baños placenteros en los lagos cercanos, las cosechas, y, por sobre todo, la mirada dulce y conciliadora de la esposa cuyo dolor por la infidelidad de su marido no tiene palabras de reproche y sí es una herida lacerante en su corazón, del que enferma.

Las cámaras de Reygadas han sido ubicadas en lugares estratégicos: dentro del auto que recorre caminos sin prisa, en medio del bosque rodeando el llanto irrefrenable de la esposa engañada, de lejos para tomar el encuentro del esposo con el cuerpo inerte de su mujer. Todo este conjunto planificado de cámaras y relato dan un clima muy especial al film, entre agobiante y placentero. Hay reacción interior en los personajes, hay maduración, que permite llegar al desenlace buscado y esperado.

Una secuencia anecdótica es la del velatorio donde la muerta habla con la amante del marido y los niños. Pensamos que, sin este agregado, el film habría tenido una perfección irrebatible.

Sin duda, Reygadas nos asombra por la exquisitez visual, por los diálogos escasos y medulares, por la perturbación emocional que va generando al ir desentrañando la  historia del infiel y la sumisión de su esposa. Sumisión que no cae en el envilecimiento femenino sino que tiene una redención, tal vez no la esperada pero sí absolutamente creíble.

Como dijimos al comienzo, no es un film para circuito comercial. Lo recomendamos para los cinéfilos, para quienes puedan tener un “tiempo interior” y calma para deleitarse con este relato que resulta fascinante, atractivo, demoledor.

Elsa Bragato

DE VUELTA A LA VIDA

De Scott Hicks.Con Clive Owen, Emma Booth, Laura Fraser, entre otros. Duración: 104 minutos.

BUENA. LOS HIJOS SIN MADRE Y LAS TRIBULACIONES PATERNAS

Se trata de una película clásica, donde Clive Owen, notable actor inglés, interpreta a un padre que queda viudo de su segunda y joven esposa, debe hacerse cargo del pequeño hijo de ambos y recomponer la relación con el anterior, fruto de su primer casamiento. Se trata de periodista deportivo que poco hará por su profesión por la tarea de enfrentar la viudez y a dos hijos que lo necesitan. Australia y sus “pampas”, la tranquilidad de un lugar que es fuerte contraste con la situación particular de este hombre que no tiene más remedio que enfrentar la vida.

Hay secuencias muy interesantes relacionadas con las actitudes del niño menor ante la pérdida de la madre y el rechazo a ciertas exigencias paternas y hasta sociales. La aceptación de su hermanastro mayor tampoco queda de lado, como los reproches del jovencito al padre que decidió formar otra familia. Nos parecen diálogos interesantes, creíbles, situaciones familiares que tienen empatía con situaciones que, de una u otra manera, todos podemos haber vivido.

Surgen muchos subtemas como, justamente, la educación de los niños sin madre y sin padre, porque en el film se dan los dos casos. El dolor que no saben expresar si no es con actos fuera de lo común, la impotencia de no volver a ver a los padres juntos, uno por la muerte de la madre, el otro por el abandono del padre. Estas situaciones cotidianas también alcanzan al resto de la familia que, muchas veces, debe hacerse cargo de los menores. Y el cómo puedan manejar a estos niños transidos por el dolor de la pérdida de diferente manera.

Nos parece un film interesante que no alcanza la calificación de “muy bueno” simplemente porque se pudieron aligerar algunas secuencias de juegos para darle mayor dramatismo. No obstante, estas licencias del realizador tampoco pueden motivarnos a descalificar a una película en la que muchos padres jóvenes se pueden ver reflejados.

Hay una buena narración audiovisual, hay buenas actuaciones, hay diálogos creíbles.

Elsa Bragato

Estrenos del jueves 19 de agosto del 2010

Hay cinco estrenos. No comentaremos la superfamiliar Como perros y gatos, ni el documental La 21, Barracas.

LA MIRADA INVISIBLE

De Diego Lerman. Con Julieta Zylberberg, Osmar Núñez, entre otros. Ganadora del premio Sundance-NHK 2099 al mejor guión. Música de José Villalobos. Duración: 97 minutos.

MUY BUENA. EL LADO “COTIDIANO” DEL TRÁGICO PROCESO

Estamos ante el tercer film de Diego Lerman, a quien conocimos por Tan de Repente (2003), un film muy audaz y prometedor. En esta oportunidad, la idea es la educación en tiempos del trágico proceso militar, ubicando la historia en los días previos a la Guerra de las Malvinas en 1982 y en el Colegio Nacional Buenos Aires.

La trama, a partir de este punto de partida, analizará el comportamiento del jefe de preceptores, un ex represor inmerso en la educación nacional y, en especial, el de la joven preceptora quien tiene la misión de descubrir qué alumno fuma en los baños. He aquí la mirada invisible del título: la preceptora se esconderá en los baños de los varones para espiarlos. Pero esta mirada escondida despertará su libido. De esta manera, Lerman une dos estados emocionales del personaje que encarna Julieta Zylberberg: el que le provoca su “tarea” de espionaje y el abrupto despertar de su sexualidad.

El film está basado en el libro Ciencias Morales del escritor Martín Kohan, reconocido por su narrativa detallista y moderna. Poco a poco, el director logra generar, a partir del libro de Kohan, un clima cercano al thriller por las consecuencias que tendrá para ambos represores la actividad de espionaje. Uno en su calidad de ordenar el mismo y la otra, realizadora de la “tarea”.

La película cumple acabadamente con los rubros técnicos. Hay perfección en muchas secuencias, buenos “frames”, y un clima opresivo creciente.

En líneas generales, se trata de una película muy interesante por su argumento y por cómo ha sido desarrollado con imágenes, es decir, mediante la narración audiovisual. Incluso, Lerman logra un tono sombrío  propio de algunos colegios durante el proceso militar. Y la novedad de encarar la persecución social desde una mirada “invisible”, algo tan poco sustancioso como detectar y delatar al alumno que fuma en los baños pero que retrata muy bien la ideología represiva de esos años de plomo.

Destacamos las actuaciones de los dos protagonistas que son creíbles. Ella, oscura e inexperta y él, cínico y brutal.

La fotografía es excelente y se explaya en los patios y aulas del colegio. Pero no fue precisamente el Nacional dadas las trabas que puso su director para otorgar el permiso de filmación. Se rodó en el Colegio San José, en el Don Bosco de Ramos Mejía y en el Bernasconi, incluyéndose tomas en el Congreso Nacional.

El film oscila entre la férrea represión y el despertar sexual, en un ambiente sórdido, oscuro y cruel, poco antes de la Guerra de Malvinas. Se incluye alguno que otro fragmento documental de la época. Nos parece muy recomendable.

Carlos Pierre

OTRO ENTRE OTROS

De Maximiliano Pelosi. Música de Santiago Ríio. Duración: 72 minutos.

BUENA. DOCUMENTO SOBRE LOS GAYS DE LA COMUNIDAD JUDÍA

Este documental de Maximiliano Pelosi sobre las parejas gays en la comunidad judía aborda el tema de un modo claro y abierto, aportando una visión para muchos desconocida sobre la homosexualidad en la comunidad israelí, que es la mayor de Latinoamérica en nuestro país (250.000 personas) y tiene un 7% de gays (17.000), porcentaje que equivale a 60.000 personas si consideramos que cuatro forman cada núcleo familiar.

No encontramos un documental con una variedad técnica importante o bien una narración no convencional. Sin embargo, se supera la falta de creatividad técnica por el aporte del tema y la nobleza de su tratamiento.

Pelosi parte de su propia experiencia personal: es católico y formó una pareja homosexual con un judío. Justamente a su “suegra” judía le dedica el documental, aunque ella no esté enterada de que la pareja de su hijo es él.

Y toma cuatro ejemplos de gays judíos que expresan lo que sienten dentro de su propia comunidad. Uno de ellos afirma que “la gente que es discriminada (sus ancestros judíos) termina por discriminar también”.

Cuatro historias muy bien contadas, con abundante documentación visual donde se muestra cómo los gays son discriminados en su propia comunidad, incluyéndose situaciones límites como el de la madre que se suicida arrojándose al vacío por no poder sobrellevar la novedad de la sexualidad de su hijo. Muy interesante.

Carlos Pierre

LONDON RIVER

De Rachid Bouchareb. Con Brenda Blethyn, Sotigui Kouyate, Roschdy Zem, entre otros. Música de Armand Amar. Duración: 87 minutos. (Sotigue Kouyaté visitó la Argentina y falleció en abril de este año)-

MUY BUENA. EMOTIVA HISTORIA SOBRE LA SUPERACIÓN DE LOS PREJUICIOS

El ataque terrorista ocurrido en el centro de Londres la mañana del 7 de julio de 2005, con bombas en tres trenes del subte y en un autobús, dejó 59 víctimas fatales y cientos de heridos. Un padre somalí y musulmán que vive en Francia no tiene noticias de su hijo en Londres desde entonces; una madre, viuda de un combatiente de Malvinas, no sabe nada de su hija radicada en la capital desde el trágico siniestro.

Rachid Bouchareb busca a estos dos personajes diametralmente opuestos por raza, condición social y culturas, para regalarnos una historia de empatías, de rechazos y comuniones, de aceptaciones y resignaciones, que nos llega al corazón a través de una hábil narrativa, que le escapa a los lugares comunes de la bella ciudad londinense. Un barrio alejado del “downtown”, un hombre que desconoce el inglés, una mujer que no habla francés y está sola, y el desconcierto de dos almas ante el drama en común que viven: sus hijos habían formado una feliz pareja y han desaparecido desde el día del atentado. El abrazo, la cena, el dolor, el llanto, el consuelo mutuo y el adiós.

Buena propuesta, emotiva, sagaz, con personajes queribles, creíbles, sin afectaciones, notables actores. Y un director que conoce el resorte íntimo de una cámara para movilizar los sentimientos. No dude en verla.

Elsa Bragato

Estrenos del jueves 12 de agosto del 2010

Hay siete estrenos. Un film, Te Extraño, coproducción de México y Argentina, que no se vio y se lanza al circuito comercial, y dos DVD, Interview, que comentaremos por su calidad, y Un cuento de verano, también recomendable de origen polaco (presentado a los Oscar) pero que no comentaremos.

El film “El último maestro del aire” tampoco será comentado porque no se ofrecieron privadas con la frecuencia habitual para los cronistas de cine. Decimos que está tomado de una serie de “animeé” japonesa y que tiene mucha acción basado en las artes marciales orientales y en los cuatro elementos que dan lugar a cuatro ciudades. Es el primero de una saga de, al menos, tres films. Sin duda, será la película de la semana con más taquilla.

DEPREDADORES

De Nomrod Antal. Con Adrian Brody y Thoper Grace, entre otros. Música de John Debney. Duración: 107 minutos.

REGULAR. TIROS Y MATANZAS A GRANEL EN UN FILM SIN GUIÓN

Desde el aspecto técnico, se puede considerar a esta remake (el primer film fue realizado en 1987) como buena, pero no se entienden ni el comienzo ni tampoco el final. Es una película para descargar adrenalina porque poco se habla y mucho se mata en balaceras infernales. Los aliens, los monstruos, son los mismos: bípedos que, al cortárseles la cabeza, les salta sangre verde fluorescente. Más de lo mismo.

Por qué no tiene argumento? Porque sencillamente se trata de batallas entre humanos y aliens y nada más. ¿Por qué no se entiende su comienzo? Porque varios paracaidistas son lanzados a una selva que puede ser el Amazonas por el verdor de las plantas pero se sabrá mucho después que han sido lanzados a un planeta para ser comidos por sus habitantes, estos monstruos tan conocidos en el cine. Señales del planeta, su ubicación, ni ahí. Difícil de comprender. Hay una secuencia inverosímil donde otros planetas están tan cerca que uno puede tocarlos con la mano.

Por qué no se entiende el final? Porque los sobrevivientes buscan una salida del planeta y, sin embargo, instantes antes una explosión destruyó la nave intergaláctica. El cómo se irán es un misterio.

No se puede negar que uno se entretiene a fuerza de balazos, de gruñidos, de perros extraños, muy parecidos a algún tipo de “saurio” que ya no existe, salvo en el cine. Pero, si se analiza la historia, no se encuentra. Se encuentra solo una idea argumental, que es bien diferente a un film con un guión. Esta idea es el lanzamiento de paracaidistas, como dijimos, en un planeta inhóspito, como comida para los monstruos. Le siguen las luchas por la supervivencia. No hay diálogos, solo monosílabos y nada más. En realidad, menos que poco para una película. El target del film son los chicos que disfrutan de la playstation o de la Wii. Nada más.

Elsa Bragato

CHLOE

De Atom Egoyan. Con Julianne Moore, Liam Neeson, Amanda Seyfried, entre otros. Música de MychaelDanna.Duración: 99 minutos.

MUY BUENA. THRILLER ERÓTICO LLEVADO A SUS ÚLTIMAS INSTANCIAS

El realizador canadiense Atom Egoyan  nos presenta un thriller erótico unido a un drama psicológico profundo donde los celos son el elemento disparador. Una pareja, una tercera en discordia. Aunque el planteo para la trilogía es diferente a otros.

El film atrapa por las osadas escenas y por el pulcro estilo de Egoyan, en los que encontramos una palmada oculta de Luis Buñuel en la protagonista: la inmensa Julianne Moore padece de una represión sexual que se desasta, se desanuda, con cierto satanismo y esa audaz desacralización del amor de Buñuel, representado aquí por Amanda Seyfried (la chica de Mamma Mía). La atracción lésbica será irresistible entre ambas protagonistas, unidas por otro motivo, dándole al relato un efecto progresivo e irresistible hasta llegar a límites por demás audaces.

Hay un duelo actoral notable entre Moore y Seyfried en el que no desentona Liam Neeson en el papel del esposo puesto a prueba en su fidelidad por su esposa con una prostituta de lujo (durante la filmación, Neeson se enteró del accidente fatal de su esposa, la actriz Natasha Richardson. Asistió a los funerales y regresó para terminar el rodaje).

La película está inspirada en el film francés Natalie X, pero la realización de Egoyan desborda la trama inicial y, si bien no estamos de acuerdo con el final propuesto, no hace más que llevar hasta la última instancia los resortes del thriller.

Una impecable fotografía de la sugestiva ciudad de Toronto, en el nevado invierno canadiense, y un ritmo sin claudicaciones, le abren a Egoyan las puertas del mercado hollywoodense. Ha superado con creces la historia de Natalie X generando un film perturbador y diferente.

Carlos Pierre

INTERVIEW

De Steve Buscemi. Con Steve Buscemi y Sienna Miller. Duración: 83 minutos.

MUY BUENA. ENTREVISTA SENSUAL CON GRAN VUELO ACTORAL

Steve Buscemi está cumpliendo el sueño del fallecido Theo Van Gogh, crítico y cineasta holandés, que dirigió 13 films y que siempre soñó con rodar en Nueva York. Los productores Bruce Weiss y Gijs Van de Westelaken decidieron hacer realidad el sueño de Theo y la primera muestra es este film, Interview, filmada en la Gran Manzana.

La idea es la confrontación de dos etapas de la vida, en este caso el hombre mayor desencantado y la joven que alcanza la fama con poco esfuerzo. El argumento en sí nos mete en la historia de un periodista de renombre a quien, casi como castigo, lo envían a entrevistar a una joven actriz más famosa por sus escarceos amorosos que por una rutilante carrera. Por diferentes motivos, incluso un acto de violencia, ambos terminan en el departamento de ella, un loft desde cuyos ventanales se ven las famosas luces neoyorquinas.

 Lejos de proponer el encuentro sexual fácil, Buscemi-Van Gogh analizan el comportamiento entre ambos, desde el momento en que toman un vaso de vino hasta el de la despedida. Esto permite que el director juegue con las cámaras transformando esa única locación en varias. La cámara disfruta de los distintos ángulos del amplio lugar, y la puesta en escena ubica a los protagonistas en diferentes sitios, el living, cerca del piano, de la cama, de la puerta, en la cocina, generándose empatía con la vivencia de los protagonistas y con ese encuentro en el que surgen temas muy interesantes.

Los por qué, la soledad, la fama, los secretos de ambos, la falta de interés en la nota, la falta de ganas de hablar de la entrevistada. El amor y el desencuentro, la diferencia de edad, de objetivos, de necesidades y sueños por cumplir.

Interview es, en realidad, una entrevista sobre la vida misma de cualquiera de nosotros. Rápidamente la excelente narración de Buscemi nos atrapa y nos conduce a una especie de torbellino de preguntas y respuestas que no son más que las que cada uno de nosotros nos hacemos muchas veces al día.

Nos parece una muestra de real cine, con excelentes actuaciones, con una idea y un argumento que nos tocan el alma sin caer en ningún tipo de exceso. Un film adulto y simpático.

Elsa Bragato

IGUALITA A MÍ

De Diego Kaplan. Con Adrián Suar, Florencia Bertotti, Claudia Fontán, entre otros. Música de Iván Wiszogrod. Duración: 102 minutos.

BUENA. COMEDIA DE ENREDOS AL ESTILO POL-KA

Estamos frente a un producto digno, a una divertida comedia en la que hay que considerar dos partes bien definidas: la primera, muy lograda por la presentación y desarrollo narrativo, donde un soltero cuarentón, que encarna Adrián Suar, vive de boliche en boliche y hace trabajos non santus, cruzándose de manera no casual con una jovencita que lo busca. ¿Es su papá o no? La segunda parte se caracteriza por el predominio de un tono más sentimental y el film decae un poco.

Suar compone a un hombre que, de pronto, será papá y abuelo. Hasta este momento, el guión es muy consistente y están las escenas más divertidas de la dupla Suar-Bertotti.

Hay que decir que la realización apuntó al éxito inmediato desde el punto de vista comercial. Suar tiene una experiencia muy sólida en lides televisivas, concepto que no desvaloriza este producto. El trabajo de dirección de Diego Kaplan es acertado con un timing indeclinable, y puede escapar al lenguaje televisivo la mayoría de las veces.  Una consideración aparte merece la actuación de Claudia Fontán con un personaje que le cae muy bien. Y tiene mucha relación con otros similares que ha realizado para la televisión. De alguna manera, Igualita a Mí es un poco menor a Un novio para mi Mujer. Y, en síntesis, es como si viéramos una comedia televisiva pero tan solo en una hora y media y en pantalla grande.

No está nada mal apuntar a la familia, como antes lo hacía el recordado Enrique Carreras. Pero también hay que mantener en alto los valores estéticos y la narración que requiere el cine. Aquí se cumple pero sin ir más allá. Va a andar muy bien en la taquilla.

Carlos Pierre

Estrenos del jueves 5 de agosto del 2010
 

Hay cinco estrenos en soporte fílmico y dentro del circuito comercial, que es el que comentamos.

PÁJAROS VOLANDO

De Néstor Montalbano. Con Diego Capusotto, Luis Luque, Verónica Llinás, Alejandra Flechner, Damián Dreizik,Vanesa Weinberg, Juan Carlos Mesa, Osqui Guzmán,Tahiel Arévalo, y cameos de Víctor Hugo Morales, Antonio Cafiero, Miguel Cantilo, entre otros. Música de Pablo Gorghi. Duración: 110 minutos.

MUY BUENA. DELIRIO GUIONADO E INTELIGENTE, ÁGIL Y DIVERTIDO

Diego Capusotto es el único actor cómico que ha transformado el gag en un delirio inteligente y amable. En este film que dirige Néstor Montalbano se hace un collage armonioso de incoherencias bien guionadas sobre la época de los hippies. Aquí la locación elegida es un pueblo serrano donde vive una comunidad hippy con el rock, con presencias de OVNI en el Cerro Uritorco y con una suerte de “filoperonismo extraterreste”, todo esto generado en un guión sustentable y orgánico escrito por Diego Capusotto.

Al film, frenético, dinámico, se le añadieron cameos de personalidades del mundo del espectáculo como Víctor Hugo Morales y otras del mundo de la política como Antonio Cafiero; también aparecen Miguel Cantilo, el Ruso Verea, Claudia Puyo, en medio de las excelentes actuaciones de Luis Luque, Verónica Llinás, Juan Carlos Mesa, y el resto del elenco.

En el caso de Diego Capusotto hay que resaltar su actuación, además de su creatividad, y el movimiento de su cuerpo, que en este film es necesario, a la perfección, o bien ese andar casi en puntas de pie por el suelo serrano con un gesto reflexivo y debilucho que lo hacen querible y más que risueño.

Entre otras bondades, Capusotto es un actor muy vinculado al rock y también compositor de temas por lo que el principal del film le pertenece: está titulado Pájaros Volando, con música de David Lebón, además del aporte de una banda integrada por músicos como Starc, Fogliatta, García y Urquiza.

Entre los extraterrestres que han venido a la tierra a llevarse a unos pocos elegidos- en una secuencia memorable donde un “suspendido plato volador” muestra el rostro de Perón mientras se escucha la Marcha Peronista- hay que destacar una narración audiovisual muy lograda, compacta, con muy buenas actuaciones y un excelente clima de delirio “guionado”. El rock y el hippismo de la mano de Diego Capusotto tienen su logro en esta película que va a gustar no solo a los seguidores del actor sino también a todos los que buscan una película nacional familiera pero no tonta, disfrutable y para reir. Nos encantó y redescubrimos a un notable Capusotto.

Carlos Pierre

CINCO MINUTOS DE GLORIA

De Olivier Hirschbiegel. Con Liam Neeson y James Nesbitt, entre otros. Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. EL INFIERNO DE LA CULPA Y LA PIEDAD DEL PERDÓN CON DOS ACTUACIONES MEMORABLES Y CONMOVEDORAS

El director Olivier Hirschbiegel, autor de la memorable La Caída, toma aquí el enfrentamiento armado de Irlanda del Norte que dejó un saldo de más 3000 muertos. La mayoría protestante y la minoría católica se mataron sin piedad a partir de 1968, dejando profundas heridas en familias de ambos bandos de Fe.

La idea del film es el perdón hoy a un asesino que mató a un ser querido. Esto se traslada a la acción en Irlanda, ubicándonos en la vida de los jóvenes adolescentes de entonces: el caso de un joven protestante de 17 años que, para ingresar al Ulster Volunteer Force, tiene que matar a un joven de 19 años de una familia católica. Aquí aparece la explicación del título: tendrá sus cinco minutos de gloria.

A partir de esto, el realizador Hirschbiegel analiza si esos cinco minutos de gloria no serán, en verdad, una eternidad de infierno por la culpa. Y si la víctima, en este caso el hermano menor del asesinado, superará el shock emocional que arrasó con toda su familia.

Es muy acertada la inclusión de la televisión como un medio capaz de reunir al victimario y el deudo de la víctima en un estudio a todo o nada. He aquí la vuelta de tuerca del guión que facilitó la unión del pasado y presente en esta historia de luchas fratricidas. Esta reunión se producirá 30 años después, el protestante asesino encarnado por Liam Neeson (regresó tres décadas después a Belfast por este film) y el hermano menor católico, que asistió al asesinato de su familiar, a cargo de James Nesbitt. En la realidad, Neeson es católico y Nesbitt es protestante, algo que agrega más profesionalismo a sus actuaciones, notables ambas.

El tormento de ambos a lo largo de los años ha sido inmenso e intenso. La venganza del católico, la culpa del protestante, cabalgan en sendas irreconciliables. La televisión no podrá ingresar con sus cámaras a ese resorte del corazón que hace inviable un apretón de manos entre enemigos. Pero no se cortará allí la aspiración de unos y otros.

Con sabio conocimiento de la tecnología como elemento de las narraciones actuales, el realizador utiliza un simple teléfono celular para cerrar la parábola.

El guión es atrapante. El pasado y el presente no se molestan, se tocan solo en los corazones de los personajes. El ritmo del film es incesante y el clima logrado nos habla de una gran realización de la que son parte fundamental los dos protagonistas. Estamos en el género del “thriller”, fuerte, intenso, sin elipses, con una narración clásica y clara y una fotografía que ubica cámaras en todos los ángulos.

Es interesante, finalmente, señalar que en el film se le habla a los jóvenes de las comunidades extranjeras en Inglaterra pidiéndoles que no ingresen a grupos extremistas de los que nunca se puede salir. Recordemos que el ejército inglés también actuó como “método” para buscar la paz perdida en nombre de la Fe. Un film más que recomendable por su realización y por sus actuaciones, por su significado social, y porque desentraña las consecuencias de la violencia en cualquier sociedad del mundo.

Carlos Pierre

VINCERE

De Marco Bellocchio. Con Giovanna Mezzogiorno, Filippo Timi, Corrado Invernizzi, entre otros. Música de Carlo Crivelli. Duración: 128 minutos.

EXCELENTE. UN PORTENTO DE NARRACIÓN CINEMATOGRÁFICA

Marco Bellocchio viene arrasando con premios por esta película, Vincere, Vencer, y no es para menos. La realización es compleja y al mismo tiempo clara porque no subvierte los tiempos. Echa mano de documentales de la época y los inserta en el momento justo para meternos en la historia personal de Benito Mussolini. El hombre detrás del fascismo y su propio fascismo privado aplicado a su amante Ida Dalser.

La secuencia inicial marca el derrotero del Mussolini que veremos, y es para tener muy en cuenta porque shockea, golpea, por su brutal sinceridad sobre la Fe. Es la secuencia que nos explica todo lo que viene después.

El montaje de este film ha merecido también premios: como dijimos, la inclusión de material de archivo así como de otros medios como los de audio nos imponen desde la pantalla el momento histórico que vivía Italia.

Es un film a todo o nada, grandilocuente y fantástico, complejo y claro, que muestra una cara del fascismo: el que el propio Mussolini aplicó a su vida, su hipocresía y sus alianzas basado en el sufrimiento de la mujer que lo amó hasta la locura y le dio un hijo. Y se suman la pelea de Mussolini con la Iglesia Católica y su cambio por conveniencias políticas, así como las traiciones a sus seres queridos solo por poder.

Nadie va a ver una historia sobre Benito Mussolini sino la historia de la mujer que lo amó, que creyó en un futuro matrimonio con ese líder por el que se había jugado entera y el nacimiento de ese hijo extramatrimonial. Sin embargo, el clima que genera Bellocchio con su narración hiperbólica es de tal calidad que sabemos que estamos viviendo “ese otro lado” del fascismo -con un Mussolini omnipresente gracias al realizador- contrario a todos los preceptos iniciales del movimiento político que generó el déspota italiano.

Este film deja boquiabiertos por su desmesura y su coherencia, por su montaje y las actuaciones, por la claridad suprema de Bellocchio para contarnos que, detrás de Mussolini, su propia sangre sufrió hasta el paroxismo. Y no son meras palabras.

No se la pierda. Es un portento de narración cinematográfica.

Elsa Bragato

MILLENIUM 2

LA CHICA QUE SOÑABA CON UN FÓSFORO Y UN BIDÓN DE GASOLINA

De Daniel Alfredson. Con NoomíRapace y Michael Nyqvist (Nicvist), entre otros. Múscia de Jacob Groth. Duración: 124 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL CLÁSICO LIDERADO POR UNA MUJER JUSTICIERA

La trilogía Millenium que entregó antes de morir Stieg Larsson llega al país con su segunda película. Ya se anuncian dos más basadas en el último libro de Larsson.

La primer película fue más ágil, tal vez un tanto más confusa para quienes no leímos los best-sellers, y contenía la presentación de los personajes que, por sus respectivas índoles, demolían estructuras visuales del espectador: sadismo, bisexualidad, sangre.

En esta segunda realización, que tiene otro director encargado ya del tercer film, la protagonista Lisbeth Salander  (interpretada por la fantástica NoomíRapace), hácker y bisexual, se ve envuelta en el asesinato de dos colegas de su amigo, el periodista Blomkvist- estrella de la revista Millenium- que investigaban la prostitución y la mafia del Este, un tema recurrente en los policiales actuales europeos (recordar el film con Viggo Mortensen, ubicado en Londres).

La narración es clásica, no hay tanto movimiento histérico de cámara, y, sin embargo, la tensión del policial no se pierde en ningún momento. Las secuencias se enlazan a través de diferentes climas (desde la brutal violación inicial a las persecuciones con autos) que se comportan como sube y bajas en el espíritu de la audiencia. Nada será para siempre: la violencia está al término de ese momento narrativo.

Esto permite que el director pueda traer la propuesta de la novela de Larsson en forma completa, según sus lectores. Y, en este caso, veremos que Salander es algo más que una hácker amante de su libertad: ha sido una niña golpeada que enfrentará los fantasmas del pasado en la figura de su padre.

Esta es una novedad que tiene que ver con el título: Salander fue la niña del fósforo y del bidón de gasolina. Y este descubrimiento permitirá redondear el policial con mucho de Agatha Christie, por suerte, nutrido con escenas fuertes como la violación inicial, una escena de lesbianismo, y tiros y enfrentamientos sangrientos hasta el final.

¿Qué hace de esta saga una película interesante? En primer término, el personaje de Lesbith Salander, encarnado por Rapace, inusual, con piercings, especializada en computación, ayudante de un periodista estrella, y bisexual sin emociones ni culpas.

En segundo término, que la historia se centre en un grupo de periodistas de una reconocida revista. Las investigaciones que hacen ponen en jaque a la sociedad marginal y a la gubernamental, y tienen esta alianza ocasional con Lesbith.

Tercero, la crudeza del relato cinematográfico, tanto en el primer film más rápido y menos formal como en este segundo, clásico pero sin dar respiro, ponen componentes poco habituales en el género como las violaciones y los dramas personales.

Si le gustan los policiales, aunque no haya visto la primera, no saldrá defraudado. Pero prepárese para algunas escenas fuertes, no convencionales.

Elsa Bragato

UN LOCO VIAJE AL PASADO

(HOT TUB TIME MACHINE)

De Steve Pink, con John Cusack, Rod Corddry, Craig Robinson, entre otros. Entre los productores, está también John Cusack. Duración: 98 minutos.

REGULAR. MÁS DE LO MISMO, ENTRE NOSTALGIAS Y ESCATOLOGÍAS

El afamado John Cusack, un actor de fuste, protagoniza y produce, entre otros, esta película que no viene con buena crítica. Igual que Adam Sandler hace pocos días, el personaje de Cusack se reúne con amigos de su edad, cuarentones sin motivaciones ya y con diferentes problemas incluyendo matrimoniales, y deciden ir hasta un centro invernal de esquí donde hace 30 años disfrutaron de vacaciones felices.

El jacuzzi es el detonador o “máquina del tiempo”: en él sufrirán un viaje al pasado, recayendo en el año 1986, un año de crecimiento global. La frase de uno de los personajes pinta la sensación de entonces en los norteamericanos: “Teníamos a Reagan y al Sida”, aunque ya brillaban Michael Jackson y Madonna. Este viaje un día termina, los devuelve al presente donde la suerte mejora.

El film es regular porque tiene sesgos de misoginia, de homofobia, es hasta ofensiva por momentos por las secuencias escatológicas filmadas, y no deja un sabor alegre a la salida: más bien un extraño sabor amargo por haber visto una pavada atómica. Porque la idea inicial de este viaje a través del tiempo, un recurso muy usado, se diluye en una comedia de tono vulgar.

Carlos Pierre

Estrenos del jueves 29 de julio del 2010

Hay cuatro estrenos en fílmico. No comentaremos la nueva aventura en 3D “Mi villano favorito”, destinada a los más pequeños.

EL ORIGEN

De Christopher Nolan. Con Leonardo Di Caprio, Ellen Page, Joseph Gordon-Levitt, entre otros. Música de Hans Zimmer. Duración: 148 minutos.

EXCELENTE. LABERÍNTICO ENSUEÑO AL SERVICIO DEL POLICIAL

Christopher Nolan asombró con Memento, esa historia que nos contaba el final y rebobinaba el argumento. Difícil  e inteligente. Ahora sorprende por el universo cinematográfico que descubre metiéndose en los sueños, materia que lo desvela, y construyéndolos como ciudades que uno habita o que nos sirven de refugio, donde es posible reencontrar al ser amado y vivir sin la turbulencia de la realidad. Pero son sueños más reales que la realidad misma.

La idea argumental es “cómo implantar una idea en la mente de otra persona y poder compartirla, con todo lo que genere”. En principio, el detonador de la ensoñación que estudian varios agentes y científicos norteamericanos se logra con una inyección, un simple pinchazo. El quid, la cuestión a resolver, es compartir ese sueño y así conocer secretos de cualquier otra persona. Por supuesto, alguien que pueda manejar secretos que a los servicios de inteligencia le interesen.

Esta idea se machaca varias veces, y la resolución audiovisual es compleja y fantástica, gigante monumento de sueños que pueden ser recorridos mientras, en la realidad, hay balaceras de todo tipo. Un juego fascinante propuesto por Nolan: entrar en un sueño y vivir el surrealismo de los mismos como, por ejemplo, los pequeños hijos del personaje a cargo de Di Caprio, que no tienen por qué estar pero están como suele suceder con los sueños. Aparecen personas que no sabemos por qué están allí mientras nuestros sueños siguen por sus laberintos de felicidad o pesadilla.

La reiteración de este “principio activo” argumental (“implantar una idea en la mente de otro”) es lo único flojo de los diálogos que están superados por la acción y la propuesta que desarrolla Nolan a nivel tecnológico. Sueños viejos que se derrumban como edificios bombardeados (por la vida), playas que nos llevan hacia un sitio mental-virtual donde algún ser querido nos espera. Maravilloso. O compartir un sueño y ver cómo la ciudad de París se dobla sobre uno o bien estar en medio de explosiones que no alteran la situación ni tampoco hieren, como sucede cuando soñamos.

La vida, la realidad, tiene una secuencia narrada en imágenes por Nolan nunca antes vista: un coche empieza a caerse sobre el río, luego de perder el control, pero el tiempo real es lento en comparación con el de los sueños donde los ocupantes de ese coche, con excepción del conductor, están sumidos en un sueño que comparten. En ese sueño, luchan, se desmoronan al mismo tiempo que el coche, pero ocurren horas de acción por cada segundo que demora la caída a las aguas, pasillos que se tuercen como el auto con los protagonistas luchando a brazo partido. Es una secuencia antológica, deslumbrante.

Ciertamente, es un film complejo pero que tiene un factor fantástico: está dirigido al entretenimiento al haber fundido, con enorme sagacidad de Nolan, la complejidad conceptual con el policial. Es para disfrutar de cabo a rabo.

Elsa Bragato

AL DIABLO CON EL AMOR

De Nía Vardalos. Con Nía Vardalos, John Corbett, Stephen Guarino, entre otros.

Música de Keith Power. Duración: 98 minutos.

BUENA. COMEDIA TRADICIONAL PARA PASARLA BIEN

Después del enorme éxito de Mi gran casamiento griego, un hit del cine independiente en el que Nía Vardalos escribió el guión, dirigió y actuó en forma superlativa, la directora reedita la misma fórmula junto al mismo coprotagonista, John Corbett.

Ambientada en una Nueva York barrial, lejos de las luces de Broadway y de las ajetreadas oficinas de Wall Street, Vardalos nos introduce en la vida de seres menos sofisticados. Ella es propietaria de un delivery de arreglos florales y él acaba de probar suerte con un restaurante de “tapas”, bien españolas.

El quid argumental es el dolor de la protagonista porque su padre abandonó a su madre y esto la marcó al punto de no querer tener relación estable. Apenas acepta “touchs”, regido por cinco reglas o citas que ideó y que el enamorado en cuestión deberá cumplir.

A partir de esta idea se desarrolla una comedia romántica en la que Vardalos vuelve a mostrar su simpatía, y se disfruta de la energía que irradian los protagonistas en sus idas y venidas amorosas y también por la chispa de varios personajes secundarios. Hay un toque sentimental por la madre presente y el padre ausente. Hay vistas inéditas de una Nueva York cambiante, barrial, poco conocida.

Si disfrutaron de Mi gran casamiento griego, esta película les resultará entretenida, querible y multicolor. Para los que no vieron la anterior, será un buen ingreso al mundo romántico y sin vueltas de Nía Vardalos.

Carlos Pierre

LA SANGRE Y LA LLUVIA

De Jorge Navas. Con Gloria Montoya, Quique Mendoza, Hermán Méndez, entre otros. Coproducción de Argentina y Colombia. Música del argentino Sebastián Escofet. Duración: 109 minutos.

BUENA. FUERTE RETRATO POLICIAL SOBRE LA VIOLENCIA

Conocemos la excelente estética colombiana en el cine y en las telenovelas y este film es un buen ejemplo de lo que decimos. Aquí se aborda el tema de la violencia por primera vez en la noche colombiana con todos los personajes del hampa que podemos imaginar. La locación es Bogotá.

Especialmente, el director apunta a la mafia colombiana de los taxis, con leyes y lenguajes marginales bajo la inclemencia de la lluvia y del espanto.

En este caso, son seis horas nocturnas que viven dos seres del submundo de Bogotá. Ella es drogadicta y él, un martirizado chofer de taxi, que ya tuvo maltrato físico de la mafia del gremio. Los dos personajes están asediados por el horror de los malvivientes, en una narración que tiene un ritmo arrollador sin pausas.

Para graficar estas vidas dolientes, el realizador hace uso de una cámara siempre nocturna donde se ven las pasiones y las miserias límites. Bajo esa lluvia se desencadenan flagelaciones brutales en ambientes sórdidos donde hay escenas que pueden impactar, desde sexuales hasta el abuso de droga.

Es decir, la calle tiene sus leyes, la noche le suma las suyas, y esto es lo que retrata Navas sin ninguna concesión ni miramiento.

Destacamos las actuaciones de Quique Mendoza y Glorita Montoya. Sin embargo, hay que restar la deficiente comprensión de los diálogos a raíz de un sonido, un audio, inadecuado, y además la utilización de un argot o lunfardo incomprensible para nosotros. Calificamos al film de “bueno” por su fotografía, por su estética y por las actuaciones, pero hay falencias argumentales como el audio que apuntamos, así como las ganas que nos quedan de ver algo más que la cerrada noche de Bogotá y sus horrores. Le falta un pequeño salto para ser original. Más de lo mismo.

Carlos Pierre

Estrenos del jueves 22 de julio del 2010
 

Hay seis estrenos, uno en DVD, titulado Policía, adjetivo, de Rumania, que no comentaremos, como tampoco el docu-ficción El viaje de Avelino.

SON COMO NIÑOS

De Dennis Dugan, con Adam Sandler, Kevin James, Salma Hayek, entre otros. Guión y producción de Adam Sandler. Duración: 102 minutos.

REGULAR. UNA PAVADA CONFUSA Y SIN REMATES ADULTOS

Adam Sandler es reconocido actor de comedias y también productor de cine (en Hollywood, luego de los 35 años, es mejor gestionarse el propio trabajo). Ha hecho productos dignos pero aquí, apostando a un grupo de actores de nivel, con un elenco coral se va por las ramas, se cae, vuelve a subir y deja la sensación de haberse divertido de lo lindo mientras filmaba mientras los espectadores a gatas han tenido una sonrisa.

Son todos amigos de la escuela en 1978 que han confrontado o pertenecido al mismo equipo de básquet. El más exitoso es el personaje de Adam Sandler que es productor de Hollywood, pero sus oropeles no se verán en el film. Su esposa es una bella Salma Hayek a quien le sigue costando hasta sonreir frente a cámaras. Una pena.

Por algún motivo poco claro, los amigos se vuelven a reunir con sus esposas e hijos. No se sabe muy bien por qué Sandler alquiló una casa cerca de un lago en vez de ir a Milán con su rutilante mujer y dos niños bastante malcriados. Pero, por lo que fuere, todos los amigos van hacia esa casa. De allí, tampoco sabemos bien por qué, se pasa a los festejos del 4 de Julio, o sea el Día de la Independencia de USA, y tampoco se termina esa secuencia. Hay una elipsis hasta que el grupo, dicharachero y con algunas escatologías (menos que en otros films), aparece en un parque de diversiones y por si fuera poco se mezcla este parque con un centro de recreación para el verano, o sea albercas, piletas de natación, toboganes para adultos y chicos.

Los amigos charlarán, las mujeres contarán sus desventuras o no, admirarán a un hermoso bañero que tiene una voz de pito insoportable, pero nada más.

Estrujándonos el cerebro, observamos que, como suele suceder, se contrapone la camaradería masculina con la femenina, donde al parecer anidan más envidias y celos que entre los varones. Pero es un toque muy por encima que no conduce a nada más que algunos gags, por supuesto sacan una sonrisa o sorprenden por lo tonto. Y uno termina riéndose sin saber mucho por qué.

En líneas generales, no hay un guión que sustente estas vicisitudes familiares. Como dijimos, se salta de Hollywood a una casa en un lago, luego a un parque de diversiones, se ve que se iza la bandera norteamericana porque es el 4 de julio y luego aparecen las piscinas y los parques de entretenimiento. Confusión, poco remate de situaciones y si bien alguna risita va a sacarle, nos parece que las entradas están demasiado caras como para ir directo al cine y verla. Espere que llegue a alguna señal de cable y le aseguro que será en breve, aunque por unos días la taquilla funcione.

Elsa Bragato

PARTIR

De Catherine Corsini. Con Kristin Scott Thomas, Sergi López,Iva Attal, entre otros. Sonido de Omnes, Do Huu, y Hillebrant. Duración: 82 minutos.

MUY BUENA. TRES PERSONAJES ENREDADOS EN UNA PASIÓN ENLOQUECIDA

La historia es convencional: un trío amoroso, pero sin duda la calidad de Corsini, la realizadora, aporta lo suyo para que el espectador viva la pasión de los tres personajes en pugna. Una mujer que llega a los 40 años, casada con un médico que la mantiene en una especie de jaula dorada, se siente atraída por el albañil que conoce, encarnado por un más que eficiente Sergi López, quien no es la primera vez que despierta pasiones cinematográficas que deleitan a la platea femenina.

Los tres personajes involucrados (la mujer, el mrido y el amante) son los trágicos componentes de esta realización feminista de Catherine Corsini.

El disparo, la “partida” (de ahí el título del film) es ese flechazo repentino y carnal en la mujer que no duda un instante en caer en los brazos del amante, un obrero español, ex presidiario, que nada tiene que ver con el nivel social de la dama en cuestión.

El amor es irrefrenable. La esposa no atiende razones ni siquiera por sus hijos, ni por el bloqueo económico que le hace su marido. Esta esposa decide vivir una emoción jamás sentida y la actriz elegida no pudo ser mejor: la exquisita y dúctil Kristen Scott Thomas.

El paisaje acorde a esta “partida” o “leaving” en inglés es acorde al amor: la belleza salvaje y luminosa del sur de Francia. Allí, en contacto con lanaturaleza, los amantes creen encontrar el paraíso que los redime de las ataduras del pasado.

La fotografía de Agnes Godard es sensual y desmesurada y contribuye a darle al film un tono apasionado con imágenes eróticas de la intimidad y la gran libertad y expansión de los exteriores, síntesis cabal de los sentimientos de los amantes.

Dijimos que es una tragedia. Pero antes de ella hay un amor voluptuoso que le va a encantar a las mujeres, target elegido por Corsini para este film. A los varones, este adulterio de una mujer no nos cae muy bien. Sin embargo, hay que reconocer la maestría de Corsini para transitar por caminos ya conocidos y, sin embargo, regalarnos pasión desde la pantalla. Una trágica y buena historia de amor.

Carlos Pierre

CUENTOS DE LA SELVA

De Norman Ruiz y Liliana Romero. Voces de Abel Pintos, Rubén Stella, Gabriel Rovito, Cristina Murta, entre otros. Dirección de música de Mauro Lázaro. Duración: 85 minutos.

BUENA. ENTRETENIMIENTO CON MENSAJE ECOLÓGICO PARA LOS MÁS CHICOS

La adaptación de varios cuentos de Horacio Quiroga sitúan este entretenimiento animado en la hermosa selva misionera. A pesar de ser en 2D, los artistas trabajaron para darle un matiz de 3 D. Y rescatamos este esfuerzo de quienes también hicieron “Martín Fierro”. Indudablemente, está muy lejos de la perfección que uno desearía ver en una pantalla argentina. Da la impresión de que les falta una “vueltita” más para terminar de dibujar animales y ambientes. Pero es válida la propuesta y tierna a la vez con un mensaje ecológico más que necesario.

Los animales de la selva misionera están asustados por el “Monstruo” que no es más que una gigantesca máquina que va podando árboles y quitándole así hábitat a los animales del lugar. El yaguareté, el yacaré y su familia, el búho, los coatíes (no muy logrados), analizan lo que les pasa.

Pero he aquí el inconveniente que notamos: todo el film es una búsqueda de soluciones que recién llegan en los 10 minutos finales: faltó un guión adecuado que fuera dando matices de emoción a lo largo de la narración audiovisual. Tanta pregunta entre los animales y la falta de resolución de alguna situación contribuye a que la atención decaiga. Además, la extraña muerte del yaguareté que cae en un foso de “almas” en pena (otros animales ya fallecidos o extinguidos) no aporta más que confusión o golpe bajo. No sabemos luego si está muerto o reencarnó.

Por supuesto, estamos analizando con ojos de adultos y, seguramente, estos detalles pasarán inadvertidos a los más chicos, que es el target del film y está bien que así sea.

A los dibujos les ha faltado resolución: si miran con atención, verán que los yacarés están “insertados” en las aguas del río Iguazú y no generan pequeñas olas con sus movimientos y esto resulta un tanto burdo. Muchas veces, los animales tampoco producen sombras, es decir, se pasan por alto matices que hacen a la realidad misma.

Al insertarse a la “familia humana”, que es la que mueve al “monstruo”, se ha forzado el guión, o bien se ha utilizado una inserción sin atenuantes: aparecen. La narración pierde, entonces, un tiempo precioso en explicarnos la amistad del niño con el coatí.

No nos gustó el audio, o sea cómo se grabaron las voces. Surgen como muy alejados de la pantalla y, si bien hay excelentes actores, se pierden una vez más matices de las voces. Aquí debió reforzarse o la dirección actoral o mejorar la consola de grabación.

En fin, son detalles. Apreciamos el esfuerzo y la recomendamos para los más chiquitines de la familia. Pero hay que cuidar los productos que llegan a la pantalla comercial para estar a la altura, aunque sea medianamente, de los que nos llegan del exterior.

Elsa Bragato

PORTADORES (CARRIERS)

De Alex y David Pastor. Con elenco de jóvenes actores. Duración: 84 minutos.

MALA. FILM DE BAJÍSIMA CALIDAD

Realmente es un film malo que viene muy bien promocionado: Portadores es un remedo de baja calidad cinematográfica de la gran Exterminio, I y II. La salvación está en la playa, como viene sucediendo con un par de películas apocalípticas, pero de gran factura, en los últimos tiempos. Un virus atacó el planeta o ese país, no sabemos bien, y cuatro jóvenes, entre ellos dos hermanos, buscan una playa para salvarse. Carreteras y pueblos desiertos, infectados que se pudren en vida y parecen muertos pero de pronto abren los ojos como máxima tensión de la narración, y un golpe bajo: una chiquita infectada. Inadmisible porque es el único bebé, los demás son adultos. Y era innecesaria su aparición en la película para demostrar que el virus no tiene compasión.

Los actores son desconocidos y, por si fuera poco para nuestro público, malos. No tienen expresiones, deben estar realizando el primer año de alguna escuela de actuación norteamericana. Están más asustados que actuando. Y el “malo” da risa.

Por supuesto, estos filmes tienen su público y lo respetamos. Hablamos aquí de las bondades cinematográficas y esta realización no las tiene porque no aporta nada, lo cual sería lo de menos, y tampoco tiene “pathos”, no produce miedo, no asusta, y está hecha con dos pesos. Se nota y mucho. Las cucarachas producidas por efectos especiales ya aburren además de dar asco (se ven el final) y la esperanza de que el mundo sea mejor la tenemos todos. Un film de baja calidad que se encuentra en todas las esquinas donde venden DVD truchos. Y hasta en el cable.

Elsa Bragato

Estrenos del jueves 15 de julio del 2010
 

Hay cinco estrenos, entre ellos, Cabeza de Pescado que no comentaremos.

EL APRENDIZ DE BRUJO

De Jophn Turtellaub. Con Nicolás Cage, Jay Baruchel, Monica Bellucci, entre otros. Música de Trevor Ragin. Duración: 108 minutos.

BUENA. MALABARISMOS VISUALES ATRAPANTES

Se trata de una comedia de aventuras sobre un mago y su aprendiz que se ven arrastrados a un antiguo conflicto entre el bien y el mal del siglo VII en Gran Bretaña. Es, a su vez, la antigua leyenda del mago Merlín, trasladada a la ciudad de New York en el año 2000. Exactamente la acción está ubicada en el centro de Manhattan.

Es un acierto del dúo formado por el productor Jerry Bruckheimer y del director John Turtellaub (Creados también de La Leyenda del Tesoro Perdido) este traslado de la historia legendaria a una ciudad enorme y a la actualidad. Filmar en plena New York y desplegar la deslumbrante urdimbre de efectos especiales ha sido un desafío cumplido abiertamente. Hay una verdadera fusión mágica, justamente, entre los edificios emblemáticos como el Grosvenor, de 1869, y el famoso barrio de Tribecca (donde está Robert De Niro y organiza su famoso festival de cine) donde se recreó la fachada de la tienda mágica llamada Arcana Cabana. También aparece la estación de subterráneo de la Séptima Avenida, el Edificio Chrysler con su gárgola en forma de águila y la escultura del toro del Bowling Green, en pleno centro financiero neoyorquino.

Con mucho ingenio, los realizadores le dieron vida tanto al águila como al toro de la buena suerte sin olvidar al colorido y singular Barrio Chino, donde se desarrolla una importante secuencia de acción y de malabarismo visual atrapante.

Nicolás Cage, este actor que denominados “de los mil roles”, parece hecho para estos personajes por lo que su desempeño siempre es acertado, tiene ductilidad y credibilidad en estos personajes. En el caso específico del film, está encargado de instruir a un joven aprendiza de brujo, simple y torpe, pero honesto, que decide luchar contra el mal.

Si bien estamos en un film de aventuras y efectos especiales a partir de la leyenda del Mago Merlín, hay secuencias que son hallazgos como aquella recordada escena del film Fantasía, de Walt Disney, donde el atrevido Ratón Mickey se pone un sombrero de hechicero y desata una incontenible inundación, surgiendo decenas de escobas y baldes.

Esto se repite en esta película con el aprendiz de brujo en un sótano donde realiza sus experimentos científicos. Y es una hermosa secuencia.

El combate final en el Bowling Gree, parque histórico del bajo Manhattan, se le añade la magia de la medianoche, con gran derroche de ingenio y efectos especiales.

La música de Trevor Rabin (nacido en 1954 en Johannesburgo, Sudáfrica) es un protagonista más de tantas acciones y superacciones.

Por qué la calificamos como buena y no muy buena? Porque hay innovación solamente en algunas secuencias, porque las películas de acción y efectos especiales en Nueva York ya tienen varios antecedentes y, si los analizamos, son casi todos iguales. Pero, en este caso, estamos frente a un excelente entretenimiento, más allá de que sea más de lo mismo, sin tiempos muertos o sea sin momentos de decaimiento de la acción, gracias a un guión coherente y no presuntuoso y a una batería inagotable de tecnología.

Carlos Pierre

MISS TACUAREMBÓ

De Martín Sastre. Con Natalia Orebro, Mike Amigorena, la pequeña revelación Sofía Silvera, Rossy de Palma, Diego Reinhold, Jeannette Rodríguez, Graciela Borges, entre otros. Canciones originales de Alejandro Sergi. Duración: 93 minutos.

BUENA. OCHENTOSA AUTOBIOGRAFÍA DE UNA SIEMPRE ESPLÉNDIDA NATALIA OREIRO.

Irreverente y libertaria es esta opera prima del joven director uruguayo Martín Sastre, radicado en España. En una intrincada madeja argumental (basada en una novela de Dani Umpi) surge una nostálgica evocación de los años 80, con recuerdos de Flashdance, Los Parchís, Madonna y la mítica telenovela venezolana Cristal.

Por supuesto, esta madeja no se desentraña solo con nostalgias. El primer hilo es de la protagonista Natalia Oreiro como una chiquillia interpretada por la niña Sofía Silvera, toda una revelación, seleccionada entre 800 postulantes. Ya treinteañera, la joven sueña ser Miss Tacuarembó y viajar a Buenos Aires para cantar y bailar.

La acción entonces se instala entre dos tiempos: el de la niñez y el presente de la protagonista, Oreiro, quien encarna a una catequista conservadora. La idea que subyace es el desencanto de la jovencita y luego de la protagonista de 30 años por no poder concretar sus sueños en Tacuarembó, Uruguay.

La locación principal es un parque temático religioso, y allí está la iglesia donde Mike Amigorena compone a Jesús. En este momento, hacemos una salvedad: se nota falta de respeto en el tratamiento de los íconos de Fe cristianos, algo que no suele ocurrir con íconos de otras Fe. Por ejemplo, un crucifijo que es estrellado contra el piso, la rotura en mil pedazos de una estampita y tirarla a la basura, y la aparición del venerado soldado romano, mártir para la religión Católica, San Expedito que se revela y comparte un baile. Digamos que esto resulta, en definitiva, audaz y no ofensivo. No así los hechos mencionados antes.

En forma fugaz, aparecen Jeannette Rodríguez, la estrella de Cristal, y también la siempre espléndida Graciela Borges. Y se luce la simpática Rossy de Palma, así como Mónica Villa, gran actriz.

En síntesis, tenemos un film para fanáticos de Natalia Oreiro, con breves secuencias filmadas en Buenos Aires y Los Angeles donde la estrella oriental canta en inglés.

El film es desparejo, hay guiños a Pedro Almodóvar y hasta a Woody Allen, los cuadros musicales son modestos, y el tono es ochentoso con colores chillones, muy al estilo Pol-.ka. Para fans, insistimos, de Nati Oreiro que hace su segunda aparición en el cine en lo que va del año: la anterior fue en Francia, un film de Caetano que no gustó.

Muchas promesas en Miss Tacuarembó, algunas se cumplen, otras quedan por resolver.

Carlos Pierre

LAS HIERBAS SALVAJES

De Alain Resnais. Con Sabine Azéma, André Dussollier, Mathieu Amalric, entre otros. Música de Mark Snow. Duración: 104 minutos.

MUY BUENA. COMEDIA DIFERENTE, SUTIL Y DE COLECCIÓN

A 50 años de la recordada “Hiroshima, mon amour”, Alain Resnais (87 años) nos trae la primera película de su producción basada en la adaptación de la novela “L’incident” de Christian Gailly. Y nos encontramos frente a un film realizado con maestría, con detalles de fotografía de un gran maestro, con frescura y manteniéndose fiel a su postura filosófica ante la vida, un cine literario que –paradójicamente- está alejado de la literatura en sí y se acerca a la creación de imágenes. Resnais no deja de asombrar con este divertimento sobre el amor y las causalidades o no, comedia sutil, divertida y snob.

Su filmografía navegó dentro de este contexto, en la Nouvelle Vague, rasgos muy destacables y menos intelectuales que el resto de sus colegas.

Hay elementos que el destino pone en el camino de su protagonista: una billetera con datos personales de una mujer que tiene su carnet de aviadora, y un reloj. Los cambios de tonos que imprime Resnais al film son estupendos: primero, esa búsqueda de un par de pies en una vereda atestada de transeúntes para llegar a una zapatería, y luego los relojes que parecen enloquecer al mejor estilo Narciso Ibáñez Menta para terminar en la compra de un reloj pulsera para culminar en un tercer elemento (cabalístico?) que es la billetera a los pies del automóvil del protagonista. Estos detalles que van generando la narración audiovisual derivan en una relación sentimental, en complejidades propias de la búsqueda personal en este caso del protagonista, por momentos cercano a nosotros, en otras oportunidades lejano por el matiz de sus búsquedas. Siempre dentro de escenas que maravillan por la perfección fotográfica y el buen gusto como esa cartera que parece volar con un slow manejado artísticamente.

Es un film para un festival de primer nivel, y no para el circuito comercial. Es un juego de un maestro del cine que tiene en su haber no solo Hiroshima Mon Amour sino también la histórica y mítica Hace un año en Marienbad o La Guerra ha Terminado.

El título responde, para nosotros, a yuyos más que a hierbas, y salvajes porque crecen libremente en los campos que se muestran, y que tienen relación con el final de la propuesta, a manera de metáfora de los detalles que libremente se nos presentan en la vida y las consecuencias que pueden traernos. Es un film brillante, snob como apuntamos y para cinéfilos.

Carlos Pierre

ENCUENTRO EXPLOSIVO

De James Mangold. Con Tom Cruise, Cameron Díaz, Peter Sargaaard, entre otros. Música de John Powell. Duración: 107 minutos.

BUENA. DEMASIADAS EXPLOSIONES PERO ENTRETENIMIENTO AL FIN

Si nos atenemos al guión, esta película tendría que tener un “regular”. No hay un argumento que sostenga la relación circunstancial y problemática que se establece entre un agente secreto non sancto que encarna Tom Cruise y una excesivamente ingenua pasajera a cargo de Cameron Díaz. El encuentro entre ambos actores tiene una química explosiva, literalmente, en los 50 minutos iniciales donde la acción va de la mano de las actuaciones y Cruise y Díaz parecen estar a sus anchas con ironías, acercamientos peligrosos y balaceras sin fin que los lleva a treparse a techos austríacos, a estar metidos sin querer en una estampida de toros por las calles de Sevilla, por ejemplo, ciudad esta última que tuvo el estreno internacional de la película. Parece que todo será una sucesión de hechos estrepitosos y entretenidos. Pero no es así. Al promediar el film, como dijimos luego de sus 50 minutos iniciales, la acción se pierde o bien pierde el sentido inicial y se cae en un remedo de Algo para Recordar, por ejemplo, sin la razón argumental de esa memorable película romántica. Los papeles se invierten y nadie se cree a Cameron Díaz salvando a un inescrupuloso agente del FBI que defiende una pila del tamaño de las doble A donde se sintetiza toda la energía que pueda alimentar a una ciudad con millones de habitantes. Hay que salvar al inventor (¿no lo vimos antes?) y se produce un “dejá vú” en el espectador que lo inquietará. Y no pasará a mayores.

Para entretenerse, sirve. Aunque la alegría inicial se transformará en cierta decepción a la salida del cine: venía bien, ¿qué pasó?

Elsa Bragato

Estrenos del jueves 8 de julio
 

CHERÍ

De Stepehn Frears. Con Michelle Pfeiffer, Kathy Bates,Rupert Friend, Felicity Jones, entre otros. Música de Alexandre Desplat. Duración: 95 minutos.

MUY BUENA. PFEIFFER EN SU MADUREZ INTERPRETATIVA

Basada en relatos de la escritora francesa Colette, adaptados por Christopher Hampton, el film del director inglés Stephen Frears es un acertado fresco de la Belle Epoque, en Francia (siglo XX). La ambientación lograda por el realizador (el mismo de Relaciones Peligrosas y La Reina) es lo más destacado de este relato audiovisual, con una soberbia puesta en escena (no olvidemos que Frears viene del teatro) y una luminosa recreación de ese período parisino, centro de mundo en el arte, la moda, el teatro y la música entonces. La reconstrucción de época es minuciosa y elegante, marcando con verosimilitud ese toque superficial de la sociedad alta de París a través de los oropeles de las locaciones, fuesen hoteles como la misma costa marítima de Biarritz.

Michelle Pfeiffer, quien ya había trabajado con Frears en Relaciones Peligrosas (1988), cumple aquí una actuación superlativa como la cortesana retirada de su trabajo que se lanza a vivir el amor libremente y a gozar del dinero obtenido.

Su joven amante está encarnado por Rupert Friend y por la siempre estupenda Kathy Bates, como la madre del joven, componiendo un logrado cuadro actoral.

Si bien la película es rica en los aspectos mencionados, se nota cierta linealidad en el relato por momentos, tornándolo parsimonioso en varias secuencias. Hay otras que son un acierto como aquélla donde los dos amantes se enfrentan a la realidad para luego caer en una casi rutinaria y lánguida definición de la situación en un ambiente luminoso. Una oposición lograda: languidez y brillantez, respectivamente.

Un gran aporte para el film es la música del talentoso compositor Alexandre Desplat quien ha logrado una inspirada paleta sonora para cada una de las secuencias casi sin respiro con una nutrida orquesta.

Una pasión sin correspondencia en las edades de los protagonistas, sin prejuicios, es lo que vemos y vivimos en este film colorido y fastuoso, con los más y los menos de cada personaje que enriquecen la propuesta. Hay seriedad y riguroso tratamiento de la época, un sello de Stephen Frears que siempre logra que sus productos sean atractivos e inteligentes.

Carlos Pierre

LA PIVELLINA

De Tizza Covi y Rainer Frimmel. Con Patricia Gerardo, Tairo Carola, Walter Saabei y la pequeña Asia Crippa. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA. RELATO CONMOVEDOR SOBRE LA ADOPCIÓN Y LAS RESPONSABILIDADES ADULTAS

El tema de la adopción es difícil y puede llevarnos a un drama agónico. En este film de Covi y Frimmel, muy a la manera de los hermanos Dardenne, logran todo lo contrario: la ternura y la generosidad de sentimientos son expuestos con naturalidad y profundidad.

La causalidad une a la protagonista con una beba de dos años en una plaza. No está su madre, no se la puede dejar, hay que llevarla al carromato, viejo por fuera y bien puesto por dentro, donde vive con su pareja y donde hay otro niño adoptado ya adolescente. Gente de circo que trabaja en otros, que cuida con pasión a sus cabras, en plena periferia de la ciudad de Roma. Porque Roma es la “cittá eterna” pero también es un terreno baldío frente a edificios altos donde se suman carromatos como viviendas.

Con una cámara en mano y sonido ambiente a lo Lars Von Triers, con tomas cortas, que se suman en secuencias muy claras, metiéndonos de lleno en el tema sin los créditos al comienzo, Covi y Frimmel nos acercan una historia tan real como conmovedora, sin caer en la lágrima ni en el golpe bajo. Personas comunes que resuelven los obstáculos día a día. Aparece la niña, hay que cuidarla, la madre ya vendrá. Se verá después pero ahora esa “pivellina” (palabra que dio origen a “pibe”) tiene que comer y dormir.

En esta solución de los temas cotidianos, aparecen secuencias de maravillosa empatía con el público como el repaso de la lección de historia al hijo adolescente y las confusiones de datos que resultan graciosos. O la fiesta para la “pivellina” de un barrio de gente que no tiene más que lo puesto pero se las ingenia para una torta, para una ropita nueva para Pivellina o AIA O ASIA, y la hacen reir y disfrutar de una reunión sin niños, con adultos que la aman.

Muchos subtemas nos saltan al corazón: el abandono de los niños, la solidaridad y la generosidad de los más humildes que no preguntan pero hacen, la ausencia del estado en esos casos aunque sí aparecen para revisar el carromato y ver si pagaron los impuestos por su uso, aquel proverbio de los abuelos de “donde comen dos comen tres” y tender un plato más sin pensarlo dos veces o una mamadera.

Es un film realizado sin recursos pero con enorme talento, con gran sensibilidad, con nobleza, un film que nos deja con una sonrisa y una lágrima que no llega a caer (de esas lágrimas que dan gusto hacer salir), que nos moviliza y que nos hace bien. No deje de verla.

Elsa Bragato

SHRECK FOREVER

De Mike Mitchell. Voces de Mike yers, Eddie Murphy, Cameron Díaz, Antonio Banderas, Julie Andres, entre otros. M´çusica de Harry Gregson-Williams. Sale con 200 copias. Duración: 93 minutos.

BUENA. FINAL DE SAGA REBUSCADO Y CON MUCHOS EFECTOS 3D

Se suele decir que nunca segundas partes fueron buenas. Aquí vamos por la cuarta y supuestamente la final de la saga de Shrek. Los efectos especiales son maravillosos, encantan y pueden hacernos olvidar la línea argumental que aquí se pierde. Este Shrek tiene sus mismos gags, no quiere ser famoso, ama el fango y ya tiene cuatro niños con Fiona. Pero está cansado de pañales y de no dormir por los llantos de su prole.

El pacto que firma con un ser diabólico lo lleva a enfrentar una serie de dificultades oscuras, poco creíbles que, al menos a los adultos, nos resultan más de lo mismo respecto de otros filmes. Es decir, el director y su equipo cayeron en convencionalismos: la lucha, los pozos oscuros, una Fiona estilo nórdico, y seres más feos que Shrek porque éste tiene una “ogrura” carismática. Y los otros no.

Todo eso para que Shrek se dé cuenta de que la familia es lo primero, en una resolución rápida, sin emoción y sin ternura, algo así como “apuremos los papeles porque no se puede estirar más”. Es un film que va a gustar a los chicos por las aventuras realizadas en 3 D pero que deja mucho que desear en la propuesta. No se pudo superar a ninguna de las tres anteriores y mucho menos a la primera.

Elsa Bragato

Estrenos del jueves 24 de junio

OCÉANOS

De Jacques Perrin y Jacques Cluzaud. Música de Bruno Coulais. Duración: 84 minutos.

Coproducción de Francia, suiza y España. Hablada en castellano.

MUY BUENA. LA MAJESTUOSIDAD OCEÁNICA EN UNA SUPERPRODUCCIÓN NUNCA VISTA

Espectacular documental sobre los océanos del planeta con dos reclamos: tomar conciencia de la depredación de la fauna marina y tomar conciencia, a su vez, del indiscriminado derrame tóxico. Con un enorme aporte técnico, pocas veces visto, de equipos ultramodernos, se materializa el sueño de los realizadores de nadar a la par de algunas de especies marinas, seguirlas en sus desplazamientos por los océanos, sin importar la velocidad o las acrobacias.

Por ejemplo, son cámaras que bailan con las ballenas, que sigen el veloz curso de los delfines, que muestran criaturas pocas veces vistas o nunca, camuflages insólitos, solidaridad entre las especies y la supervivencia a costa de otros peces. Así surgen escenas asombrosas que se traducen en una narración didáctica e inquietante.

Hay una sofisticada generación de elementos técnicos que se han utilizado, lo último en su materia, como, por ejemplo, una cámara digital capaz de captar todas las gamas de azules del mundo submarino, cámaras veloces aptas para seguir la marcha de los atunes, cámaras mitad aire y mitad agua para grabar dentro y fuera de las aguas (esto sirve para filmar a una foca que nada con la cabeza fuera del agua y el resto del cuerpo dentro de ella), minihelicópteros con una cámara de 35 mm para filmar travellings submarinos, incluyendo a estas maravillas visuales las tomas satelitales que nos muestran la majestuosidad oceánica y la pequeñez humana con sus embarcaciones pesqueras en medio de feroces tormentas.

Como curiosidad increíble está el viaje al interior de una gota de agua con un microscopio digital que permite ver movimientos extremadamente precisos.

Se trabajó durante cuatro años en todos los océanos del planeta con el apoyo de científicos y el aporte económico de los centros oceanográficos del mundo.

La música es tan majestuosa como lo son los océanos: el compositor Bruno Coulais es una de las grandes apoyaturas de este film documental sobre los océanos de la Tierra.

Destacamos la dirección del actor y  hoy realizador Jacques Perrin a quien conociéramos en su preadolescencia en un film inolvidable, La muchacha de la Valija, de V. Zurlini, junto a Claudia Cardinale. Y añadimos que hay escenas de mucha crudeza porque no hay que olvidar que el pez grande se come al pez chico.

Carlos Pierre

ECLIPSE

De David Slade. Basada en la novela del mismo nombre de Stephenie Meyer. Con Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Dakota Fanning, entre otros. Música de Howard Shore. Duración: 120 minutos.

BUENA. ROMANTICISMO ENTRE VAMPIROS EN UN FILM SÓLIDO Y ATRACTIVO

Estamos frente a la tercera parte de la saga Crepúsculo, esta vez dirigida por David Slade, otro director, otra puesta. En este film aflora con gran intensidad la decisión de Bella, la protagonista, de aceptar su destino de vampiro o bien seguir siendo una mortal sin el hombre que ama.

El inicio del film es idílico: un campo florido donde Bella y Edwardse encuentran, a manera de parábola dado que será la misma imagen que se vea hacia el final. La idea del film es la resolución de un triángulo amoroso: Bella, Edward y Jacob. La narración audiovisual va desentrañando la historia con momentos muy bellos y otros de pura acción. Hay tres secuencias fundamentales en este sentido que son violentas: la persecución entre el clan de Edward, los lobos y la vengativa victoria; el entrenamiento de los lobos para la gran batalla y la gran pelea final entre el clan de Edwardy el de los Lobos de Jacob que se han unido para resguardar a la protagonista del ataque de nuevos vampiros que se han reproducido con vitalidad.

La dirección de David Slade, nuevo en la saga, le ha impreso una mayor carnadura a los protagonistas, consolidando esta posición con primeros planos que subrayan este nuevo diseño argumental. En ello ha colaborado el fotógrafo español Javier Aguirresarobe.

Hay varios elementos para destacar sin caer en el argumento, que resultan muy atractivos para el público: por ejemplo, está rodada en Vancouver y en la Columbia Británica de Canadá, locaciones de gran belleza, donde se trabajó durante 11 semanas con dos unidades completas entre bosques y montañas. Esto requirió de “stunts”, dobles.

Además se coreografiaron las escenas de lucha, instruyéndose a los actores en un mix de artes marciales, baile, gimnasia y movimientos circenses. Como aditamento, los entrenadores utilizaron la Capoeira, arte marcial bahiense, Brasil, para que los actores tuviesen más puntos de referencia en las luchas “virtuales”.

Esta tercera parte es la más lograda conceptualmente, es decir, hay profundización de los personajes, hay sentimientos “palpables”, hay remarcación de las luchas interiores y exteriores con romanticismo y luchas respectivamente, y, por sobre todas las cosas, hay una realización que sirve de apoyo a los sentimientos de los personajes principales.

N.de R: habrá dos películas más basadas en el cuarto libro de Stephenie Meyer, titulado Amanecer. Se desdoblará en dos guiones.

Carlos Pierre

VERÓNICA DECIDE MORIR

De Emly Young. Basada en la novela homónima de Pablo Coelho. Con Sarah MichelleGellar, Jonathan Tucker, Melissa Leo, entre otros. Música de Murray Gold. Duración:103 minutos.

REGULAR. HISTORIA CONVENCIONAL SOBRE LA SALVACIÓN POR AMOR

Nada excelente puede salir si la realización es convencional y se parte de una novela que, aunque exitosa, tiene lineamientos de la narrativa más trivial, generadora de los best-sellers, en este caso del afamado y controvertido brasileño Pablo Coelho. La pátina superficial está en el film. Como subtema, destacamos el mensaje de la segunda oportunidad en la vida y, en este caso, es el amor como salvación de la locura.

Verónica decide morir tal como indica el título, toma pastillas en exceso, y, si queremos ser piadosos y profundos, le encontramos un lejano guiño al nihilismo de Camus en El Extranjero. Los recursos del planteo argumental son simples a través de un estilo claro y efectista. Desde este punto de vista, la película cumple su objetivo pero es tan trivial y elemental que nos resulta regular, lo cual no significa que no se sea potable para una tarde lluviosa.

Gran parte del film transcurre en un neuropsiquiátrico y esto es autobiográfico en el caso de Pablo Coelho, quien fue llevado a ese tipo de hospitales tres veces por sus progenitores y donde recibió electroshocks. O sea, Coelho conoce bien la trama interna de los hospitales para los no cuerdos. Por eso, el ambiente está logrado en el film, mostrándose un oscuro método coercitivo hacia los pacientes.

La mirada complaciente del director del nosocomio nos revela la imperiosa necesidad del autor del libro y del guionista por darle una salida a sus personajes que, de no ser así, vivirían una “encerrona” y el film debería transitar por el drama intenso buscando otros géneros narrativos donde encontrar salida.

Nos resultó un film simplista, efectista como dijimos antes, ligero, soft, sin mayor preocupación para la audiencia.

Carlos Pierre

EL RECUENTO DE LOS DAÑOS

De Inés de Oliveira César. Con Eva Bianco, Santiago Gobernori, Marcelo D’Andre, Dalila Cebrian, Agustina Muñoz. Música de Martín Pavlovsky. Duración: 79 minutos.

REGULAR. CONFUSO ARGUMENTO CON BUENA REALIZACIÓN

Estamos frente al cuarto largometraje de la realizadora Inés de Oliveira César y no es el mejor. El gusto por la tragedia griega y los grandes temas como el complejo de Edipo vuelven a estar presentes, en este caso de manera confusa porque no hay una resolución que clarifique nada al espectador. La realización en sí es buena, a través de una fotografía buscada con fruición pero que no aporta al relato más que belleza visual y ningún sustento conceptual. Se entremezclan el complejo de Edipo con las desapariciones de personas durante el proceso militar que padecimos, los accidentes al mejor estilo del libro de Jonás, la falta de culpa y la culpabilidad enfrentadas, la audacia en el planteo de todos estos temas que no tienen un cierre sino que resultan elípticos, y la ausencia de diálogos que resulten sustanciosos para tantos temas y subtemas lanzados al espectador sin más.

La estética en la narración audiovisual es importantísima y marca una manera de hacer cine que es elogiable aunque, de tanto buscar la forma y de lograrla, por momentos se aleje de los sentimientos del espectador;  si solo nos quedamos en ella porque nos olvidamos de cerrar los temas o los mezclamos, estamos frente a un producto que confunde y no resulta atractivo.

Carlos Pierre

Estrenos del jueves 24 de junio

Hay cuatro estrenos en soporte fílmico.

FLAME Y CITRON

De Ole Christian Madsen. Con Mads Mikkelsen, Thure Lindhardt, entre otros.
Coproducción entre Dinamarca, República Checa y Alemania.

Duración:130 minutos.

9 premios internacionales y 16 nominaciones.

EXCELENTE. TRIBUTO A LA RESISTENCIA DANESA EN UN FILM VIBRANTE

Poco conocíamos sobre la resistencia armada del pueblo danés a la invasión alemana a su país, ingreso ocurrido el 9 de abril de 1940, más allá de testimonios aislados. Hasta que surge este film del realizador Ole Christian Madsen quien recupera los testimonios aludidos que surgieron a la luz luego de la segunda guerra y fueron narrados por sobrevivientes a la matanza de la ocupación. Los partisanos daneses lucharon además contra la propia geografía, llana y múltiples islas, a diferencia de los noruegos que tuvieron la ayuda del paisaje escarpado.

La historia se centra en Flame (por su cabello rojizo) y Citrón (ex mecánico de la empresa Citroen, a la que le debió su sobrenombre), líderes de la resistencia danesa que nos cuenta Madsen, basándose en hechos reales ocurridos en 1944. Y se mete en las entrañas de las organizaciones clandestinas con sus propios códigos: matar o morir, la ética o no, o si matar para salvarse es correcto o si es tan solo venganza. Una multiplicidad de subtemas surgen de esta más que sólida narración de Madsen.

La división en las tareas de los dos protagonistas es otro “subtema”: Flame era el que mataba a quemarropa a los colaboracionistas daneses mientras que Citrón era el chofer. Cuando su amigo mataba, él bajaba la vista. Hay un tercer personaje llamativo y generador de enigmas y dudas: la amante de Flame llamada Ketty, líder de la GESTAPO, personaje que hace tambalear a los partisanos daneses.

La fotografía es sólida, es un volver a la década del 40 en otra latitud con otro entorno pero viviéndose el mismo horror del nazismo y la valiente actitud de los partisanos europeos. Los cuestionamientos surgen, como indicamos, pero también los fundamentos. Las actuaciones son fantásticas, creíbles. Además,  Madsen utiliza planos-secuencias que amplifican y enriquecen situaciones de la narración abriendo no solo la cámara sino también la perspectiva conceptual de la historia.

El film tiene un ritmo atrapante en sus 2 horas y 10 minutos de duración, con impecable realización en todos los rubros técnicos y la apoyatura de documentales de la época que enriquecen el relato. La cámara es, por momentos, violenta e inquieta sin apartarse de la narración clásica. Esta película viene precedida de 9 premios internacionales y 16 nominaciones, descubriéndonos una historia poco contada: la heroica resistencia danesa, como tributo a un pueblo que luchó contra la brutal opresión del nazismo a pesar de sus fuerzas desiguales.

N de R: Ole Christian Madsen acaba de rodar en la Argentina “Superclásico”, una sencilla comedia sobre el fútbol, el amor y el vino. Fue filmada en la Bombonera actuando Sebastián Estevanez, uno de los 15 actores elegidos.

Carlos Pierre

KARATE KID

De Harald Swart. Con Jaden Smith, Jackie Chan, entre otros, basado en un relato de  Robert Mark Kamen. Música de James Horner. Duración: 140 minutos.

MUY BUENA. ATRACTIVA REMAKE ADECUADA A LAS POLÍTICAS ECONÓMICAS DEL MUNDO

Esta remake de personajes e historias de los 80 es algo más que una copia de un original. La idea del film es el aprendizaje ético que deja el Kun Fu, como entonces, como siempre. La vuelta de tuerca dada por Harald Swart es la economía global: una madre y su hijo dejan Detroit donde se cerraron las fábricas automotrices y viaja a una filial en China. El otro dato curioso es que los personajes son afroamericanos y deberán socializar con personajes de raza amarilla. En realidad, son datos esenciales de la actual globalización y, por ende, deja un mensaje: la raza blanca y la pérdida de “mercado”.

La aparición de Jackie Chan es justa: el encargado del edificio donde irán a vivir la madre y su niño, Dre, encarnado por Jaden Smith, hijo de WillSmithm, ocupará el lugar del tutor ausente, de ese padre que lo abandonó. Frente al abuso de los compañeros fuertes del colegio, Dre se iniciará de manera más que insólita en el arte del Kun Fu, aprendiendo a respetar los derechos de los demás. La competencia final contra los niños que aprenden las artes marciales con fines innobles le dará la yapa a esta historia que no decae jamás y que tiene una fotografía sorprendente: la gran muralla china, la Ciudad Prohibida, el salón del Tao, y la notable geografía china donde se mezclan altísimas montañas con bosques tupidos. Pekín, o Beijing, también se muestra en sus costados menos conocidos pero igualmente atractivos, con algunas costumbres que no nos agradan como brochettes de insectos a “elección”. Con el agregado de los concursos de música, encarnado por la mejor amiga del protagonista, una eximia joven violinista. Otro rasgo de la cultura china.

Si bien el film tiene 14 minutos más que su versión original, el tratamiento de la imagen así como la historia propuestas por Haral Swart la convierten en una narración atractiva para todas las edades. Solo hay un quiebre en el guión que debemos marcar pero que no hace mella en el conjunto: el sorpresivo llanto del maestro del Kun Fu y la historia de su familia perdida. No era necesaria su inclusión para comprender la soledad del personaje de Jackie Chan. Sin embargo, le recomendamos la película porque vale la pena como gran entretenimiento y buenos mensajes para los chicos.

Elsa Bragato

LA CARRETERA

De John Hillcart. Con Viggo Mortensen, Charlize Theron, Robert Duvall, Kodi Smith-McPhee, entre otros. Música de Nick Cave y Warren Ellis. Duración: 111 minutos.

MUY BUENA. EL APOCALIPSIS COMO RESCATE DE LA FAMILIA

The Road está basada en un relato de Cormac McCarthy con el que ganó el premio Pulitzer 2007. Es el mismo autor de Sin lugar para los Débiles de los hermanos Cohen. O sea que su propuesta no será débil sino a todo o nada como aquel film donde se dibujó a los mayores de edad como generadores de compasión y a los jóvenes como dueños de corazones impiadosos. En este caso, se rescata al amor de padre e hijo y el sentido de la familia ante un cataclismo cuyo origen no será dicho en el film. La tierra está gris, un efecto invernadero que cubre todo de polvo pegajoso gris, y la humanidad está destruida. Apenas hay sobrevivientes de eso que destruyó la vida en el planeta.

Viggo Mortensen encarna a un padre que cuidará de su hijo más que a su propia vida viendo en él el futuro de la humanidad, lo que es todavía posible rescatar.

Ir a la carretera, ese The Road, es meterse en un infierno donde nadie sabe cuál será la actitud del ‘otro’ que pueda encontrarse. Entre esos “otros” está el ciego que encarna Robert Duvall y que sirve como eje y sostén de la propia historia de ese padre con su hijo y un revólver con dos balas. Vivir a la intemperie, cobijarse de la agresión, y reflexionar sobre la vida que se tuvo, son el presente de los personajes, con flasbacks más que medidos donde aparece Charlize Theron como la madre del niño y la esposa de este padre, perturbado pero sólido en sus sentimientos.

La fotografía es también un elemento más que notable en el film: gris y sepia, casi sin color, remarcando la soledad y la vida lúgubre de los sobrevivientes.

El film es descarnado porque nos moviliza, a diferencia de otros que hemos visto como “2012”, por ejemplo, y alguna que otra carretera transitada hace poco por Denzel Washington. Aquí no hay locos sino desesperados. En el argumento se hace hincapié en la relación padre e hijo como único sostén espiritual para enfrentar la vida o la muerte. Es tan notable la actuación de Mortensen y el viraje que el director le ha dado al Apocalipsis que el centro de la historia es la relación padre-hijo más que la desolación terrenal, así como la familia que alguna vez se tuvo.

Grandes actuaciones como la del pequeño de apellido difícil, Kodi Smith-McPhee, y un mensaje sobre la validez de la familia y el presente que tenemos, no son poca cosa. Vale la pena.

Elsa Bragato

BRIGADA A: LOS MAGNÍFICOS

De Joe Carnahan. Con Liam Neeson, Bradley Cooper, Pâtrick Wilson, entre otros. Música de Alan Silvestre. Duración: 117 minutos.

REGULAR. ENTRETENIMIENTO DE EXPLOSIONES BASADO EN LA CONOCIDA SERIE DE TV

Luego de ver el film, uno sale del cine decepcionado. Es que se vio mucha explosión hollywoodense y poca “carnadura”. Nada es creíble aunque sirva como entretenimiento. La primera escena donde uno de los militares va a ser cocinado por una tribu ya nos ubica en la narración: se impone el salvataje a todo o nada con automóviles a la manera de corceles y mucha pólvora por doquier.

Según Joe Carnahan, gran admirador de la serie televisiva que conocimos aquí como Brigada A, estuvo cerca de 10 años para armar un guión y no decepcionar a los fans como él de ese producto que, en los 80’, conmocionó a los telespectadores de todo el mundo. Pero el resultado no fue el esperado, si bien nadie se aburrirá. La historia funciona como una “precuela”, es decir, nos muestra por qué cuatro integrantes de las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos arman una brigada paralela al ejército de su país para demostrar que no cometieron crímenes como el que se les atribuye y que son “magníficos” a la hora de luchar. Y, en definitiva, por derecha o por izquierda, deberá recurrirse a ellos para operaciones comando que otros no llevarían a cabo.

A partir de esta idea base argumental, se desarrollará la historia con un Liam Neeson siempre efectivo en un personaje que no le cae del todo bien o lo sintió más como un divertimento, así como el resto de los integrantes de este grupo de 4. Más lindos o menos agraciados, todos se divierten dejando la actuación para otros films más comprometidos. Esto asegura una seguidilla de explosiones y de secuencias convencionales sobre el cuestionamiento de los altos mandos a estos cuatro desquiciados (dicho esto con respeto, claro está) y una chatura narrativa que tendrá sobresaltos o “picos” solo cuando se produzcan las consabidas explosiones.

Por supuesto, para quien busque largar adrenalina, el film es potable. Para quien concurre asiduamente al cine, deberá pensar dos veces si gasta en la entrada. Lo calificamos como regular porque no convence la propuesta narrativa audiovisual. Más de lo mismo, esta vez bajo el generoso título de Brigada A. Tenga en cuenta que aquí nadie actuó, solo se divirtieron. Tal vez no esté tan mal. Pero…

Elsa Bragato

Estrenos del jueves 17 de junio

Cuatro estrenos en soporte fílmico.

TOY STORY3

De Lee Unkrich. Voces en inglés: Tom Hanks, Joan Cusack, Michael Keaton, entre otros. En nuestro país Mike Amigorena es uno de los actores principales. Música de Randy Newman. Duración:

EXCELENTE. VUELVEN LOS MUÑECOS QUE NOS MUESTRAN CÓMO SOMOS

Esta tercera película de Toy Storyllega con las voces de la número 1, incluyendo a su director musical. Walt Disney y Pixar nos abren, por tercera vez, esta caja de juguetes que tiene millones de fans en todo el mundo para mostrarnos cómo somos y cómo es nuestro mundo real. La historia se centra en Andy y sus amados juguetes, ha crecido, el tiempo pasó, por lo que los mete en una bolsa de residuos con una identificación. Por una confusión, sobrevendrá el disparador argumental: los muñecos vivirán una pesadilla al caer en una guardería infantil donde los niños los maltratarán sin darse cuenta. Además, enfrentarán a una mafia de juguetes indeseables por lo que las aventuras, los sobresaltos y los buenos momentos irán conformando secuencias que, en mucho, nos recordarán el mundo que vivimos. A los personajes tradicionales (Woody el sheriff vaquero, Buzz el heroico guardián, Jessie la muñeca vaquera, Jam el rosado cerdito, el Señor Cara de Papa, Rex el dinosaurio, el perro Slinky, Tiro al Blanco el caballito y la legendaria Barbie) se suman nada menos que 14 más como el galán Ken, que corteja a Barbie, los Trillizos Guisantes, el Oso Lotso, Strech el Pulppo, el Erizo Sr. Espinas, entre otros, que nos harán disfrutar de una muy buena historia.

N.de Redacción: Toy Storyfue estrenada el 22 de noviembre de 1995 en todo el mundo. Fue la película más taquillera de ese año. Logró el GoldenGlobe a la Mejor Película/
Comedia Musical, y el Grammy a la mejor canción escrita para medio audiovisual que fue “When she loved me”, de Randy Newman.

Fue el primer largometraje animado por computadora y su director John Lasseter recibió el Oscar a la Trayectoria por su “inspirado liderazgo” de equipo.

Más que recomendable con la ayuda del 3D. Para disfrutar en familia. Los padres tendrán muchas cosas que contarles a sus hijos y lo pasarán más que bien.

Carlos Pierre

CÓMPLICES DEL SILENCIO

De Stefano Incerti. Coproducción ítaloargentina. Con Alessio Boni, Florencia Raggi, Giuseppe Gattiston, Juan Leyrado, Jorge Marrale, Rita Terranova, Tomás Fonzi, entre otros. Música de Pivio y Aldo de Scalzi. Duración: 103 minutos.



MUY BUENA. CONMOVEDOR RELATO DE UN ITALIANO QUE TESTIMONIÓ CONTRA EL PROCESO MILITAR



Esta ficción está ambientada en la Argentina durante el Mundial de Fútbol de 1978. Nos cuenta la historia de un periodista italiano que viene a cubrir los eventos deportivos y se enamora de una guerrillera, encarnada por una eficaz y creíble Florencia Raggi. Esta relación provocará su secuestro por las fuerzas del proceso militar y una insólita relación con las Brigadas Rojas italianas. La traición de familiares, el terror de aquellos años que vivimos todos, están plasmados en el film como no se veía desde La Historia Oficial. La euforia de aquel campeonato, que los argentinos necesitábamos sin banderías políticas, el testimonio del periodista que regresó 30 años después para dar su testimonio en el juicio a los represores, la génesis de las Abuelas de Plaza de Mayo, el Monumento en Memoria de los 30.000 desaparecidos, conforman un logrado testimonio fílmico de aquella luctuosa época que tanto nos lastimó y nos lastima.

Buenas actuaciones, buen relato, un film que va a conformar a la platea exigente.

Carlos Pierre



NEW YORK, I LOVE YOU

Del productor Emmanuel Benbihy. Once cortos de once directores con Andy García, Ethan Hawke, Orlando Bloom, James Caan, Julie Christie, Natalie Portman (como actriz y directora, a su vez, del corto “Eva”), Eli Wallach (95 años) y Claris Leachman (86), entre otras figuras.



MUY BUENA. UN PASEO POR RINCONES DE NEW YORK BUSCANDO AMOR



El productor de París, je t’aime, Emmanuel Benbihy, quiso hacer una versión sobre el amor y New York y lo logró a través de 11 cortos a cargo de notables directores como Juan Wen, Mira Fair, Shunji Iwai, Ivan Attal, Brett Ratner, Allen Hughes, SehkarKapur, Natalie Portman, Fatih Akin, Joshua Marston y Randy Balsmeyer, encargado de la unión de los cortos de 10 minutos de duración.

Desde un músico que busca inspiración, hasta el padre cómplice de su hija para que vaya a la fiesta de fin de año con un galán, el film no solo nos muestra las panorámicas más conocidas de New York sino también esas esquinas, cuadras, barrios que los turistas no suelen visitar. Es allí donde los encuentros casuales o buscados cobran dimensión y desde donde aparecen las tristezas, las melancolías, las impaciencias y la necesidad de ser amados que todos tenemos. Esta combinación de ciudad con personajes, algunos que llegan por horas mientras otros la habitan desde siempre, nos saca a la luz la idiosincrasia de los ciudadanos de las grandes ciudades, funcionando como un hábil espejo de los porteños y sus vicisitudes.

Sin ser la película más importante sobre el tema ni aquélla con una técnica deslumbrante, es un producto que nos hace salir con una sonrisa del cine, habiendo disfrutado situaciones, encuentros y palabras, como si todo fuese muy conocido.

Es un buen producto y lo dejará más que conforme.

Elsa Bragato



FRANCIA


De Israel Adrián Caetano. Con Natalia Orebro, Milagros Caetano y Lautaro Delgado, Mónica Ayos, Violeta Urtizberea, Lola Berthet. Música de Iván Wyszogrod.



REGULAR. RELATO FRAGMENTADO CON UN TÍTULO INCOMPRENSIBLE



Cuando un producto, de cualquier género, tiene que ser explicado en sus detalles, cuando hay que buscarle el por qué, la cosa no camina. Es lo que nos pasó con este film de Caetano, a quien le hemos admirado otros films como Un Oso Rojo, por ejemplo.

La intención expresada por Caetano de filmar como ve una niña, a raíz de algunos videos caseros que su hija Milagros Caetano realizó, no sirve para justificar la falta de unidad, de hilación, entre los personajes, los lugares, y el título mismo. Si “Francia” significa que “se filma desde afuera, desde otro lugar”, nadie lo entenderá. Si es por los colores con los que aparecen los créditos del final, se sale de la sala preguntándose qué quiso decir Caetano. No hay referencias dentro del argumento.

Dejar una cámara sobre una mesa o un trípode durante varios minutos mostrándonos como la niña copia mientras se escucha la pelea de sus padres en otro cuarto no hace más que aburrir y en nada nos está dando la pauta de cómo ven los chicos los problemas de los adultos. Filmar una escena en un patio que jamás se vio y que de pronto aparece en escena no tiene sentido: el espectador no tiene ubicación real porque no hay referencias de esa cocina, de ese patio, de ese dormitorio en unidad, conformando un departamento o una casa.

Es una suerte de “puzzle” que tiene un final feliz sin mucha explicación, una escena agregada como para desearle lo mejor a los personajes o al público, pero sin relación con el rompecabezas presentado.

No es un producto comercial aunque el nombre de Natalia Oreiro asegure, de movida, un gran atractivo en todo sentido. Lautaro Delgado, el marido infiel que vuelve a pedir “asilo” a su mujer cuando todo le va mal, así como el resto del elenco, actúan de acuerdo a lo que se les marcó y, entonces, no se pueden sacar conclusiones, indicar si están mal o no, o están más que bien. Hacen creíbles sus participaciones en medio de un caos narrativo que no complace para nada. Milagros Caetano, la hija del director, es un hallazgo. Soltura increíble para sus 11 o 12 años. Uno queda, luego de ver Francia, como vacío, esperando alguna respuesta o algo que indique qué vio, por qué se llama así, qué locaciones se eligieron, si era una casa filmada por partes o eran espacios elegidos al azar (hoy la azotea, mañana la cocina, pasado mañana la callecita de atrás, etcétera). Es un film inacabado que nos ha dejado con muchas preguntas y una sensación de no haber visto lo que se nos prometió en el título.

Elsa Bragato

Estrenos del jueves 10 de junio

Se estrenan seis films en soporte fílmico. No comentaremos el documental El Piano Mudo.



CARTAS A JULIETA

De Gary Winick, con Amanda Seyfrield , Gael García Bernal, Vanesa Redgrave y Franco Nero, entre otros. Música de Andrea Guerra. Duración: 1.40 h



MUY BUENA. COMEDIA ROMÁNTICA Y DULZONA QUE RECREA TODOS LOS “TIPS” DEL GÉNERO



Estamos en presencia de una comedia romántica y dulzona que abreva, una vez más, de ese caudal eterno que es William Shakespeare y sus memorables personajes. Gary Winicktoma a dos parejas en dos etapas diferentes de la vida para jugar con ellos las ideas y vueltas del amor, recordándonos al cine clásico norteamericano de los 50 donde tantas historias fílmicas se situaron en Italia y lanzaron al mundo galanes de entonces como Rossano Brazzi, por ejemplo.

La pareja joven está formada por la ascendente actriz Amanda Seyfried y Gael García Bernal (el esposo de “nuestra” Dolores Fonzi), y la pareja madura por Vanesa Redgrave y Franco Nero quienes vivieron, hace 40 años, un tórrido romance que culminó en matrimonio y un hijo, se divorciaron y hoy la vida los encuentra nuevamente juntos. El film parece estar hecho a medida de ellos.

La historia se basa en la novela de las hermanas Ceil y Lise Friedman, y está ubicada en Verona y Siena, dos ciudades encantadores de la Bella Italia, además del encuentro inicial en la también maravillosa New York. Hay un aporte fantástico de la fotografía a cargo de Marco Pontecorvo, que lleva un apellido ilustre dentro del cine italiano y mundial. Hay calidad artística porque las tomas, especialmente las de exteriores, parecen cuadros. A partir de estos elementos técnicos y el elenco, Winichnos lleva hasta Verona donde miles de cartas de enamorados son colocados en un muro todos los días, muro del patio de la supuesta casa de la Julieta de Shakespeare, un centro de peregrinación. Se calculan 8000 cartas anuales pidiéndole al espíritu de Julieta que les devuelta tal o cual amor.En medio de tantas cartas, de la voluntad de responderlas, surgen los protagonistas que, cada uno, vivirá como un encuentro del gran amor verdadero.

Ahora que el Mundial de Fútbol empieza, nos parece más que oportuno que este film romántico llegue a las salas de todo el país a fin de beneficiar a nuestras mujeres, un tanto olvidadas a lo largo de un mes de jornadas futboleras. Para ver y disfrutar.

Carlos Pierre





EL REFUGIO


De Francois Ozon. Con Isabelle Carré, Louis Ronan Choisy, Melvil Poupaud y Pierre Louis Calixto. Música de Louis Ronan Choisy. Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. LA HOMOSEXUALIDAD COMO ESPERANZA FRENTE A HÉTEROS CONFUNDIDOS. POLÉMICO Y AUDAZ FILM.

Francois Ozon nos entrega este film que sigue su más fiel estilo: personajes cuyos destinos se encuentran y desencuentra, familias corrosivas, futuros inciertos, toma de decisiones que abren el camino a la discusión, sin llegar a ser finales abiertos.

Un film similar fue La Piscina, de hace algunos años, muy diferente al mundo fascinante de Ricky, que se estrenó hace 15 días. Ozon ahora vuelve con aquella primera tesitura personal, narración austera, sencilla, marcada por una excelente fotografía y actuaciones. No necesita elencos corales ni multitudinarios para mostrarnos la cotidianeidad de una pareja a la que el destino le tiende varias trampas.

Pocos personajes. Una pareja heroinómana, un hombre que muere, una joven que queda embarazada y un refugio para enfrentar el destino que le tenderá algunas trampas. La solución estará en sus manos y tal vez no sea la que el espectador quiere.

Fuera del argumento en sí y de su muy buena narración audiovisual, surge la idea del film: si los homosexuales pueden adoptar a niños como el caso de una pareja hétero. Y aquí se cumple otra premisa dentro de la ecléctica filmografía de Ozón: la desestructuración del núcleo familiar en Francia.

Después está el argumento creado en torno a esta idea base, pleno de vericuetos verosímiles y difíciles para quienes toman el camino de la droga y la falta de compromiso ante la vida.

El film resulta muy interesante porque su narración está rica en primeros planos, hay hasta una fascinación por la panza de la joven embarazada, hay exteriores que se conjugan con la belleza de Isabelle Carré en gran perfomance. No es un film fácil, desde ya, pero es de máxima calidad en todos sus rubros. Obtuvo El Premio Especial del Jurado en el Festival de San Sebastián del 2009.

Carlos Pierre





KICK-ASS


De Matthew Vaughn. Con Nicolás Cage, Aaron Johnson, Chloe Moretz (una niña revelación), entre otros. Música de varios autores. Duración: 117 minutos.



MUY BUENA. HUMOR NEGRO Y SANGRE EN UNA CRÍTICA A LA VIOLENCIA SOCIAL CON UN ANTIHÉROE QUE SUFRE DE TODO



Es una sorprendente película de Matthew Vaughn (recordemos Stardust). De inmediato se piensa que estamos ante una nueva versión de Porky’s pero, pasados los primeros 30 minutos, creemos estar viendo Kill Bill de Quentin Tarantino. Cabalgando entre los problemas de un adolescente con baja estima, un mafioso neoyorquino encarnado por Mark Strong (el malo de Robin Hood), y un padre enfermo por las armas a cargo de Nicolás Cage que utiliza a su pequeña hija, en la piel de una magistral Chloe Moretz de 11 años, como “tiro al blanco” para enseñarle a ser fuerte, Vaughn nos presenta la historia de de personas comunes como usted o nosotros que no tenemos superpoderes pero que querríamos ayudar a muchos sin saber cómo hacerlo.

El dilema del adolescente pasa por algo más que enamorar a la chica linda del colegio. Quiere ayudar, pero no sabe cómo conseguir los superpoderes aunque se compre un ridículo traje verde de KickAss. Sufrirá las consecuencias de su debilidad humana, irá a parar al hospital más de una vez, pero sus aventuras nocturnas subirán a Internet teniendo una fama insólita y súbita.

A este personaje hay que sumarle las actividades del mafioso y su hijo y de Cage, un ex policía, y su pequeña hija que es más mortal que un espadachín oriental.

El film contiene escenas muy fuertes tanto de drogadicción como de asesinatos, algo que avisamos desde ahora, claro está, que con un humor negro digno de Tarantino que deja perplejo al espectador.

Uno también “cabalga” entre el estupor y la risa, entre el horror por las escenas gore y la simpatía que despierta el adolescente encarnado por Aaron Johnson, cuando no se hace el superhéroe y cae abatido por cuchilladas. Que son de esperar pero uno quiere que el protagonista no sufra, ésa es la cuestión. Aquí sufre todo!

Es un film que lo sorprenderá si le gusta este género “mix”, donde el humor es corrosivo y a todo o nada. La tensión de la narración es desde el comienzo hasta el final. Se podrán repetir algunas escenas de violencia pero, en el conjunto, el relato no tiene caídas y puede gustar o no, pero está muy bien realizado como remedo de los cómics de todos los tiempos.

Elsa Bragato





LA ÚLTIMA CANCIÓN


De Julie Anne Robinson. Con MileyCyrus, Grez Kinnear, entre otros. Música de Aaron Zigman. Duración: 107 minutos.



REGULAR. LA EX HANNA MONTANA EN DÉBIL RELATO POSTADOLESCENTE



Una playa, una exagerada mala relación con su padre, un hermanito y los huevos de tortuga en un hueco de la arena, son los puntos más destacados de esta nueva entrega en la que MileyCirus intenta abordar un nuevo camino actoral.

Llama la atención que el personaje principal, a cargo de la ex Hanna, sea tan hosco y maleducado con su padre, divorciado de su madre, quien intenta marcarle un camino con buenos modales. Esta actitud del personaje es realmente desagradable por la reiteración y porque parece que no tendrá fin si la jovencita no se sale con las suyas.

Un joven ecologista será la vía de escape para esta muchacha tan desorbitada. Y habrá algunas canciones pero no las que esperan las fanáticas ni tampoco en cantidad. Un romance en ciernes, un nido de tortugas que los jóvenes se empeñan en cuidar de noche, y algunas salidas más alegres y diurnas son todo el “ropaje” de la historia.

No nos gustó especialmente porque la ex Hanna Montana hace un esfuerzo actoral a través del malhumor (ficcionado) aportando lo que no hay que hacer para vivir con un papá o una mamá que ya transitaron por situaciones dolorosas en la vida como fue la separación. Tampoco hay un alarde fotográfico o una búsqueda de entornos menos clishés para la heroína. Todo sale de fábrica: aquí va esta escena de encuentro, allá la cena con el papá, aquí los huevos de las tortugas, allá la madrugada en la playa, etcétera.

Elsa Bragato







LOS SENDEROS DE LA VIDA


De So Yong Kim. Música de Asobi Seksu. Film de Corea del Sur, 2008. Duración: 89 minutos.



MUY BUENA. DESGARRADORA HISTORIA DE DOS NIÑAS ABANDONADAS



So Yong Kim es una realizadora que aquí cuenta su infancia en Pusan, Corea del Sur, o al menos muchas situaciones vividas como las dos niñas protagonistas (un hallazgo increíble) cuando su madre partió hacia los Estados Unidos.

En el film, dos niñas, una de 6 años y una hermanita menor, quedan al cuidado de una tía bastante colérica cuando la madre se va a trabajar a otra ciudad. El film es muy interesante porque trabaja en primeros planos o medios planos, que abarcan la actividad de las criaturas. Al ser pequeñas, se convierten en primeros planos. Así el espectador sigue paso a paso desde sus juegos mudos o los llantos porque no les gusta la comida de la tía, o porque extrañan a la madre, lo cual es altamente desgarrador como indicamos al comienzo. La mayor, siempre cuidando a su hermana menor, va a esperar a la estación de ómnibus a la madre, día y noche, ante una mirada poco comprensiva de la tía que se harta de ser la mamá sustituta. Por algo están los abuelos. Y allí quedarán estas niñas, sin que nadie se percate del sufrimiento de ambas, de la soledad que van acumulando, de cómo se las ingenian para tener dinero (cocinan una suerte de langostas gigantes, las hacen tipo brochette vivas y las venden a los estudiantes) con la esperanza de llenar el chanchito rojo que les dejó la madre con una promesa: cuando esté lleno, será el día de su regreso. Vamos a destacar a estas dos actrices precoces: Hi Yeon Kim y la pequeñísima Song Hee, increíbles y apabullantes por sus actuaciones ingenuas y auténticas. El film ganó varios premios y, recordamos, es un intenso drama.

Elsa Bragato

 

Estrenos del jueves 3 de junio

Hay siete estrenos. No comentamos Stella ni tampoco los dos documentales Ricardo Becher,La Recta Final y Liniers, El Trazo Simple de las Cosas.





POR TU CULPA


De Anahí Berneri, con Erica Rivas, Ruben Viani, Carlos Portaluppi, Martha Bianchi, entre otros. No hay música indicada en la ficha técnica. Duración: 87 minutos.



MUY BUENA. BERNERI EN OTRA ENTREGA INTIMISTA, DE GRAN VALOR NARRATIVO Y ACTORAL.



Es la tercera vez que Anahí Berneri nos sorprende con una narración audiovisual intimista, un drama doméstico y llano que transcurre en una sola noche. Debido a un ocasional accidente, la protagonista se ve envuelta en un hecho policial.

El tema de la culpa que sobreviene es el eje de esta historia pulcramente presentada por Berneri (recordemos Un año sin Amor y Encarnación). Tomas limpias y bien compuestas en secuencias, con un uso adecuado del sonido que sostiene la trama, se confirma el buen camino tomado por esta talentosa directora que ha sido ayudante de filmaciones de Francis Ford Coppola.

El relato del film transcurre en una precisa línea armónica que va a desembocar en el hecho policial que indicamos y solo hay una secuencia muy interesante donde la madre lleva en su coche a su niño que ha sufrido un accidente doméstico. Las sombras y las luces de la ciudad acentúan la ansiedad del personaje y de la audiencia. Y aquí se produce ese sobresalto que determina la duda en el espectador: fue mero accidente o un deliberado maltrato.

Erica Rivas, solvente actriz de televisión y teatro, realiza otra actuación verdaderamente sólida y creíble. Compone a una madre conflictiva al cuidado de sus dos hijitos, que se pelean y tienen los desbordes propios de la edad. Está viviendo un proceso de divorcio y tiene que entregar un trabajo que se ve interrumpido por este cotidiano e inesperado drama.

Todos son elementos que va ubicando sabiamente Anahí Berneri para que la llegada a la clínica devenga en la acusación policial. La resolución es ambigua, no obstante la trama ha tenido suspenso y drama en forma constante.

Estamos en presencia de un agudo thriller doméstico, que transcurre en tiempo real (una noche), y revela una singular realización de Berneri, una vez más, abocada a desarrollar con una cámara experta situaciones cotidianas, las que nos afectan a todos, con notable maestría. Destacamos dos fugaces apariciones: Carlos Portaluppi como el Jefe de Policía y Martha Bianchi, como la madre de la protagonista, ratificando ambos sus méritos profesionales. Es un drama que duele, conmociona, y es una muy buena película nacional.

Carlos Pierre





AL SUR DE LA FRONTERA


De Oliver Stone. Documental con entrevistas a los presidentes Hugo Chávez, Correa, Evo Morales, Lula Da Silva, F: Lugo y Cristina F. de Kirtchner. Duración: 85 minutos.



BUENA. EL REBELDE STONE Y UN “JUGADO” DOCUMENTAL DE ALGUNOS PRESIDENTES LATINOAMERICANOS.



No sabemos por qué pero Oliver Stone no entrevistó a los presidentes de Uruguay, Chile, Colombia o Perú. Eligió a Venezuela, Ecuador, Paraguay, Cuba, Bolivia y Argentina para demostrar la nueva era presidencial latinoamericana y la nueva visión de un capitalismo integrado a la sociedad y no salvaje. Vaya uno a saber por qué su elección.

Durante más de tres décadas, Oliver Stone ha desafiado a las audiencias y a su propio gobierno con realizaciones urticantes y corrosivas como Nacido el 4 de Julio, Pelotón, JFK (vino al país a presentarla), Nixon y varias más. Al Sur de la Frontera no es la excepción. Hace foco en ese “patio trasero” que es América del Sur para los Estados Unidos o, en rigor a la verdad, para algunos de sus presidentes. Eligió siete países y siete formas de capitalismo a través de sus respectivos presidentes.

Este proyecto nació en el 2007 cuando Stone fue invitado a Venezuela por el presidente Hugo Chávez, durante una misión abortada de rescate a un rehén colombiano de las FARC. Allí se interiorizó sobre la gestión política de Chávez y maduró su tesis para este film: el cuestionamiento de los medios de comunicación, influenciados por los Estados Unidos, que demonizan a los líderes extranjeros y los transforman en enemigos. Las consecuencias suelen ser brutales por el accionar de la CIA en los asuntos internos de cada país, en este caso nuestra América Latina, sin olvidarnos de Irán, Corea del Norte, Irak, Siria, etcétera.

Gran parte de la hora y media del documental está referido a Hugo Chávez, seguramente por el mayor acercamiento que hubo entre el realizador y el primer mandatario bolivariano.

Este documental coincide con el esfuerzo que los países sudamericanos están realizando para mejorar la relación multilateral entre todos. Con respecto a Barack Obama, el presidente de los Estados Unidos, Stone deja la afirmación de Chávez: “ojalá sea un nuevo Roosevelt”. Se habla de una moneda única sudamericana, como el euro en Europa, y de las esperanzas que hay sobre el futuro de nuestros países. No está mal, es un documental atractivo que pone algunas luces sobre muchas sombras de información.

Carlos Pierre





SEX AND THE CITY 2


De Patrick Michael King. Con Sarah Jessica PArker, Kim Cattrall, Kirstin Davis, Cynthia Nixo, Chris North, Liza Minelli, entre otros. Música de varios. Duración: 146 minutos.



BUENA. MÁS SOBRE CUATRO MUJERES AL BORDE LA HISTERIA PASEANDO POR EL SAHARA.

No es lo que esperábamos. Sacar a Sex and the City de Nueva York fue el error garrafal para esta película donde las cuatro protagonistas de la celebrada serie televisiva, luego de un paso bastante positivo –no del todo bueno- por el cine, vuelven a replantearse dudas existenciales. La protagonista, Carrie Bradshaw en la piel de Sarah Jessica Parker (musa y productora de la serie y de los films), se replantea su vida de casada, las diferencias de actitudes de su hoy esposo, así como sus amigas (Miranda, Charlotte, Samantha) hacen lo propio, una por su dicotomía entre trabajo y familia, la otra por sus celos, la tercera por la búsqueda del hombre ideal que le ha llevado la vida (tiene más de 50 largos, aunque luce espléndida).

Hay demasiada histeria entre las mujeres cuando parten hacia Abu Dhabi gracias a la invitación de un jeque árabe prendado por Samantha- Kim Cattrall. Pero allí el film cae. Resulta absurdo ver a Parker vistiendo faldas de marcas en callecitas repletas de vendedores ambulantes, o en el mercado de la ciudad. O bien verlas con ropas tan setentistas en pleno desierto del Sahara para tomar un té con masas (más o menos así), debajo de una sombrilla y rodeadas de camellos y sirvientes. Demasiado lujo para tan poco texto audiovisual.

Ya son cuarentonas largas y los chillidos no les van para nada bien. Confesar un “piquito” al marido como si fuese una adolescente, tal como hace la protagonista y “guía” de la historia Sarah Jessica parker, resulta infantil. Los gritos de placer de Kim Cattrall son exagerados al máximo y su apetencia por los hombres tiene de todo menos femineidad. El caso de las otras dos “chicas” es un tanto diferente y es allí donde las protagonistas toman un tono más humano y reflejan sus dudas, sus aciertos, sus temores, sobre cómo seguir adelante con las familias, a las que aman. Es lo mejor del film. Hay “elipsis” (no sabemos si es para tanto, pero algún nombre hay que darle) que son gruesos errores de producción: cuando se van “a las patadas” de Abu Dhabi, piden que las dejen con sus maletas al lado. Pero éstas no aparecen más y finalmente abordan el avión sin que nadie haya visto las famosas maletas de las “chicas”. Raro, no? Pero el hecho no pareció afectarlas.

Nos gustó por partes, nos gustó el casamiento gay inicial, muy Broadway, y la aparición de Liza Minelli. E insistimos: el viaje a Medio Oriente sacó a la historia de su real “factotum”: la ciudad de New York. Un pecado para una serie y un primer film que tuvieron su epicentro y su razón de ser en esa ciudad.

Elsa Bragato





LEGIÓN DE ÁNGELES


De Scott Steward. Con Paul Bettany, DennisQuaid, entre otros. Música de John Frizzell. Duración: 100 minutos.



REGULAR. TERROR DE GÉNERO HÍBRIDO, O LA BIBLIA Y EL CALEFÓN



Qué rara película. El arcángel Gabriel llega a la Tierra para desobedecer la orden de Dios: no más humanidad porque todo es caótico. Y empiezan los tiros, las muertes, los seres que hablan como zombies, hasta que el film se localiza en Paradise Falls, un bar perdido en alguna “pampa” norteamericana, donde la mesera está por dar a un luz a un bebé, el que- todos sabemos de antemano- es la esperanza de que la humanidad continúe. Para justificar el horror y el “gore” una anciana que pide un té en el bar se transforma en una come carne humana, mientras que el arcángel Gabriel llegará y fortificará el bar. El soldado Miguel, uno de los policías a los que Gabriel dio muerte al comienzo, quiere que se cumpla la orden de Dios, pero luego estará en mitad de las dos “tendencias”. Es realmente un film sin ton ni son a nivel narración. Tiene de todo: zombies, inexplicables pero allí están, ángeles con alas bien gruesas y torpes (qué raro Paul Bettany en este film!) y tiros y muertes horribles. Además el parto de la mesera está plagado de errores de producción: es ayudada por Gabriel-Bettany y al segundo de dar a luz, sin la menor asepsia, es capaz de subirse a un auto y emprender una loca carrera hacia el futuro. En fin, es terror sin coherencia y habrá quien la elija.

Habría que ponerle “mala” de entrada, pero, en fin, la rescatamos por Bettany y Quaid.

Elsa Bragato