Hay cinco estrenos. No
comentamos la pochoclera “Battleship: batalla naval”
porque tiene público asegurado ni tampoco “35 Rhums”
(o 35 tragos de ron), de Claire Denis porque se
estrena en sala fuera del circuito comercial, la
Lugones.
De Jerzy
Skolimowsli. Con Vincent Gallo, Emmanuelle Seigner,
entre otros. Música de Pawel Mykietyn. Duración 83
minutos.
MUY
BUENA. DRAMA INTENSO SOBRE LA SUPERVIVENCIA QUE
LINDA ENTRE EL POLICIAL Y LA DENUNCIA
El deslumbrante paisaje de
color amarillo del comienzo, que se filmó en Israel,
cerca del Mar Muerto, para representar la montaña y
el desierto de Afganistán, y los bosques nevados de
Polonia, donde se desarrolla gran parte del film, se
convierten en dos protagonistas
vívidos y desgarradores de esta fuerte propuesta.
La historia, que no es real,
fue gestada con inteligencia y estilo, donde un
solitario terrorista afgano llamado Mohammed
(Vincent Gallo) mata a una pequeña patrulla
americana que está haciendo una tarea de
reconocimiento. Es apresado y llevado a una cárcel
en Polonia, pero un accidente en el vehículo que lo
traslada le permite quedar libre. Inicia entonces
una carrera titánica, huyendo del ejército que lo
persigue.
Este prófugo se convertirá a la
vez en un predador y una presa, un
extranjero en los fríos bosques de las montañas de
Polonia, un enemigo obligado de todo lo que se le
cruza en su fuga desesperada.
Un rasgo diferente del
film es que no se alude a la guerra de
Estados Unidos en Afganistán, a la invasión y al
terrorismo, sino que se centra en la
supervivencia básica del protagonista que
huye en cada secuencia como un leit-motiv
desesperado.
El realizador Jerzy Skolimowski,
autor también del guión, encaró una ficción
dramática de supervivencia que sucede en algún lugar
de Polonia, a 20 km de su domicilio, a partir del
aterrizaje de aviones militares norteamericanos en
bases secretas de la CIA BLACK.
El protagonista, en esta huida
interminable, no habla, solo solloza y grita, es más
una fiera perseguida que un ser humano. Vincent
Gallo realizó un gran esfuerzo físico dotando al
prófugo de una gestualidad ampulosa.
La fotografía es también
exuberante, aunque remarca el dramatismo y la
fiereza argumental: una sangrienta travesía
por los bosques congelados de Polonia donde el
blanco de la nieve es teñido a cada instante por el
rojo de la sangre.
Entre los numerosos premios
recibidos, este film fue galardonado en Venecia y
Polonia, y en Mar del Plata en el reciente Festival
de Cine, donde obtuvo el Astor de Oro, a Mejor
Película y Mejor Actor. Es un thriller
diferente por la idea propuesta y un desarrollo
argumental que linda entre el policial y la
denuncia.
Carlos Pierre
NO TE
ENAMORES DE MÍ
De
Federico Finkielstain. Con Pablo RAgo, Julieta
Ortega, Guillermo Pfenning, entre otros. Música de
Iván Wyszogrod. Duración: 101 minutos.
BUENA.
LA CLASE MEDIA ARGENTINA RETRATADA A TRAVÉS DE SUS
JÓVENES, BUENAS ACTUACIONES
Estamos frente a la opera prima
de Federico Finkielstain, autor también del guión
del film. En el mismo, entrelaza tres historias,
hábilmente trazadas en el comienzo, pero que luego
decaen en su desarrollo narrativo por la cierta
ligereza que encontramos en el desenlace de las
mismas. No obstante, la película tiene
muchos méritos que hay que resaltar: en
principio, el elenco estelar asegura buenas
actuaciones, sólidas, creíbles. Pablo Rago (quien
comparte el Oscar de El secreto de sus ojos) aporta
su profesionalismo y su carisma, así como Julieta
Ortega y Luisina Brando, entre otros.
En esta opera prima de
Finkielstain encontramos pasta para próximas
realizaciones muy buenas porque, como indicamos,
tiene varios logros: sumamos al mencionado, el
hecho de retratar a la clase media
y, en forma especial, a los adultos de 30 años que,
hoy por hoy, son los de 20 años de hace 3 décadas.
En este sentido, el realizador sabe mostrarnos la
problemática creciente de los treinteañeros que se
recluyen en las casas paternas y rápidamente cortan,
sin pensarlo mucho, las relaciones afectivas que
tengan.
Hay escenas de sexo, pero no
salen del tono que hoy suelen tener las mismas en
cualquier film. Y, en definitiva, cuenta la manera
de desenvolverse de los jóvenes adultos actuales,
sin caer en la explotación de la
marginación, tan habitual en nuestro cine.
En este sentido, se siente
empatía con el guión y con los personajes,
retratados - en alguna lejana medida - al estilo de
la “nouvelle vague”, que presentó los temas de una
generación en su medio. Le auguramos un gran futuro
a Finkielstain.
Carlos
Pierre
VOTOS
DE AMOR
De
Michael Sucsy. Con Rachel McAdams, Channing Tatum,
Jessica Lange, Sam Neills, entre otros. Música de
Michael Brook y Rachel Portman. Duración: 103
minutos.
BUENA.
EL AMOR QUE SOBREVIVE A LA TRAGEDIA, BASADA
EN UNA
HISTORIA REAL
Michael Sucsy toma una historia
conocida en el cine: la pareja joven que, tras un
accidente automovilístico, debe enfrentarse a la
pérdida de memoria de la mujer. La idea argumental
está inspirada en un caso real, la esposa jamás
recuperó la memoria pero fue feliz con su marido
teniendo hoy en día dos hijos.
El film no plantea esa
posibilidad pero sí los vericuetos de la joven
esposa que no recuerda ni a su marido ni nada de lo
vivido, pero acepta el regreso al hogar conyugal y
va buscando pistas que le permitan recordar algo. En
cambio, rápidamente se reencuentra con sus padres
(Lange y Neills, sólidos, creíbles).
Lejos de caer en dramatismos,
la narración transita por la búsqueda personal de la
protagonista, Page (una encantadora y bella Rachel
McAdams) y un joven marido (Channing Tatum, tierno y
comprometido con su rol) que acepta el desafío de
volverla a enamorar.
Ayudan a esta narración el
diseño de arte, colorido, muy neoyorquino aunque
esté filmada en la bellísima ciudad de Chicago. La
nieve es la tercera protagonista de este film de
Sucsy, que demuestra sus conocimientos para el
relato sin fisuras y con un “in crescendo”
agradable, empático.
La sugerimos para los más
jóvenes, para los espíritus románticos. No es un
“love story”, es una historia de amor donde los
obstáculos son fuertes y hay que superarlos. Para
pasar un grato y emotivo momento.
Elsa
Bragato
Estrenos de los jueves 26 de
abril y 3 de mayo
Estimados visitantes: los queridos periodistas Elsa
Bragato y Carlitos Pierre están disfrutando de unas muy
merecidas vacaciones. Por este motivo, estas dos semanas
solo publicaremos los trailers de los estrenos.
LOS VENGADORES
LA FUENTE DE LAS MUJERES
SHAME-SIN RESERVAS
EL ÚLTIMO ELVIS
ANIMA BUENOS AIRES
CUANDO TE ENCUENTRE
75 HABITANTES, 20 CASAS, 300 VACAS
LA SEPARACIÓN
JUEVES 19 DE
ABRIL DEL 2012
Hay 7 estrenos en fílmico.
No comentaremos el documental “El provocador”, sobre un
portugués y su teatro de provocación durante la
dictadura militar. Recomendamos, como muy modesta
opinión, que los documentales tengan una sala
propia en el centro de la ciudad para que no
compitan con los estrenos comerciales. Esto les resta
público a futuro. Siendo buenos productos, la falta de
espectadores los condena a un fracaso muchas veces
inmerecido.
EL POZO
De Rodolfo Carnevale. Con
Eduardo Blanco, Patricia Palmer, Ana Fontán, Túpac
Larriera, Adriana Aizenberg, Dora Baret, Norma Pons,
entre otros. Música de Pablo Borghi. Duración
BUENA. EL AUTISMO EN UN
FILM QUE PRIVILEGIA LO DIDÁCTICO POR SOBRE LA FICCIÓN
Pilar (Ana Fontán) es
autista desde los cuatro años, ahora tiene 26 y su caso
provoca en su familia un dolor profundo. El padre
(Eduardo Blanco) quiere internarla porque en el seno del
hogar no muestra signos de una mejoría, por el
contrario, cada vez los arrebatos propios de la
enfermedad son más pronunciados. En cambio su madre
(Patricia Palmer) vive desvelada por ella y cree
resguardarla mejor en la casa. Más aún, recurre a una
psiquiatra (Dora Baret) porque ambas confían en una
recuperación.
Estas actitudes diferentes
de sus padres produce un distanciamiento y la
consecuente separación entre ambos, sumada a los
conflictos en la escuela y con los amigos de su hermano
menor (Túpac Larriera).
Román (Ezequiel Rodríguez)
también es autista y es conocido por la familia de Pilar
a través de su madre (Adriana Aizenberg). Pero
finalmente tanto Pilar como Román son internados en un
hogar de rehabilitación y contención, cuya directora es
Norma Pons, y inmediato ayudante está encarnado por Juan
Palomino.
Filmada en San Luis, esta
realización de Carnevale muestra la urdimbre
social que padecen las personas autistas; el
tema es muy interesante desde todo punto de vista, pero,
en la realización, se notan demasiado las “costuras” y
cae en una exposición didáctica que afecta el valor de
la ficción en sí.
Como detalle
significativo, está la figura de la Estatua de la
Libertad que la psiquiatra le regala a Pilar, y es el
símbolo del film por lo que encarna, jugando en varias
secuencias oníricas de la protagonista quien está
sumergida en el pozo de su
discapacidad.
Basado en un
hecho real, el film transita por los carriles de una
exposición prolija, avalada por los tratamientos médicos
del autismo. Interesante y buenas actuaciones.
Carlos Pierre
EL COMIENZO - REC 3
De Paco Plaza. Con Leticia
Dolera, Diego Martín, Adrián Alex Monner, Ismael
Martínez, entre otros.
Duración 80 minutos.
BUENA. EFECTIVA VUELTA DE
TUERCA DE LA DANZA MACABRA DE LOS ZOMBIES
La primera película
titulada Rec se estrenó en 2007, provocando un impacto
en el público. Era un falso documental donde una
periodista televisiva, con cámara en mano, debe
reportar el accionar de los bomberos y termina encerrada
en un edificio donde la proliferación de un extraño
virus también la atacará. Todos serán zombies.
De 2009 es Rec 2: secuela
de la primera, las autoridades tratan de averiguar qué
es lo que ocurre en ese edificio, pero el caso no se
resuelve y la plaga se expande. Como no hay dos sin tres
, según palabras del propio director Paco Plaza, este
Rec 3 abandona el territorio de la secuela para
inaugurar el de la saga.
A fin de ser respetuoso
con el original y a la vez aportar algo novedoso, en
esta tercera entrega se incorporan elementos del cine de
aventuras, recuperando gran parte del humor
negro que fue una característica del primer
film (subtítulo de esta película, Rec 3). Hay énfasis
en la comedia negra, de gran acción, y algo muy acertado
fue la apertura del escenario, que sigue siendo un
espacio de sangre y terror pero a la luz del día. Ahora
se pueden ver a los infectados arrastrando sus torcidos
cuerpos por calles y jardines, dejando atrás la
sensación de claustrofobia que provocaron las dos
primeras películas.
La historia es simple y
efectiva: una pareja a punto de casarse, Koldo (Diego
Martín) y Clara (Leticia Dolera) celebran su boda en un
estupendo recinto (para bien del film con secuencias de
gran amplitud). Esta alegría y felicidad se ven
alteradas de forma violenta y repentina por los
infectados. Es cuando comienza esta narración de horror,
sustos y gags hasta risueños en medio de un desparpajo
de sangre y violencia, donde se mezclan el
entretenimiento y las escenas espeluznantes. En vez del
tradicional vals de los novios, la parejita baila una
danza macabra a toda orquesta. En sí, la
realización no tiene complejidad y es lineal como el
argumento. Para fans.
Carlos Pierre
12 HORAS (GONE)
De Heitor Dhalia. Con
Amanda Seyfried, Wes Bentley, Daniel Sunjata, Jennifer
Carpenter, entre otros. Música de David Buckley.
Duración
BUENA. SUSPENSO POLICIAL
EN UNA TRAMA INQUIETANTE
El título del film resume
cabalmente la trama de este thriller de suspenso. Jill
Parish (Amanda Seyfried) fue secuestrada 12 meses atrás
por un asesino serial, pero logró escapar por un agujero
cavado en la profundidad de la tierra, en medio de un
bosque aledaño a la ciudad.
Todo parece indicar que
este asesino ha regresado y ha actuado del mismo modo,
porque su hermana ha desaparecido en idénticas
circunstancias al secuestro anterior. La policía no le
cree a Jill, como tampoco lo había hecho un año atrás,
atribuyéndole el caso a un desorden mental de la
víctima.
“12 horas” es precisamente
el tiempo con que cuenta la joven para rescatar a su
hermana y a la vez vengarse del asesino. Está sola en
esta carrera contra reloj, con la excepción del nuevo
policía, el detective Peter Hood (Wes Bentley) quien no
cree en la enfermedad de Jill o sea sabe que está
contando la verdad.
El talentoso director
brasileño Heitor Dhalia se valió de varios elementos
para consolidar un film inquietante:
una protagonista talentosa y muy carismática, una
locación adecuada a este thriller, la ciudad de
Portland, que tiene una atmósfera especial: llueve casi
siempre, hay una bruma persistente sumada a un bosque
cercano y a unos espejos de agua por demás sugestivos,
que favorecen el suspenso y la tensión.
El guión es diferente: una
mujer como protagonista quien lleva en su espalda una
verdad y el descreimiento de quienes deben ayudarla. En
este tipo de películas de suspenso, suelen darse
elencos corales, siempre de jóvenes de ambos
sexos, por lo que elegir a una estrella como Amanda
Seyfried a cargo del protagónico resulta diferente y
atractivo.
Incertidumbre,
temor, suspenso, surgen con generosidad de la trama sin
caer en la violencia, algo para destacar, por
lo que Gone- 12 horas (gone tiene varios significados en
inglés. Entre ellos, el de “fallecido”). Un puzzle sobre
un secuestro, o dos, o la maquinación de una mente
enferma. El espectador deberá dilucidarlo a
través de secuencias entretenidas que lo mantendrán en
vilo. Pero nada más.
Carlos Pierre
EL MAL DEL SAUCE
De Sebastián Sarquís. Con
Jean Pierre Noher, Lihuel Iván Porcel, Verónica Bellene,
entre otros. Música de Pablo Sala. Duración: 88 minutos.
MUY BUENA. JUEGO
EXISTENCIAL CON GRAN ACTUACIÓN DE JEAN PIERRE NOHER
Una creencia popular de
los habitantes de las islas del Delta dice que hay un
mal que los aqueja y que se sufre aún sin saberlo, y es
el que se adquiere sentado debajo de un sauce
contemplando el río. A veces se lo lleva en la sangre
como un estigma familiar.
Franco (Jean Pierre Noher)
acaba de despertar en una solitaria isla del Delta, está
aturdido sin saber qué hace allí. Está secuestrado,
tiene los ojos vendados y está atado, en un ámbito
rústico y miserable. De a poco, logra liberarse de sus
ataduras, pero otro espanto peor lo asalta, su propio
hijo Luciano es el nexo entre los captores y él, es
quien alcanza la comida y le informa las órdenes de los
captores.
Con su hijo no ha tenido
buena relación, y ahora salen a relucir sus propios
fantasmas personales, sus culpas familiares y sus dudas
existenciales en esa clausura ilimitada que vive. Su
esposa Elena (Verónica Bellene) es quien negocia ese
rescate incierto, pero la liberación se aproxima por
parte de la policía, aunque un acontecimiento inesperado
cambia el curso de los hechos y conduce a un desenlace
imprevisible. Sarquís trata de un modo profundo y
onírico el desencuentro de un padre y su hijo, y las
propias culpas que asaltan desde el fondo de su
conciencia.
Cuando uno está en soledad
y en circunstancias extremas de abandono, los sonidos
del alma y los ruidos de la naturaleza se profundizan,
y, al mismo tiempo, se agudizan en grado superlativo.
Aquí están muy bien representados merced a la atinada
puesta de sonido y a la excelente música incidental
compuesta por Pablo Sala, insertada con
justeza en el relato. La fotografía de
Pablo Riccio se explaya magníficamente en la naturaleza
pródiga del Delta., así como el montaje
denota un profundo conocimiento del relato audiovisual.
Todos colaboran para que la trama propuesta por
Sebastián Sarquís sea atrapante y nos obligue a pensar,
a analizar, dónde está la verdad, dónde está la
conciencia, y hasta dónde se extiende el “mal del
sauce”.
Por su parte, Jean Pierre
Noher cumple una suerte de unipersonal muy exigente, de
y con alto nivel interpretativo. Un
verdadero juego existencial y mágico de Sebastián
Sarquís para sumergirse en los secretos que encierra esa
creencia arraigada en los pobladores del Delta. Ciertamente, el tema puede no gustar porque no
es fácil, no es pochoclero, pero la realización como la
interpretación son muy sólidas y merecen nuestro apoyo.
Carlos Pierre
DIARIO DE UN SEDUCTOR
De Bruce Robinson, basdada
en la novela de Hunter S. Thompson. Con Johnny Depp,
Aaron Eckhart, Michael Rispoli, Amber Heard, Richard
Jenkins, Giovani Ribisi, entre otros. Duración: 120
minutos.
MUY BUENA. BIOPIC DEL
CREADOR DEL PERIODISMO “GONZO”, INTERESANTE RECREACIÓN
DE LOS 60
Resulta un film muy
interesante para los periodistas, asegurándose un cierto
margen de taquilla pero tal vez no la que se espera. La
figura de Johnny Depp siempre es convocante, esta vez en
el papel de Paul Kemp, un periodista que es enviado a
Puerto Rico para formar parte del diario en inglés que
allí se edita. La película se titula “The rum diary”,
algo así como el “ron diario” o cotidiano y muestra una
de las adicciones de Kemp- Hunter S. Thompson, nacido en
1937, quien se suicidó en el 2005, considerado como el
generador del “periodismo gonzo”. Este calificativo
provoca polémica en su origen y en su definición: puede
ser o de origen portugués o bien irlandés y significa,
en la práctica, bizarro. Al mismo tiempo marca el
subgénero periodístico de relatar los
hechos en primera persona, o sea darles subjetividad a
la información, que fue una de las características de
Thompson, y también de Truman Capote, con antecedentes
notables en Ernest Hemingway.
Paul Kemp es enviado a
Puerto Rico, en 1960, un paraíso norteamericano si bien
no todos los periodistas vivirán como los magnates que
va conociendo. Es muy interesante la recreación
de las viejas redacciones que subsistieron en
nuestro país hasta fines de los 90, computación
incluida. Personajes como Kemp vivieron en los medios
gráficos en los 60, 70 y 80 especialmente, adictos a las
drogas, al alcohol y a una vida bohemia de desenfreno,
muchas veces provocado por la misma profesión y el
deambular nocturno buscando noticias.
Secundan a Paul Kemp dos
personajes antológicos: Sala, fotógrafo encarnado por
Michael Rispoli, y Moburg, perdido en las drogas, a
cargo de Giovanni Ribisi. La mujer que enamora a Kemp es
la bellísima Amber Heard como Chenault, novia del
magnate Sanderson, un Aaron Eckhart autoritario y seguro
de sí. El editor del diario en inglés es Lotterman y lo
personifica Richard Jenkins, con todos los tics que han
tenido los editores de esas décadas:
autoritarismo y subestimación del personal (fue
famoso Laíño, de La Razón, por romper en la cara de los
periodistas las notas que no le gustaban, sin mediar
palabra y sí gestos ingratos).
La historia nos muestra a
Paul Kemp buscando un equilibrio entre la vida malsana
de sus dos compinches o “guías” en Puerto Rico y aquélla
que le muestran los hacendados, tentándolo con riquezas
que le serán inalcanzables. Las riñas de gallos,
desagradables y fuera de tiempo, fue un modo de
esparcimiento en los 60 incluso como medio de vida más
que de pasatiempo. Y el alcohol, el ron, y la droga,
las formas de escapismo.
Hay un antecedente de este
film que es “Fear and Loathing in Las Vegas”, de 1998,
también con Johnny Depp , acompañado por Benicio del
Toro como Dr. Gonzo. En esta película, las drogas fueron
el eje de una historia psicodélica, mientras que en
“Diario de un seductor” hay más narración sobre la vida
del periodista, el alter ego de Thompson. Kemp logró
casarse con la novia del magnate, la bella Chenault, y
vivió en New york convirtiéndose en destacado
periodista. Solo basta que cambiemos el nombre: en lugar
de Paul Kemp, pensamos en Hunter S. Thompson, a quien le
es dedicado el film. Hay una buena fotografía, un
excelente diseño de arte, y la actuación de Johnny Depp
tiene la credibilidad que un personaje como el de
Kemp-Thompson requiere, con pocos recursos
gestuales pero profundos. Nos atrapó,
pero aclaramos que caímos en la seducción de nuestra
profesión. No es un film masivo.
Elsa Bragato
PIRATAS! UNA LOCA AVENTURA
3D
De Peter Lord y Jeff
Newitt. Con Hugh Grant, Brendan Gleeson, Salma Hayek,
Martin Freeman, entre otros. Duración: 87 minutos.
BUENA. PIRATAS ALOCADOS
QUE ENFRENTAN A LA REINA VICTORIA
Los piratas siempre son
atractivos…En este caso, se trata de un film de
animación de los mismos realizadores de Pollitos en fuga
y Wallace & Gromit, Lord y Newitt. Basándose en la
técnica “claymation”, que se basa en animar figuras
hechas con plastilina, lograron una película divertida,
alocada, con cambios argumentales que detectamos solo
los adultos, y para toda la familia.
La historia se centra en
el Capitán Pirata que llega a la Isla de Sangre pero no
le va bien y enfila hacia Londres. Allí se enfrenta a
Darwin, el científico, y a la reina Victoria, presentada
como una villana grotesca, que ama comer animales
exóticos y ha puesto la mirada en el loro del Capitán.
Hay algunos vaivenes
argumentales en la evolución del personaje del Capitán
Pirata: comienza siendo el más malo de todos, no logra
nada en sus tropelías, y poco a poco cambia sus
emociones para llegar a ser un “tierno”. Esto produce un
cambio en el guión: de las tropelías se pasa al
salvataje del loro, un plato ansiado por la reina
Victoria, una mujer muy fea adicta a la comida con
notables conocimientos de esgrima. Locura y diversión en
aventuras que distan mucho de ser las clásicas de los
piratas.
El film es muy entretenido
y tiene un objetivo: toda la familia, con el mensaje
ecológico de salvar a muchos animalitos que iban a ser
devorados por la implacable reina. Los vaivenes
argumentales nos despistaron un poco. Pero reconocemos
que es simpática y atractiva para toda la familia.
Elsa Bragato
JUEVES 12 DE
ABRIL DEL 2012
Hay 4 estrenos, entre ellos, los
nacionales Industria Argentina y Tupac Amaru
(documental), que no comentaremos. Una semana con
“medianía” en la calidad de los films, si bien se suma
el reestreno de Titanic, de J. Cameron, en 3D.
LAS MUJERES DEL 6TO. PISO
De Philippe Le Guay. Con Fabrice
Luchini, Carmen Maura, Sandrine Kiberlain, Natalia
Verbeke, entre otros. Música de Jorge Arriagada.
Duración 104 minutos. Hablada en francés y español.
MUY BUENA. ATRACCIÓN FATAL DE LA
ARGENTINA NATALIA VERBEKE EN SIMPÁTICA COMEDIA
Soplan vientos de cambio en la
década del 60 parisina, aunque todavía no se han
desatado los hechos de mayo del 68. Esa paz burguesa se
verá sacudida por criadas españolas. Jean-Louis Joubert
(Fabrice Luchini), quien se dedica a las finanzas, vive
con su esposa Suzanne (Sandrine Kiberlain), inmersa en
actividades sociales mientras los dos hijos adolescentes
están en el colegio. Tiene entonces necesidad de
criadas que la ayuden en las tareas del hogar. Son las
del piso 6to de este elegante edificio quienes entran a
tallar en el adormecido espíritu del marido con gracia y
alegría bien españolas. Se trata de inmigrantes que
buscan en Francia el desahogo económico que no
encuentran en España.
El detonante de este “cup de foudre”
con acento español en el aburrido corazón de Jean-Louis
es la llegada como criada en su hogar de la joven María.
El personaje está a cargo de la argentina
Natalia Verbeke
quien, desde los 11 años, está radicada en España. A
partir de esa aparición, incluso un descuidado desnudo
en el baño ante los ojos del señor de la casa, surgen
condimentos sentimentales y se ingresa en una comedia
muy simpática. La
atracción franco-hispana es un hecho. Pero es un
condimento siempre presente en la relación de ambos
pueblos. Basta citar en la música autores como Bizet y
Ravel y tantos otros que se sintieron fascinados por el
fuego de España.
Esta comedia es un bálsamo, bien
realizada, bien actuada, en tiempos de sagas pobladas
por vampiros, lobos y otras yerbas. Gracia y emoción,
como una bocanada de aire fresco, en una historia
contada y no plagada de efectos especiales.
Ganadora como Mejor Actriz de
Reparto en los Premios César, Carmen Maura es solo una
muestra del talento y desenfado de todas estas
españolas, seis criadas maravillosas que nos alegran el
espíritu. Estamos frente a un film para cargar las pilas
de la mejor manera.
Carlos Pierre
EL LÍDER
De Joe Carnahan. Con Liam Neeson,
Dermot Mulroney, Frank Grillo, entre otros. Música de
Marc Streitenfeld. Duración: ll5 minutos.
REGULAR. ATENTADO CONTRA LOS
PRINCIPIOS ECOLÓGICOS
Basado en un cuento corto, GHOST
WALKER, de Ian Mackenzie Jeffers, este film es
irresponsable en su
mensaje, alejado del conservacionismo de muchas
especies de animales, en especial de los lobos, y solo
muestra al hombre
contra la naturaleza manifestando de manera
explícita que no
debemos conservarla, o bien que no importa si
lo hacemos o no.
Los lobos de Alaska son presentados
como una amenaza, sanguinarios porque sí, y no por
motivos de supervivencia como es en la realidad. La
historia se sitúa en la blanca Alaska, un verdadero
infierno blanco, donde cae un avión y un grupo de
hombres, comandados por el experto cazador de lobos
Ottway (Liam Neeson), entabla una lucha cuerpo a cuerpo
con estos animales, sin basar los hechos con lo que ha
establecido hasta ahora la naturaleza.
Es cierto que una
actuación de Liam Neeson siempre es intensa y profunda,
en este caso como el líder que indica el título.
No obstante, la supervivencia de este personaje es tan
cruel que uno se pregunta si no es cierto el dicho que
indica que el ser
humano es el animal más peligroso de todos los
existentes.
Resulta curioso (o no) que el
responsable de la fotografía sea el japonés
Masanobu Takayanagi,
mostrando una crueldad
superlativa, emparentada con las matanzas de su
pueblo de ballenas, tiburones, y delfines, condenadas
por la sociedad mundial. Hay que destacar que un
documental sobre cómo
los japoneses matan a indefensos delfines ha ganado un
premio Oscar. Se nota en Takayanagi un espíritu
muy cruel por cómo se
realizan las matanzas y la fotografía adoptada para
narrarlas, una verdadera orgía de sangre con
“conocimiento de causa” que no es adecuada para los
espíritus sensibles y mucho menos para las necesidades
actuales de la naturaleza.
Carlos Pierre
AMERICAN PIE, EL REENCUENTRO
De Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg.
Con Jason Biggs, Aluyson Hannigan, Chris Klein, Thomas
Ian Nicholas, Tara Reid, entre otros. Música de Lyle
Workman. Duración: 113 minutos
REGULAR. LO CONVENCIONAL POR SOBRE
LO INTELIGENTE
La edad no es en vano. Diez años
después se reúnen los integrantes de la saga American
Pie para este “reencuentro” donde intentan revivir
viejas locuras y se dan cuenta, poco a poco, que ya no
están para esos trotes. Poca escatología, hay que
reconocer, respecto de las primeras películas, pero
lenguaje soez y situaciones controvertidas, transcurren
en una narración muy
convencional cuyo valor estriba en la franquicia,
American Pie, plagada de alocadas experiencias de todo
tipo de un grupo de amigos de la secundaria. No hay
mucho para contar y sí para advertir que le gustará a
los fans de la saga y nada más. Por momentos, aburre
porque no deja de ser más de lo mismo. Y es difícil
recordar una secuencia que nos haya impactado o seducido
porque no la hubo.
La primera película se estrenó en
1999, la
segunda y
tercera en el 2001 y 2003. Luego surgió una “American
Pie Presents”, subsaga a partir de la primera con cuatro
títulos, derivadas de la primera (“spin-off”). O sea
estamos frente a la octava versión de American Pie, con
la novedad de ver a los muchachotes ya casados. Sí es
válido destacar que, a pesar de no poder concretar
sueños adolescentes, prevalece la amistad. Y no es poco.
Pero, la escatología no nos va…
Elsa Bragato
JUEVES 5 DE
ABRIL DEL 2012
Hay 7 estrenos. No comentaremos la
producción uruguaya Reus.
EXTRAÑOS EN LA NOCHE
De Alejandro Montiel. Con Diego
Torres, Julieta Zylberberg, Fabián Vena, Ludovico Di
Santo, Laura Conforte, Betiana Blum, entre otros. Música
de…. Duración: 93 minutos
BUENA. COMEDIA LIGERA QUE OSCILA
ENTRE EL ROMANTICISMO Y EL POLICIAL
Diego Torres regresa al cine luego
de más un lustro con un protagónico de tono
circunspecto, lejano del de Entre Rejas. Lo acompaña la
excelente Julieta Zylberberg. Ambos componen una pareja
musical desigual, él es pianista clásico y ella una
cantante popular, que desea triunfar en una banda de
rock “indie”. El solo aspira a componer una sinfonía.
En un principio, estamos frente a
una comedia romántica. Sin embargo, un hecho misterioso
que ocurre en el departamento de arriba de donde vive la
pareja protagónica los convierte en detectives de un
supuesto crimen. La historia tiene mucho enredo
argumental, entretenido, con gags mesurados, y del
romanticismo pasa a un thriller policial. Mientras
ocurre, la vida habitual transcurre, apareciendo en
escena Fabián Vena, un empresario que intenta seducirlos
con propuestas profesionales muy exageradas.
Alejandro Montiel, el realizador,
viene del cine independiente y, en este caso, también
escribió el guión. Sus films anteriores fueron
esencialmente documentales (Chapadmalal y compartió la
dirección de Las hermanas L, entre otras producciones)
y, en el caso de Extraños en la noche, se observa cierta
ausencia de un guión más sesudo (los documentales suelen
basarse en los protagonistas y sus historias contadas a
cámara), o más elaborado. Es demasiado lineal aunque no
por eso pierda efectividad a la hora de ver a Diego
Torres de regreso en la pantalla grande.
Diego Torres compone a Martín y es
la contracara del cantante exitoso que sí es en la vida
real. Sol es el personaje de Julieta Zylberberg. Y le
hemos encontrado un tufillo a Los Fabulosos Baker Boys
en algunas secuencias, aunque el argumento no tenga nada
que ver con la producción norteamericana.
Técnicamente, la película está muy
lograda especialmente en las escenas nocturnas, que
abundan e impregnan la trama de la tensión necesaria
para atrapar al espectador por momentos. El clima creado
por Montiel es muy bueno, inquietante, generando zozobra
como para atraer al público. En sí, la pareja
protagónica a través de sus respectivos roles
(Martín-Sol) se hace querible por la bonhomía que
encarnan. Y obviamente la música que tiene un lugar
especial en una determinada secuencia, a descubrir por
el amigo lector.
Carlos Pierre
TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN
De Lynne Ramsay. Con Tilda Swinton,
John Reilly y Ezra Miller, entre otros. Música de Jonny
Greenwood. Duración: 112 minutos.
MUY BUENA. DESCARNADO DRAMA SOBRE
EL COMPLEJO DE EDIPO
Estamos frente a un film muy
fuerte, de terror doméstico, donde se analiza el
complejo de Edipo con sus peores consecuencias. Es
también un análisis social de cómo enfrentar situaciones
límites cuando un hijo nace con perturbaciones mentales
profundas o inmanejables para los padres. En el caso del
film, el guión se basa en una familia constituída por
una mujer autora y editora de guías de viaje, a cargo de
la gran actriz Tilda Swinton, casada con un fotógrafo de
publicidad. A los 40 años, y tras no pocas dudas, decide
tener un hijo, Kevin, encarnado por el joven Ezra
Miller. El niño tendrá una semilla de maldad infrecuente
y aterradora que irá subiendo de decibeles a medida que
avanza la narración.
La presentación del caso es un
tanto perturbadora en el comienzo, pero deja todos los
hilos que luego se irán cerrando con el film. Tilda
Swinton compone a Eva, una madre que carga con una culpa
tremenda por haber engendrado un hijo diabólico. La
narración de la inglesa Lynne Ramsay es osada,
inquietante,genera climas de gran intensidad que
conmueven al espectador en un film nada fácil. Por su
parte, John Reilly como Franklin, el esposo de Eva,
siempre es efectivo y suele decirse que para un primer
actor no hay nada mejor que el soporte de otro gran
actor, aunque esté en segundo nivel.
Ezra Miller es el adolescente Kevin
que desparrama terror y logra una actuación muy compleja
y destacable con el adolescente desencajado, capaz de
todo, que desafía a sus padres con su ímpetu destructivo
y fatal.
La mano firme de Lynne Ramsay logra
que la película mantenga en vilo a la audiencia
conmovida por la personalidad de Kevin que oscila entre
el horror y el espanto. A pesar de tener muchos
elementos para caer en la desmesura, Ramsay no lo hace y
mantiene estoicamente el guión sin caer en furias
desmesuradas desde el punto de vista de la realización.
La furia y la desmesura llegan de la mano del personaje
central, mostrándonos lo que puede suceder cuando la
contención familiar no es la suficiente y cuando la
sobreprotección materna puede generar desgracias. Es una
muy buena película que recomendamos a los espíritus
fuertes y, en especial, a quienes tengan relación
directa o indirecta con la psicología y la psiquiatría.
Hay mucha tela para cortar para los especialistas. Nos
atrapó.
Carlos Pierre
EL CONSPIRADOR
De Robert Redford. Con James McAvoy,
Toby Kebbell, Robin Wright, Alexis Bledel, Evan Rachel
Wood, Kevin Cline, Tom Wilkinson, entre otros. Música de
Mark Isham. Duración: 123 minutos.
MUY BUENA. REDFORD REGRESA CON UN
FILM HISTÓRICO QUE ENJUICIA
A LOS REPUBLICANOS
Robert Redford regresa al cine,
tras un largo impasse, con un film muy sólido, con una
fotografía espectacular, que nos recuerda a los cuadros
de los grandes maestros renacentistas por el manejo de
la iluminación. Además, cuenta con un guión que no deja
detalle librado al azar y con actuaciones enormes para
un hecho que signó y signa la historia de los Estados
Unidos. Antes de entrar en detalles, señalamos que
Redford tiene filiación demócrata y que toma un momento
de la historia de su país donde los republicanos (los
del norte) estaban en el poder manejando la economía de
la misma manera que lo hizo el ex presidente G.W. Bush.
Esta comparación implícita es innegable: Lincoln
representa los intereses del segundo Bush. Según la
historia, fue déspota al anular el Habeas Corpus, aunque
tuvo un manejo de la población afroamericana, para sus
intereses que enfureció a los sureños.: a Lincoln no le
convenía una población de esclavos, a los sureños sí.
Dos momentos narrativos son
expuestos de manera magistral: el final de la Guerra
Civil y la presencia del joven abogado Frederick Aiken (McAvoy),
que llegaría a ser fundador del actual Washington
Post., con un gran desarrollo del personaje de principio
a fin.
La historia se presenta en el
momento en que el presidente Lincoln cambia de planes y
decide ir al teatro Ford para ver, junto a su esposa, el
vicepresidente y el secretario de estado, la obra Our
American Cousin. Poco antes había asumido su segunda
presidencia. Lo asesinó de un tiro en la cabeza un actor
de teatro, llamado John Wilkes Booth (Toby Kebbell), que
había nacido en Maryland, Virginia (el momento del
asesinato es reproducido tal cual lo cuenta la historia:
Booth saltó del palco presidencial al escenario
blandiendo el arma y se escapó) y como hombre del
Sur, detestaba la política norteña de Abraham Lincoln
así como también la abolición de la esclavitud que había
logrado el presidente número 16 de los Estados Unidos.
La matanza de las tres autoridades provoca una
persecución y caza de brujas feroz. De esta manera, los
hombres del gobierno llegan hasta la casa de Mary
Surratt (Robin Wright), madre de John Surratt, agente de
los servicios secretos confederados quien traba amistad
con John W. Booth. Se forma un grupo de conspiradores,
bajo el ala de Mary Surratt. Mientras John Surratt se
escapa, se logra detener a siete sospechosos y la madre
de John, que serán enjuiciados y llevados a la horca.
Cobran notable predicamento la
actuación de Kevin Cline como secretario de Guerra y de
Tom Wilkinson, que encarna a Reverdy Johnson, un
demócrata conservador que fue nombrado comisionado por
Lincoln para investigar los hechos de la guerra civil.
El centro argumental es Mary Surratt, quien tiene la
defensa del inexperto Frederick Aiken. A medida que
transcurre la narración, con puntillosos debates en las
audiencias del tribunal, se observa que la reticencia
inicial de Aiken por defender a Surratt deja paso al
convencimiento de que la mujer ha actuado a favor de su
hijo y que su enjuiciamiento tiene por objetivo el
quebrar a su hijo, verdadero traidor, y a sus amigos. No
está libre de culpa y cargo la mujer: se trasladó de
Maryland a Washington DC para abrir un lugar de
encuentro de su hijo con sus amigos.
El film no ahorra la discriminación
racial existente en el sur, mientras muestra la
opulencia del norte a través de su manera de vivir y de
considerar a la sociedad en general: el norte
avasallando al sur, pobre y con población de diferente
color de piel.
Se puede decir sin faltar a la
verdad que la narración tiene muchos detalles,
especialmente durante el juicio a los futuros
condenados, pero los diálogos son muy consistentes y hay
una fotografía que pone la agilidad que un hecho
histórico, contado con mucho rigor, puede no tener.
Robert Redford tuvo una gran chance
de mostrar qué son capaces de hacer los republicanos en
el poder, en momentos en que su país se acerca a una
nueva elección presidencial con un candidato republicano
opuesto a los inmigrantes y con mucha dureza en sus
conceptos económicos. Y teniendo en el poder a un
demócrata. Al parecer, la visión republicana del
“sistema americano” no ha variado: proteccionismo,
economía inflacionaria, y medidas en contra de los
opositores que, en el caso de Lincoln, incluyó la
ausencia de Hábeas Corpus para los terroristas (caso del
ataque a las Torres Gemelas) y muerte (seguramente,
Guantámano). Es un film histórico narrado con mano
maestra, con un diseño de arte y rubros técnicos
excelentes. Más que recomendable a pesar de algunos
pasajes un tanto lentos.
Elsa Bragato
NOSOTRAS SIN MAMÁ
De Ejgenia Sueiro. Con Eugenia
Guerty, Vanesa Weinberg, Nora Zinski y César Bordón. En
blanco y negro. Música de Alejandro Franov. Duración: 70
minutos.
BUENA. DRAMA CON REMINISCENCIAS DE
CICLO DE TV
Tres hermanas se reencuentran luego
de la muerte de su mamá en la casa donde pasaron su
infancia (algo que ver con “Para vestir santos?”,
Polka). Cada una de ellas tiene su propio pesar, desde
apremios económicos, hasta vivir en el exterior y la
menor, la típica despreocupación de los muy jóvenes. Un
hecho accidental las deja encerradas en su casa
(reminiscencias de Luis Buñuel y “El ángel
exterminador”) y marca el comienzo de un encuentro que
es el desencuentro de tres hermanas diferentes. Solo las
une la sangre.
Eugenia Sueiro realizó su ópera
prima en blanco y negro, recurso que utilizó para
subrayar el luto por la muerte de la madre de las tres
hermanas. El lugar donde quedan encerradas es amplio,
con jardín, con pileta y la situación las invita a
reflotar el pasado, en el que aparece la madre hoy
ausente, y sus recuerdos de ella.
Afinidades, desavenencias, en este
relato que encara la hermandad con parsimonia en el
relato, también con tibieza en las relaciones
fraternales, casi sin pasión. Surgen obstáculos, desde
económicos hasta un embarazo, pero falta pasión, tensión
dramática para que el espectador se conmueva.
Desde el punto de vista de la
crítica, uno piensa que el recurso del blanco y negro
solo está permitido en películas cuyos guiones
trascienden las técnicas. Cuando estamos frente a un
guión interesante pero sin pasión, por momentos, lineal,
el blanco y negro opaca la escasa tensión que pueda
existir, en este caso, entre tres hermanas reunidas a la
fuerza. Se nos ocurre que el color y un tratamiento con
claroscuros habrían sido ideales para esta historia. Es
decir, la idea es buena, pero la realización desdibuja
la propuesta. En cambio, felicitamos a las actrices que
dieron lo mejor de sí para ponerse en la piel de tres
hermanas desunidas por la vida y la educación.
Carlos Pierre
EL PRÍNCIPE DEL DESIERTO
De Jean Jacques Annaud. Con Antonio
Banderas, Tahar Rahim, Frida Pinto, Mark Strong, entre
otros. Música de James Horner. Duración: 130 minutos.
REGULAR. EL PETRÓLEO ÁRABE EN UNA
EXASPERANTE NARRACIÓN
Que gustan las películas de luchas,
con príncipes de ambos bandos unidos por el amor de sus
hijos a la manera de Romeo y Julieta, nadie lo puede
dudar. Y, en todo caso, nos gustan más o menos
dependiendo de la realización. En el caso de “El
príncipe del desierto”, Jean Jacques Annaud, el mismo
gran realizador de El amante y Siete años en el Tibet,
nos presenta una lánguida historia con capitales
europeos y de Qatar, ubicada en 1930. Dos reinos árabes,
uno con el Emir Nesib encarnado por Antonio Banderas y
el otro, el sultán Amar (Mark Strong), se disputan la
“franja amarilla” donde acaba de ser descubierto el
petróleo. El emir Nesig concibe la educación de uno de
los hijos del Sultán, el príncipe Auda a cargo de Tahar
Rahim, para asegurarse que no habrá guerras futuras por
esa zona aún en disputa. Las cosas se complican, los
chicos crecen…, y las guerras en el desierto explotan.
Uno de los problemas del film
radica en la endeble actuación de sus protagonistas: no
resulta creíble Antonio Banderas, compuso uno de sus
peores papeles en el cine. Es demasiado débil Mark
Strong, a pesar de su apellido, y el joven Tahar Rahim,
de El Profeta, aparece como el príncipe de los cuentos
sin mayor convicción hasta la mitad del film. Ya
promediando el largo prefacio narrativo, el espectador
asiste a lo que esperaba, las luchas en el desierto y
todo lo que este tipo de acciones conlleva. Y cobra
carnadura al menos el personaje del joven Rahim.
La historia, como dijimos, está
ubicada en 1930 y el comienzo de lo que es, hasta hoy,
la batalla por el petróleo. Lejos de siquiera parecerse
a Lawrence de Arabia, el tema está esbozado y solo tiene
desarrollo en la pelea tribal de las dos familias y sus
herederos. El hijo educado por el enemigo ahora que
primero enfrenta al padre y luego lo defiende, por
ejemplo. Es que la historia argumental queda en lo
anecdótico, pierde universalidad cuando el petróleo es
“el tema” del mundo especialmente por la revolución de
los países árabes (auténticas o bien inducidas por los
organismos de inteligencia). La pelea entre los dos
poderosos no alcanza a tener potencia en sí misma para
trascender la lucha por un pedazo de tierra con
petróleo, queda en la lucha personal. Queda en peleíta.
Esto por obra del guión, por obra de una incorrecta
dirección de actores y por obra de una ambición un tanto
desmedida de un gran realizador. No dudamos de que va
a gustar por el exotismo que siempre generan las
luchas armadas en plenos desiertos, por nostalgias de
ver aparecer a Peter O’Toole, o porque estamos frente a
una de “guerra” como las del cine clásico. Pero no.
Salvo las secuencias bélicas, el film dista mucho de
mantener la atención del espectador de pe a pa, cayendo
en paramentos elementales para una historia que conmueve
al mundo hasta hoy. Nos resultó elemental aunque con
secuencias vibrantes de batallas. El resto, nos aburrió
bastante.
Elsa Bragato
ESPEJITO, ESPEJITO
De Tarsem Singh. Con Julia Roberts,
Nathan Lane, Lily Collins, Armie Hammer, Sean Bean,
entre otros. Música de Alan Menken. Duración:
BUENA .APARATOSA VERSIÓN DE
BLANCANIEVES
El cuento de Blancanieves regresa a
la pantalla esta vez en versión humana, aunque tiene
alguna incursión de animación. Todos recuerdan que un
rey quedó viudo luego de que su esposa diera a luz a una
niña blanca como la nieve, de allí su nombre, tal como
era su deseo. Y se casa de nuevo con una bella mujer que
es muy mala. Como está mucho tiempo fuera del palacio,
la mujer convertida en Madrastra de Blancanieves, da
rienda suelta a su narcisismo frente a un espejo
parlante que le indica que la más bella es la h ija de
su marido. Enceguecida la manda a matar y, como no lo
logra, la envenena con una manzana. Un príncipe le dará
el beso que la hará despertar, luego de ser cuidada por
los famosos siete enanitos hacia cuya casa la niña llega
tras escaparse del palacio.
El cuento de los hermanos Grimm
tiene grandes protagonistas que son los que salvan la
producción tan aparatosa. Una realización con menos
visos de cuento habría resultado más eficaz. Se nota en
el vestuario, por ejemplo, de Julia Roberts, y en el del
joven cazador del reino y sus amigos quienes usan
toallones, en una de las secuencias, alrededor del
cuerpo luego de una determinada situación vivida, que no
condicen con el diseño de arte del film . Detalles que
saltan a la vista y que, a veces, incomodan. Pero no nos
olvidamos de que la película va dirigida a la platea más
chica y, en ese sentido, tiene atractivos como las
secuencias en el bosque, los enanos que son amigos de
Blancanieves, y el regreso del rey al castillo para
poner las cosas en orden.
La historia real indica que los
hermanos Grimm se basaron en viejas leyendas que corrían
por su ciudad natal, Steinau cercano al llamado “bosque
virgen” ubicado en Spessart, donde está el área de Lohr
y el castillo de María Sophia, una bella niña famosa
por su bondad y generosidad que habría dado origen a la
protagonista del relato de los Grimm. En el museo de
Spessart también se conserva el famoso e inmenso espejo
mágico realizado por la Manufactura de Cristal de Lohr
en 1700 más o menos, mientras que el veneno que ingirió
BlancaNieves tiene mucho que ver con el jugo de
belladona, fruto común de la zona de Spessart. Ese zumo
contiene “atropa belladona” que se usa en medicina.
Es decir, hay mucho de cierto en el
cuento que los hermanos Grimm editaron en 1812 y, en la
película Espejito, Espejito, se sigue la historia famosa
de los Grimm aunque la presencia del rey está mejor
planteada y tiene una bella secuencia final, como debe
ser en todo cuento. Los bosques nevados, los enanos
asombrados, mantienen la esencia del cuento original
mientras que Julia Roberts compone a una madrastra bella
que, al fin de cuentas, tiene más carisma que la propia
Blancanieves, una dulce actriz opacada por la presencia
de la Roberts. Es destacable la actuación de Nathan Lane
como Brighton, que le proporciona momentos de humor bien
dosificados a la narración. A pesar de estas objeciones,
la película es apta para toda la familia y los chicos no
serán defraudados. Nosotros esperábamos mucho más.
Elsa Bragato
JUEVES 29 DE
MARZO DEL 2012
Hay dos
estrenos nacionales. No comentamos La suerte en tus
manos, de Daniel Burman, con Jorge Drexler y Valeria
Bertuccelli.
LA SAL DE
LA VIDA (GIANNI E LE DONNE)
De Gianni Di
Gregorio. Con Gianni Di Gregorio, Alyn Prandi, Valeria
Di Franciscis Bendoni, entre otros. Música de Ratchev y
Carratello. Duración 90 minutos.
MUY BUENA.
COMEDIA DELICIOSA QUE NOS DEVUELVE LO MEJOR DEL CINE
ITALIANO
Gianni Di
Gregorio irrumpió en la dirección cinematográfica, ya
entrado en años, con Un feriado particular, en el año
2008, film que lo catapultó en su país y también en el
exterior.
Con una
vasta experiencia teatral y autoral, coautor de Gomorra,
del cineasta Matteo Garrone, ha prolongado aquella
primera historia basada en su propia vida, un romano de
pura cepa, sencillo y encantador, con esta otra
película, también rodeado por mujeres, entre ellas,
muchas bellas “tanas”.
Hijo
consecuente de su madre nonagenaria, demandante y
dilapidadora de su escasísima fortuna, atiende a un
séquito de mujeres ancianas, que lo utilizan con descaro
desde pedirle que paseen al perro, hasta hacer las
compras, pagar las cuentas. Nunca se niega, es dócil y
opta por dejar su propia vida ayudando a los viejitos,
en los que se ve retratado su próximo futuro.
Entre estas
mujeres está su propia esposa, distante y calculadora,
su hija y su novio vago, y su bella vecina Alyn, o sea
Aylin Prandi,
actriz nacida en Francia de madre argentina y padre
italiano, cantante, de notable belleza. Es “la vecinita”
que perturba al protagonista.
Gianni, como
en el film anterior, es pura bonhomía y atiende todos
los requerimientos de estas aprovechadas mujeres, se
desvive con cumplir diligentemente sus pedidos. Pero un
amigo, adulto como él, le propone que tenga algún desliz
amoroso con alguna bella y joven mujer, porque su esposa
no repara en él, salvo en la economía de su hogar, donde
ingresa la jubilación que no alcanza para mucho. Gianni
intenta seducir, se gasta su dinero en ropa, y tratará
de que se enamoren de él con… relativa suerte.
Esta segunda
entrega de Gianni Di Gregorio tiene mejor factura que la
primera, hay un esfuerzo técnico interesante, tomas no
solo en interiores sino en exteriores, y, desde el punto
de vista de la realización, es un film más logrado que
el anterior. Además, logra recrear ese clima del primer
film, donde la acción estaba acotada a un departamento y
a una celebración del mes de agosto.
Está su Roma
natal a la que Di Gregorio ama profundamente, y nos
permite disfrutar del Coliseo, Plaza Navona, el
Trastevere, las calles y la gente de la ciudad eterna.
Lugares que dan un entorno melancólico y vital a las
andanzas de un Gianni entre sus mujeres y aquéllas que
intenta conseguir. Como
subtema, como nos gusta señalar, está la mirada de
Gianni Di Gregorio sobre la ancianidad, las limitaciones
que puede significar, la tristeza de muchos mayores
porque la vida se va, y hay piedad en sus sentimientos
que la trasunta en esa devota atención hacia los pedidos
de “sus” mujeres. Es un film que cala hondo en el
corazón, simpático y agradable.
Carlos
Pierre
LÓRAX, EN
BÚSQUEDA DE LA TRÚFULA PERDIDA
De Chris
Renaud y Kyle Balda. Con Danny de Vito, Zac Efron,
Taylor Swift, Betty White, entre otros actores. Música
de John Powell. Duración: 93 minutos.
MUY BUENA.
FILM ANIMADO CON FINES DIDÁCTICOS Y SIMPÁTICOS MUSICALES
“Lórax” es
un personaje surgido de la pluma de Theodor Seuss Geisel,
a quien se conoce como Dr. Seuss. A fuerza de películas,
como el Grinch y Horton, entre otras, se van difundiendo
sus cuentos en esta parte del mundo. Dr Seuss falleció
hace dos décadas y encuentra ahora una justa
reivindicación en el cine.
El film es
lineal en su argumento pero no menos efectivo: hay un
pueblo que vive en medio de muros, sin conocer las
plantas naturales. Todo se logra con la electricidad y
un control remoto. Así los árboles artificiales cobran
las diferentes tonalidades que le dan las estaciones con
solo apretar un botón del control. Ted, el protagonista,
tiene la voz de Zac Efron, y es un chico lleno de
ideales que sigue los consejos de la abuela: es posible
tener el árbol de verdad que tanto le pide la chica de
sus sueños si sale de los muros y encuentra a “El
Una-Vez”, un anciano culpable de la pérdida de los
árboles que tiene la respuesta sobre las “trúfulas”.
Los
personajes viven peripecias simpáticas, más que
dramáticas, que despiertan el interés ecológico en la
platea menuda. No sin distraer a los adultos con
agradables musicales y hasta un trío de peces que cantan
estribillos simpáticos. Es un film didáctico con un
mensaje directo a las nuevas generaciones. La “trúfula”
es el gran secreto a descubrir por los espectadores y es
también el secreto de la vida.
Entre
algunos guiños para los adultos, está el personaje
animado “malo” que vende aire puro en botellitas y no
quiere que nadie se entere de que alguna vez existió una
naturaleza de verdad, y es indudablemente la
representación de Danny
de Vito quien, sin embargo, aquí le pone la voz
a “Lórax”, el guardián de los bosques, un animalito que
no tiene género, con enormes bigotes, gruñón, además un
ser especial que puede bajar desde el cielo a través de
un haz de luz. Sencillo, eficaz, simpático, con
musicales muy agradables,
“Lórax, en búqueda de
la trúfula perdida” es un buen film animado, sin
complicaciones argumentales y muchos sentimientos.
Elsa Bragato
UN MÉTODO
PELIGROSO
De David
Cronenberg. Bassada en “The Talking Cure” del guionista
del film Christopher Hampton y, a su vez, en el libro
“Un muy peligroso método” de John Kerr. Con Keira
Knightley, Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Sarah
Gadon y Vincent Cassel, entre otros.
MUY BUENA.
LOS MÉTODOS “NON SANCTOS” DE JUNG EN UNA NARRACIÓN
SÓLIDA, BELLAMENTE FOTOGRAFIADA, CON GRANDES ACTUACIONES
Este film
puede gustar a un determinado sector del público. Hay
una realización preciosista en la recreación de los
comienzos del siglo XX así como notables actuaciones de
Keira Knightley, Viggo Mortensen y Michael Fassbender.
Knighley encarna a
Sabina Spielrein, la joven rusa que se
transformó en el famoso caso de Jung y Freud, quien tras
un ataque de histeria, es internada en Zurich en 17 de
agosto de 1904 iniciando un tratamiento con el joven
Carl Jung, casado con Emma, otra psicóloga con gran
fortuna personal, con quien tuvo varios hijos.
Es tocante
la secuencia inicial con el ataque de histeria de Sabina
Spielrein, quien permitió elaborar a Jung sus teorías
sobre el “ánima” y años después a Sigmund Freud el
análisis de la “pulsión de la muerte”.
Hay varios subtemas muy
interesantes que unen los fantasmas mentales con la
sexualidad y ésta con los castigos físicos para ser
“exorcizados” de alguna manera. Así como el apetito
sexual con el pensamiento analítico y los monstruos que
la conciencia puede generarnos, la conciencia habida por
la propia experiencia y la conciencia que se genera a
partir de lo nuevo, esa “frialdad” que le achacamos a
los médicos y hasta qué punto pueden involucrarse con
nuestro dolor sin vernos como un objeto de laboratorio.
Sigmund
Freud llega a conocer a la paciente de Jung, quien
concurre a ver al maestro para desentrañar este caso que
ha pasado las fronteras de la regular relación entre
médico y paciente. Ideas y venidas para resolver un
drama de una joven mujer cuyo drama se ha corporizado en
su médico. Sin embargo,
en ella se nota la perturbación genuina mientras que en
su médico, la manipulación de un “caso” a ser resuelto.
La narración
de Cronenberg se detiene en las largas charlas entre
Sabina y Jung, entre Jung y Freud. Jung se siente
culpable por esta atracción que
nopuede dominar aún
razonándola. Y refleja la pasión carnal entre
Jung y Sabina a través de secuencias muy cuidadas aunque
fuertes que incluyen dos secuencias de castigo físico de
Jung a Sabina, porque tocan la sensibilidad del
espectador, aunque el director no cae en excesos.
Nada nuevo bajo el sol
aunque recreado por Cronenberg de una manera estupenda.
Sin duda, el realizador
le dio preeminencia a la palabra, al film con guión
sustancioso, apoyado en un equipo técnico de altísimo
nivel. La narración propuesta por Cronenberg es
tan cuidada que atrapa, y, aunque fue un hecho real, hay
elementos de ficción que desmenuzan la particular
atracción física de Jung y Sabina. Puede no gustarle a
quienes deseen un film sin tanto puntillismo. En cambio,
puede resultar una película
fascinante
para quienes amen un cine más medular, con diálogos
intensos, que marcan pausas en la acción, tan necesarias
a veces. Es una narración atrapante, con elementos de
ficción que ahondan en la relación entre paciente y
médicos. La polémica ya pasó. Nos deja este momento de
la historia que Cronenberg supo tomar para armar un film
de gran factura.
(N de R. La
historia, que no
aparece en el film, indica que Sabina logró
curarse, se casó en 1912, tuvo dos hijas, y se dedicó a
la psicología teniendo como paciente nada menos que a
Jean Piaget. También la
historia real cuenta que Jung tuvo una doble
vida junto a su mujer y a su amante, Toni Wolff, más
allá de su relación con Sabina Spielrein ( un conejillo
de Indias para él y para Freud). El rescate de la joven
de las garras de la locura (dicho esto con palabras
sencillas porque no somos psicólogos) fue un logro en la
carrera de los dos psicólogos)
Elsa Bragato
FURIA DE
TITANES
De Jonathan
Liebesman. Con Sam Northington, Liam Neeson, Ralph
Fiennes, Rosamund Pike, entre otros. Música de Javier
Navarrete. Duración: 100 minutos
BUENA. PARA
COMER POCHOCLO EN MEDIO DEL 3D
El mito de
Perseo nos persigue, casi como un juego de palabras. En
el 2010 vimos una Furia de titanes, luego de 30 años de
la primera, realizada en 1981, con Laurence Olivier como
Zeus, y Ursula Andress entre otros famosos de
primerísimo nivel. En este caso, no se ahorra en figuras
de gran prestigio pero es evidente que se dio lugar más
a los efectos especiales que a los diálogos, mínimos,
elementales.
Perseo debe
liberar a su padre, Zeus (Neeson), que ha caído en manos
de uno de sus hijos, al que desterró, en el infierno,
donde habita su otro hermano. Será Perseo, quien ha
optado por una vida sencilla aún siendo un semidios,
quien deba salvarlo y poner a salvo también la vida de
su pequeño hijo y de su mujer.
Se inicia
una batalla entre los poderes de los dioses y el de
Cronos, que los ha creado, a todo o nada. Zeus, Poseidón
y Hades, hijos de Cronos, se unen a pesar de sus
diferencias: los dioses pierden la inmortalidad y la
culpa es de Cronos, descendiente del cielo y la tierra.
Temblores de tierra preanuncian la caída de las paredes
de El Tártaro, o el infierno mitológico, y los seres
malignos saldrán para arrasar con la tierra y los
hombres.
Este film,
como todos los que se refieren a la vida de los romanos
y griegos, comenzando por la muy antigua y querible “El
manto sagrado”, se inscriben en
el género del PEPLUM,
un género histórico específico, del que en la década del
60 y 70 se hizo uso y abuso especialmente en Italia.
Estas versiones norteamericanas son para comer pochoclo
y aturdirse con los estruendos de explosiones, lenguas
de llamas que tienen kilómetros de extensión, y efectos
especiales que nos muestran al detalle hasta la
partícula de tierra más chiquitita. Es decir, estamos
frente a un producto que nos permite comer pochoclos y
sacarnos de encima la adrenalina semanal. Para no
pensar. Le ponemos
“buena” porque el público la va a tomar como lo que es:
puro entretenimiento. Y no está mal aunque nos
haya parecido muy pueril. Aclaramos: no es Furia de
Titanes 2, es la misma que vimos en el 2010 con algunos
elementos aggiornados en el guión y la parafernalia de
los efectos especiales actuales.
Si hay “algo
bueno” en este guión es la lucha por la familia. Pero es
“casi de paso” porque los efectos especiales aturden.
Elsa Bragato
TIEMPOS
MENOS MODERNOS
De Simón
Franco. Con Oscar Payaguala, Nicolás Saavedra y Ricardo
Férnandez. Hablada en español y tehuelche. Música de
Luis Díaz Muñiz. En DVD. Duración 95 minutos.
REGULAR. LA
PENETRACION CULTURAL EN UN AMBITO AISLADO DE LA
PATAGONIA
En un rancho
perdido en medio de la Patagonia argentina, un hombre de
ascendencia tehuelche recibe en l998, por intermedio de
la gendarmería, una encomienda con víveres y un
televisor alimentado por energía solar, lo que cambiará
sus hábitos y su existencia.
El director
Simón Franco realizó en el 2004 un cortometraje llamado
Tiempos modernos, y se basó en éste para hacer el film
que cabalga entre el documental y la ficción en su
realización.
Un
testimonio de la confrontación de dos culturas
enfrentadas y luego integradas en la soledad austral de
nuestro país. La idea es buena pero la sensación que
deja es que el argumento daba o para el corto o un
mediometraje y, de pasar al largo como vemos, debió
tener una ficción con más entramado, más sólida. Aunque
ganó premios, no es un
film que nos haya convencido, especialmente
porque el formato DVD diluyó paisajes y colores. El
título responde a la vida del protagonista, alejado de
los elementos modernos de la vida actual.
Carlos
Pierre
JUEVES 22 DE
MARZO DEL 2012
Hay
cinco estrenos en soporte fílmico. Que incluyen un film
nacional.
PROTEGIENDO AL ENEMIGO
DE
Daniel Espinosa. Con Denzel Washington, Ryan Reynolds,
Vera Farmiga, Grendan Gleeson, Sam Shepard, Rubén
Blades, entre otros. Músico de Ramin Djawadi. Duración:
110 minutos.
MUY
BUENA. VIOLENTO POLICIAL QUE DESNUDA LOS CRÍMENES DE LA
CÍA
Denzel Washington regresa a las pantallas porteñas con
este policial violento, intenso, filmado por el
chileno-danés Daniel Espinoza y acompañado por un elenco
de gran nivel. Destacamos también a Ryan Reynolds y al
irlandés Grendan Gleeson, que esta semana encabeza el
film “El Guardián”. Con características narrativas
parecidas a la saga de “Bourne”, dado que el director de
fotografía es el mismo, Oliver Wood, nos enfrentamos a
una casa considerada “la casa segura”, ubicada en Ciudad
del Cabo, donde un joven agente de la CIA vive solo
durante un año sin saber por qué sus superiores lo
mantienen allí. No hay acción hasta que un llamado de su
superior, a cargo de Glesson (David Barlow en la
ficción) lo pone frente a un hecho de violentísimas
características: encontraron a un ex agente de la CIA,
llamado Tobin Frost (D. Washington), considerado un
traidor por haber dejado las filas del organismo y
presuntamente tiene archivos muy comprometedores, y
agentes secretos lo llevan a la “casa segura” para
torturarlo. Impresionante.
El
film es atrapante, inquietante. Nos deja pegados al
asiento a veces con horror por la violencia que viene de
la pantalla, otras porque el tema es interesante. A
diferencia de Syriana, con George Clooney, aquí hay
menos preciosismo fotográfico y menos profundidad
conceptual: se trata de acabar con la vida de Frost que
por diversas circunstancias queda en manos de Matt
Weston (Reynolds), quien va sufriendo un paulatino
desencanto. La Cia no es lo que él creía y hasta puede
ser que tenga razón Frost. Y, para esto, el realizador
utilizó un montaje nervioso, ágil, armado en diferentes
tomas.
Medios planos, algunos casi close-up, autos que se
persiguen en carreteras novedosas de Ciudad del Cabo, el
ingreso a los “slumdogs” o villorrios de la ciudad, la
pobreza, y los tiros, así como la muerte mano a mano y
como se pueda. Sangre va a ver hasta donde no se imagine
ahora.
Como
policial, vale, cumple su objetivo. La narración
propuesta por Daniel Espinosa es atractiva, aunque a
veces pueda resultar un poco confusa (recordar “Bourne”),
y quienes son buenos dejan de serlo para demostrar la
hilacha de la maldad. Resulta también novedosa la
aparición de Rubén Blades en un film de esta factura,
aunque ya sabemos que al abogado, cantante y político
panameño le encantan las cámaras.
En
cuanto a los subtemas, surgen varios, en especial uno
que debiera aterrarnos: estamos en manos de
“malandrines” que manejan al mundo, a las sociedades,
generan guerras, matan a mansalva y la cosa es por
poder, superando a los gobiernos de los países del
primer mundo. Las guerras tienen justificativo a partir
de lo que esos hombres de la CIA determinan. Y, desde
este punto de vista, es una importante denuncia
sociopolítica.
En
algún punto previsible, sin duda justifica la inversión
en la entrada si le gustan los policiales a todo o nada.
Nos retorcimos en la butaca pero nos atrapó.
Elsa
Bragato
LOS JUEGOS DE LA GUERRA
De
Gary Ross. Con Donald Sutherland, Stanley Tucci, Wes
Benthley, Jennifer Laurence, Alexander Ludwig, Woody
Harrelson, entre otros. Música de James Newton Howard.
Duración: 142 minutos.
MUY
BUENA. TV Y SOCIEDAD, EN UN COMBO EFICAZ CON FUERTE
CRÍTICA SOCIAL
“Los
juegos del hambre” es la primera parte de la trilogía
que conforman además “En llamas” y Sinsajo”, el fenómeno
literario creado por Suzanne Collins que apunta a los
jóvenes. Se trata de un ama de casa norteamericana que
un día, haciendo zapping, se entretuvo con un reality
show y al mismo tiempo se enganchó con un noticiero y la
guerra de Irak. Sintió horror. Y quiso plasmarlo en una
serie de libros que son bestsellers en los Estados
Unidos y todo el mundo. Pobres contra ricos, un mundo
apocalíptico que oscila entre la pobreza de los más
alejados del poder y éste, con todas las comodidades de
la tecnología y para vivir más que bien.
El
país es Panem, y está en lo que fuera Estados Unidos
según la historia de Collins. El Capitolio es el centro
y la nación está formada por 12 distritos, con
numeración que indica que los más cercanos al 1 son los
más poderosos. El régimen es tiránico y sobrevino luego
de una devastación en la tierra.
En el
distrito 12 vive la heroína, Katniss Emerdeen, a cargo
de la jovencita Jennifer Laurence. Cada año, en el Día
de la Cosecha, se celebran los Juegos del Hambre, donde
pelearán hasta morir los dos adolescentes elegidos de
cada distrito, 24 en total, una niña y un varón,
llamados “tributos” contra los poderosos gladiadores de
los sectores pudientes. Todos son como los gladiadores
romanos. La presidencia de este estado con tanta
desigualdad está a cargo del personaje de Donald
Sutherland, quien, a control remoto, controla las luchas
mientras los poderosos disfrutan de un reality feroz.
Collins mezcló sabiamente una guerra real con las
características de un reality show (recordar Truman
Show), en medio de una ambientación de desolación donde
la brecha entre ricos y pobres es prácticamente
insalvable.
El
film tiene elementos de la historia muy notables: la
pareja protagónica enfrenta el mismo destino de la
célebre obra “Romeo y Julieta”, el mito de Teseo como
base (Teseo era hijo del rey de Atenas y fue enviado
como “tributo” junto con su pareja a la isla de Creta
para luchar contra el Minotauro), y las cuadrigas
romanas utilizadas para que las doce parejas de
adolescentes desfilen antes de la lucha. Como detalle,
Collins ha creado el broche llamado “Sinsajo” (da título
también a su último libro) que significa la rebelión
del distrito 12 contra la opresión.
Es
destacable la perfomance de Jennifer Lawrence, quien
tuviera una muy recordada actuación y premiada en
“Winter’s bone”, así como una fotografía que recrea la
magnificencia de bosques naturales y el despliegue
técnico para unir la sofisticación de la televisión
actual con la simpleza de la vida de los pobres. Casi
como un reflejo vívido de lo que ocurre en todas las
sociedades del mundo y que tiende a radicalizarse.
Como
subtema, está justamente lo que decíamos antes: la
brecha entre ricos y pobres y la lucha por la
supervivencia en la sociedad actual, cada vez más feroz.
La protagonista encarna perfectamente la zozobra de los
adolescentes de hoy que deben cambiar muchas reglas de
la economía actual si no quieren padecer lo que esta
película muestra. Un verdadero mensaje sociopolítico a
través de una narración naif y atrapante.
Carlos Pierre
EL GUARDIAN
De
John Michael McDonagh. Con Brendan Gleeson, Don Cheadle,
Rory Keenan,Mark Strong, entre otros. Música de Calexico.
Productora: la argentina Flora Fernández Marengo.
Duración: 96 minutos.
BUENA. POLICIAL CON UN DEBUTANTE EN EL PROTAGÓNICO: EL
IRLANDÉS BRENDAN GLEESON
Grandote, de voz profunda y sonora, con una cara fuerte
y un porte similar, Brendan Gleeson llega a la pantalla
grande como protagonista, mientras lo hemos visto en
“Safe House” como uno de los principales coprotagonistas
de Denzel Washington. Irlandés de pura cepa, Brenda
Gleeson nos sorprende con este “guardia”, policía de la
zona de Connemara. El y su ayudante deben solucionar una
serie de crímenes que esconden a una gran banda de
narcos. Por este motivo, serán ayudados por un agente
del FBI, que encarna el casi olvidado Don Cheadle, como
“Wendell Everett”. “Gerry Boyle”- Gleeson es un policía
con todos los tics de alguien que se mueve en un pueblo
y tiene su propia vida sin ajustarse mucho a los
reglamentos. Así se lo ve pasar una tarde de juerga con
dos hermosas chicas, o bien tomarse sus tragos con su
compañero de tareas. Surgen los chistes secos bien “british”,
que ponen su cuota de humor en un film policial
diferente.
Diferente… Porque aquí los tiros son los menos y hay
diálogos sobre cómo accionar entre policías, entre
delincuentes, hay más “concepto” que acción, se habla de
filosofía, se mencionan a grandes pensadores, y esto no
deja de ser interesante y distinto. Podrían haberse
acortado algunos parlamentos, es verdad, pero se habría
sacado la flema “irlandesa”, que existe.
Es
una película con una pareja despareja: un blanco y un
afro, un irlandés y un norteamericano, con sus
diferencias en el manejo de la acción pero con un gran
sentido de la lealtad. Nos parece un muy interesante
producto, donde hay más para pensar y disfrutar que para
saltar de la butaca por los tiros, que tampoco faltan.
Con excepción de las largas charlas en algunos momentos
que hemos indicado, es un buen film policial.
Elsa
Bragato
EL VAGONETA EN EL MUNDO DEL CINE
De
Maximiliano Gutiérrez. Con Silvina Luna, Juan d’Andre,
Nicolás Abeles, Gastón Pauls, el Puma Goity, entre
otros. Duración: 87 minutos.
REGULAR. CUATRO VAGOS EN UNA COMEDIA MUY CHIQUITA
Un
grupo de amigos del barrio de Saavedra (todos personajes
surgidos en la web, donde tuvieron miles de visitas)
deciden instalar un cartel en la terraza de una de las
casas para vivir del alquiler del mismo y no trabajar
más. Para lograrlo se infiltran en el Festival de Cine
de Mar del Plata, evento donde está el productor de un
film llamado “Un tanque”, quien les promete tomar el
alquiler para promocionar su película.
Con
un desbalance en el tratamiento, dado que gran parte de
la comedia transcurre en los prolegómenos de esta
aventura de amigos con un final demasiado abrupto, el
film está salpicado de humor y ocurrencias de los amigos
en cuestión. Las apariciones de los famosos son a la
manera de cameos: Guillermo Francella, Gastón Pauls, el
Puma Goity, Axel Kutchevazky, Pocho la Pantera, Jean
Pierre Noher, Karina JElinek, entre otros.
Aventuras y desventuras, simpatía, acciones alocadas, no
mucho más. Débil argumento pero, si se quiere, efectivo.
No está mal pero se podía haber ajustado un poco el
guión y transformarla en una comedia con más sustento.
Como idea, es buena. Como guión, le falta mucho
sustento.
Carlos Pierre
EL MAL DEL SUEÑO
Alemania, Francia, Holanda. De Ulrich Köhler. Con Pierre
Bokma, Jean-Christophe Folly, Jenny Schily, entre otros.
Duración 9l minutos.
BUENA. INTERESANTE HISTORIA CON UN TINTE MITOLÓGICO
Muchos europeos han experimentado una atracción visceral
o hipnótica hacia países subdesarrollados, ejerciendo
una labor destacada a favor del primitivo esplendor de
la tierra que añoran.
En el
caso de este film, estamos frente a la historia del
doctor alemán Ebbo Velten y su esposa Vera que llevan
años viviendo en Africa, trabajando y luchando
exitosamente contra la enfermedad del sueño.
Sustancialmente, es el doctor quien se ha integrado al
medio y a su gente, con quienes mantiene una estrecha
relación. Pero su esposa se siente cada vez más incómoda
y decide regresar a Alemania.
Su
partida y la llegada de un médico novato que tiene la
misión de controlar el accionar de este doctor en el
plano económico y administrativo de los fondos
suministrados por Europa entran a modificar y a acentuar
esa particular y casi aventurera labor destinada a
combatir la enfermedad del sueño.
La
exuberante geografía africana, con sus ríos y su
vegetación, ha sido retratada con vehemencia pero con
desprolijidad, tal vez a semejanza del comportamiento
del médico alemán. Y es una lástima la edición abrupta
de muchas escenas que desmerecen la calidad del film y
entorpecen la comprensión de muchas escenas culminantes.
Una
creencia tribal acerca de la inusual aparición de un
hipopótamo en esa zona, que habría matado a un médico,
aporta un tono mitológico en este film inteligente del
joven realizador alemán Ulrich Köhler, ganador del Oso
de Plata al mejor director en el Festival Internacional
de Berlín de 2011. Recordemos que “el mal del sueño” es
transmitido por un mosquito en África y afecta tanto a
animales como a los seres humanos: es el
African trypanosomiasis. Y añadimos que
el film está hablado en francés porque transcurre en
Camerún, que fue colonia de Francia.
Para
adentrarse en el corazón lastimado de Africa.
Carlos Pierre
JUEVES 15 DE
MARZO DEL 2012
Hay siete estrenos en fílmico,
incluyendo el documental argentino “Memoria para
reincidentes”, de Gabriela Maije y Javier Gabino, que no
comentamos.
EL PRECIO DE LA CODICIA
De J.C.Chandor. Con Kevin Spacey,
Jeremy Irons, Demi Moore, Paul Bettany, Stanley Tucci y
Zachary Quinto, entre otros. Música de Nathan Larson.
Duración: 105 minutos.
MUY BUENA. LA INTERNA DE LA CAÍDA
DE WALL STREET
Es alentador que el primer
largometraje de J.C. Chandor tenga un guión fuerte, sin
lagunas, sin dobleces, narrado con una fotografía
cuidada e incluso con secuencias cuyas facturas han sido
analizadas y ensayadas. Si bien la película es densa,
tiene al mismo tiempo ritmo que va atrapando al
espectador interesado en estos temas. Vale destacar que
la historia se ubica en la pre-caída de Wall Street del
2008, sin avizorar la profundidad de las consecuencias
mundiales hasta el día de hoy.
Puntualmente, el guión toma el caso
de una entidad financiera de la que jamás se da el
nombre cuya gerente, a cargo de Demi Moore (alejada de
roles simpáticos y seductores), ha hecho un cálculo de
riesgo erróneo para uno de sus productos y su
devaluación podría provocar la quiebra. La reunión
nocturna busca, previa a la debacle económica mundial,
un “plan B” echando a uno de los gerentes de riesgo más
importantes, Eric Dale, que encarna el gran Stanley
Tucci. Dentro de este tema, el mérito mayor de J.C.
Chandor es meterse en la psicología de los personajes
de este banco de ficción, desde los superiores de Eric
Dale: Paul Bettany como Will Emerson, Kevin Spacey como
Sam Rogers y el casi intocable Jeremy Irons como John
Tuld. Esa larga noche en el banco tendrá una secuencia
notable cuando Paul Bettany, Zachary Quinto (un
ascendente actor de Hollywood) y otro colega miran por
un ventanal las luces neoyorquinas. Chandor ubica la
cámara en cada rostro, todos de perfil, haciendo
“close-up” solo cuando tienen un parlamento. Se detiene,
define la secuencia, porque la desarrolla.
Para nosotros, desde esta parte del
mundo, surge como diferente y hasta notable la sumisión
del personal de cualquier entidad norteamericana: se
aceptan las decisiones de los jefes casi sin chistar, o
con apenas una mueca, se obedece a rajatabla, es la
competencia del mercado como un dios supremo y se acata
sin razonarlo mucho porque se trata de una forma de
vivir. Esta actitud de los empleados de la entidad
financiera pinta a una sociedad entera, más allá de la
caída de Wall Street y de las posteriores
manifestaciones de “indignados”. Y allí reside la
inusual maestría del debutante realizador en las ligas
mayores del cine.
Hay otro valor agregado para esta
interesante película: Chandor sale del edificio de la
entidad y mete la cámara en algunos barrios neoyorquinos
y carreteras, el tiempo justo, con los personajes
determinados, para darle aire a un guión que, de otro
modo, habría caído en la claustrofobia. Tiene un
tratamiento inteligente de las locaciones y de las
situaciones a narrar. Es un film que nos entretuvo, que
nos mostró otra cara de Wall Street, menos glamorosa y
más pensante, sin ser aburrido. Aclaramos que “margin
call” es el margen máximo que puede tener un producto
antes de iniciar su devaluación, dicho esto con nuestras
palabras que los economistas sabrán disculpar.
Elsa Bragato
DORMIR AL SOL
De Alejandro Chomski. Con Luis
Machín, Esther Goris, Carlos Belloso, Florencia Peña.
Música de Ruy Felguera. Duración: 84 minutos.
BUENA. LA FANTASÍA DE SER PERRO
Esta película está basada en una
novela de Adolfo Bioy Casares, del género fantástico.
Casares tenía predilección por su obra, “Dormir al sol”,
porque consideraba que era la que mejor lo representaba.
Bioy Casares, a su vez, apoyó a Alejandro Chomski (Hoy y
mañana, 2003) para que encarara esta realización,
adaptando el texto a un espacio muy particular de la
ciudad, el pequeño barrio de parque Chas, que no tiene
esquinas y está formado por calles circulares a la
manera de un repollo, símil de la lejana ciudad de
Brujas, en Bélgica.
El film, por su parte, resalta la
imposibilidad de la relación amorosa, con toques de
humor y un acentuado tinte fantástico. La base
argumental es un misterioso tráfico de almas y cuerpos
entre personas y perros, que se produce en un instituto
frenopático. A instancias del director de la entidad
(Carlos Belloso), un desocupado de parque Chas (Luis
Machín) interna a su esposa (Esther Goris) quien padece
un inquietante trastorno mental. Florencia Peña, que
está sólida en su papel, interpreta a la cuñada del
desocupado (Machín) a quien intenta seducir.
Hay que destacar las cuatro
actuaciones. Estamos ante actores de primer nivel que
hacen creíbles cada personaje. Y la ubicación de la
historia en la década del 50, por lo que se nota una muy
cuidada producción con excelente nivel en la dirección
de arte y fotografía.
El quid argumental está en el
personaje de Esther Goris quien será sometida a un
extraño experimento, que da pie al relato fantástico
propuesto por Bioy Casares y ahora por Chomski. El resto
de la narración es bastante lineal aunque se produce
mucha empatía con “Diana” (Goris) y se genera cierta
tensión atractiva para el espectador.
Es una buena propuesta, sin
ambiciones desmedidas ni logros superlativos. No
obstante señalamos que cuesta asimilar el tono
fantástico impreso en este relato literario. La
respuesta al título reside en que son justamente los
perros los que aman dormir al sol. El por qué de esto
debe descubrirlo el lector a través de las peripecias de
uno de sus personajes.
GHOST RIDER 2. ESPÍRITU DE VENGANZA
De Neveldine,Taylor. Con Nicolas
Cage, Christopher Lambert, Ciaran Hinds, Violante
Placido, Fergus Riordan, Idris Elba, entre otros. Música
de David Sardi. Duración: 95 minutos.
BUENA. CAGE CON LAS LLAMAS DEL
INFIERNO EN SU CUERPO
Estamos frente a la segunda
película de la franquicia de Marvel titulada “Ghost
rider”, este vengador justiciero que le ha vendido el
alma al diablo. Algo así como un Fausto sin libre
albedrío, pero Fausto al fin.
El film fue rodado en diferentes
ciudades, incluyendo pintorescas carreteras de Rumania y
algunos países del este europeo, con locaciones en New
York, pero irreconocibles. Johnny Blaze, el alma en pena
que compone Cage, no puede deshacerse de la maldición,
que llama profecía, diabólica, y carga con esa fuerza
animal. Sin embargo, su espíritu no es maligno sino
benéfico. En esta oportunidad, debe salvar a un
jovencito de las garras de los malvados, que toman
diferentes aspectos en el film, desde traficantes del
Este hasta hombres de sectas espúreas. No será tarea
sencilla en virtud de que las circunstancias cambian y
de una manera por momentos inesperada para el
espectador.
Lo que parecía bueno ya no lo es, y
la ausencia por minutos del espíritu diabólico en el
cuerpo de Blaze le hace peligrar hasta su vida.
Más que narrar las peripecias
argumentales, debemos señalar que el espectador que
ansía ver una de Cage con tiros, persecuciones y cuerpos
flamígeros, no saldrá decepcionado. Es más, nos animamos
a decir que Nicolás Cage se siente muy seguro en este
film y su actuación es de las más convincentes de los
últimos tiempos. Cage se siente como pez en el agua en
estos papeles de asesinos justicieros o bien resentidos
sociales. Hay en especial, una secuencia donde el
motoquero se transforma en diablo porque así lo
requieren las circunstancias y Cage hace gala de un
enorme histrionismo, con gesticulaciones y movimientos
que utilizan muy bien la computación y los softwares de
efectos especiales para cargarle las llamas del infierno
en su cuerpo virtual.
Ambiente sórdido, oscuro,
carreteras sinuosas bien europeas, conventos
antiquísimos, sacerdotes medievales, van salpicando la
historia de elementos sobrenaturales que explican las
aptitudes diabólicas de Johnny Blaze, así como las del
joven Danny, mitad humano y mitad diablo. Ciarán Hinds,
que suele componer papeles desagradables, no deja de
darse el gusto con algunos de esos roles al encarnar a
un malvado que habla de costado mejor estilo de los
“taitas”. Voces enronquecidas, seres con el poder de
incinerar, cuanto tocan, son otros detalles que
caracterizan a este Ghost Rider 2. Para fanáticos.
Objetivo cumplido. Nada más.
Elsa Bragato
ENTER THE VOID
De Gaspar Noé. Con Nathaniel Brown,
Paz de la Huerta y Cyril Roy. Duración: 161 minutos.
MALA. LA NADA TRANSFORMADA EN ASCO.
“CINE DE CHOQUE” QUE OFENDE EL INTELECTO
Si nunca es agradable combinar la
droga con nada, mucho menos lo es como eje conductor de
un film que ingresa al circuito comercial y no al del
“cine-arte”, al menos en principio.
Gaspar Noé es franco-argentina y,
luego de Solos contra todos e Irreversible, regresa con
un film que poco aporta a la pantalla grande. Con
excepción de varias secuencias donde las tomas nos
indican que estamos frente a un realizador que sabe cómo
manejar una cámara, nada hay para rescatar a nivel
contenido. En principio, porque el cine es
entretenimiento y, dentro de él, podemos encontrar todas
las expresiones del sentimiento humano. Cuando el cine,
como en este caso, se dedica a mostrarnos la condición
miserable del ser humano, incapaz de salir del entorno
de su físico, ya sea a través del sexo promiscuo o bien
de la ingesta de drogas, caemos un vez más en los docu-ficción
televisivos de los que estamos hartos en gran medida.
Un recurso tampoco destacable es el
uso de la cámara en mano, como hemos visto en Proyecto X
y Poder al Límite, y resulta poco cinematográfico y sí
propio de algunos realities de televisión. Somos
reiterativas pero en el cine esperamos ver cine.
Tampoco la utilización de música e
imágenes al estilo psicodélico son una novedad. Lo vemos
a diario en la televisión. Como el título lo indica,
ingresamos a la nada, Enter The Void, título del neón
que indica “Enter” a un hotel de Tokio donde se
desarrolla buena parte de este producto de Noé.
Mostrar cuán miserables somos
consumiendo drogas, el abandono personal, flashbacks que
nos indican que alguna vez alguien pudo ser mejor,
mostrar cuerpos despedazados en un choque (recurso
hollywoodense gastado), y cómo se engendra un bebé
“desde adentro” del cuerpo de una mujer desde su inició
en una relación sexual nos parece más digno del cine
tripe X que del cine comercial.
Almas perturbadas, vidas
miserables, escenas de sexo explícito, consumo de
drogas, vidas desordenadas, semiviolaciones, conforman
la nueva entrega de Gaspar Noé. ¿Cine expresionista?
¿Mostrar la otra cara de la sociedad? Todo ha sido
contado con mejores recursos e inversiones. El cine de
Gaspar Noé es considerado “cine de choque”, es decir,
intenta ponernos mal, darnos asco. Lo consigue. Y no nos
gustó.
Es un film machista, innecesario
para un momento del mundo donde hay que bajar el grado
de violencia y terminar con los narcos. Pero puede ser
que tenga buena taquilla porque se muestra el consumo de
drogas. Todo puede ser. Como siempre, elije el amigo
lector.
Elsa Bragato
PROYECTO X
De Nima Nourizadeth. Con Thomas
Mann y Oliver Cooper, entre otros. Música actual de
diferentes conjuntos. Duración: 88 minutos.
MALA. TAQUILLERA PERO DESECHABLE
No vamos a negar que este film va
directo a la conciencia de los adolescentes: cómo desoír
los consejos paternos cuando se quedan solos un fin de
semana y festejar el cumpleaños a lo grande para dejar
de ser perdedores, alentados por amigos de la
secundaria. Thomas es el jovencito cumpleañero y sus dos
“mates” son Costa y JB, que le prometen una buena
difusión de la fiesta, que solo se ocupará el gran
jardín de la casa, y que pasarán una linda noche. La
difusión es monstruosa por lo tanto prácticamente todos
los chicos de varias escuelas van cayendo a la casa de
Thomas que no sale de su asombro, seguido por la cámara
de un compañero que va grabando las secuencias. Similar
a la película Poder al límite, un fiasco para el público
con otras expectativas de cine.
Aquí pasa lo mismo: la fiesta sale
de los límites, corre la droga, la bebida, y de tirarse
a la piscina medio desnudos pasan a la casa, a los
dormitorios, y al pequeño escritorio paterno donde están
guardados “dos proyectos” de trabajo, sin que quede muy
claro por qué se titula Proyecto X. Asistimos,
entonces, a la destrucción de la casa de Thomas en su
totalidad, al riesgo del vecindario por los incendios, a
la alarma social por este tipo de fiestas, a la falta de
respeto a las normas elementales de una “fiesta
privada”, y a consecuencias que todavía no tienen
perspectiva, o es difícil encontrársela. Qué pasa con
chicos que se desmadran, para quienes las drogas de
cualquier índole son como tomarse varios vasos de agua.
Por supuesto, los adultos nos
podemos plantear muchas cosas, si queremos verle un lado
positivo a un film que ocupará la cartelera porteña en
detrimento de algún film bueno nacional o extranjero,
que dejará ganancias a costa de dar un pésimo ejemplo
social.
La calificación de “mala”
corresponde a la factura, en principio, del film, cero
producción, cero inversión, y luego al mensaje que
trasunta un contenido de violencia y desorden máximos.
No gaste su dinero.
Elsa Bragato
ESTO ES GUERRA
De McG. Con Reese Witherspoon,
Chris Pine, Tom Hardy, entre otros. Música de Christophe
Beck. Duración: 95 minutos.
REGULAR. COMEDIETA INTRASCENDENTE
ENTRE TRES ADULTOS QUE JUEGAN A LA ADOLESCENCIA
Es una pena que una actriz de
comedia fina e inteligente como Reese Witherspoon
termine en films tan archiprevisibles como esta comedia
de McG, el director de Los ángeles de Charly. Dos
agentes de la CIA salen con una misma mujer por
casualidad, hasta que descubren que la dama en cuestión
se llama Lauren (Reese). Los caballeros son “ojitos
azules” Chris Pine, y el amable y menos ganador Tom
Hardy. Una vez que los hombres descubren a quién aman
comienzan a utilizar el sistema de espionaje de la CIA
para vigilarse mutuamente, en una carrera de celos
adolescentes.
Reese Witherspoon ha ganado un
Oscar por Legalmente rubia, un film que puso sobre el
tapete sus enormes condiciones para la comedia elegante,
con cierta inteligencia, que le permitieron abordar
otros roles mucho más comprometidos y aplaudidos por
todos. Aquí está contenida, en un papel que ya no le va,
la treinteañera (¿) perdedora, que le gusta el juego de
seducir a dos hombres aunque desconoce que, llegado un
punto, ambos saben todo de cada uno de los tres. Tampoco
hay una narración audiovisual que nos genere empatía o
sorpresa por cómo se filmó, qué tipo de tomas se
hicieron para darle más agilidad o no, qué ángulos se
buscaron para enriquecer un argumento más que
previsible.
Para este tipo de comedias, ya no
vale gastar dinero en una entrada. Salvo que se sea un
amante acérrimo del género. Es para ver en un avión, o
bien esperar que salga por el cable. Con toda la
sinceridad del mundo.
Elsa Bragato
JUEVES 8 DE
MARZO DEL 2012
Hay dos estrenos y un
reestreno, la inolvidable Scarface, de Brian de Palma,
con Al Pacino, Michelle Pfeiffer y Steven Bauer,
realizada en 1983.
UN DIOS SALVAJE
De Roman Polanski. Con Jodie
Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz y John Reilly.
Música de Alexandre Desplat. Duración 80 minutos.
MUY BUENA. ÉXITO TEATRAL CON UN
NOTABLE DUELO ACTORAL
Film que se sustenta en tres
pilares: la exitosa comedia de Yasmina Reza, el duelo
verbal del matrimonio formado por Kate Winslet y
Christoph Waltz, cuyo hijo agredió al hijo del
matrimonio de Jodie Foster y John C. Reilly, y un teatro
filmado armado con inteligencia y ritmo inclaudicables.
En este sentido, apuntamos que tiene una muy sólida
escenografía y es un símil exacto de un departamento
neoyorkino, a diferencia del original ambientado en
París.
El reto del Polanski fue el plató
construido en el país galo, con la colaboración del
director artístico Dean Tavoularis (trabajó asiduamente
con Francis Ford Coppola), el director de fotografía
Pawel Edelman y la laureada diseñadora de vestuario
Milena Canonero y fundamentalmente esa comprometida
fidelidad que tramó al armar una película de 80 minutos,
donde la acción se desarrolla sin interrupciones y en un
único decorado (un departamento completo con living,
cocina y baño), es decir una película en tiempo real,
sin una sola elipsis, que se constituye en otro pilar
audaz e innovador.
La trama es bien conocida por todos
a raíz de la representación exitosa en París, Londres,
Broadway y Buenos Aires de la obra teatral de Yasmina
Reza (Florencia Peña logró una de sus performances más
aplaudidas en teatro) quien colaboró con el propio
Polanski en la adaptación al cine: nos muestra los
prejuicios sociales y la disociación de los matrimonios
con furia e hipocresía. Un hámster enjaulado, la ropa
manchada del matrimonio invitado (Waltz y Winslet), van
generando tensión entre los cuatro personajes desde el
comienzo.
El tema elegido nos remite a un
maduro Roman Polanski (78 años), y permite que cuatro
actores convocados hagan gala de una superlativa
actuación: es un duelo actoral de altísimo nivel que, a
pesar de mostrar la hilacha de “teatro filmado” (no
siempre con buenos resultados en la pantalla grande) nos
atrapa desde el comienzo por la inteligencia de los
parlamentos y las situaciones que vive este estupendo
elenco.
Señalamos que el gran compositor
Alexandre Desplat realizó la apertura y cierre del film,
que no cuenta con una banda sonora que subraye
secuencias. La metáfora de Polanski es directa pero
sutil al mismo tiempo: el hámster del matrimonio
huésped recupera la libertad mientras los cuatro
participantes de esta espontánea “carnicería”
(traducción de carnage) quedan atrapados en sus
confusiones sentimentales, en sus reproches reprimidos y
en una adultez todavía inmadura. Un film inteligente.
Carlos Pierre
JOHN CARTER: ENTRE DOS MUNDOS 3D
De Andrew Stanton. Con Taylor
Kitsch, Lynn Collins, Mark Strong, Willem Dafoe, entre
otros. Música de Michael Giacchino. Duración 133
minutos.
BUENA. ENTRETENIMIENTO ÉPICO EN UNA
ILÍADA MARCIANA
Inspirado en la primera novela
titulada A Princess of Mars del escritor norteamericano
Edgar Rice Burroughs (autor de Tarzán), este film
apunta a convertirse en una saga de tres entregas
cuanto menos donde el ex militar de la Guerra Civil, el
capitán John Carter (Taylor Kitsch) es transportado
misteriosamente al planeta Marte (llamado Barsoom); allí
los heliumites y los zodagans luchan por gobernar el
planeta.
Se trata de una producción
ambiciosa, plena de recursos técnicos y artísticos,
filmada durante cuatro meses en estudios londinenses y
en Utah, en salinas y escenarios naturales. Estas
diferentes locaciones son el sostén invalorable con los
que contó el realizador Andrew Stanton (Wall-E, Buscando
a Nemo) para narrar ampulosa y épicamente las aventuras
del capitán del estado de Virginia en el planeta rojo,
semidesértico y agonizante, pero aún con una feroz
efervescencia bélica entre sus habitantes.
En este gran conflicto, el
protagonista se involucra con los buenos y se enamora de
la princesa Dejah Thoris (Lynn Collins) pero, para salir
airoso de tremenda cuestión, deberá luchar contra un
villano muy duro interpretado por Mark Strong.
Carter cuenta con un simpático pero
enorme y rechoncho perro, su incondicional protector,
llamado Woola, y también con esa invalorable ventaja que
nos toca a los humanos de poder saltar a gran altura en
Marte, debido a la débil atmósfera que conlleva a una
menor gravedad. Con inteligencia, el director utilizó
estos recursos naturales que tienen una explicación
científica.
La presencia de Willem Dafoe
siempre es un atractivo extra para cualquier film. Sin
embargo, aquí “no lo vemos” porque está dentro de un
cuerpo armado de tres metros de altura, de color verde
intenso, con cuatro brazos, cuernos enroscados hablando
un idioma propio. Y es un personaje insoslayable, igual
que la princesa de Marte que, como en casi todas las
historias, está obligada a casarse con quien no desea.
Es el toque femenino en medio de la belicosidad
reinante.
A tono con tantas películas de
entretenimiento basada en efectos especiales y seres
semi monstruosos, esta novela del siglo pasado llevada
al 3D nos propone involucrarnos en una pura aventura y a
toda acción, con parentesco con la antigua literatura
clásica, mentora de esta Ilíada marciana. Para
divertirse a pleno.
Carlos Pierre
JUEVES
1 DE MARZO DEL 2012
Hay cinco estrenos, incluyendo el
documental Centro, de Sebastián Martínez, sobre aspectos
de la ciudad de Buenos Aires, que no comentaremos.
DRIVE
De Nicolás Winding Refn. Con Ryan
Gosling, Carey Mulligan, Alberto Brodes, Bryan CRanston,
Ron Perlman, entre otros. Música de Cliff Martínez.
Duración: 100 minutos.
MUY BUENA. VELOCIDAD MÁXIMA EN UN
SANGRIENTO DRAMA DE HAMPA Y AMOR
Una saludable química se estableció
entre el consolidado actor Ryan Gosling (Blue Valentine,
Secretos de Estado) y el realizador danés Nicolás
Sinding Refn, multipremiado director con mano firme para
los relatos donde la violencia y el género gore saltan
de la pantalla al espectador.
Por supuesto, es cine “noir”, de
culto, que tiene seguidores en todo el mundo y que ha
estado nominado incluso en Cannes, con aplausos de la
platea que disfrutó de la actuación de Gosling,
enigmático y excitante a la vez, y de estas carreras
automovilísticas (al estilo Nicolás Cage en sus últimos
films) a todo o nada, con muertos y despedazamientos por
doquier, a mano, como debe ser en este género.
El protagonista de esta historia no
tiene nombre propio, es “él”, “boy”, pero sabemos de
quién se trata: es un diestro conductor de autos que
vive para manejar, es mecánico y también doble de riesgo
en films. La capacidad como conductor la utiliza de
noche para ser el “conductor” de hampones, cumpliendo
nada más que ese rol sin mirar a quién le presta ayuda.
De pronto irrumpe en su vida una
vecina, que tiene un hijo pequeño y está sola. Se
enamora pero está acostumbrado a ocultar sentimientos
así que no esperemos una historia de amor sino, en todo
caso, un amor latente que tendrá su tiempo porque las
actividades de este “boy” tienen prioridad. La mafia le
tenderá trampas y, cuando se acercan a su pretendida, la
furia de “boy” no tendrá contención. Será brutal.
Para muchos, estamos frente a
recursos del cine de clase B. Vale destacar, en este
sentido, que el cine de clase A utiliza todos estos
elementos así que hay que destacar la actuación de
Alberto Brooks y Ron Perlman, por ejemplo, gángster
inolvidables. Y no olvidarnos de Charles Bronson ni del
maestro Clint Eastwood, como antecedentes de películas
que siguen vigentes en el gusto de una mayoría.
Debemos detenernos en Ryan Gosling,
quien dota a su personaje de una personalidad medida y
temperamental a la vez, un hombre capaz de enamorarse y
de luchar por los valores que encuentra en Irene, a
cargo de la gran actriz inglesa Carey Mulligan, nominada
a los Oscars por su rol en “An education” (film para no
dejar de ver), que le permitió ganar otros premios
también de gran importancia. Ryan Gosling tampoco se
quedó atrás, recibiendo el premio International Press
Academy por su actuación en este film, así coo el
director Nicolás Sinding Refn fue ganador de la Palma de
Oro como mejor Director en Cannes 2011.
Es decir, estamos frente a un film
policial con características gore muy bien interpretado,
bien realizado, con elementos del tradicional noir (el
hampa, los burdeles, las amenazas, las balaceras, la
traición, etcétera). En la “nouvelle vague” se decía que
un buen policial no podía faltar en la vida de ningún
realizador, el revólver y la chica linda debían
aparecer. Refh es un fiel seguidor de esta premisa y
consigue un muy buen film con dosis de tensión
apabullantes y escenas que estremecen. Para fuertes.
Carlos Pierre
AMOR POR SIEMPRE
De Nicole Kassell. Con Kate Hudson,
Gael García Bernal, Kathy Bates, Whoopi Golberg, Lucy
Punch, entre otros. Música de Heitor Pereira. Duración:
100 minutos.
BUENA. “LOVE STORY” DE TODOS LOS
TIEMPOS
Que la tierra es, para algunos, el
infierno tan temido, no es novedad. Y así se toma en
esta película donde la protagonista, Marley Corbett, es
una treinteañera que tiene trabajo y buenos amigos hasta
que, en un examen de rutina se descubre que padece un
cáncer de colon terminal. Está protagonizada por Kate
Hudson, hija del primer matrimonio de la famosa Goldie
Hawn, una de las estrellas rubias norteamericanas que
siguieron la huella de Doris Day. A su vez, Goldie tuvo
una sucesora en la hoy cincuentona Meg Ryan. Y la racha
continuó con Reese Whitespoon, un poco olvidada por la
pantalla grande.
Kate Hudson es una buena actriz de
comedias que no ha tenido la suerte de una Cameron Díaz
en la elección de sus papeles. Pero, sin duda, la
comedia está en sus genes y logra una excelente
performance en esta nueva “love story” un poco tontuela
porque la participación de Gael García Bernal como el
doctor Julian Goldstein que le descubre el mal y se
enamora de la paciente, aún sabiendo que se morirá en
poco tiempo, no terminó de convencernos. Es apático,
débil, no conmueve. Y deslucido frente a la desbordante
Kate Hudson.
Hay momentos un poco ridículos como
el viaje al cielo de la protagonista quien se encuentra
con un dios no convencional: Whoopi Golberg, siguiendo,
a su vez, el tipo de rol que hiciera en la inolvidable “Ghost”.
En “Amor por siempre” ganó varios escalones y está
directamente en el cielo ocupando el trono de una diosa
que puede hablar y convencer a Marley de que la esperará
y que no sufrirá más. La secuencia final es rayana en lo
ridículo, demasiadas nubes…
Pero…estamos frente a una Love
Story con todos sus ingredientes, un producto que no le
hace mal a nadie, donde Kate Hudson hace relevante su
papel, aunque canse un poco con su risa casi
desenfrenada durante buena parte de la narración. A
diferencia de la crítica norteamericana, Hudson dotó a
su rol de un sufrimiento propio de semejante enfermedad,
sin patetismo. Kathy Bates como su madre está perfecta,
medida, el papel no dio para más.
Con excepción de los “cielos”
inventados por la dirección, que son un toque burdo, la
comedia va por andariveles conocidos. Para pasar un
momento de emoción… hasta ahí. Y no pedir nada más. Es
buena para nosotros por la convincente y alocada
actuación de Kate Hudson y Kathy Bates. Para las más
jovencitas.
Elsa Bragato
SOLO POR DINERO
De Julie Ann Robinson. Con Katerine
Heigl, Jason O’Mara, y la vuelta al cine de Debbie
Reynolds. Música de Deborah Lurie. Duración: 91 minutos
BUENA. MUJERES AL FRENTE DE UNA
COMEDIA ATREVIDA
Una nutrida legión de mujeres se
pusieron al hombro la realización de esta atractiva
comedia dramática, basada en la exitosa novela One for
the Money, primera entrega de una saga de 18
best.sellers, aparecida en 1994, de la escritora Janet
Evanovich. La heroína es “Stephaine Plum”, un personaje
muy conocido en los Estados Unidos especialmente por el
público femenino a raíz de las novelas. Está
interpretada por la carismática Katherine Heigl, quien
tiene una abuela muy especial, interpretada por Debbie
Reynolds, la actriz y cantante que enamorara en 1957
con el film Tammy (se hicieron varios con este personaje
e incluso una serie de TV).
Vale la pena indicar que el film
cuenta con la dirección, el guión, la música, el montaje
y el libro realizados por mujeres, una muestra más que
elocuente de que film tiene se toque feminista
inevitable y bienvenido, aunque la protagonista vaya por
caminos reñidos con la femineidad tales como la
extorsión y el hampa.
“Stephanie Plum” es una joven sin
trabajo, divorciada, alejada de su familia, quien vive
sola con un hámster. Un buen día decide recurrir a su
primo, dueño de un negocio de garantes, en New Jersey,
para tener un sueldo digno. Pero, casualmente, el
trabajo consiste en darle caza a un fugitivo
escurridizo, un ex policía sospechosos de asesinato, que
encarna Jason O’Mara. Ambos se conocían desde los años
de juventud y Stephanie encuentra la forma justa para
tomar revancha por los desplantes de su ex pareja y
sacarle una buena cantidad de dinero.
Hay que analizar cuál fue la causa
del éxito de estas novelas para comprender por qué el
film también ha tenido buena suerte en otros países:
está sustentado en una escritura fácil de leer y una
buena historia poblada de personajes atractivos.
La pareja protagónica conforma a su
vez un acertado gancho romántico, sembrado de desplantes
que mantienen la atención de principio al fin. Por
supuesto, aquí no podemos reclamar introspección en los
personajes, sino detenernos en el desparpajo de la
protagonista femenina que es la “sal” de la narración.
Y, sin duda, la película resulta
muy entretenida, a pesar de que el tema no es novedoso
en el cine. La actuación de Heigl tiene la
responsabilidad de llevar adelante una comedia
simpática, que busca alegrarnos por un rato, nada más.
No es poco ni tampoco mucho. Pero suficiente para
explicar el éxito de las novelas y del film. Aunque muy
lejanamente, hay otra heroína femenina, nórdica, que
tiene gran aceptación en el público, y es la de
Millenium, si bien el planteo narrativo, argumental,
tiene más envergadura en este último que aquí. “Solo por
dinero” es una película especial para las mujeres de
todas las edades, para pasarla bien y, por qué no?,
enorgullecerse de que tantas congéneres hayan llevado a
cabo un film con ritmo narrativo y buena producción.
Carlos Pierre
INFRAMUNDO: EL DESPERTAR
De Marlind y Stein, con Kate
Beckinsale, Stephen Rea e India Eisley, entre otros.
Música de Paul Haslinger. Duración: 89 minutos.
MALA. VAMPIROS Y LYCANS ENCONTRARON
LA VUELTA PARA SEGUIR EN PANTALLA
Estamos frente a la cuarta película
de esta saga entre vampiros subterráneos y lycans. Las
primeras películas tuvieron la misma ambientación que
ésta, la cuarta, un mundo virado al azul, donde ni
siquiera la sangre es tan roja como creemos. Peleas,
despedazamientos, luchas brutales entre dos grupos de
seres que quieren dominar la Humanidad.
No hay diferencia en el concepto
argumental básico de este nuevo film. Sí lo hay respecto
de su ya tradicional Selene, que vuelve en la piel de la
bella Kate Beckinsale, quien amó a un híbrido llamado
Michael, ya muerto, con quien ha tenido una descendencia
inesperada. He aquí el
quid del film.
Han pasado 15 años en el tiempo de
ficción y Selene ha sido capturada por la empresa
Antigen, que la tiene congelada, hasta que sucede algo
inesperado y la vampiro recuperará su fuerza vital, con
la sorpresa de una hija que no esperaba tener y que todo
indica tuvo en el forzado cautiverio, interpretada por
la joven India Eisley, de 17 años, prácticamente en su
debut en la pantalla grande. Mientras todo esto sucede,
hay una distinción entre los diferentes seres de aspecto
humano que habitan este film con tendencia al cómic: los
seres del inframundo, los comunes y los supermonstruos,
especies de Hulk, llamados Uberlycan.
Para quienes gustan de estas sagas
y el mundo “dark” que incluso tiene su propia moda, el
film mantiene la atención del espectador, la tensión y
las escenas de brutalidad tan características. Casi no
hay diálogos sino que da la impresión de ser una
película armada en base a secuencias de golpes y
encuentros desagradables que terminan con la muerte de
los humanos que osan increpar a estos vampiros y lycans.
Los humanos nada tenemos que hacer en el argumento y
bien se lo demuestra.
Se pueden buscar subtemas, un tanto
forzadamente, como la existencia de seres de mala
energía o mala “onda” entre nosotros, personas que no
hacen el bien, que buscan dominar a los más plácidos, y
los encontramos entre quienes o por dinero o por
posición tienen lugares preponderantes en la sociedad.
Nada más que no los vemos ni como vampiros ni como
lycans, aunque tal vez debiéramos! También tiene su
costado de bondad, aunque no se los podamos ver. Como
estos vampiros y lycans.
En definitiva, es un film para la
generación “dark” con muchísima acción, poca luces
argumentales y una buena vuelta de tuerca para que la
saga continúe: la hija de Selene y sus dones
sobrenaturales que no son nada despreciables. La
realización es ajustada a la propuesta, se rodó en
Vancouver y se invirtió lo estrictamente necesario. No
está mal para los fans pero nos resultó muy pobre en
todo sentido, elemental.
